By Chris Boha

As I drive down the left side of the road, without thinking about it by now, on my way to the petrol station, that I still refer to as a gas station every now and again, to fill up the ute, which I have finally stopped calling a truck, my thoughts drift back to past Canadian winters. The sound of snow crunching underfoot, the sparkle of sunlight reflecting off the surface of freshly fallen snow (then having to shovel it) … the unforgiving feeling of a frozen car seat at 40 below (47 below with a wind-chill) … yes, I grew up in Saskatchewan … and yes that’s Celsius for any Australians reading this.

Just to clarify, it’s not that I miss enduring months and months of winter each year, but having been in Australia for over two years now and with our first child on the way and, as such, having no plans for leaving anytime soon, I find myself reflecting on my childhood and life back in Canada. Now this winter reminiscence is not to say that I don’t miss many other things about the Canadian landscape or, conversely, that I don’t love many things about the Australian landscape, because I do:  the lush colour of green that so many Canadian plants possess – differing completely to the grey-green of many hearty native Australian plants, the sights and sounds of glacial rivers running down into aqua blue lakes just inside the magnificent Rocky Mountains, now contrasted by the deep red of the sprawling Australian outback … with an endless list of others.

Artist: Julia Reimer Title: Red Ripe Dimensions: 180 X 180 mm Photo: John Dean

I guess it’s just that winter is about as far from the deserts, beaches and outdoor living of Australia as it gets and, as such, the shared knowledge and experience of winter is something foreign to the average Australian. It is an experience that can only be shared and understood through experience and therefore is largely meaningless to individuals for whom freezing cold is plus 1, who cannot possibly fathom minus 30 or 40. This frigid and frozen shared winter knowledge is part of what makes us Canadian … the part that makes up about 7 months a year!

But regardless of the many differences between Australians and Canadians, there is an enduring connection and mutual interest in “the other” that exists between these two populations, one surely founded in our shared experiences and understandings of colonial and indigenous pasts as well as in similar spatial and geological understandings of distance and population. Combine this connection and interest with a closely connected community – such as the international glass community – and you have the perfect building blocks for a strong bridge between two vibrant and engaged communities.

Although Canada has a close and relatively connected glass community as well as great educational glass programs such as programs at the Alberta College of Art and Design (ACAD), Espace Verre and Sheridan College, it lacks key educational opportunities such as a Masters or PhD program in glass. Due to this fact, Canadian glass artists wanting to undertake a masters program must leave the country … and Australia, having three universities with post grad glass programs, four up till a few months ago, and a well deserved international reputation for high quality glass, not to mention warm weather, beaches and some of the most unique animals in the world, is an obvious choice for consideration.

One of the first Canadian/Australian glass education connections I knew about was Natali Rodrigues a Canadian glass artist who graduated with her Masters from the Australian National University (ANU). Natali has gone on to teach at ACAD in Calgary and is the current head of the glass department there.

Artist: Natali Rodrigues Title: Proximity and Touch, # 1 Dimensions: Larger: 180 x 320 x 70 mm Smaller: 550 x 90 x 450 mm Materials: Cast, hot Formed and cold worked Photo: Ward Bastian

Around the same time that Natali was attending ANU, I was enrolled as an undergraduate in the glass program at ACAD, still trying to figure out the mysteries of attaching a punty and then getting it back off again WITHOUT breaking the bottom out of my work!! In my third year at ACAD, Fleur Schell, a visiting ceramic artist from Western Australia arrived at ACAD to teach for a year.  While she was there, she mentioned the glass program at the Jam Factory in Adelaide. For those unfamiliar with the Jam Factory, it is a training and public access facility specializing in Glass, Metals (Jewellery), Furniture and Ceramics as well as housing two galleries and a retail outlet. The glass area runs a 2-year intensive training associate-ship where the associates work with established artists on commissions as well as their own work, building both design and technical skills. As far as I know, there is no other program like it in the world. The Jam Factory has been a significant cornerstone in the establishment of not only the Adelaide glass scene but also the Australian glass scene as a whole.

Artist: Christine Cholewa Title: F1 Hybrid Materials: hand blown glass, kiln formed, etched, spray paint Dimensions: 1200 x 900 x 30mm Photo: Michael Haines

Canadian glass artist, Christine Cholewa, started what many Aussies now refer to as the “Canadian invasion” of Adelaide. She arrived in Adelaide in 2004 as an associate of the Jam Factory and spent the next two years involved in the local glass scene. As a graduate of ACAD, Christine assisted in the connections that helped to bring Australian glass artist and head of the University of South Australia’s (UniSA) glass program, Gabriella Bisetto, to ACAD as a visiting artist in 2006, where Tyler Rock, Julia Reimer, Jaan Poldaas and myself first met her. The same year I met Quebec glassblowers Caroline Ouellette and Patrick Primeau, as well as New Zealand glass caster Emma Camden at the GAAC Conference in Red Deer. Over the next two years, I became good friends with Caroline and Patrick, visiting them in their Montreal-based studio many times as well as keeping in contact with Emma and talking about the possibility of coming to work with her in New Zealand.

Artist: Caroline Ouellette Title: Pomona Materials: pate de verre and flameworked glass Dimensions: 1250 x 250 x 220 mm Photo: Michel Dubreuil

In 2008, I received an Alberta Foundation for the Arts grant to study more intensive casting techniques with Emma Camden in New Zealand and, as this coincided with the end of a teaching contract at ACAD as well as the end of my studio lease, I decided to turn my intended one month trip into a six month trip. So, in January of 2008, I left Canada and arrived in New Zealand, spending three amazing months working with Emma Camden, her partner David Murray and their two fantastic children Lola and Miro. I then reluctantly left New Zealand and through connections to Christine, a fellow ACAD graduate, and Gabriella, who I met on her 2006 residency at ACAD, I found myself with a three-month residency at UniSA in Adelaide.

Artist: Patrick's Primeau Untitled (Urchin series) Materials: blown glass Dimensions 300 x 300 x 300 mm Photo: Michel Dubreuil

Before leaving I had applied to a couple of Masters programs in the U.S. and later found out I was accepted into the Ohio State program, but after three months in Adelaide I was hooked! I fell in love with the city, the weather and the glass community (one member in particular).  So when I arrived back in Canada, I immediately started my application for the Masters program at UniSA and after a long seven months, I was back in Adelaide enrolled in the Masters by research.  This was only one week after Jaan Poldaas had arrived to take up his associate position at the Jam Factory! What a small world it is when you are a part of the glass community!

I feel lucky to count Tyler Rock, Julia Reimer, Caroline Ouellette, Patrick Primeau and Jaan Poldaas among my friends. Tyler taught Christine, Jaan and myself at ACAD, as well as had all of us assisting, at one time or another, in his and Julia’s studio, Firebrand Glass, in Black Diamond, Alberta. Years later, with much help and encouragement from Tyler, I went on to teach alongside him at ACAD. So when I heard he was looking to taking his Masters and was considering UniSA, I was excited.

Artist: Jaan Poldaas Title: Eclipse Materials: blown glass Dimension: 350 x 450 x 600 mm Photo: Michael Haines

Now, deciding where to undertake your Masters is not an easy decision, with many pros and cons to weigh up and measure. While facilities, staff and academic rigor are high on the list, wanting to actually live where the university is located is also high on the list of criteria. This is a fantastic selling point for UniSA, because what it lacks in facilities compared to some of the large American programs, it makes up for in more-than-adequate facilities, fantastic staff, high academic rigor, and the Adelaide glass community itself. I believe all of these factors were important considerations for Tyler and Caroline when deciding which school to attend in Australia, not to mention the vibrant glass community.  The weather and beaches were probably very important considerations for Julia and Patrick as well.

Artist: Gabriella Bisetto Title: The Ocean Within Materials: blow and hot cast glass Dimensions: 2000 x 700 mm Photo: Grant Hancock

Now it is all too easy to paint romantic notions of Australian beaches, warm weather and kangaroos hopping around the outback, but as with any situations there are ups and downs. After having taken my undergrad in Canada, visited schools in the U.S. and now been enrolled at UniSA for over two years, I believe that Canada has one of the best undergrad programs I have ever come across. Unfortunately, the trajectory for the Australian undergrad in the arts is woefully spiralling down with class sizes increasing and facilities, teaching hours and access to equipment decreasing. To make a comparison based on personal observations, the students at ACAD have half the class sizes, double the facilities, double the teaching time and double the amount of teaching and technical staff. I personally believe this to be due to the art schools in Australia being absorbed by universities, while their counterparts in Canada remain independent institutions. Art schools, and glass programs in particular, require an inordinate amount of facilities to train a comparatively small number of students.  You can’t teach jewellery, glass or ceramics to a hundred students in a lecture hall and, unfortunately, when you start looking at profit margins, this is a consideration of most universities.

Artist: Chris Boha Title: 24 weeks Materials: blown glass, newspaper, wood Dimensions: 1500 x 1200 x 3300 mm Photo: Chris Boha

On the other hand, what Australian universities do well at is post-grad programs. With their focus and funding aimed at research, their Masters by Research and PhD programs are academically rigorous and well recognized, balancing the production of art with academic and theoretical rigour.

So if you’re thinking about continuing glass education, or even just a glass-related holiday, maybe you should consider a trip down-under!

It’s a beautiful sunny day and I’m off for a surf.  Then we’re going to throw some shrimp on the barbie!  Well, actually, I can’t surf and no one here calls them shrimp!  And, unfortunately, being enrolled in the PhD program means that I have far too much work to do to go to the beach!

Related links:

http://www.acad.ab.ca/glass.html

http://www.unisa.edu.au/artarchitecturedesign/art/glassnews.asp

http://soa.anu.edu.au/glass

http://sydney.edu.au/sca/about/studio_areas/glass.shtml

www.jamfactory.com.au

www.patrickprimeau.com

http://www.carolineouelletteglass.com

www.firebrandglass.ca

http://www.glassartcanada.ca/artist.php?id=62

http://www.unisanet.unisa.edu.au/staff/homepage.asp?name=gabriella.bisetto

http://www.chrisboha.com

De – 40 à + 40 : Canadiens en Australie

Par Chris Boha

Traduit par Caroline Ouellette

Sans même y penser, je conduis sur le côté gauche de la route vers la station de « pétrole » que j’appelle encore parfois station d’essence. Je vais y faire le plein du « ute » (expression australienne pour camionnette) que j’ai finalement arrêté de nommer truck. Mes pensées dérivent alors vers mes hivers passés au Canada. Le son de la neige qui crisse sous mes pas, les étincelles des rayons de soleil qui se reflètent sur la surface de la neige fraîchement tombée (et qui devra être pelletée), l’impardonnable sensation d’un siège de voiture gelé à – 40° (- 47° avec le facteur vent)… Et oui, j’ai grandi en Saskatchewan… et oui, pour les Australiens qui liront ceci, ces degrés sont bien en Celsius.

Afin de mettre les choses au clair, ce n’est pas d’endurer des mois et des mois d’hiver à chaque année qui me manque. Mais après avoir passé plus de deux ans en Australie et avec notre premier enfant à naître, et sans aucun plan de départ, dans un avenir immédiat, je repense à mon enfance et à ma vie au Canada. Cette réminiscence de l’hiver ne veut pas dire que je ne m’ennuie pas de plusieurs autres choses du paysage canadien, ou que je n’aime pas le paysage australien, parce que ce n’est pas le cas. Les verts luxuriants de plusieurs plantes canadiennes diffèrent complètement des gris-vert des copieuses plantes indigènes australiennes. La vision et les sons des rivières glacées se déversant dans des lacs bleu turquoise, au cœur des magnifiques montagnes Rocheuses, contrastent maintenant avec les rouges profonds de l’étendue de la campagne australienne. Ces choses font partie d’une liste infinie de différence.

Artist: Julia Reimer Title: Red Ripe Dimensions: 180 X 180 mm Photo: John Dean

Je sais que la connaissance et l’expérience de l’hiver sont étrangères à l’Australien moyen parce que l’hiver est à l’extrême opposé des déserts, des plages et de la vie dans la campagne australienne. Cette connaissance ne peut être partagée et comprise qu’à travers son expérience et elle est donc insensée pour des individus pour qui un froid de canard équivaut à + 1°, et qui ne peuvent probablement pas comprendre – 30° ou – 40°C. Cette connaissance intime de l’hiver frigorifiant et glacial est, en partie, ce qui fait de nous des Canadiens pendant sept mois de l’année!

Bien qu’il y ait plusieurs différences entre les Australiens et les Canadiens, il existe un lien durable et un intérêt mutuel dans l’autre. Ce lien entre les deux populations est certainement fondé sur le partage d’une expérience et la connaissance d’un passé colonial, ainsi qu’une compréhension spatiale et géographique similaire des distances et des populations indigènes. En combinant ce lien et cet intérêt avec une communauté tissée serrée, comme celle des verriers internationaux, vous obtenez les fondations parfaites pour construire un pont solide entre deux communautés vibrantes et engagées.

Artist: Tyler Rock Title: Vestige Dimensions: 180 X 160 X 150 mm Photo: John Dean

Quoique la communauté canadienne de verriers soit liée et relativement bien connectée et qu’il y ait de très bons programmes d’études de premier cycle en verre comme ceux du Alberta College of Art and Design (ACAD), d’Espace VERRE et du Sheridan College, il manque, par contre, des programmes d’éducation supérieure de maîtrise et de doctorat. Étant donné ce manque, les artistes verriers canadiens voulant entreprendre une maîtrise doivent quitter le pays. L’Australie, avec trois programmes universitaires d’études supérieures en verre (quatre jusqu’à tout récemment) s’est bâtie une réputation dans le monde du verre, bien méritée et de qualité. Tout cela, sans mentionner la température clémente, les plages et quelques-uns des animaux les plus étranges de la planète, parmi les choix évidents à prendre en considération.

À ma connaissance, Natali Rodrigues est l’une des premières artistes verrier canadiennes à avoir fait un lien entre le Canada et l’Australie en complétant ses études supérieures en verre à la maîtrise à l’Australian National University (ANU). Natali enseigne et dirige maintenant le département du verre à l’ACAD.

Artist: Natali Rodrigues Title: Proximity and Touch, # 1 Dimensions: Larger: 180 x 320 x 70 mm Smaller: 550 x 90 x 450 mm Materials: Cast, hot Formed and cold worked Photo: Ward Bastian

Pendant que Natali étudiait à ANU, je me suis inscrit au programme de verre à l’ACAD. J’essayai alors de démystifier la manière de mettre une pièce sur un pontil pour ensuite la détacher sans en arracher le fond ! Au cours de ma 3^e année à l’ACAD, Fleur Schell, une artiste de l’Australie occidentale, est venue en résidence à l’ACAD pour enseigner la céramique pendant un an. Lors de son séjour, elle a mentionné le programme de verre à Jam Factory à Adélaïde. Pour ceux qui ne sont pas familier avec Jam Factory, c’est un lieu qui intègre deux galeries, une boutique et un atelier public qui offre un programme d’apprentissage spécialisé en verre, en joaillerie, en ébénisterie et en céramique. Durant ce programme intensif de deux ans, les apprentis travaillent pour réaliser des commandes spéciales pour Jam Factory. Ils assistent également des artistes reconnus, tout en développant à la fois leurs habiletés techniques et leur sens du design. Autant que je sache, il n’y a pas d’autre programme de ce genre dans le monde. Jam Factory a été un point tournant dans l’établissement de la bonne réputation du verre provenant non seulement d’Adélaïde mais de toute l’Australie.

Artist: Christine Cholewa Title: F1 Hybrid Materials: hand blown glass, kiln formed, etched, spray paint Dimensions: 1200 x 900 x 30mm Photo: Michael Haines

L’artiste verrier canadienne, Christine Cholewa, a été l’instigatrice de ce que plusieurs Australiens appellent maintenant « l’invasion canadienne » d’Adélaïde. Elle est arrivée en 2004 pour être apprentie à Jam Factory où elle s’est impliquée pendant deux ans dans la communauté du verre. Diplômée de l’ACAD, Christine a facilité le lien avec Gabriella Bisetto, artiste verrier australienne et directrice du département de verre de la University of South Australia (UniSA), pour qu’elle vienne à l’ACAD en tant qu’artiste en résidence en 2006. C’est à ce moment que Tyler Rock, Julia Reimer, Jaan Poldaas et moi-même l’avons rencontrée. Cette même année au congrès du GAAC à Red Deer, j’ai rencontré Caroline Ouellette et Patrick Primeau, deux souffleurs de verre québécois, ainsi qu’Emma Camden, une néo-zélandaise qui fait de la pâte de verre. Durant les deux années suivantes, je me suis lié d’amitié avec Caroline et Patrick, leur rendant visite plusieurs fois à leur atelier près de Montréal tout en gardant contact avec Emma afin de discuter de la possibilité de venir travailler avec elle en Nouvelle-Zélande.

Artist: Caroline Ouellette Title: Pomona Materials: pate de verre and flameworked glass Dimensions: 1250 x 250 x 220 mm Photo: Michel Dubreuil

En 2008, j’ai reçu une bourse de la Alberta Fondation for the Arts pour approfondir mes connaissances en pâte de verre avec Emma Camden en Nouvelle-Zélande. Comme cela coïncidait avec la fin de mon contrat d’enseignement à l’ACAD ainsi qu’avec la fin du bail de location de mon atelier, j’ai décidé de transformer mon voyage d’un mois en un voyage de six mois. J’ai donc quitté le Canada en janvier 2008 vers la Nouvelle-Zélande, où j’ai passé trois mois incroyables à travailler avec Emma Camden, son partenaire David Murray et leurs deux fantastiques enfants, Lola et Miro. À contrecœur, j’ai quitté la Nouvelle-Zélande et par le biais de Christine Cholewa, une camarade de classe à l’ACAD, et de Gabriella Bisetto, que j’avais rencontrée lors de sa résidence à l’ACAD en 2006, j’ai obtenu une place d’artiste en résidence à l’UniSA à Adélaïde pendant trois mois.

Artist: Patrick's Primeau Untitled (Urchin series) Materials: blown glass Dimensions 300 x 300 x 300 mm Photo: Michel Dubreuil

Avant mon départ du Canada, je m’étais inscrit à différents programmes de maîtrise aux États-Unis et j’ai été accepté au programme de la Ohio State University. Mais après trois mois à Adélaïde, j’étais accroché! Je suis tombé amoureux de la ville, de la température et de la communauté (et plus particulièrement d’une personne). Donc, dès mon retour au Canada, j’ai immédiatement soumis une demande d’inscription au programme de maîtrise à l’UniSA. Après sept longs mois d’attente, j’étais de retour à Adélaïde, inscrit au programme de maîtrise par recherche. Mon retour s’est effectué la semaine suivant l’arrivée de Jaan Poldaas, collègue de l’ACAD, en tant qu’apprenti à Jam Factory. Le monde est vraiment petit lorsque l’on fait partie de la communauté du verre.

Je suis chanceux de compter Tyler Rock, Julia Reimer, Caroline Ouellette, Patrick Primeau et Jaan Poldaas parmi mes amis. Tyler m’a enseigné à l’ACAD ainsi qu’à Christine et à Jaan. Nous l’avons tous assisté, à un moment ou à un autre, dans l’atelier Firebrand Glass qu’il partage avec Julia Reimer, à Black Diamond, en Alberta. Après plusieurs années, j’ai enseigné à l’ACAD aux côtés de Tyler qui m’a grandement encouragé et aidé. J’étais donc tout excité en apprenant qu’il cherchait une université où s’inscrire en maîtrise et qu’il considérait sérieusement s’inscrire à l’UniSA!

Artist: Jaan Poldaas Title: Eclipse Materials: blown glass Dimension: 350 x 450 x 600 mm Photo: Michael Haines

Décider où s’inscrire à la maîtrise n’est pas une décision facile car il y a beaucoup de pours et de contres à peser. Les ateliers, le personnel et la rigueur académique sont les premiers critères à considérer mais il faut aussi avoir envie de vivre dans la ville où est située cette université. Ce sont d’excellentes raisons pour faire la promotion de l’UniSA car ce qui manque, comparé aux grandes universités américaines, est compensé par des installations plus qu’adéquate, du personnel fantastique, de la rigueur académique et une communauté de verriers en ébullition à Adélaïde. Je crois que tous ces facteurs ont été décisifs lorsqu’est venu le temps pour Tyler et Caroline de choisir l’université où ils voulaient étudier en Australie. La température et les plages ont probablement été des facteurs importants pour convaincre leurs conjoints Julia et Patrick.

Artist: Gabriella Bisetto Title: The Ocean Within Materials: blow and hot cast glass Dimensions: 2000 x 700 mm Photo: Grant Hancock

Maintenant, c’est très facile de dépeindre une image romantique des plages australiennes, de la température clémente et des kangourous qui sautillent dans la campagne. Mais toute situation a ses hauts et ses bas. Après avoir étudié le verre en premier cycle au Canada, après avoir visité des écoles américaines, après avoir étudié deux ans à l’UniSA, je crois que le Canada offre de meilleurs programmes d’études de premier cycle. Malheureusement, le cheminement des étudiants australiens en premier cycle est en chute libre; le nombre d’étudiants augmente mais l’accès aux installations et aux équipements ainsi que les heures de cours diminuent. Pour faire une comparaison avec l’ACAD, selon mes observations, les classes ont la moitié d’étudiants, le double d’heure d’enseignement, d’enseignants et de personnels techniques par étudiant. Personnellement, je crois que c’est dû au fait qu’en Australie, les écoles d’art sont absorbées par des universités alors qu’au Canada, les écoles de verre restent indépendantes. Les écoles d’art, particulièrement en verre, requièrent des installations dispendieuses pour former un nombre réduit d’étudiants. On ne peut pas enseigner la joaillerie, le verre et la céramique dans un auditorium de cent étudiants, et malheureusement, la marge de profit est trop souvent prise en ligne de compte par la plupart des universités.

Artist: Chris Boha Title: 24 weeks Materials: blown glass, newspaper, wood Dimensions: 1500 x 1200 x 3300 mm Photo: Chris Boha

Les universités australiennes ont de très bons programmes d’études supérieures. Le centre d’intérêt et le financement étant au niveau de la recherche, leurs programmes de maîtrise et de doctorat sont reconnus et ils offrent un équilibre entre la production artistique et la rigueur théorique et académique.

Donc, si vous désirez poursuivre vos études supérieures en verre, ou simplement passer des vacances de verriers, peut-être devriez-vous considérer l’Australie!

C’est une très belle journée ensoleillée et je m’en vais surfer! Ensuite, nous irons jeter quelques crevettes sur le barbecue (barbie : expression australienne)! En fait, je ne sais pas surfer et personne n’appelle ça des crevettes ici (prawns : expression australienne)! Et puis, comme je suis inscrit au doctorat, j’ai malheureusement beaucoup trop de travail pour aller à la plage!

Références :

http://www.unisa.edu.au/artarchitecturedesign/art/glassnews.asp

http://soa.anu.edu.au/glass

http://sydney.edu.au/sca/about/studio_areas/glass.shtml

www.jamfactory.com.au

www.patrickprimeau.com

http://www.carolineouelletteglass.com

www.firebrandglass.ca

http://www.glassartcanada.ca/artist.php?id=62

http://www.unisanet.unisa.edu.au/staff/homepage.asp?name=gabriella.bisetto

http://www.chrisboha.com

Alejandra Basañes et Guillermo Raynié

Œuvre : Éclair d’identité mauricienne. Vitrail 96 x 119 cm. 2005 (Photo Guy Langevin)

Depuis notre arrivée au Canada, en Mauricie (Québec), nous avons cherché toujours des liens de communication avec notre société d’adoption. Arrivés en 2003 depuis l’Amérique du Sud, nous avions, tel un nouveau-né, tout à découvrir, soit sur les plans personnel, social ou professionnel. Avec une trajectoire déjà amorcée dans notre pays d’origine (Argentine), en vitrail, en arts visuels et avec notre famille, nous avons plongé alors dans une immersion canadienne totale, avec la seule complicité initiale de Gilles Désaulniers, verrier et créateur avec qui nous avions établis contact par courriel.

Éclair d’identité mauricienne. Détail, vitrail en construction.

C’est grâce aux à la bourse du Fonds de la Mauricie pour les arts et les lettres et aux différents partenaires, que nous avons développé des projets communautaires en vitrail en 2005, 2008 et 2010.

D’abord en 2005 nous avons cherché à découvrir l’identité mauricienne. En travaillant avec des enfants d’école primaire nous nous sommes introduits aux contes et légendes de notre région : la Mauricie. Avec ce bagage d’histoires et d’images nous avons créé le vitrail Éclair d’identité mauricienne qui nous a valu une nomination en métiers d’art pour le prix Arts Excellence 2006 de Culture Mauricie. Avec l’idée de faire nos propres verres, le projet s’est déroulé après un stage de travail en Allemagne dans le but d’apprivoiser les techniques de coloration du verre flotté par fusion. Verre à vitrail, verre flotté fusionné, grisaille par sérigraphie et baguette de plomb composent l’œuvre, acquise par la Commission scolaire du Chemin du Roy et installée à la bibliothèque de l’école Jacques-Buteux, partenaire de l’aventure.

Éclair d’identité mauricienne, détail. Verres fusionnés

Suite à ce projet, notre premier en terre canadienne, nous avons été invités par la Conférence régionale des élus de la Mauricie (CRÉ Mauricie) à produire une autre pièce abordant le même sujet, réalisé totalement en verre flotté fusionné. Elle se trouve à la réception de la CRÉ Mauricie.

En 2008 nous nous sommes intéressés à l’accueil que nous offrons aux visiteurs, soient-ils temporaires ou permanents. En partenariat avec le bureau de tourisme de Trois-Rivières et le Comité d’accueil aux Néo-Canadiens de Trois-Rivières, nous avons établi des ponts avec enfants, adolescents et adultes, immigrants, touristes et québécois pure laine, dans le but de mieux connaître les différentes expériences personnelles. Pour la création de l’œuvre Accueil, accueilli, accueillant, nous nous sommes inspirés des sources variées : soit, pour les enfants, par les contes et légendes de ces pays respectifs, soit, pour les adultes, par les faits vécus. Vitrail réalisé aussi avec du verre flotté coloré par fusion et thermoformage, vitrail qui nous a valu une autre nomination en métiers d’art pour le prix Arts Excellence 2008 de Culture Mauricie.

Œuvre : Accueil, accueilli, accueillant. Vitrail 98 x 112 cm. 2007

En 2010 avec Stratégie Carrières comme partenaire (entreprise qui œuvre dans la recherche d’emploi pour des gens en difficulté) nous nous sommes servis du métier du vitrailliste pour introduire les gens au travail en équipe, au défi des nouvelles expériences face à un travail manuel inconnu. Cette fois le travail de création en verre nous a servi pour faire comprendre aux gens qu’on est bien capable de faire des nouvelles expériences dans des champs qu’on ignore et que, même si on est d’origines très diverses, nous sommes toujours capables de travailler en équipe.

Exposition Parcours. Vitraux. Lors du colloque : Itinéraires en métiers d’art. Maison Hertel de la Fresnière, Trois-Rivières. Conseil des métiers d’art du Québec et Regroupement des métiers d’art de la Mauricie. 2009

La somme de ce parcours en vitrail a été reconnue avec le prix Arts Excellence 2010 en métiers d’art octroyé par Culture Mauricie.

Tout ce travail communautaire nous a servi pour apprivoiser notre société d’adoption, pour connaître notre milieu de travail et pour nous établir professionnellement. Il nous a aussi servi pour faire voir le vitrail en dehors de sa scène habituelle : le sacré. À notre surprise, dans la société québécoise, le vitrail est encore fortement associé avec l’église, dans nos projets nous avons mis l’effort pour montrer que ce métier millénaire peut très bien aller ailleurs que dans un bâtiment religieux et qu’il peut aussi bien véhiculer un autre message tout en conservant son coté artistique.

Éclair d’identité mauricienne II. Hall Conférence régional des Élus de la Mauricie. Vitrail 112 x 84 cm. 2008

Alejandra Basañes www.basanes.com

Guillermo Raynié  www.devidrio.ca

By Alejandra Basañes and Guillermo Raynié

Translation by Sam Kerson and Katah

Flash of Mauritian identity. Stained glass 96 x 119 cm. 2005 (Photo Guy Langevin)

Since our arrival in the Mauricie region of Québec, Canada, we have been looking for ways to interact with our new community.  We arrived from South America in 2003.  We felt like newborns because everything seemed different, both on a personal level and on the social and professional levels.  Back in Argentina, we had already started our journey as a family in the field of stained glass as well as in visual arts.  We now immersed ourselves in Canadian society.   Our only ally was Gilles Désaulniers, a glass worker and artist, with whom we had made contact by e-mail.

Mauritian identity. Detail, stained glass construction.

Thanks to grants supporting arts and literature from the Fonds de la Mauricie, along with other sponsors, we developed community projects using stained glass in 2005, 2008 and 2010.  For the first project in 2005, we wanted to explore the identity of the Mauricie.  We worked with children from primary schools and together we researched the local legends of the Mauricie.  With these stories and images, we created the original stained glass piece called Éclair d’Identité Mauricienne which was nominated, in the artisans’ category, for the Arts Excellence 2006 prize by Culture Mauricie.  We did this project after an internship in Germany where we learned the coloring techniques using fused float glass.  The piece is made of stained glass, fused float glass, silkscreen grisaille and came.  The artwork has been purchased by the Chemin du Roy school board and was installed at the library of the Jacques-Buteux school, which participated as a sponsor of this great adventure.

Mauritian identity, detail. Fused glass

As a result of this project, our first on Canadian soil, we were invited by the Conférence régionale des élus de la Mauricie (CRÉ Mauricie) to produce another piece on the same subject, made entirely of fused float glass.  The piece is exhibited at the entrance of the CRÉ Mauricie building.

In 2008, we became interested in the way we welcome visitors, be they temporary or permanent. We collaborated with the Tourism office in Trois-Rivières and the Trois-Rivières Neo-Canadians Welcome Committee.  We paired children, adolescents, and adults, immigrants and tourists with native Quebecois people; the objective being that everyone’s personal experience would be shared.  In order to create this piece, Accueil, accueilli, accueillant (Welcome, Welcomed, Welcoming), we were inspired by different sources.  For example, for the children we used stories and legends from their respective countries; and for adults, their own experience.  The stained glass was made with fused float glass and thermoforming.  For this artwork, we were nominated in the artisans’ category for the Arts Excellence 2008 Prize by Culture Mauricie.

Welcome, welcome, welcome. Stained glass 98 x 112 cm. 2007

In 2010, with Stratégie Carrières as our partner (this group helps people re-enter the job market), we used our craft as glass artists to introduce the participants to teamwork as well as the challenges we face in this field of hands-on creative production where risks are taken and the outcome is not always known.  This time, we used the work we do with glass to show the people that we are able to have new experiences and that even if we have different histories, we are always able to work together as a team.  The result of this stained glass project was recognized with the Arts Excellence 2010 Prize in the artisans’ category given by Culture Mauricie.

Installation shot, Stained glass. At the conference: Directions in crafts. House of Fresnière Hertel, Trois-Rivieres. Crafts Council of Quebec and Grouping crafts Mauricie. 2009

For us, all this community work has served to give us a chance to get more acquainted with our new community, to get to know our working environment and to become more established professionally.  This work has also given us the opportunity to show the beauty of stained glass outside its usual setting:  the sacred.  To our surprise, in the Quebecois society stained glass is still very much associated with the church, and in our projects we emphasized the fact that this age old craft can very well be placed elsewhere than in a religious building and that it can transmit another message while keeping its artistic integrity.

Mauritian identity. Hall Regional Conference of Elected Representatives in the Mauricie. Stained Glass 112 x 84 cm. 2008

Alejandra Basañes:  http://www.basanes.com/

Guillermo Raynié:  http://www.devidrio.ca/

By Teresa Burrows

Behind our existence lies something else that becomes accessible to us only by shaking off the world.

(Arthur Schopenhauer)

Aborigines believe there has always been a labyrinth of invisible pathways, on the land and in the sky, that trace the footprints of the ancestors and initiate others to the ways of the world.  Where one learns to walk defines the journey. I was born in England but learned to walk in the Australian outback. The Aborigine believe every event, each person’s journey, leaves a record on the land and dreaming has been a way to creation. From the time I was young I was dreaming, and eventually the art in my head found a way to celebrate the paths of my life.

For the most part, art has been the adventure, but not always my path. I have graduated from a BFA program, trained as a printmaker and reclaimed myself as a painter. But after Jackson Beardy (celebrated aboriginal artist) encouraged me to go to his first nation home of Garden Hill to work (1981), the north embraced me and over the years my work – as the cultural programmer at the Friendship Centre, as a probation officer, addictions counsellor and as a mother – informed my dreams with new worlds and through the confidential confessions of others; worlds from the lives of others.

In many cultures, bones are the true storytellers, the original prophets. I have known stories of many reduced to bones, but two surgeries on my back in 1996 left me learning to walk yet again; this time in northern Manitoba.

Teresa Burrows collecting bones, 2009

For years I tried to define myself as an artist separate from my existence in the north. Maybe this northern identity is earned, but I have, in recent years, embraced the north and the media it affords my expression. As usual without a map, I have been wandering blind, as the landscape has taken my work from two dimensions into three, with mixed media and natural found elements.

As a visual artist I spent almost ten years on what I called drawings made up of dots. My paintings were large and complex like tapestries. My photo montages are equally labour-intensive with double exposed, accidently layered and digitally altered images choreographed together to make what I call photo quilts. And somewhere in between, while making elaborate “props” for what I wanted for the photographs and paintings, I realized that my mixed media works were already art. So over the last six years, I have been beading, almost daily, to realize a number of mixed media works. Beadwork has in a way become a new medium for my obsessive-compulsive tendencies.

Raven Ballet - The Unkindness of Nights Below Zero, Painting, 1999, 5 x 8 feet

Living 800 km from any recognized art centre, and in a mining community (Thompson) without a gallery or cohesive arts community, creates both obstacles and extends benefits. I am neither engaged nor entangled in any specific arts trend or tangent but can embrace the freedom to grow a little wild. My husband and I spend most weekends and holidays at a small log cabin without running water at Paint Lake. The foxes and ravens call by, and the beavers have set up homes on both of my neighbours’ lots. I am always amazed that Canada, as a country, and certainly most of this continent, was mapped and developed because of a beaver and the status of a beaver top hat. A country was born of fur and skin. That I live in the original trading area of the Hudson Bay Company, and have married a “Hudson” has only added the layers that define this artistic identity.

In 2004-07, I embarked upon a journey, like Alice in Wonderland, into my A(lass) in Rupertsland series that took the English-born Alice into the history and wilderness of the fur trade. The beaded top hats and The (Sul)fur Queen, an elaborately beaded and beaver skull adorned gown made of Hudson Bay blankets, complete with its own crown, started the story of those who had lived by the motto pro pelle cutem (we risk our lives for skins).Taking Alice in her flowers could only expand on my life as a child of the sixties, hippies and flower power married to the many beaded flowers of the north, patterns handed down in families for generations. A medieval phrase, “in her flowers”, was a metaphor for a young woman and her start of menses. But being part of the never lost, I am always invited somewhere that changes the art and the journey.

Caribou Women in her Flowers Ceremonial Robe, 2008-2010, lifesize (Approx 2x5 feet)

In 2007, I received a Manitoba Arts Council grant. After being gifted a set of many-tined caribou antlers, the reference to the caribou antlers as blooming, their mythos so closely tied to fertility and spring, added to the original concept of female rites. Reindeer are found on the walls of the Lascaux caves in France. The “sanctuary des trois frères”, images within the cave, had to have a feminine translation.  Ancient stories of shape shifting goddesses, caribou reindeer women, celebrated winter solstice sisters; protectresses of the earth who carried back the sun in their antlers, melted the ice and icicles and welcome the world to be reborn in their flowers.

Beadwork detail of Caribou Women in her Flowers from rear of Ceremonial Robe, 2007-2010, approx, 8 inches in dia.

I created a dress, a hat and sun staff adorned in antlers. I invited numerous friends during the winter solstice through to the spring, to be photographed adorned in golden antlers.  The purpose was to showcase strong personalities, these women’s sacred wisdom born out of personal migrations but with an entourage of sisters. Some of the faces, with antlers and beads, evolved into the madre primavera top hat, the sun staff and the ceremonial in her flowers robe (2007-2010).

Caribou Women Sun Staff, beadwork detail, 2009, approx. 9” dia.

Becoming part of the “never lost” requires a guide. Like a girl in a northern fairy tale, I married a bear. My husband has from childhood in the north, had permission to do as he pleases. On a trip south, he drove inland from the highway, stopped and stepped into the bushes, beckoning the rest of us to follow the trail. Little did we know that the trail exists in his mind and soon all that was recognizable was rustling in the bushes and the symphonies of mosquito orchestras. He would double back and trample forth as we hurdled boreal obstacles, trying to align our experiences with his overlaid colour commentary “Isn’t this beautiful?” ”Not far now,” and “I don’t know why more people don’t come here!”

Caribou Women Madre Primevera, 2009, beadwork detail approx. 12” x 17”

Art often takes us off the beaten track and journeys into the light, often starting in the dark. Homer’s sirens and harpies say, ”We know all that happens on this much suffering earth.” And I have known many dark places. After immigrating to Canada, we lived in downtown Vancouver, blocks away from Pickton’s infamous killing ground. My 1999 Raven Ballet: The Unkindness of Nights Below Zero and 2003 Lost Pearls:  Daughters of St. Anthony’s Abattoir were painted for the murdered and missing women.

During the A(lass) in Rupertland series, I dreamed of blue faces and beaver women, barely seen through sheer fabric hanging in the boreal forest. Veils separate us from the world of the dead and the voices from beyond. The shaking tent allowed for the invocation of animal guides to bring messages and guidance from the spirit world. However, northern humour also translates the “shaking tent” as places in the bush where couples might have sex. Researching certain myths, blue often was a colour for otherworldly creatures, those from the underworld, the dead. If my beaver women were dead spirits, it was possible they had risked their lives with their skins. And with the word beaver being slang for a woman’s vagina, the risk may have been sexual. My beaver women had shape shifted through history from the fur trade to the sex trade and were risking their lives with their skin, either willingly or simply by the nature of their gender. Could art be an investigation of the traps we lay out in our cultures that condemn feral women, and of the media portrayals that strip them of their muchness and stereotype them as the Madonna and Magdalene.

Mirrors of the Mystery Lake Dam'oiselles, Photomontage, 2005, 36” x 48”

With another grant from the Manitoba Arts Council, I am creating a series of dam’oiselles to honour the shaking tent women and those of us who have heeded calls to live wild lives, who may risk our lives with skin and tell our stories with bones. In their sanctuary, the shaking tent sisters, camouflaged ethereal beings, emancipated, engaged, embraced, entangled, exiled but never entrapped, can respectfully be laid bare, shedding their layers, continuously shaking off the world but offering tantalizing signals.  “I am here” for our curiouser and curiouser world.

In November 2010, jurors for the RBC Glass Artist Award recognized my work as a finalist and also supported The Blue Beaver’s Burden and The Disappearance of the Shaking Tent Sisters. It was a welcome affirmation that beadwork could have a place in the contemporary glass art scene and I hope the complexity, labour and artistic excellence of beadwork can expand the boundaries of art. I continue to dream, and follow my own invisible path, hoping my work can contribute to the cultural legacy being created by glass artists.

Blue Beaver's Burden, Work in Progress, 2010, 10” x 20”

By Megan Smith

I found glass the day I happened to drive past Seattle Glassblowing Studio. I mentioned on a whim to my brother that it would be a fun thing to try. While I had forgotten to follow up on this mental note, he hadn’t. I received a gift certificate to experience glass firsthand with a weekend workshop having no idea this would lead me to Canada someday.

I continued taking courses over and over, and eventually applied to Pilchuck Glass School. While I was at Pilchuck, I met amazing artists from all over the world. At the time, it seemed as if I was the only one with a desk job and little background in art, let alone concept. I wanted to be involved in glass but didn’t know where to go next. I talked to a few people about the schools they attended but one really stuck out. Sally McCubbin, my TA at Pilchuck, had convincing reasons why I should attend the glass program at Sheridan College in Oakville, Ontario. We talked about price, course content, and opportunities the school had to offer. I considered for a year the information she provided, and finally decided I was ready to apply for what would turn into quite the life adventure.

Megan working in the hotshop with David Thompson, photo by Jesse Bromm

I applied to Sheridan while at work one day when I had the realization that I didn’t want a career in my current field. At the time I was managing a payday loan location, and I knew it wasn’t something I wanted to do forever. I didn’t tell anyone I had applied in case I couldn’t make it happen right away. When I found out I was accepted, I had a whirlwind of decisions to make, lose ends to tie up, and things to prepare. All of my family, friends, and co-workers were very supportive of my decision to leave. I had never been to Ontario, nor would I get the chance to visit there prior to moving there. I found an apartment on the Internet, faxed contracts back and forth, applied for a student visa, packed four suitcases, and flew to a new country.

Moving 3,000 miles alone was overwhelming.  I didn’t know anyone when I arrived, but was very lucky to meet exciting/outgoing people right away. I did end up living with a crazy person … but I like to add that to my life-experience checklist. “It builds character,” I tell people. To this day, my friends still make American jokes on a daily basis, but it’s all in fun. I get to show them that Americans aren’t all that bad.

Formation, blown glass, photo by Thomas Rojcik

A common question I get from the glass community is, “Why would you come all the way to Oakville when Seattle is full of glass opportunities?”  My answer is that while Seattle may be a glass Mecca, I was ready to have glass be my main focus, and I wanted to get a well-rounded education in the process. Seattle may have plenty of opportunities, but unfortunately there isn’t a full time school for it yet.

I knew the program at Sheridan was going to be more than just glass blowing.  I knew there were going to be support classes, and I had even printed out the course outline for all three years. Somehow, though, I was still taken by surprise. Even in the first year at Sheridan we were encouraged to have solid ideas, concepts, and a variety of learned new processes rather than to be exceptionally skilled glassblowers. It was no easy feat to jump into the world of conceptual thinking so soon, but it is an important foundation of the program.

Sheridan and RIT students working together at Sheridan participating in the Glass Olympics, photo by Owen Colborne

Sheridan has provided me with many opportunities so far that I didn’t expect. I have been able to submit work to the OCC gallery and the school gallery. I have traveled twice:  to the Corning Museum of Glass in Corning, New York and the SOFA Conference in Chicago. I’ve sold work at our open house, and assisted in demos for upcoming students. I also recently found out I was accepted to be the summer glass resident at the Harbourfront Center in Toronto. We are surrounded by remarkable artists and mentors, but most of all we are fortunate to have amazing faculty guide us through the years.

I don’t know where the future will lead me, but I have never once regretted my decision to travel to Canada. I have found a medium of expression that I love, and I wouldn’t trade this experience for anything. I urge anyone contemplating glass as a career to start his or her exploration at Sheridan College.

Claire Anderson, Glass Art Association of Canada school representative for

Sheridan College, Oakville, Ontario

Katrina Cheung, Red Balance Grey, 2011, Photo: Katrina Cheung

Being involved in the Sheridan glass program has left me with an addiction to glass that I fear I may never be able to shake. Without my regular studio fix I get shaky and irritable, break out into sweats and my fingers twitch in a useless effort to turn invisible air-pipes. This seems to be a common problem with most of the students here. We are known as ‘glass-holes’ as we converse about little else, and we can be found lurking around the studio at the strangest hours.

Claire Anderson, Paradise, 2011, Photo: Claire Anderson

This obsession, however, has led the 2011 graduates in directions that none of us could have predicted at the beginning of our journey here. We began as a class of eighteen, but now only ten stragglers remain after all of the injuries, head games, hundreds of broken pieces and, most importantly, survival of each other.

Spending all day every day with a small group of diverse individuals has been trying (to say the very least) at times, but it has made us into a small family. We all play integral roles.  For instance, the dad of the group, Andrew Beauchamp, is stocked full of the most interesting and useless information.  Katrina Cheung is our elder, sought after for vital life advice. Hana Schweiheardt is our young sapling that can often be caught dancing by herself somewhere.  And Allysun Rysnick keeps us all smiling, treating us to TimBits every Sunday! Andrew Wardlaw is a bit of a wild card; you really have to meet him to understand what I am talking about. Alyssa Getz is our purple-haired, loud-mouth glass blowing super star – I have the privilege of working with her this year – while Aurora Darwin is our own personal DJ. Silvia Taylor has become the electroplating grandmaster wizard while Melanie Billark is always encouraging – her energy is impossible to ignore. I suppose that leaves me, ‘noodle-head’, a reference to my waist length dreadlocks and definitely not my slight absent-mindedness. We have grown very close as we have lived, worked and played together for the past three years. We act as a support network, and in the extreme ups and downs we have been there for one other, offering vital criticism, encouragement and the exchange of ideas.

Alyssa Getz, Vessel with Lid, Photo: Alyssa Getz

Over the years, we have come to discover our various specialties and we have spread ourselves evenly throughout the studios. This has had a huge impact on our work and where each of us will take it in the future.  Many of us had very different initial expectations of what the glass program was about, and a few had no idea what to expect at all. The year I began, Sheridan was making major changes to the program, so what I had read in the Sheridan booklet was actually quite different than the program to which I enrolled. I had no idea what to expect, but it was the constant technical and conceptual challenge that got me hooked. I think it is the touch of madness that keeps me around still.

Hana Schweighardt, Flow Series, Photo: Hana Schweighardt

When I speak with my classmates, we all have at least one story about getting set on fire in first year, either by charging the sand casting furnace, or nicking an arm on the annealer. During our three years at Sheridan, three of us have had to get tetanus shots at the clinic and there have been two hospital runs. We have been cut, drilled, puntied, and burned more times then I can count on two hands (and both feet). But the hypnotic nature of glass held us and we continued with fierce dedication.

Andrew Beauchamp, Orbs, Photo: Andrew Beauchamp

With the guidance of the faculty, we have been able to discover our individual styles and learn both what inspires us as well as the concepts that interest us. The close relationships we have developed with our instructors have been vital, as we have been forced to think very critically about our own work. We are lucky to be taught by not only well-connected professionals, but individuals that we have come to know quite well. They go completely out of their way for us and are there to talk about anything … as long as it’s over a beer. They have been right there with us through our development as artists and designers and have helped us through our various mental breakdowns.

Silvia Taylor, Ogee, Photo: Silvia Taylor

Now, as the end of the year approaches, we have begun to realize our time together is nearly at an end. We have made our plans and have begun the motions to start our lives after Sheridan. Many of us feel this is not our last year of post-secondary education and we plan to continue our studies in sculpture and design. However, just as we began the creative process at Sheridan, there is no way to know how our next stage will develop. Glass is an unforgettable medium that each of us will incorporate in the future with the same passion that we displayed at Sheridan.

I loved my time at Sheridan and feel that I now have the tools necessary to become a professional studio artist. While I will miss the coziness of my safety net, I look forward to the challenges that the life of a creator presents.

February Member Interview – Sarah Hall

Originally published on the GAAC Facebook page on February 1, 2011

GAAC: What was it that drew you to glass as your artistic material of choice?

Sarah Hall:  I fell in love with stained glass when I was a kid.  I was enchanted by how the patterns of light and colour inside a building created an other-worldly, magical place, set apart from ordinary life. I decided at nine years of age to “make windows” when I grew up.

St.-Barnabas-On-The-Desert, Arizona – Glass Mosaic

GAAC: How much of a role has education played in your development with the material?

SH: I had a good education – studying at Swansea College of Art (Wales, UK) in the Architectural Glass Department, followed by an internship with Glass Master, Lawrence Lee, at the Royal College of Art in London. After this I lived for a year in Jerusalem studying middle-eastern techniques in glass. I have continued taking (and occasionally giving) workshops to explore new techniques.

St.-Barnabas-On-The-Desert, Arizona – Glass Mosaic Detail

GAAC: Who (or what) has played some of the largest influences on the development of your work – both thematically and technically?

SH: Although it may not be reflected visually in my work, the influence of Johannes Schreiter has been substantial; as well as that of my master Lawrence Lee. My extensive travels in Europe provide continual inspiration in viewing both historic and new work. My commissions have new parameters and demands each time, which keep the creativity level high.

Embassy of Kuwait

GAAC: What have you found to be the biggest ongoing challenge in your career as a glass artist, and how do you strive to overcome that?

SH: Architectural glass is mostly commissioned projects and the needs of clients - which have little to do with art – are exhausting. Taking a break and doing work for myself is essential but difficult- the ball keeps rolling. I have to say I have not found a perfect balance – maybe February in Bermuda every year is the answer.

Grass Valley Solar Window

GAAC: What is it that you find makes Canadian glass art (and artists) different?

SH: It is not easy to define, but I think Canadian artists have a unique sense of space and an ease with infinity which sets us apart. Our relationship to nature and “the other creatures” is often reflected in a distinctive, intriguing way. I love the work of so many of my fellow glass artists in Canada.

Grass Valley Solar Window Interior

GAAC: What are you working towards for the future of your career, and how do you see yourself getting there?

SH: There are several new directions for my architectural solar projects that I hope to accomplish in the next five years - sculptural / entry pieces. Also, glass mosaic – as seen in the recent glass mosaic project in Arizona – is a technique I want to explore more.

Solar Wind Tower - Vancouver

Bermuda for the month of February every year is sounding good as our Canadian winter approaches.

Thanks for your interest.  Please see these links for recent projects.

*Lux Gloria - Saskatoon receives more sunlight than any other city in Canada and is home to the first Cathedral in the world to incorporate solar energy collection into its stained glass windows. This monumental project with the largest ever solar art glass windows is a work in progress by Sarah Hall:  See it here: http://sarahhallstudio.com/soundslides/saskatoon_solar/index.html

*Wondrous Love – The title of the work “Wondrous Love” is inspired by a great American spiritual. Opus 3881, is a three manual organ with forty ranks and 2929 pipes – a project collaboratively designed by Casavant Frères and Sarah Hall.  Surrounding the organ pipes are 39 panels containing over 80,000 hand painted and cut glass mosaic tiles and coloured metal filigree. See: http://sarahhallstudio.com/documents/stbarnabas_web.pdf

*Magnificat – Sarah’s beautiful “Magnificat” window in Vancouver places Mary in Canada with a new title – Our Lady of the Northern Light. View the process of making the window: http://sarahhallstudio.com/soundslides/magnificat/index.html

*Mystical   - The austere chapel windows at Manresa Jesuit Spiritual Retreat Centre are inspired both by early Christian art and the paintings of Hildegard of Bingen. We extend an invitation to enter the mystical realm of Manresa: http://sarahhallstudio.com/soundslides/manresa/index.html

For more information on Sarah Hall and her work, please visit her GAAC Artist Profile at: http://www.glassartcanada.ca/artist.php?id=412#portfolio

L’entretien du mois de février avec Sarah Hall, membre du GAAC.

Déjà publié sur la page Facebook du GAAC, le 1 février 2011.

Traduit par Christian Poulin, Director, Espace Verre

GAAC : Pourquoi avez-vous choisi le verre comme matériau privilégié?

Sarah Hall : Enfant, j’ai eu un coup de foudre pour le vitrail. J’ai été éblouie par les effets que produisaient les divers motifs de lumière et de couleurs à l’intérieur des édifices. On avait l’impression d’être transporté dans un autre monde, magique, hors de la réalité ordinaire. J’ai donc décidé à l’âge de neuf ans que je créerais des fenêtres quand je serais grande.

St.-Barnabas-On-The-Desert, Arizona – Glass Mosaic

GAAC : Quel rôle a joué l’éducation dans votre développement avec le verre?

SH : J’ai reçu une excellente formation lors de mes études au Swansea College of Art (Pays de Galles, R.U.) au département de verre architectural, suivi par un stage avec le maître verrier Lawrence Lee, au Royal College of Art à Londres. Par la suite, j’ai vécu un an à Jérusalem, où j’ai étudié les techniques d’art verrier du Moyen-Orient. J’ai continué à suivre (et à donner) des ateliers de formation pour explorer de nouvelles techniques.

St.-Barnabas-On-The-Desert, Arizona – Glass Mosaic Detail

GAAC : Qui ou qu’est-ce qui a eu le plus d’influence sur le développement des thèmes et des techniques dans votre travail?

SH : Même si ce n’est pas perceptible dans mon travail, l’influence de Johannes Schreiter a été marquante, de même que celle de mon maître Lawrence Lee. Mes nombreux séjours en Europe ont été aussi une grande source d’inspiration puisqu’ils m’ont permis de voir plusieurs œuvres historiques et contemporaines. Également, les commandes d’œuvres exigent de nouveaux paramètres et de nouvelles recherches qui gardent active ma créativité.

Embassy of Kuwait

GAAC : Quel est le plus gros défi dans votre carrière d’artiste verrier actuellement et quelle est votre solution pour réussir?

SH : Mes projets sur commande sont les plus exigeants et sont surtout en verre architectural. Les demandes de ces clients ne sont pas toujours d’ordre artistique. C’est donc primordial de prendre du temps pour mon travail de création malgré les difficultés que cela peux engendrer, en s’assurant que tout le reste fonctionne bien. Je dois vous avouer que je n’ai pas encore trouvé l’équilibre parfait… peut-être que passer chaque mois de février aux Bermudes aiderait.

Grass Valley Solar Window

GAAC : Qu’est-ce qui distingue le verre d’art canadien (et ses artistes)?

SH : Ce n’est pas facile à définir mais je pense que les artistes canadiens se distinguent par leur approche spatiale, par leur facilité d’aborder les grands espaces, l’infini. Nous avons aussi une relation distincte et intrigante avec la nature et les autres créatures. J’admire beaucoup le travail de plusieurs de mes collègues artistes verriers canadiens.

Grass Valley Solar Window Interior

GAAC : Vers quel but prévoyez-vous diriger votre carrière et comment pensez-vous l’atteindre?

SH : J’ai plusieurs nouvelles orientations pour des projets architecturaux avec du verre solaire que j’espère réaliser au cours des cinq prochaines années, surtout des pièces sculpturales et pour des halls d’entrée. Aussi, j’aimerais explorer d’avantage la mosaïque de verre, suite à un projet récent que j’ai réalisé en Arizona avec cette technique.

Solar Wind Tower - Vancouver

Les Bermudes durant le mois de février, à chaque année – cela me semble une très bonne idée, surtout avec l’hiver canadien.

Merci pour votre intérêt. Veuillez suivre les liens pour avoir plus d’informations sur mes projets récents :

*Lux Gloria – Saskatoon est l’une des villes les plus ensoleillées au Canada et abrite la première cathédrale, au monde, à intégrer des capteurs d’énergie solaire dans ses vitraux. Il s’agit d’un projet monumental encore en cours de réalisation par Sarah Hall. Pour en savoir plus : http ://sarahhallstudio.com/soundslides/saskatoon_solar/index.html

*Wondrous Love – Le titre du projet Wondrous Love est inspiré d’un grand penseur spirituel américain. Opus 3881 est un orgue à trois claviers manuels avec 40 jeux de notes et 2929 tuyaux à vent conçu par les Frères Casavant et Sarah Hall. Les tuyaux à vent de l’orgue sont entourés de 39 panneaux intégrant plus de 80 000 tuiles de mosaïques de verre, peintes et coupées à la main, ainsi que des filigranes métalliques colorés. Pour en savoir plus : http ://sarahhallstudio.com/documents/stbarnabas_web.pdf

*Magnificat – La magnifique fenêtre Magnificat, conçue par Sarah Hall pour Vancouver, replace la Vierge Marie au Canada avec un nouveau titre : Notre-Dame de l’Aurore boréale. Pour suivre sa fabrication : http ://sarahhallstudio.com/soundslides/magnificat/index.html

*Mystical - Pour la conception des fenêtres austères de la chapelle de la maison de retraite jésuite Manresa, Sarah Hall s’est inspirée de l’art paléochrétien et des peintures de Hildegarde de Bingen. Visitez le domaine mystique de Manresa :

http ://sarahhallstudio.com/soundslides/manresa/index.html

Pour plus d’informations sur le travail de Sarah Hall, veuillez visiter son profil d’artiste sur le site Internet du GAAC : http ://www.glassartcanada.ca/artist.php?id=412#portfolio

By Steven Tippin

My name is Steven Tippin and I am a glass artist that has recently moved to a small community just west of Waterloo, Ontario. I have the great opportunity of setting up my own kiln-working studio exactly how I want. The only problem is I have no idea how I want it to be set up. I have a basic idea of what I want and need but I do not want to try to reinvent the wheel when we have the GAAC website as a resource for such a discussion. I also have a limited budget with which to make these changes so I would love to learn from the mistakes of others before I make the same ones myself. I have decided to enlist all members of G

AAC to help me through this process. I guess I should thank you all in advance…

The Studio as I first saw it.

Through the next few issues, I plan to inform you on the details of the space and ask, possibly beg, for your input and suggestions. My goal is to utilize the online format of the GAAC website to set up a cross-Canada dialogue between its members and create a possible resource for others considering setting up a studio. I hope to hear from artists that have set up their own studios, those working in studios that are not their own, glass studio technicians and possibly an expert or two from outside the glass community. Please do not think that I am limiting this discussion to only these people. I want to hear from anyone with an opinion, suggestion, comment or warning. I want to know what works well in glass studios and, more importantly, what does not.

I make kiln-fired work primarily (see my GAAC portfolio and bio here) so the space will primarily be used as a kiln studio with a small coldshop. I will use it occasionally for sandblasting, painting, welding and basic woodworking. I want to make sure that the studio has a few different zones to keep the spaces (and their mess) from running into each other. For example, I do not want my sandblaster located in the same area that I paint in.

In order to get this discussion started, I should tell you a little about the space. Here are the details of the studio:

Basics:

The studio is a detached workshop located on the property of my new house. The roof and the outer walls are covered with metal. The interior of the studio measures 21’ wide by 31’ long, with a door and a 10’ wide garage door at the narrow north end that leads to my driveway. The shop has five windows spaced throughout, a furnace suspended from the ceiling rafters and a floor made of poured cement. The walls and roof have been spray-foam insulated but the studs are still exposed for me to build on. The ceiling rafters are also exposed and measure 10’ above the concrete floor.

The studio as seen from the garage door (facing south).

In one corner there is a storage shelf (my English brother-in-law insists that it is called a mezzanine) that is 6’ off of the ground and measures 8’ wide by 19 ½’ alongside the long west wall. I have a love/hate relationship with this suspended storage area (mezzanine!). I am six foot tall and so is the bottom of the oversized shelf. This means that the space under the shelf is not usable for working more than a few minutes and the space above the shelf has about 3 ½’ between the shelf and the rafters which is not really useful for anything other than storing my dusty blow pipes. On the other hand, I think that I will find the storage really helpful but at the moment I am not willing to give up a third of the space to storage. I think that I may cut it back to 8’ x 8’ so that it ends just shy of the first window. Please see the diagram of the building. Feel free to print it and make suggestions based on it.

Utilities:

Water

The building has a buried cold-water-only line running from the house to inside the building. It is a semi-flexible plastic pipe so I will not be using it for drinking from. It will be for coldworking and cleaning only. I will be utilizing the French-style drain located in the centre of the space to drain the water after catching the sediment in an interceptor.

The current studio residents.

Gas

There is a gas line that runs underground to the building’s ceiling-mounted heating furnace. The furnace is about seventeen years old but hopefully will hold up for as long as I need it to. Why not be foolishly optimistic, right?

The studio (facing north).

Electricity

Currently it has a buried line running from the house to a 60-amp service panel with some empty spots as extendible potential for the panel.

I have a feeling that this will be a great place to make into a studio. The photos show a wet floor because the old owner dropped by to pressure wash the floor (that doesn’t happen in Toronto!!). Don’t worry, the shop does not leak. My concern is whether or not there will be enough power to run my kiln and a sandblaster.

Please feel free to comment below the article or email me directly with questions, comments and suggestions at steve.tippin@gmail.com.  I will mention a few suggestions in the next instalment when I discuss the electrical part of the studio but feel free to comment on layout, lighting, equipment, or whatever you want. In order to avoid the obvious comments on decoration, please note that I have already removed the racecar posters.

The Utilities enter in this corner. Gas, Water, Electricity.

Créer un atelier en contrée Mennonite

Par Steven Tippin

Mon nom est Steven Tippin, je suis artiste verrier et je viens juste d’emménager dans une petite communauté à l’est de Waterloo en Ontario. J’ai la chance de pouvoir installer mon propre atelier verrier exactement de la manière dont je le souhaite. Le seul problème est que je n’ai aucune idée de “comment” je souhaite vraiment le faire. J’ai bien une idée de départ sur ce que je veux et ce dont j’ai besoin, mais je me suis dit que le site Internet du GAAC serait l’endroit idéal pour tenir ce genre de discussion. J’ai aussi un budget limité avec lequel je souhaite effectuer ces changements donc j’aimerai beaucoup apprendre des erreurs des autres avant de les perpétrer moi-même. Je fais donc appelle à tous les membres du GAAC pour m’aider dans cette quête et je vous en remercie tous par avance…

Le Studio comme je l'ai vu la première fois.

Au travers des quelques prochains paragraphes, je vais tenter de vous fournir les détails concernant l’endroit et de vous solliciter, voire supplier de m’apporter vos suggestions et votre contribution. Le but étant de tirer parti de la version en ligne de la GAAC pour établir un débat inter canadien entre les membres et créer ainsi un outil potentiel pour ceux qui souhaitent ensuite créer un atelier. J’espère que les artistes qui ont déjà conçu leur propre atelier interviendront, ainsi que tous ceux qui oeuvrent dans d’autres ateliers que les leurs, les techniciens d’ateliers verriers et si possible un ou deux experts en dehors de la communauté du verre. Bien sûr, la recherche ne se limite pas aux personnes énoncées ci-dessus. Je suis ouvert aux opinions, suggestions, commentaires ou avertissements de tous.  Je voudrai connaître ce qui fonctionne bien dans un atelier verrier et surtout savoir ce qui ne marche pas.

Je travaille principalement avec une arche (cf. mon portfolio et ma biographie GAAC ici), l’espace sera donc essentiellement dédié au travail à chaud incluant un petit endroit pour les process à froid que j’utiliserai occasionnellement pour le sablage, la peinture, la soudure et le travail du bois. Je tiens à ce que l’atelier conserve différentes zones, afin de délimiter les espaces et éviter qu’ils se chevauchent (ainsi que leurs bazars). Par exemple, je ne souhaite pas que ma sableuse soit dans la même pièce où je peins.

Pour amorcer la discussion, je vais vous en dire plus concernant l’endroit. Voici les détails de l’atelier:

Données de bases:

L’atelier se situe à l’écart de ma maison sur ma nouvelle propriété. Le toit et les murs extérieurs sont recouverts de métal. L’intérieur du studio mesure 21 pieds de large par 31 pieds de long avec une porte et à l’extrémité nord une entrée de garage large de 10 pieds donnant sur mon allée. La pièce possède 5 fenêtres espacées, une chaudière suspendue aux poutres de la toiture et un sol en béton. Les murs et le toit sont isolés par une mousse mais les clous sont toujours visibles, permettant de construire par-dessus. Les poutres du plafond sont elles aussi apparentes et se situent à 10 pieds de haut.

Le studio vu de la porte de garage (côté sud).

Le long du mur ouest, il y au coin un espace de rangement (mon beau-frère anglais tiens à utiliser le terme de mezzanine) surélevé à 6 pieds du sol et mesurant 8 pieds de large sur 19,5 pieds de long. J’aime et je déteste à la fois cet espace de stockage suspendu (mezzanine!). Je mesure 6 pieds tout comme le dessous de cette étagère démesurée. Ce qui signifie que cette hauteur sous l’étagère ne me permet pas d’y travailler plus de quelques minutes. L’espace disponible au dessus de l’étagère est d’environ 3,5 pieds de haut, ce qui n’est pas vraiment suffisant non plus pour y ranger quoique ce soit à part quelques cannes à souffler poussiéreuses. Il est possible que cet espace me devienne très utile un jour, mais pour le moment je ne me sens pas prêt à accorder un tiers de l’espace juste au rangement. Je pense probablement le raccourcir à 8 x 8 pieds pour que le bout s’ajuste à la première fenêtre. Voici un schéma du bâtiment, n’hésitez pas à l’imprimer et à l’utiliser pour vos suggestions.

Commodités:

L’eau:

Le bâtiment possède une arrivée d’eau froide uniquement qui passe sous terre de la maison à l’intérieur du bâtiment. C’est un tuyau en plastique semi flexible et je ne compte donc pas l’utiliser comme eau potable. Elle ne me servira que pour le nettoyage et le travail à froid. J’utiliserai un écoulement à la française qui se situe au centre de l’espace pour évacuer l’eau après avoir au préalable récupéré le dépôt à l’aide d’un intercepteur.

Les habitants studio actuel.

Le gaz:

Une arrivée souterraine de gaz ravitaille la chaudière suspendue au plafond. La chaudière est vieille de 17 ans mais elle devrait pouvoir encore tenir tant que j’en aurai besoin. Soyons naïvement optimiste!

Le studio (côté nord).

L’électricité:

Pour l’instant, une ligne tendue sous terre de la maison rejoint un compteur de 60 ampères qui possède des parties encore vierges pour un agrandissement potentiel par la suite.

J’ai l’impression que cet endroit pourrait faire un atelier idéal. Sur les photos le sol est humide car le propriétaire est passé laver le sol au karcher (ce n’est pas à Toronto qu’on verrait ça!!) Pas d’inquiétude donc, l’atelier ne fuit pas. Ce qui me préoccupe plutôt est de savoir si j’aurai suffisamment de puissance électrique pour faire fonctionner à la fois arche et sableuse.

N’hésitez pas à commenter directement en dessous de cet article ou en m’envoyant un email à steve.tippin@gmail.com pour des questions, commentaires ou suggestions. Dans le prochain épisode, je vous ferai part de quelques idées concernant la question de l’électricité dans l’atelier, mais en attendant, n’hésitez pas à me parler de l’agencement, de l’éclairage, de l’équipement ou de ce qui vous passe par la tête. Dans le but d’éviter les commentaires évidents concernant la déco, je préfère vous informer d’avance que j’ai déjà enlevé les posters de voitures de course.

Les services publics entrent dans ce coin. Gaz, eau, électricité.

Brad Copping

Installation shot of Brad Copping’s ‘Prairie Portage Primer’, Art Gallery of Swift Current, April 2011

Digital technologies are exploding across the landscape and are affecting every aspect of our lives.  Every ‘thing’ that we find in our built environment has been refined or redefined by technologies which have removed the individual touch and the intrinsic variability contained within that touch.  While aspects of our lives and our society have been improved through the advent of the digital age there is also a loss when we reduce the world to zeros and ones, when we can simply shop the globe for the cheapest knockoff of the latest trend from our nearest computer.  We can see clear evidence of a thoughtful reconsideration to some of these trends within the agricultural industry through the blossoming of the organic, locally grown and slow food movements.  The expression of culture as something that comes from a specific place remains of great value to us when we can still appreciate the unique.

While we tend to recognize this when traveling to some distant country, we also need to understand it when we are at home.  As slow food is to agriculture, craft can be seen to act in a similar fashion within a larger context of artistic expression.  The underlying emphasis on the hand of the maker and the voice of the material has always grounded craft in place and time.   But it is the ideas and intent of the individuals whose practice involves the various disciplines that make up craft, which continue to give it a contemporary relevance.   So, while I do decry the advent of digital monoculture I continue to be hopeful that we can use these same technologies to share what we do through this online network; that we can find inspiration in the works of others, that glass can continue to surprise us, to be more then we thought it was, and to use that inspiration to go out and make good work.  I think this issue of Contemporary Canadian Glass proves my point.

In a recent CBC radio program I heard two writers speak about how the wired world has affected them.  They spoke about the loss of reflective or meditative time and also the changing relationship with publishers, and this resonated strongly for me as I come to the end of my term as President of this organization.  Both the music and the publishing industry have gone through massive changes as their products and their means of selling them have become digitized.

Haylines, 2011 glass, wood, wire H45 x W1350 x D21 cm Brad Copping

The commercial gallery or retail model is also changing but it is difficult to see how it will work itself out, as our ‘product’ remains, at this point, challenging for similar digitization.  Artists are encouraged to push themselves online and provide galleries with web-ready materials and links from their own sites back to gallery sites.  As I have heard so often these days, if you don’t have a website then you are not validated as an artist (I know, I will get to it soon… in the meantime, I have GAAC).  With this expectation that the artist does the new promotional work necessary (work that traditionally has fallen to the shops and galleries) and still put the hours of thought and labour into the creation of meaningful work, it not surprising to hear the grumbling.  Why should I still be happy with 50% or less (the old 60-40 split seems almost mythical now), as prices get manipulated to include deeper and deeper potential discounts and fluctuating foreign exchange rates?  If the glass/craft/art/design gallery has so many artists in their roster, how much time to they have to devote to me?  What risk are they taking when my work is locked up on consignment and maybe stuck in a backroom?  And here comes a potential client, who feels him or herself savvy about the pricing of artwork and knows how to find an email address.  Does the artist end up excluding, and worse, possibly undercutting the gallery where the work may have actually been physically engaged?  And here is my point:  as long as the work in question is unique, that engagement is integral to what we do and cannot be simulated.  Thus, the relationship we have with the galleries and shops remains critical to our ongoing existence and needs to be nurtured and brought forward through these changing times.  We are all – gallery owners and artists alike – feeling the pressures of this confounded global economy.

Maintaining integrity and loyalty has always been a challenge, and the free-for-all of the digital world seems to put even more strain on our ability to do so.  When was the last time someone asked you to make him or her something that looked something they have seen on the Internet but could not afford, encouraging the theft of another artist’s designs?  The increasingly litigious marketplace has meant the use of contracts are now more important then ever, although it seems to me their use belies our inability to maintain integrity and loyalty.  I have had and continue to have the good fortune to deal with some incredibly wonderful galleries and shops and their owners, both with and without contracts, and these relationships remain very important to me.  I have also had the experience of dealing with the very worst of galleries (without a contract) and this has left me bitter and disappointed.  (So if you are considering a certain gallery in Houston, Texas, please email me and we can use the Internet to rid the art world of their kind).

Insulated (detail), 2011 glass, steel, wood H302 x W145 x D157 cm Brad Copping

But I do not want to leave you on a down note.  I have continued to have the opportunity to work with public galleries and it seems to me that the public is very excited to experience glass in these environments.  Lou Lynn’s work has toured extensively throughout western and northern Canada and Sue Rankin’s retrospective ‘Valid Objects of Beauty’ continues its western tour at the Esplanade Arts and Heritage Centre in Medicine Hat this summer.  The Esplanade will also be hosting an exhibition of fifteen contemporary Alberta glass artists titled ‘Natural Flow’ and a historic exhibition titled ‘Hand Made by Altaglass’.  There are many public community galleries, museums and art centres through out this country and they are increasingly open to what we are doing.  You can generally find exhibition submission guidelines on their websites.  While this may not be the kind of revenue generator that one hopes for from commercial galleries, the public ones do pay CARFAC fees and this type of exhibition is looked on favourably by granting agency juries.  And if you are dealing with a commercial gallery, these types of exhibitions make you and your work more valuable.

My recent experience installing my exhibition, ‘Prairie Portage Primer’, in the small city run Art Gallery of Swift Current in Swift Current, Saskatchewan, and participating in some community programming around that exhibition, reconfirmed for me the excitement the public does have with our work and has reminded me why it was that I wanted to make art in the first place.

I hope this magazine can continue to inspire you and remind you of the same,

Take care, Brad

A Contre-courant de la Monoculture Numérique

Brad Copping

Installation shot of Brad Copping’s ‘Prairie Portage Primer’, Art Gallery of Swift Current, April 2011

Le boum des technologies numériques a un impact sur tous les aspects de notre vie quotidienne. Toutes ces ‘choses’ qui entourent notre environnement matériel ont été élaborées ou redéfinies à l’aide de technologies qui ont supprimé la touche personnelle et la variabilité intrinsèque qu’apportait cette touche. Il est certain que l’apparition de l’ère numérique a amélioré bien des aspects de notre vie mais on y perd aussi à réduire le monde en zéros et uns, alors qu’il est maintenant possible de profiter de la dernière mode au prix le plus bas provenant du monde entier grâce à votre ordinateur le plus proche. Certaines de ces tendances dans l’industrie de l’agriculture ont clairement été reconsidérées de manière sensée avec l’émergence de l’agriculture bio, celle de proximité ou les mouvements d’opposition à la restauration rapide. L’expression de la culture comme étant quelque chose qui provient d’un endroit spécifique reste importante pour ceux encore aptes à apprécier l’unique.

Nous avons tendance à le remarquer en voyageant dans des pays lointains mais à l’oublier une fois de retour chez nous. Tout comme la restauration lente pour l’agriculture, on peut considérer que l’artisanat comme agit de manière similaire au sein d’un contexte artistique plus général. L’importance implicite de la main de l’artisan et de la voix du matériau a toujours su justifier la place de l’artisanat en son temps et en son lieu. Ce sont les idées et les intentions de l’individu pratiquant ces différentes disciplines qui créent l’artisanat et continuent de lui donner une pertinence contemporaine. Et tandis que je déplore l’apparition de la monoculture numérique, je me réjouis que nous puissions utiliser ces même technologies pour partager nos créations via ce réseau en ligne; que nous puissions y puiser une inspiration à travers le travail des autres, que le verre puisse continuer de nous surprendre, à être plus que ce que nous croyions, et à pouvoir repartir avec cette inspiration, sortir et faire du bon travail. Je pense que cette publication du Verre Contemporain Canadien démontre bien mon idée.

Récemment dans une émission sur radio CBC , j’écoutais deux écrivains discuter de la façon dont la numérisation les avait affectés. Ils soutenaient que le temps accordé à la méditation et à la réflexion avait diminué et que la relation avec leurs éditeurs a changé, ce qui m’a sensibilisé quand on sait que ma présidence de cette association touche à sa fin. L’industrie de la musique et de l’édition ont toutes les deux subi de gros changements lorsque leurs produits et leurs techniques de vente se sont numérisés.

Haylines, 2011 glass, wood, wire H45 x W1350 x D21 cm Brad Copping

Les galeries commerciales et le système de vente au détail sont aussi en train d’évoluer bien que ce soit moins évident d’en prédire la tournure, car notre “produit” reste somme toute assez difficile à numériser. Les artistes son encouragés à se mettre en ligne, ceux ci doivent pouvoir fournir aux galeries des outils Internet déjà prêts et poster des liens sur leurs sites web pour indiquer ceux des galeries. Et j’entends de plus en plus dire de nos jours que sans site Internet, vous n’êtes pas vraiment un artiste reconnu (je sais, je vais bientôt devoir m’y mettre… mais en attendant j’ai celui de la GAAC). Comme on s’attend à ce que l’artiste soit responsable de tout ce nouveau travail promotionnel nécessaire (travail qui revenait traditionnellement aux boutiques et aux galeries) tout en accordant le même nombre d’heures qu’auparavant à la réflexion et à la création d’une œuvre consistante, il n’est pas étonnant que certains ronchonnent. Comment s’estimer satisfait avec 50% ou moins (les anciennes répartitions à 60-40 relèvent pratiquement de l’ordre du mythe à présent) et des prix trafiqués pour prendre en charge des remises potentielles de plus en plus importantes et tenir compte de la fluctuation des taux de change étrangers en même temps? Avec tous les artistes sur leurs listes, combien de temps les galeries de verre/artisanat/art/design vont-elles pouvoir me consacrer? Quels risques prennent-ils si mon travail est coincé dans une livraison ou enfermé on ne sait où dans une antichambre? C’est alors qu’arrive le client potentiel sachant évaluer une œuvre et retrouver une adresse email. L’artiste doit-il alors exclure, ou pire encore faire faux bond à la galerie alors que le travail a peut être déjà été physiquement engagé? Voici donc ma question: à partir du moment où le travail en question est unique, notre engagement est intégral et ne peut pas être simulé. Ainsi, la relation que nous entretenons avec les boutiques et les galeries reste cruciale pour la continuité de notre activité et doit être nourrie et mise en avant en cette période de changement. Nous ressentons tous –propriétaires de galeries et artistes confondus- une certaine pression provenant de cette économie globale confuse.

Conserver de l’intégrité et de la loyauté a toujours été un challenge, et le ‘tout est gratuit’ du monde numérique semble être une contrainte supplémentaire pour y parvenir. A quand remonte la dernière fois que quelqu’un vous a demandé de reproduire quelque chose qu’il avait vu sur Internet mais qu’il ne pouvait s’offrir, nous poussant à voler les design d’un autre artiste? Le marché devenant de plus en plus litigieux nous force à faire usage plus que jamais de contrats, bien qu’il me semble que leur utilisation dissimule en fait notre inaptitude à rester intègres et loyaux. J’ai eu de par le passé et encore à l’heure actuelle maintes occasions de traiter avec des galeries et des boutiques absolument merveilleuses ainsi que leurs propriétaires, à la fois avec et sans contrat, et ces relations conservent une importance à mes yeux. J’ai aussi eu de très mauvaises expériences impliquant les pires galeries (sans contrat) et cela m’a laissé amer et déçu. (Donc si vous envisagez une certaine galerie à Houston au Texas, envoyez moi d’abord un email et nous ferons bon escient d’Internet pour en débarrasser le monde artistique).

Insulated (detail), 2011 glass, steel, wood H302 x W145 x D157 cm Brad Copping

Mais je ne souhaite pas vous laisser ainsi sur une note négative. J’ai encore maintenant l’occasion d’entretenir des échanges avec certaines galeries publiques et il semblerait que le domaine du publique soit très enthousiaste à l’idée d’accueillir le verre dans ces milieux. Ainsi, le travail de Lou Lynn a beaucoup voyagé à travers le nord et l’ouest du Canada et la rétrospective de Sue Rankin ‘Valid Objects of Beauty’ poursuit sa tournée de l’ouest cet été au Centre Esplanade des Arts et de l’Héritage de Medicine Hat. L’Esplanade accueillera une exposition sur 15 artistes contemporains de l’Alberta intitulée ‘Natural Flow’ ainsi qu’une exposition historique appelée ‘Hand Made by Altaglass’. Il existe de nombreuses galeries publiques, musées et centres artistiques dans notre pays et ceux ci sont de plus en plus ouverts à notre activité. Vous pouvez en général trouver leurs formalités d’inscription sur leur site Internet. Loin d’être une source de revenu équivalente à celle des galeries commerciales, les institutions publiques payent tout de même des taxes CARFAC et ce type d’exposition est perçu favorablement par les jurys d’allocation des bourses. De plus ce genre d’exposition valorise votre profil et votre travail lorsque vous avez affaire avec des galeries commerciales.

L’installation récente de mon exposition ‘Prairie Portage Primer’ dans la petite Galerie des Arts de la ville de Swift Current en Saskatchewan, et ma participation à certains programmes communautaires qui ont eu lieu autour de l’exposition n’ont fait que confirmer l’engouement du publique pour notre travail et m’ont remis en tête la raison première pour laquelle j’avais eu envie de faire de l’art.

J’espère que ce magazine pourra continuer à vous inspirer et à vous rappeler cette même chose.

Bon courage, Brad.

By Kai Georg Scholefield

Dream of the Fisherman's Wife, 32" x 42 "

Internationally acclaimed artist Judith Schaechter was invited to the Alberta College of Art and Design in Calgary in January this year as a visiting artist to give demonstrations and lectures on her practice as a stained glass artist.

Schaechter made her start in glass after attending Rhode Island School of Design when she moved to Philadelphia, and over the next 20 years created work that has been described as “paradoxical assemblages of medieval depictions, mediated by contemporary tales of human failings.”

Child Bride, 20" x 38"

In terms of materials, Schaechter makes use of those standard to stained glass: flat glass panels or modules soldered together in a support frame.  However, in terms of process and content, her work is inventive and unique. A singular work may contain layers of coloured flash glass, flat glass with a veneer of colour on one side where the coloured side is cut, carved and sanded to create contour lines, and variations in tone and hue.  Her work generally depicts figures and each component within a piece is meticulously constructed in steps.  She even uses pigment – generally black and yellow – to refine renderings further. These pigments are then fired in a kiln to ensure they become a permanent part of the glass.  Due to the nature of Judith’s work, throughout a select piece there may be sections with more layers than others, creating a relief or landscape across the piece that adds dimension to the work literally and aesthetically. She has also been resourceful with a variety of tools and equipment in her practice, making Judith noteworthy as an innovator in stain glass technology.

Detail of process

The physical process of constructing a piece and the internal creative process are linked in Schaechter’s work and mind in that her creative process involves applying certain constraints under which conditions she believes she is more effective. Schaechter believes the tedium is what draws her to the medium. While concentrating on specific tasks, ideas to her are allowed to move and grow unrestricted from the pressure of specific meaning.  Having said that, Judith is also intuitive in her creative process, meaning she does not set out to execute a rigid plan. She instead applies patience and an amount of breathing room for dialogue between herself and the work as it is created.

When speaking about content, Schaechter suggests her work conveys an uncomfortable beauty based primarily on sex and death and, to a lesser extent, romance and violence. And while her work appears to have sarcastic undertones in its gothic depictions, it is quite refreshing in that Judith values the clichés and sentimentality that is invoked.

Joan of Arc, 35" x 31"

Schaechter has argued that glass is not a genre but a medium of expression, and while this is an ongoing debate yet undecided by the art community at large, the traditional context for stained glass in general does not touch these topics.  And so it appears Judith Schaechter is a pioneer here, breaking new ground in glass art.

The Talk, 18" x 41"

Judith is represented in New York, Los Angeles, Seattle, Netherlands, Germany and Korea and is the recipient of many grants, including two National Endowment for the Arts Fellowships and a Guggenheim Fellowship. Her work is in the collection of the Philadelphia Museum of Art, the Fine Art Museum of San Francisco, the Museum of Arts and Design in New York, the Corning Museum of Glass, the Renwick Gallery of the Smithsonian Institution, the Victoria and Albert Museum in London, and numerous private collections. Judith has taught at the Pilchuck Glass School in Seattle, Rhode Island School of Design, the University of the Arts, and the Pennsylvania Academy of Arts.

More information on Judith Schaechter can be found on her website at www.judithschaechter.com.

Judith Schaechter rend visite à l’ACAD

Par Kai Georg Scholefield

Dream of the Fisherman's Wife, 32" x 42 "

Reconnue mondialement, l’artiste Judith Schaechter était l’invitée en janvier dernier du Collège des Arts et du Design d’Alberta à Calgary pour intervenir sur son métier d’artiste vitrailliste et faire des démonstrations.

Schaechter fit ses débuts dans le verre après avoir terminé ses études à l’Ecole de Design de Rhode Island et déménagé à Philadelphie. Durant les 20 années qui suivirent, elle se mit à créer ce qui est considéré comme “des assemblages paradoxaux de représentations médiévales mixées à des situations de défaillance humaine contemporaines”.

Child Bride, 20" x 38"

Concernant les matériaux employés, cela va du verre standard au vitrail: des panneaux aux modules de verre soudés ensemble dans une structure. Cependant, en termes de process et de contenu, son travail créatif est unique. Une seule œuvre peut contenir plusieurs couches de verre flash coloré, panneaux colorés d’un seul côté par un vernis qui sera coupé, gravé et sablé afin d’obtenir les lignes de contour ainsi que créer des variations de tons et de nuances. Ses œuvres dépeignent en général des personnages où chaque élément est méticuleusement construit par étapes. Elle emploie aussi des pigments, généralement du noir et du jaune qui affinent encore plus le rendu. Ces pigments sont ensuite chauffés dans une arche afin de les sceller définitivement au verre. Dans ce genre de travail, certaines sections d’une même pièce peuvent comporter plus de couches que d’autres, créant un relief ou formant des paysages au travers de l’œuvre, ce qui lui donne de la dimension tant au sens littéral qu’au sens esthétique. Judith fait aussi preuve de créativité dans son travail avec l’utilisation d’outils et d’équipements variés, faisant d’elle une remarquable innovatrice en termes d’approche technologique de l’art du vitrail.

Détail de la conception des processus.

Lors de la création d’une pièce, les procédés physiques et créatifs internes sont reliés dans le travail et l’esprit de Schaechter car une partie du créatif implique de prendre en considération certaines contraintes qui lui permettent d’être plus efficace. Schaechter pense que l’ennui lui apporte le moyen. Lorsqu’elle doit se concentrer sur des tâches spécifiques, son esprit s’accorde à vadrouiller et à évoluer sans but spécifique ni pression. En outre, Judith a un processus de création intuitif, signifiant que le plan qu’elle se fixe reste flexible. Au contraire, elle y met de la patience et s’accorde du temps pour respirer et instaurer le dialogue entre elle-même et son œuvre au fur à mesure qu’elle se crée.

Selon Schaechter, le contenu de son travail transmet une beauté qui met mal à l’aise, principalement basée sur les thèmes du sexe et de la mort ainsi que de la romance et la violence à une moindre mesure. Et tandis que l’apparence gothique de ses œuvres leur donne des traits sarcastiques, le travail de Judith est plutôt rafraîchissant à sa façon de valoriser les clichés et la sentimentalité évoqués.

Joan of Arc, 35" x 31"

Schaechter ne considère pas le verre comme un genre mais plutôt comme un moyen d’expression. Alors que ce débat actuel est encore non tranché au sein de la communauté artistique, ces sujets ne sont que rarement abordé dans le contexte traditionnel du vitrail. Il semble donc que Judith Schaechter soit une pionnière en la matière ouvrant de nouvelles voies à l’art verrier.

The Talk, 18" x 41"

Exposée à New York, Los Angeles, Seattle, aux Pays-Bas, en Allemagne et en Corée, Judith a reçu plusieurs bourses dont deux de la Fondation Nationale pour la Confrérie des Arts et une de la Fondation Guggenheim. Ses œuvres sont visibles aux Musée des Arts de Philadelphie, Musée des Beaux-Arts de San Francisco, Musée des Arts et du Design de New York, Musée du Verre de Corning, Galerie Renwick de l’Institution Smithsonian, Musée Victoria et Albert de Londres ainsi que dans de nombreuses collections privées. Judith a enseigné à l’Ecole du Verre de Pilchuck à Seattle, à l’Ecole du Design de Rhode Island, à l’Université des Arts et à l’Académie des Arts de Pennsylvanie.

Pour plus d’informations concernant Judith Schaechter, consultez son site Internet www.judithschaechter.com.

Reprinted with the kind permission of

Denis Longchamps, Éditeur et rédacteur en chef / Publisher and Managing Editor,

Cahiers métiers d’art / Craft Journal

Spouted Vessel, 2007, Verre et bronze / Glass and bronze,Photo: Janet Dwyer

In 2010, British Columbia glass artist and sculptor Lou Lynn was inducted into the Royal Canadian Academy of Arts.  While I have seen some of her works in galleries such as Gallery Elena Lee in Montreal, I first met Lou Lynn informally in the fall of 2009 in the office of the Conseil des métiers d’art du Québec.  We met again in May 2010 for lunch while she attended the Glass Art Association of Canada conference held in Montreal.  In the conference exhibition she also had a series of work that we discussed before going on St-Denis Street for a meal.  In the following I share with you parts of our discussion in relation to her artistic practice, and all of Lynn’s citations are from this conversation or from our email exchanges.

Mixing bronze and glass, her sculptures by their forms recall antique and contemporary tools yet deny their primary function as such by this precise choice of materials.  In her solo exhibition, Retro-Active (2008-2009), curator Helen Selebius wrote in the accompanying catalogue that,

Lynn masterfully combines materials in a manner that draws attention to their inherent qualities.  The point at which the fragility, strength and optical properties of glass meet with the durability of metal speaks about the tension that exists between her chosen materials.¹

Hooked Chisel, 2007, Verre et bronze / Glass and bronze, Photo: Janet Dwyer

Through Lynn’s creative transformation, the utilitarian object becomes artful or expressive sculpture with the inherent tension between form and function, hard metal and glass, and the obvious fragility of the latter. In her installation of Tools as Artefacts (2008), she grouped her reinterpreted tools alternating some bronze-only sculptures with others combining metal and glass.  It is such a combination series of five that was presented during the conference in Montreal.  While some of the bronze-only pieces probably can still be used in a utilitarian way, the chosen noble metal, historically linked to the fine art of sculpture, elevates them to another level meant for contemplation; the glass on the others obliviously annihilates any possible functional usage.  In both cases, the surface textures are sensually inviting touch while their presentation on the walls and on plinths reminds us that touching is not allowed in a gallery environment.

It is in a search for developing her own formal vocabulary that she became interested in ordinary tools from other eras that she collected.  Artifacts of old ways of doing things, their forms, as Robin Laurence wrote in the Retro-Active catalogue essay, are for Lou Lynn “pure and enduring sculpture.”²

Puller, 2009, Verre et bronze / Glass and bronze, Photo: Janet Dwyer

But how did it all start for Lynn and what brought her to work with glass.  She says,

As a child I was interested in art and I recognized quite early that my strengths lay in 3-D work and working with materials.  Like many artists, when I discovered glass I was attracted to the optical properties of the material and was fascinated by working with something that was fragile and unfamiliar.

She continues in discussing her art education and mentors,

In the mid 1980’s, I was just starting to explore glass as a sculptural material and had the good fortune to spend several summers attending classes at Pilchuck Glass School.³ This was at a time when contemporary glass in the United States was taking off and I was exposed to many artists who were pushing the boundaries of the material, in ways that I had never imagined possible.  The experience challenged my preconceived ideas of expression and I really credit the influence that Pilchuck had on me, to help me find my own visual language.

Auger, 2007, Verre et bronze / Glass and bronze, Photo: Janet Dwyer

“Mentor: a wise and trusted advisor.”⁴

There are two people who I consider mentors … Irene Frolic, artist/educator, who taught me kiln-casting, and Helen Sebelius, artist/curator.  Both offer insightful and honest feedback about all aspects of my work/career and have taught me a lot about seeing.

We then went on to discuss sources of inspiration and her series of work titled Artefacts that suggests archaeology and history, as well as her more recent projects that are also inspired by garden tools,

I began exploring the Tool series in 2004, and I find old tools to be a continued source of inspiration.  As a maker, I contemplate the esthetic and functional decisions that were made on old tools, to embellish a handle, curve a piece of metal or join materials.

I am attracted to functional objects of all kinds, from all epochs and enjoy pondering the intended use of these things.

The combination of glass and metal is rather unusual, more so for tools, since the power of one is subverted by the fragility of the other.  Such pairing creates a formal and visual tension that is in itself fascinating. She comments,

I had been working in glass for several years, when in 1985 I began collaborating with a metal artist and we received a Canada Council grant to explore the architectural potential of combining cast aluminum and dalle de verre.  This quite naturally led me to the idea of introducing metal into my glass sculpture, since I was and still am, interested in the contrast between strength and fragility offered by combining these two disparate materials.  I soon became concerned about the health risks of casting aluminum and eventually came to casting bronze.  This progression was a very easy step for me, since the lost-wax casting methods for both bronze and glass are similar and I really enjoy sculpting in wax.

Pronged Spade, 2008, Verre et bronze / Glass and bronze, Photo: Janet Dwyer

For the future, Lou Lynn would like to explore kitchen and domestic tools again for their inherent formal qualities.  Her philosophy in regards to her artistic pursuits is embedded in “an exploration of form and material.”

In her artist’s statement, she writes,

I am primarily concerned with the exploration of form and the use of materials.  Inspiration for my work has for the most part been informed by architecture, archaeology and industrial objects.  This has resulted in a visual language that has implied reference to functional implements and objects of the past.  The sculptural qualities of hand tools hold a particular fascination for me, as I ponder the esthetic decisions of their makers.

Pestle #3, 2008, Verre et bronze / Glass and bronze, Photo: Janet Dwyer

And while bronze and metal seems to occupy a place of choice in her works, she insists that,

… glass has been my preferred medium, which I have chosen to explore from a sculptural perspective.  While I have investigated the fragility, strength and optical properties of the material, I have never been interested in the seductive use of color or functionality, preferring instead to focus on form.  The integration of metal provides both visual contrast and the exploration of a relationship between strength and fragility.

But as our lunch came to an end, Lynn returned to the conference, and as I am interested in the divide of craft and art and explore all the grey areas that are in between, I asked where she located her practice and she answered that her “work sits comfortably on the line between contemporary craft and sculpture” – a line that is as blurred and complex as the work of Lou Lynn.

Our sincere thanks to Dr. Denis Longchamps, Concordia University, Montreal, Quebec.  To see the above article in Cahiers métiers d‘art ::: Craft Journal, go to:  http://www.craftjournal.ca/en/issues/70-currentvol4no1.html.

² Robin Laurence, in Selebius, 2008:  no page.

³ Pilchuck Glass School is located in Stanwood, Washington and was founded by glass artist Dale Chihuly and patrons Anne Gould and John H. Hauberg in 1971.

⁴ Gage Canadian Dictionary

Une Conversation Avec … Lou Lynn, Artiste du Verre

Réimprimé avec l’aimable autorisation de

Denis Longchamps, Éditeur et rédacteur en chef / Publisher and Managing Editor,

Cahiers métiers d’art / Craft Journal

Spouted Vessel, 2007, Verre et bronze / Glass and bronze,Photo: Janet Dwyer

En 2010, l’artiste verrier et sculpteure de la Colombie-Britannique Lou Lynn était intronisée à l’Académie royale des arts du Canada.  J’avais déjà vu son travil dans des galleries telles que celle d’Elena Lee à Montréal.  J’ai recontré Lou Lynn pour la première fois par hazard dans les bureaux du Conseil des métiers d’art du Québec à l’automne 2009.  Nous nous sommes rencontrés une fois de plus en mai 2010 pour dîner ensemble alors qu’elle participait à la conférence de l’Association du verre d’art du Canada tenue à Montréal.  Dans le cadre de l’exposition offerte de concert avec la conférence, elle a présenté une série d’oeuvres don’t nous avons discuté avant de nous render sur la rue St-Denis pour notre repas.  Dans ce qui suit, je partage avec vous une partie de notre conversation sur son travail artistique; les citations de Lynn sont tirées de cette rencontre et de nos échanges de courriels subséquents.  Associant le bronze et le verre, les formes sculptées par Lynn évoquent des outils, anciens ou contemporains, alors que le choix des matériaux nie leur fonction première.  Pour son exposition solo, Retro-Active (2008-2009), la commissaire Helen Selebius a écrit dans le catalogue que,

Lynn combine magistralement les matériaux de façon à attirer l’attention sur leurs qualités inhérentes.  Le point où la fragilité, la force et les propriétés optiques du verre rencontrent la durabilité du métal parle de la tension qui existe entre les matériaux choisis.¹

Hooked Chisel, 2007, Verre et bronze / Glass and bronze, Photo: Janet Dwyer

Par le biais des transformations créatrices de Lou Lynn, les objets utilitaires deviennent des sculptures artistiques et expressives qui experiment las tension inhérente entre la forme et la fonction, entre la dureté du métal et la fragilité évidente du verre.  Dans son installation Tools as Artefacts (2008), elle a regroupé ses outils réinterprétés en alternant ceux en bronze seulement avec d’autres combinant métal et verre.  C’est une telle séries de cinq pièces qu’elle a présentée lors de la conférence de Montréal.  Alors que les pièces tout en bronze pourraient à la limite être utilisées, ce matériau noble qui est lié a l’histoire de la sculpture et des beaux-arts, les élèvent à un niveau mieux adapté à la contemplation; le verre des autres pièces annihile tout usage possible.  Dans les deux cas, la texture des surfaces est sensuellement invitante au toucher maix leur mode de présentation sur les murs et sur des socles nous rappelle que le toucher est interdit dans une galerie d’art.

C’est dans la recherche d’un langage formel propre à elle que Lynn s’est intéressée aux outils usuels d’une autre époque et qu’elle a commencé à les collectionner.  Comme l’écrivait Robin Laurence dans l’essai du catalogue de Retro-Active, ces artefacts des anciennes façons de faire, et leurs formes, sont pour Lou Lynn « sculpture pure et durable. »²

Puller, 2009, Verre et bronze / Glass and bronze, Photo: Janet Dwyer

Mais comment tout a-t-il commencé pour Lynn et qu’est-ce qui l’a amenée à travailler le verre?  Elle nous dit :

Enfant j’étais intéressée à l’art et j’ai réalisé très tôt que mes forces se trouvaient dans le travail à trois dimensions et le travail a trois dimensions et le travail avec les matériaux.  Comme plusieurs artistes, lorsque j’ai découvert le verre, j’ai été attirée par les propriétés optiques de ce matériau, et j’ai été fascinée de travailler avec quelque chose d’aussi fragile et inconnu.

Elle poursuit en discutant de son éducation artistique et de ses mentors :

Au milieu des années 80, je commencais tout juste à explorer le verre comme matériau sculptural et j’ai eu le plaisir de passer plusieurs étés à prendre des cours à la Pilchuck Glass School.³ C’était au moment où le verre commençait à prendre de l’ampleur aux Etats-Unis et j’ai rencontré plusieurs artistes qui poussaient les limites du matériau d’une manière que je n’avais jamais cru possible.  Cette expérience m’a obligée a revoir mes notions d’expression préconçues, et je donne crédit à Pilchuck, à l’influence que cette école a eue sur moi, de m’avoir aidée à trouver mon propre langage visuel.

Auger, 2007, Verre et bronze / Glass and bronze, Photo: Janet Dwyer

« Mentor :  un conseiller avisé et de confiance. »⁴

Il y a dux personnes que je considére mes mentors … Irene Frolic, artiste et éducatrice, qui m’a appris le moulage au four et Helen Sebelius, artiste et commissaire.  Les deux m’ont offert des commentaires honnêtes et perspicaces sur tous les aspects de mon travail et de ma carriére, et m’ont réellement appris comment voir.

Nous avons poursuivi en parlant de ses sources d’inspiration et de sa série d’œuvres réunies sous le titre Artefacts qui suggére histoire et archéologie, de même que de son plus récent projet qui est aussi inspiré d’outils, de jardinage cette fois :

J’ai commencé à explorer la série Tool en 2004, et je trouve que les outils me sont une source d’inspiration continuelle.  En tent qu’artiste, j’admire les décisions esthétiques et fonctionnelles qui ont contribué a la forme des vieux outils :  embellir une poignée, courber un morceau de métal ou joindre différents matériaux.

Je suis attirée par les objets utilitaires de toutes sortes, de toutes époques, et j’aime méditer sur l’utilisation destinée de ces choses.

La combinaison du verre et du métal est plutôt inhabituelle, surtout pour des outils, puisque la force de l’un est subvertie par la fragilité de l’autre.  Un tel appariement crée une tension visuelle et formelle qui est en soit fascinante.  Elle commente :

Je travaillais avec le verre depuis plusieurs années déjà lorsqu’en 1985 j’ai collaboré avec un artiste du métal.  Nous avons obtenu une bourse du Conseil des arts du Canada pour explorer le potentiel architectural de la combinaison de la fonte d’aluminium et des dalles de verre.  Ceci m’a amenée presque naturellement à l’idée d’inclure du métal dans mes sculptures de verre puisque j’étais, et suis toujours, intéressée aux contrastes entre la force et la fragilité offerts par ces ceux matériaux si disparates au premier abord.  Rapidement, j’ai été soucieuse des risques pour la santé de mouler l’aluminium et je suis donc passée au moulage du bronze.  Cette progression a été une étape facile pour moi puisque les méthodes de moulage à la cire perdue du bronze et du verre sont similaires et j’aime beaucoup sculpter la cire.

Pronged Spade, 2008, Verre et bronze / Glass and bronze, Photo: Janet Dwyer

A l’avenir, Lou Lynn aimerait travailler avec des outils domestiques et de cuisine, toujours pour leurs qualités formelles inhérentes.  Pour ce qui est de sa philosophie artistique, elle est « une exploration de forme et de matériau. »

Dans sa démarche artistique, elle écrit :

Je suis principalement préoccupée par l’exploration des formes et l’utilisation des matériaux.  L’inspiration pour mon travail a surtout été nourrie par l’architecture, l’archéologie et le design industriel.  Le résultat est un langage visuel composé de références aux instruments et aux objets fonctionnels du passé.  J’ai une fascination particuliére pour les qualités sculpturales des outils manuels alors que je réfléchis sur les décisions esthétiques de leurs fabricants.

Pestle #3, 2008, Verre et bronze / Glass and bronze, Photo: Janet Dwyer

Et alors que le bronze et le métal occupent une place de choix dans ses œuvres, elle insiste sur le fait que … le verre est mon medium préféré, que j’ai choisi d’explorer d’une perspective sculpturale.  Bien que j’aie exploré la fragilité, la force et les propriétés optiques de ce matériau, je n’ai jamais été intéressée par l’utilisation séductrice de la couleur ou de la fonctionnalité, préférant me concentrer sur les formes.  L’intégration du métal procure un contraste visuel et une occasion d’explorer la relation entre force et fragilité.

Notre dîner touchait à sa fin et Lynn devait retourner à la conférence, mais comme je suis intéressé par la division entre arts et métiers d’art et que j’explore la zone grise entre les deux, j’ai demandé à Lynn où elle situe son travail.  Elle a répondu que son « travail se situe confortablement sur la ligne entre les métiers d’art contemporains et la sculpture. »  Une ligne tout aussi subtile et complexe que le travail de Lou Lynn.

Notre sincère gratitute à Denis Longchamps PhD, Université Concordia, Montréal, Québec.  Pour voir l’article susmentionné dans Cahiers métiers d‘art ::: Craft Journal, visiter:  http://www.craftjournal.ca/en/issues/70-currentvol4no1.html.

¹ Notre traduction.  Helen Selebius, Lou Lynn: Retro-active (Nelson, BC:  Touchtones Nelson-Museum of Art and History, 2008):  foreword.

² Notre traduction.  Robin Laurence, dans Selebius, 2008:  sans page.

³ La Pilchuck Glass School est située à Stanwood, Washington et a été fondée par l’artiste verrier Dale Chihuly et les collectionneurs Anne Gould et John H. Hauberg en 1971.

⁴ Notre traduction.  Gage Canadian Dictionary

Migrations and Transparencies

By Alejandra Basañes

“Migrationes et Transparences”:  Masters Research Project, exhibited at the Atelier Silex, gallery Espace 3/4, Trois-Rivieres, Quebec. December 2010.

Translation by Sam Kerson and Katah

Les racines, verre, 1,50 x 1,50 m. Migrations et transparences (vue partielle de l'installation), 2010.

Abstract:

The creative research project that I have carried out is called “Migrations and Transparencies,” and was structured around my experience of migration.  This migration has given me the opportunity to live another spatial time; virtually, another life.  Moving to another country had a destabilizing effect on the course of my life.  At the beginning of my Masters, I had not planned a research related to myself.  I had not imagined a project in which my experience as an immigrant would be the theme.  My studies have looked at the path of migration as a research topic but, as I look more closely, I find myself.  For me, exile is a wound that marks the subsequent unfolding of my existence. Exile is a structural break.  Exile is also an extraction (uprooting) from the place of origin, followed by integration (transplanting) in a new society. As it happens, in my case, this new society has come to nourish my discourse and multiply my affiliations.

Les racines, verre, 1,50 x 1,50 m. Migrations et transparences (vue partielle de l'installation), 2010.

My research has made me question the creative techniques I use to produce my work. I have also had to rethink some ideas and concepts, which were central to my practice in the past. My current work addresses different issues such as migration and territory. I wanted to consider the possible combinations of different artistic disciplines and, more to the point, the fusion between drawing, digital photography, manipulating the image and glass printing, all in transition towards installations.

Les objets en verre, 2010

I used the canning jar, an industrial object produced in series, which is made for holding foods such as jams and sauces.  In this way, an industrialized jar, a common object of our everyday life, used out of context, becomes a unique piece and evolves towards a work of art or part of a work of art.  I transformed jars by heating them to a temperature of 715 degrees Celsius.  Under these conditions the jars, which previously were identical, underwent a transformation that did not affect all of them in the same way.  During the firing process, the jar collapses and finds a new form, a new balance.  The form becomes irregular and asymmetric.  The industrialized piece, the jar, now becomes a unique object.  Randomness plays a part in the collapse of this object because of the natural physical properties of the glass and the weakness of the edges of the jar.

Les objets en verre, 2010

Just as jars change under the effect of heat, human beings will also differ in the way they go through stressful situations in their lives such as migration or other passages more or less traumatic or painful.  There is a certain distortion that everyone goes through.  Like my jars, some will always be able to continue to function, but others will flatten completely and will not be able to hold anything.  They will loose their primary function.

Les objets en verre, 2010

Once the jars were transformed by the heat, I placed them on the ground on a rectangular bed of sand, making the link between both suspended images.  At the center of the installation, the jars are laid on a bed of sand, a fragment of the territory.  The sand rectangle is a metaphor to the territory, of the land and of the place; a fragment of land which is necessary for roots to establish themselves.

Migrations et transparences (vue partielle de l'installation), 2010.

The installation “Migrations et transparances” is a metaphor of my migratory trajectory from my own land to a new territory.  During this journey, I felt the extent of the uprooting.  It is merely my own way of seeing the world.  The elements of the piece form a script of images that are a fulfillment of who I am, as well as representing my migratory journey.  The piece has its own story:  it is a reminder of a movement that tilts an established environment over an indeterminate time period; an interlacing of time and space, represented by the roots that have taken time to grow.  The map of an unknown city, for the spectator, also needed time and space to develop, depending on the circumstances of the life of the society.    The map expands and leaves marks in one’s memory.  This way, the temporal dimension of the piece becomes relative.  The jars will suggest the trajectory and the transformation in time.  The determination takes the form of a creation:  the determination to create, also the determination to leave and finally most important, to accomplish one’s migratory process.

Une carte de la ville de San Juan, verre, 1,50 x 1,50 m, détail, Migrations et transparences. 2010

Masters thesis presented at the Faculté des études supérieurs de l’Université Laval, intended for the completion and achievement of a Masters in Visual Arts (M.A.)

Advisor:  Richard Baillargeon

Migrations et transparences

by Alejandra Basañes

Mémoire présenté à la Faculté des études supérieures de l’Université Laval dans le cadre du programme de maîtrise en arts visuels pour l’obtention du grade de maître ès arts (M.A.)

École des arts visuels Faculté d’aménagement, d’architecture et des arts visuels Université Laval. Québec. 2010

Les racines, verre, 1,50 x 1,50 m. Migrations et transparences (vue partielle de l'installation), 2010.

Résumé

La recherche création que j’ai effectuée s’intitule « Migrations et transparences », elle s’est articulée autour de mon expérience de la migration. La migration m’a permis de vivre un autre temps spatial : une autre vie. Ce changement de pays est lié à un rôle déstabilisateur dans ma vie. Au début de mes cours de maîtrise, je ne pensais pas investiguer des phénomènes dans lesquels j’étais moi-même immergée. Les recherches m’ont conduite à parcourir le sentier de la migration comme sujet de recherche, où je me trouve totalement immergée. Pour moi, non seulement l’exil est-il une blessure qui marque le déroulement subséquent de mon existence — une fracture structurante en quelque sorte — mais l’exil est aussi un arrachement (déracinement) du lieu des origines, suivi d’une intégration (enracinement) dans une nouvelle société qui vient nourrir mon discours des appartenances multiples.

Les racines, verre, 1,50 x 1,50 m. Migrations et transparences (vue partielle de l'installation), 2010.

Ma recherche m’a fait remettre en question mes moyens de production et certaines notions et concepts par rapport à mon travail précédent. Différents concepts y sont abordés, tels que la migration, le territoire et sa représentation (la carte). Je me suis intéressée à développer une réflexion sur les possibles combinaisons de différents moyens, plus concrètement: la fusion entre le dessin, la photographie numérique, la manipulation de l’image et l’estampe sur verre en transition vers des installations.

Les objets en verre, 2010

Je me suis servi des pots de confiture, objets industrialisés et en série destinés à contenir des aliments (confitures, sauces, et autres). Ainsi, un pot industrialisé, un objet du quotidien hors de son contexte usuel, devient une pièce unique, et évolue vers une œuvre ou une partie d’une œuvre. J’ai transformé ces pots par une cuisson au four à une température de 715 degrés Celsius. Sous l’effet de la chaleur, les pots de forme identique ont subi une transformation qui ne les a pas tous affectés de la même manière. Au moment de la cuisson, le pot s’effondre et retrouve une nouvelle forme, un nouvel équilibre. Cet équilibre devient asymétrique et la forme devient irrégulière. De pièce faite en série, le pot, devient un objet unique. Le hasard joue et l’effondrement se produit à cause de la nature physique du verre et de la faiblesse des parois du pot.

Les objets en verre, 2010

Un peu tout comme les pots sous l’effet de la chaleur, les êtres humains vont vivre différemment les mêmes situations de vie, comme la migration ou d’autres passages plus ou moins traumatiques et douloureux. Il y aura une certaine déformation pour tous, quelques uns seront toujours capables de continuer à fonctionner comme contenant, d’autres vont s’aplatir totalement et incapables d’être remplis, ils vont perdre leur fonction première. Une fois les pots transformés par la chaleur je les ai placés par terre sur un rectangle de sable, faisant le lien entre les deux images suspendues. D’un coté, l’image de ma ville d’origine, San Juan (Argentine), la carte topographique modifié par moyen des coups de pinceau sortis de ma mémoire (Sérigraphie sur verre texturé par fusion); Del autre coté, une image composée avec dessins et photographies d’énormes racines d’arbres, retournées par la mer sur une plage en Gaspésie, Québec (Canada).

Les objets en verre, 2010

Au centre de l’installation les pots sont posés au sol sur un lit de sable, un fragment du territoire. Le rectangle de sable est une métaphore du territoire, de la terre et du lieu. Un fragment de terre, celle qui est nécessaire pour prendre racines et s’établir.

Migrations et transparences (vue partielle de l'installation), 2010.

L’œuvre, l’installation Migrations et transparences, est une métaphore du trajet migratoire de mon territoire d’origine vers un nouveau territoire. Lors de ce trajet, j’ai senti l’ampleur du déracinement. Elle est simplement ma manière de voir le monde, une écriture d’images qui est un accomplissement de moi-même, et aussi de mon trajet migratoire. L’œuvre possède sa propre histoire : elle rappelle un mouvement qui fait basculer un environnement, et ce, à travers un temps non déterminé. Un entrecroisement de temps et d’espace représenté par les racines qui ont mis du temps à grandir. La carte d’une ville inconnue pour le spectateur, a eu aussi besoin de temps et d’espace pour se propager selon les circonstances de la vie d’une société. La carte qui se répand pour laisser des traces dans la mémoire. Ainsi, la temporalité de l’œuvre devient une chose relative. L’ensemble des pots en verre va suggérer le trajet et la transformation dans le temps. La détermination prend la forme de la création : la détermination de créer, celle aussi de partir et enfin celle très importante : de réaliser la migration.

Une carte de la ville de San Juan, verre, 1,50 x 1,50 m, détail, Migrations et transparences. 2010

Alejandra Basañes, « Migrations et transparences »
Exposition de maîtrise dans la salle Espace 0…3/4 de l’Atelier Silex.  Trois-Rivières

Décembre 2010

By Ryoko Sato

Hiroshi Hamadate, Earth, 2007

Japan has a long tradition in crafts and, as in many other countries, glass is considered as part of the crafts.  But glass does not yet have a long-standing tradition, as does ceramics, wood, lacquer and textile. Japan began producing everyday glass in the 17^th century but it was only with modernization at the end of the 19^th century that it became industrialized. It was in the 70’s, with the arrival of the studio glass movement from the United States, that glass came to be recognized as an important material within the crafts tradition.  Since then glass artists have had to make their own niche within the scene.  Over the years, though still seen as “new comer,” glass has firmly established its position in Japan.  There are now over twenty educational institutions where you can study glass and over three hundred glass studios.

Tomoko Doi, Glass Sweets, 2009

In 1998, the second generation of studio glass artists were becoming leading figures in the glass scene and the first international glass conference occurred in Japan.  The Glass Art Society (GAS) conference was held in Seto.  A result of that, Sandbox, is a collective of eight emerging Japanese glass artists. The collective started when glass artist Mica Okuno began teaching a sand casting course at Kenji Ito’s private glass studio, Aya Glass Studio, in Kawasaki, Japan.  The unique quality of sandcast glass and the illusionary space inside the solid glass captivated us, Mica’s students, and soon we sought to explore sandcasting techniques outside the limits of the course.  We decided to name ourselves “Sandbox” after the box that contained the sand we used to make our moulds.  And we began organizing projects together.  We named our solid glass sculptural pieces and our exhibitions “KATAMARI Glass” which literally means “solid glass” in Japanese.  The eight of us all had different backgrounds – ceramic, fashion, anthropology, geology, architecture and design – and we explored the possibilities of sandcasting in different ways and established individual styles with the help of each other.

Kanami Ogata, Conversation, 2010

Takeshi Ito, Either the First Home or the Forgetful Things, 2009

Eleven years ago when we organized the “KATAMARI Glass I ” exhibition at the Meguro Art Museum Citizen’s Gallery in Tokyo, an exhibition presenting only sculptural glass was rare, especially exhibitions of only sandcast glass objects.  Sandcasting was not a technique popular in Japan.  Our aim was to present sculptural glass to the wider public and to present the potential of sandcast glass to fellow glass artists. We wanted to be informative and made short videos showing the process of sand casting, which accompanied the exhibition.

Mika Okuno, untitled, 2010

Mio Muraka, Shin ko kyu, 2008

In 2000, “KATAMARI Glass II” followed.  In 2001, we submitted a proposal to participate in the Glass Art Society’s (GAS) annual conference.  To our surprise, the Society accepted our proposal and Sandbox was invited as an official demonstrator – a first for a group – to the 2002 annual GAS conference held in Amsterdam.  Not satisfied with just demonstrating our techniques, we held an exhibition to coincide with the conference called “KATAMARI Glass in Amsterdam”.

Ryoko Sato, The Cute and the Grotesque - Blue Bear, 2003

Our Amsterdam demonstration and exhibition led to an invitation from kiln manufacturer, Barratcha Lda, to hold workshops and exhibit our work in Portugal.  We were also invited to show our work at a Dutch gallery, Werfkade 16.  These experiences were interesting to us in that we were in the position to “give” knowledge while in Japan we were in a position to “receive” knowledge from the west or from the traditional crafts.   After our projects in Europe, we thought it was time to organize a project in Japan, where we envisioned a show where visitors could feel what the environment of sculpture glass is like and not just look at the works on display as disinterested observers.  A 17th century Confucian temple open to the public, Yushima Temple in the heart of Tokyo, deeply inspired us.  We realized our first outdoor exhibition in May 2006, using the inner courtyard and the cloister of the temple.  The exhibition was entitled “KATAMARI Glass @ Yushima Temple.”

Since then, we have had several projects in Belgium, one of the members, Ryoko Sato, being based there.  In September 2007, we had an exhibition at A&D Gallery in Antwerp, and in the following year we completed a project, which included a residency, exhibition and a workshop at the Glazen Huis in Lommel.

We find it important to record our activities and have made two catalogues, one for “KATAMARI Glass @ Yushima Temple” and one for the Belgium exhibition in 2010.

Currently there are six active Sandbox members and two are taking a break.  The six members are now well-established glass artists with unique styles.  They are no longer bound to sand casting, but use other techniques.  They continue to be fascinated by solid glass.

Tomoko Doi is based in Tsukuba and has a background in ceramics.  Both her own stories and fairly tales often inspire her pieces.  In her playful and colourful figures and houses, she encloses what she calls “source of happiness.”  “I believe happiness lies right in front of you.  You just need to look carefully and nurture it.”  She hopes her pieces will “bring a smile to people and be a small seed for happiness.”

Kanami Ogata is based in Yokohama.   In the poetic world of Kanami, words and images are enclosed within glass.  Her pieces are about beginning, “a door which leads you to another place.  I make my pieces to capture and record the invisible matters (emotions, memories and thoughts) which surround me by using a transparent material called glass.”

Mio Muraki, In the Silence - Recollection of the Sea, 2004

Mio Muraki and Hiroshi Hamadate run a hot glass studio, Ipada Glass Studio, in Kanagawa.  The studio is by a beautiful stream, with fireflies in the summer.  Mio Muraki, in her massive sculptures, captures traces of time and moments.  Some are inspired by nature, while others are more abstract as giving shape to “shinkokyu,” a Japanese word for breathing in deeply and exhaling.  “When I think about ‘shinkokyu,’ an act necessary for living, I realize we unconsciously do it on so many different occasions and reasons – for being happy, sad, touched and so on.  I thought of expressing these moments in glass.”

Hiroshi Hamadate is captivated by the wonders of nature and the magic of solid transparent glass. For Hiroshi, nature is filled with surprises and he translates his awe of nature into glass.  “Once a year, when the time is fulfilled, on a night of full moon, corals lay eggs all at once.”  Hiroshi’s works are simple and subtle.  Small bubbles, fine lines and a slight deformation expand the world beyond the limits of the glass.

Mica Okuno, untitled, 2008

It is difficult to imagine Mica Okunos’ powerful pieces are created in a tiny studio in the heart of Tokyo.   Mica’s pieces are manifestations of her ongoing investigation of space and light, which began during her studies at the Gerrit Rietveld Academie (1991-94) in Amsterdam.  “A space quietly exists within a translucent skin.  I fill the space with transparent glass.  Transformed into glass, light inhabits the space.  Light enables glass to expand infinitively and glass transforms light into energy.”

Takeshi Ito, Sweetri, 2010

Takeshi Ito has been studying in Prague since the fall of 2010.  He continues to pursue his theme of “passing on.”  He believes that “life is about passing on something to a successor:  children, loved ones and strangers.  Passing on is life itself.”  Tricycles, representing love of parents to children and hedgehogs, representing love, re-occur in his sculptures and installations.  The colour red, which represents communication, connection and relationship in Japan, is his signature colour.  For Ito, glass is a material which can hold light, darkness, air, will and time – fragile, yet all encompassing.

Shinsaku Fukutaka, Shape and Glass and Light, 2008

Shinsaku Fukutaka is currently focusing on his job as a designer at a Japanese glass company and is taking a break from the Sandbox.  His work is an investigation of light, form and the nature of glass.  His experience of studying at Australia and Helsinki after his studies in Japan, has led him to question what Japanese aesthetics is and what it means to be Japanese. “My stay in Australia made me reconfirm how deeply my aesthetics was rooted in Japan and how the environment, nature, religion and language can influence ones work.”   He hopes to reflect his investigation in his work as a designer.

Ryoko Sato, Piggy Banks of Memories, 2007-09

I, Ryoko Sato, am based in Antwerp, Belgium, and I’m also taking a break from the Sandbox after the birth of my second child.  I greatly appreciate the skills and high level of quality in Japanese glass; at the same time I am influenced by my time at the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam (2001-04) and have developed a more conceptual approach.   I observe, remember and collect my daily experiences.  Some are objects, others are thoughts and some are long distance memories.  Glass serves as a capsule to enclose such treasures and transform seemingly insignificant matters to personal and precious objects.

Since Sandbox has organized our first exhibition in 2000, the environment surrounding glass art in general and our own lives has changed considerably.  Yet we believe that there is good reason to continue working as a collective.  We still do not know what our next project is, but we are looking into different options.  “Taking initiative” has been our ethos for the past ten years.  Japan has always been on the receiving end of ideas from the American and European glass art scene.  We hope to slowly turn the tables so that Japan becomes an “originator” in the glass art world.  Working towards this goal, we hope to continue our activities as Sandbox, at our own pace, in our own style.

By Kirstie Rea

Alberta College of Art and Design, April 2011

Outside/Inside 7, 2009, Glass and Steel, 100 x 51 x 7cm, photo: David Paterson

It’s April and it is still snowing in Calgary. I am about to complete the winter semester at the Alberta College of Art and Design (ACAD) as a sessional instructor/visiting artist in the glass studio. It has been a fantastic experience.

I have taught the 1st and 2^nd year classes and it is these students who often come to our material with eyes wide open and no preconditioned thoughts about what glass can or should do. These are exciting and challenging classes to teach. I am often forced to push out the boundary fence as to how an idea is realised or to take a new track. Hopefully the students are being inspired by new knowledge and learning as much as I am. Getting to know the students and understanding the ideas behind their work is a part of what lets me ‘in’ to a society, a culture and a landscape.

Since graduating from the Glass Workshop at the Canberra School of Art, Australia in 1986, I have tried to balance my practice between making in my Canberra studio and teaching. The majority of my studio work has been focused on exhibition work. I have taught in my field of kiln formed glass since graduating and for me now the teaching and the making are so closely linked that each sustains the other. Teaching makes me want to know more, it breaks patterns that I settle into and it’s a chance to ‘gather’. It balances the ‘gathering’ I do when out bushwalking, on a road trip or when just out and about.

Kirstie Rea in the Studio

As the years have gone by, the teaching, residencies and exhibiting have increasingly taken me away from home and the studio. I have taught and made work in many studios other than my own. So how does being away from home, often for lengthy periods and experiencing other cultures and landscapes, affect the making part of my practice – what are the pros and cons of this and why do I feel so comfortable in Alberta?

Whilst Calgary winter skies have been anything but the brilliant warm blue of home and the temperatures have plummeted to minus 30 degrees, I definitely feel ‘at home’ here in a city of over one million folk.  At this time of year I would usually be sweating it out in an Australian summer of 30+ degrees, working in the farm shed that is my studio on the edge of a city of 350,000 people – a flat, open space around me – a space that allows a pace that is slower than many, despite being in a busy city. Alberta has a similar feel. It is a place which, I believe, has created a pace that is reflected in daily interactions, conversations and expectations. It is one I recognise and fit into.

Walking the corridors of ACAD each day between the kiln room, cold shops and classrooms, I cover quite a distance and pass quite a few folk. Our exchanges are very similar to those I would have back home – friendly but brief, maybe a joke. There’s a casualness that is similar to back home. Fewer words are spoken but with just as much meaning and care. Cultural similarities abound and parallels are closer than I have felt anywhere else. Being in Calgary has allowed me to reflect on this and how it could influence what we make.

Lunch in the Valley, 2010, Glass and Steel, 72 x 24 x 10cm, photo: David Paterson

Do we translate this sense of space into our art? Maybe.  And is the well-versed saying, “less is more,” relevant here? Do we have a physical and mental space to distil our ideas and translate this into our making? Is part of this ‘space’ the fact that there are only four choices of milk in the supermarket here rather than forty-four as in the USA?

Platypus Pool, 2010, glass and steel, 75 x 48 x 15cm, photo: David Paterson

Luckily, I have managed to get out and about Alberta in the last four months.  I am in awe of the Rockies to the west and how they tower over and rise out of the prairie. Travelling into them only reinforces the sense of openness and space left behind me. I am sure that this sense of space seeps into those who live in that landscape. As artists, our work often reflects elements of this whether we plan it or not. Travelling south, east and west from Calgary has only confirmed this feeling of space.

Spring 2011, 2011, Glass, 20 x 20 x 5cm, photo: Joe Kelly

But I do miss some things being away from home. In Calgary right now, it is colour in the landscape that I search for. It is my first full northern winter and I am missing green! I realise it is winter and everything is in hibernation except us. I am told this will change radically when spring arrives if it ever does.

The view from my window on the 12^th floor of my campus apartment is of a big open horizon across Calgary. I witness the most beautiful subtle changes in colour each morning and evening. This subtlety in colour really stands out as beyond that there really is not that much colour in the landscape/cityscape, all very different from the warm Australian greens and the warm blue of the sky back home in winter. The only colour out there is manmade – signs and traffic lights, so not ‘from’ the land. Even the cars have lost their colour due to their accumulated patinas of mud. When I look beyond the movement of the city, I am encouraged to focus on the horizon and its ever-changing soft blues, pinks, ambers and salmons of the early morning and evening. I wonder if this will seep into my work in the future.

Preparing for a Picnic, 2011, Glass, photo: Ward Bastian

I have had some time between classes to work in the studio here.  Has my work changed in any way? No; not yet, anyway. I have explored ideas and made works that I already had in the planning. Below the surface, the similarities to ‘home’ that I have experienced here have enabled me to strengthen and to consolidate the thoughts behind my work, finding clarity to some of the concepts. Bouncing ideas around between the Head of the programme, Natali Rodrigues, and Jane Bruce (UK/USA), who is here as the Rawlinson Visiting Artist for 2011, has been invaluable.

To Gather - a good day out and about, 2010, Glass and Steel, dimensions variable, photo: David Paterson

The semester at ACAD has been a wonderful experience not only for the teaching but also for both the opportunity to work alongside fellow faculty and for getting to know a small but amazing part of Canada and those here that work with glass.

Surfaces Différentes

Par Kirstie Rea

Collège des Arts et du Design d’Alberta, avril 2011

Outside/Inside 7, 2009, Glass and Steel, 100 x 51 x 7cm, photo: David Paterson

Nous sommes en avril et il neige encore sur Calgary. Le semestre d’hiver est sur le point de se finir au Collège des Arts et du Design d’Alberta (ACAD) où j’ai pu enseigner en tant qu’artiste intervenante pour l’atelier verrier. Cela aura été une expérience merveilleuse.

Les élèves de première et deuxième années auxquels j’enseignais abordent bien souvent notre matériau les yeux grands ouverts et sans aucune idée préétablie sur le verre et ses possibilités ou ses fonctions. Il est à la fois excitant et challengeant d’enseigner au sein de ces classes qui m’amènent souvent à repousser des barrières afin de réaliser tel ou tel autre projet et me poussent à emprunter de nouvelles voies. J’espère que les étudiants inspirés par ce savoir nouveau en ont appris autant que moi. Connaître les élèves et parvenir à comprendre les idées derrière leur travail m’aide à m’intégrer dans une société, une culture et un environnement.

Depuis l’obtention d’un diplôme de l’Atelier Verrier à l’Ecole des Arts de Canberra en Australie en 1986, j’ai cherché à alterner entre travail à mon atelier de Canberra et l’enseignement. La plupart de mon travail d’atelier concerne la réalisation de pièces d’exposition. Comme j’enseigne dans le domaine du thermoformage depuis la fin de mes études, à présent apprentissage et création sont pour moi tellement proches qu’ils se complètent mutuellement. Le fait d’enseigner me donne envie d’en savoir plus, ce qui casse mes habitudes et crée l’opportunité de collecter de nouvelles données. Cela contrebalance avec les informations recueillies habituellement en sortant me promener dans le bush, en roadtripant ou simplement en vadrouillant par ci par la.

Kirstie Rea dans le studio.

Au fil des années, l’enseignement, les résidences artistiques et les expositions m’ont progressivement éloignée de chez moi et de mon atelier. J’ai enseigné et pratiqué dans beaucoup d’ateliers autres que le mien. J’en viens à me demander si être souvent loin de chez soi pendant des durées prolongées et vivre dans d’autres cultures et d’autres paysages peut influencer la partie créative de notre travail – quels en seraient les pour et les contre et pour quelles raisons le fait de vivre en Alberta me met tant à l’aise?

Avec ses températures avoisinant parfois les moins 30 degrés, le ciel hivernal de Calgary est bien différent du bleu chaud et radieux de celui de chez moi, et pourtant je me sens décidément bien dans cette ville de plus d’un million de gens. En temps normal à cette période de l’année, je serai en train de suer par plus de 30 degrés sous un été australien de plomb en travaillant dans le hangar d’une ferme qui me sert d’atelier sur les abords d’une ville de 350 000 habitants – rien que de grands espaces plats atour de moi – espaces qui me permettent d’adopter un rythme autrement plus lent, malgré l’animation de la ville. Ce même genre de ressenti émane de l’Alberta. J’ai l’impression que cet endroit a créé un rythme se reflétant dans les interactions quotidiennes, les conversations et les aspirations. Un lieu qui m’est familier et dans lequel je me sens bien.

Chaque jour pour me rendre de la pièce de l’arche, aux ateliers de travail à froid et aux salles de classe, je longe les longs couloirs de l’ACAD où j’y croise des personnes. Les échanges que nous entretenons sont similaires à ceux que je pourrai avoir de retour chez moi – amicaux mais brefs, et pourquoi pas avec une petite plaisanterie au passage. Une atmosphère décontractée y règne comme chez nous. Peu de mots échangés, mais avec tout autant de signification et d’attention. Les ressemblances culturelles sont nombreuses et les comparaisons plus vraisemblables que pour n’importe quel autre lieu ou j’ai pu résider auparavant. Vivre à Calgary me porte à y réfléchir et à me demander de quelle façon cela pourrait avoir une incidence sur notre créativité.

Lunch in the Valley, 2010, glass and steel, 72 x 24 x 10cm, photo: David Paterson

Est ce que nous transmettons cette sensation d’espace dans notre art? Peut être bien. Le dicton qui prône que “moins vaut souvent mieux ” est-il vrai dans ce cas? Y a t-il un espace physique et mental dans lequel nous éparpillons nos idées et les retranscrivons ensuite dans nos oeuvres? Le fait qu’il n’y ait que 4 choix de lait ici au lieu de 44 aux Etats-Unis contribue-t-il aussi à cette notion d’espace?

Platypus Pool, 2010, glass and steel, 75 x 48 x 15cm, photo: David Paterson

Au cours de ces 4 derniers mois, j’ai eu la chance de pouvoir sortir et m’aventurer un peu en Alberta. À l’ouest je suis en admiration devant les Rocheuses et leur façon de dominer et d’émerger par derrière les prairies. Quand on les traverse, cela renforce l’impression d’ouverture et d’espace laissé derrière soi. Je suis sûre que cette sensation d’espace s’imprègne sur ceux qui vivent dans un tel panorama. Que ce soit voulu ou non, nos œuvres d’artistes en reflètent souvent des éléments. En voyageant aux sud, est et ouest de Calgary, cette sensation d’espace n’a eu de cesse de se confirmer.

Spring 2011, 2011, Glass, 20 x 20 x 5cm, photo: Joe Kelly

Certaines choses me manquent malgré tout en étant loin de chez moi. En ce moment à Calgary par exemple, c’est de la couleur dans les paysages qu’il me faudrait. C’est mon premier véritable hiver nordique et le vert me manque! Je me rends compte qu’à peu près tout est entré en hibernation durant l’hiver excepté nous. Mais on me dit que tout cela devrait changer radicalement à l’arrivée du printemps, s’il arrive un jour bien sûr.

Sur le campus j’ai vue de la fenêtre de mon appartement au douzième étage sur un grand horizon ouvert s’étendant sur tout Calgary. Chaque matin et soir, je contemple les plus jolis et délicats changements de couleurs. Cette subtilité dans les couleurs ressort vraiment car au delà de ça, le paysage et la ville sont peu colorés comparés aux verts chaleureux et au chaud ciel bleu de notre hiver australien. Ici, la seule couleur que l’on retrouve est créé par les hommes – panneaux de circulations et feux tricolores- elles ne provient donc pas vraiment “de” la terre. Même les voitures ont perdu leur coloration à cause des flaques de boues accumulées. Lorsque mes yeux se portent au-delà de l’activité de la ville, je scrute l’horizon et ses douces teintes changeantes de bleu, rose, ambre et saumon tôt le matin ainsi que le soir. Et je me demande si cela transparaîtra plus tard dans mon travail.

Preparing for a Picnic, 2011, Glass, photo: Ward Bastian

Entre les cours ici, j’ai pu prendre le temps de travailler dans l’atelier. Mon travail a-t-il changé de quelque façon? Non, pas encore en tout cas. J’ai exploré des idées et créé des œuvres qui étaient déjà prévues dans mon planning. Sous la surface, les similarités avec “chez moi” que j’ai pu découvrir ici m’ont permis de renforcer et de consolider les idées derrière mon œuvre, apportant de la clarté à certains de mes concepts. Pouvoir aussi débattre d’idées avec la directrice du programme Natali Rodrigues et Jane Bruce (UK/USA), présente en tant qu’artiste intervenante du Rawlinson pour 2011 fut une chance en or.

To Gather - a good day out and about, 2010, Glass and Steel, dimensions variable, photo: David Paterson

Ce semestre à l’ACAD a été une fabuleuse expérience, pas seulement pour la possibilité d’enseigner mais aussi pour avoir été l’occasion à la fois de travailler avec une faculté partenaire et de découvrir une petite mais au combien fascinante partie du Canada ainsi d’avoir rencontré ceux qui travaillent le verre ici.

By Terry Craig

It is said by some that we are never really dead until we are forgotten.  If this is the case then Clark Guettel will never really be dead. We will just have a harder time finding him.

Clark Guettel and his class at Haliburton School of the Arts

It won’t be hard to find others who will be remembering Clark.  He touched so many people directly and indirectly with his music, his smile, his energy and his love for living off the land. He was a larger than life person, someone that touched your spirit. He made you laugh even on those days when you didn’t know it was possible.

I was fortunate enough to call Clark my friend for almost 20 years.  He was my best man at my wedding, was there when my daughter was born and so graciously helped us buy our home and get our studio off the ground.

Clark and Anabelle Craig

Clark is my hero.  He taught me that it was possible to build a glass studio for under $5000 and run it for a few hundred dollars a month.  He taught me to find the good in whatever goes wrong in the hot shop.  In life he did this for everyone he met.

Clark Guettel was the owner and operator of the longest-running privately owned glass studio in Canada. He was a skilled glassblower and teacher, having started the Glassblowing Program at Haliburton School of the Arts in the mid 80’s.  This he started with portable furnace, a few small kilns and his passion for sharing.  Hundreds of students learned Clark’s love of hot glass and some have gone on to be familiar names in the glass world; they continue to inspire more people.

Clark Guettel and Terry Craig blowing at Clark’s place

However, Clark’s glassblowing career was controlled by his love for his garden.  If it was planting or harvesting season, that is where you would find him, working the soil. He blew glass in the winter when the weather was cold and the garden didn’t need him.  When it was hot, the garden could do without him for a time and so he would blow glass.  He also made sure to swim every day, play music and spend time with those he loved.

As an artist, Clark felt he could never truly retire, so he cashed in all his RSPs 20 years ago and dug a pond so he could fill it with trout and swim every day.  Or, as Clark would say, “Retire every day for at least an hour.  Enjoy it now while you can, before you’re old and you can’t.”

Clark and Wendy playing the pipes at our wedding

Clark was the biggest kid I ever knew.  He was always interested in learning new things and was eager to explore new ideas.  He always tried to find a new or better way to do things.  I’m sure right now he’s somewhere discussing with the powers that be about this whole death thing, and how maybe it should have been handled a little bit differently.  “Maybe not so sad,” he would say, “Let’s try for something more optimistic next time.”

Such was Clark, a larger than life person. A friend who will be forever missed.

Editors note:

The Clark Guettel Endowment Fund has been established through the Fleming College Foundation and will ensure that there will be a yearly scholarship given to a student in the Glassblowing Certificate Program, at the Haliburton School of the Arts. All donations to the Fleming College Foundation in memory of Clark Guettel will receive a tax deductible charitable donation receipt.  Contributions to this fund can be made by sending a cheque made out to the Fleming College Foundation (note on the memo line “in Memory of Clark Guettel”). Help the spirit of Clark live on.

mail to:

Fleming College Foundation

P.O. Box 21011

Peterborough ON K9J 8M7

Hommage à Clark Guettel

Par Terry Craig

Certains disent que la mort n’est réelle que dans l’oubli. Si c’est le cas, alors Clark Guettel ne mourra jamais vraiment. Ce sera juste un peu plus difficile pour nous de le retrouver.

Clark Guettel et sa classe à Haliburton School of the Arts

Par contre, ce ne sera pas dur d’en retrouver d’autres qui se souviennent de Clark. De manière directe et indirecte, il aura touché beaucoup de personnes grâce à sa musique, son sourire, son énergie et son plaisir à vivre de la terre. Il était hors du commun, quelqu’un qui vous touchait profondément. Il parvenait à vous faire rire, même en ces jours où cela vous aurait parut bien impossible.

J’ai eu la chance d’avoir Clark comme ami pendant près de 20 ans. C’était mon témoin d’honneur à mon mariage, il était là à la naissance de ma fille et il m’a si gentiment aidé à acheter notre maison et à bâtir notre atelier.

Clark avec Anabelle Craig

Clark est mon héro. Il m’a montré comment construire un atelier verrier pour moins de $5000 et réussir à le faire tourner pour quelques centaines de dollars par mois. Il m’a appris à reconnaître les points positifs quand les choses ne se passaient pas comme prévu dans mon travail à l’atelier. Il en faisait de même avec chaque personne qu’il rencontrait dans la vie.

Clark Guettel fut le propriétaire et directeur de l’atelier verrier privé le plus ancien du Canada. Talentueux souffleur de verre et professeur, il lança un programme de Soufflage de Verre de l’Ecole des Arts d’Haliburton dans le milieu des années 80. Il débuta avec un four portatif, quelques petites arches et une passion pour le partage. Des centaines d’étudiants apprirent de l’amour de Clark pour le travail du verre à chaud et certains sont devenus des noms reconnus dans le milieu du verre, ils inspirent à leur tour de nouvelles personnes.

Clark Terry et Craig Guettel soufflage au lieu de Clark

Mais cette carrière de verrier trouvait ses limites dans l’amour de Clark pour son jardin. Pendant la saison des semis ou des récoltes, c’est là que vous l’auriez trouvé, en train de travailler la terre. Lorsqu’il faisait chaud, le jardin pouvait bien se passer de lui pour quelques temps et il irait souffler du verre à la pace. Il tenait aussi à nager tous les jours, à jouer de la musique et passer du temps avec ceux qu’il aimait.

En tant qu’artiste, Clark sentit qu’il ne pourrait jamais vraiment prendre sa retraite. Il alla donc retirer tous ses plans épargne retraite accumulés en 20 ans et fit creuser une grande marre qu’il remplit de truites et dans laquelle il allait nager tous les jours. Ou comme le disait si bien Clark: “Etre en retraite au moins une heure par jour. Profites-en maintenant tant que tu le peux, avant d’être trop vieux et qu’il ne soit trop tard.”

Clark et Wendy de la cornemuse à notre mariage

Clark était le plus grand enfant que j’ai connu. Il voulait toujours en apprendre d’avantage sur tout et était avide d’explorer de nouvelles idées. Il essayait toujours de trouver de nouvelles ou meilleures façons de faire les choses. Je suis sûr qu’en ce moment même, il discute quelque part avec les tout-puissants concernant cette histoire de mort et comment ça aurait peut être pu se passer de manière légèrement différente. “Moins triste peut-être” aurait-il dit, “Essayons plutôt de trouver quelque chose d’un peu plus positif la prochaine fois.”

Tel était Clark, une personne hors du commun. Un ami qui nous manquera à jamais.

Note de l’éditeur:

Créé par la Fondation du Collège Fleming, le Fond de Donation Clark Guettel a pour but chaque année de remettre une bourse d’études à un élève du Programme de Soufflage de Verre de l’Ecole des Arts d’Haliburton. Toutes les donations à la Fondation du Collège Fleming en mémoire de Clark Guettel auront droit à un reçu pour œuvre de charité déductible des impôts. Les contributions à ce fond (adresse indiquée ci-dessous) peuvent être envoyées par chèque à l’ordre du Fleming College Foundation (marquez sur la ligne de motif: In Memory of Clark Guettel). Aidez nous à perpétuer  l’esprit de Clark.

Fleming College Foundation
P.O. Box 21011

Peterborough ON K9J 8M7