President’s Message

November 15, 2013

Is This a Bad Time to be a Glass Artist?
By Steven Tippin

 

Tippin - Is it a bad time

James Wardhaugh (center) celebrating his team’s parade float with Clayton Haigh (left) and Kristian Spreen (right). Talk about positive glass attitude!!!

 

I have heard people say how it is harder than ever to be a successful glass artist in these tough economic times. I have heard stories of the “good old days” of studio glass and how they are all behind us. These naysayers use examples of the many glass galleries in this country that have shut their doors, the studios that have shut off their furnaces, the conferences that have been cancelled on both sides of the border and all the friends that we have lost to the big annealer in the sky. Even GAAC has shown its darker side by titling our latest members’ show “The Last Glass Show” in response to the ending of many of these aforementioned things. Sure, it would be easy to agree with this opinion.

 

But is it true? Is this a bad time to be a glass artist?

 

When I look around, I see very positive things happening in glass all across this country (even the Harbourfront Centre in Toronto is getting renovated!!). I see new glass galleries opening all over Canada, the closest to me being Edy Roy Gallery in Burlington, Ontario. I see studios such as the Terminal City start up in Vancouver, and I see Jeff Goodman’s studio continue making and selling their wares even in the shadow of their namesake’s death in March of 2012. I have seen the community in Calgary plan the conference-like event known as AbrACADabra, filling the void left by GAAC’s conference being cancelled. AbrACADabra showed the viability of similar events and helped spur the first ever Glass Gathering in Oakville, Ontario. This event was organized by a few volunteers in order to reconnect friends old and new to share stories, techniques and a few beers. It was a day full of demos, lectures, games and laughter, but the best part was that it was all FREE. See more in the article written by Becky Lauzon and the photo essay by Patrick Fisher in this issue of our online magazine.

 

Another reminder of the positive nature of Canadian glass is all of GAAC’s amazing volunteers. Whether it be volunteering to help set-up the Last Glass Show or writing articles for our magazine, we have the best volunteers around and seeing the passions of the people volunteering around me makes me see that what we do is valued and that you feel the same. This leads me to another important point of business: introducing the new GAAC Board of Directors. Some of us have switched positions and some of us are completely new to the board. To see who is driving this big bus now, have a look in the article also of this issue (it’s a pretty impressive issue).

 

So, do you have your answer yet? Is this a bad time to be a glass artist? If anything is true, it is that there is never a bad time to be a glass artist. The glass community is strong (thanks to the good old days when GAAC was founded on the soul and spirit of this amazing glass community).  And, sure, perhaps the old strategies of how to do business in glass may be evolving from those “good old days”, but I see opportunity and positivity in that change.

 

Maybe we need to see our glass (hand-blown of course) as half full instead of half empty.

 

 

 

Est-ce le mauvais moment pour être artiste verrier ?
Par Steven Tippin

 

Tippin - Is it a bad time

James Wardhaugh (center) celebrating his team’s parade float with Clayton Haigh (left) and Kristian Spreen (right). Talk about positive glass attitude!!!

 

On m’a dit qu’il était plus difficile que jamais d’être un artiste verrier dans cette période économique compliquée. On m’a parlé du « bon vieux temps » du verre en atelier et comment tout cela relève du passé. Ces défaitistes prennent pour exemple les nombreuses galeries de verre ayant fermé leurs portes dans le pays, les ateliers qui ont coupé leurs fours, les conférences annulées des deux côtés de la frontière et tous les amis qui nous ont quittés pour la grande arche céleste. Même la GAAC a dévoilé un certain pessimisme en intitulant la récente exposition de ses membres « The last glass show » en référence à la fin des nombreuses choses mentionnées précédemment. Bien-sûr, il semblerait évident d’être en accord avec ce constat.

 

Mais est-ce vrai? Est- ce une mauvaise période pour être artiste verrier ?

 

En observant autour de moi, il se passe des choses très positives dans tout le pays en matière de verre (même le Harbourfront Centre de Toronto est en cours de rénovation !!). De nouvelles galeries de verre ont vu le jour dans tout le Canada, la plus proche pour moi étant la Edy Roy Gallery à Burlington en Ontario. Des ateliers se sont lancés, comme le Terminal City à Vancouver, et je constate que l’atelier de Jeff Goodman poursuit son activité et continue de vendre ses produits, malgré le décès de son fondateur éponyme en mars 2012. J’ai vu la communauté de Calgary organiser la conférence AbrACADabra qui combla le vide laissé par l’annulation la conférence de la GAAC. AbrACADabra a prouvé la viabilité d’événements similaires et permis de promouvoir le premier Glass Gathering à Oakville en Ontario. Organisé par quelques bénévoles, l’événement créa une parfaite occasion de renouer avec d’anciens collègues et faire de nouvelles rencontres, tout en partageant expériences, techniques et quelques bières. La journée a été remplie de démonstrations, d’interventions, de jeux et de rires et  plus appréciable encore, tout était GRATUIT. Vous pourrez en savoir d’avantage avec l’article écrit par Becky Lauzon et les photos prises par Patrick Fisher dans ce numéro de notre magazine en ligne.

 

Il suffit de compter le nombre incroyable de bénévoles à la GAAC pour y voir un autre signe de la réussite du verre au Canada. Qu’ils soient volontaires pour aider à l’installation du Last Glass Show ou pour écrire des articles dans notre magazine, nous sommes entourés des meilleurs bénévoles. En voyant des personnes se mobiliser avec tant de ferveur, je me rends compte à quel point ce que nous faisons est apprécié et que vous partagez ce sentiment identique. Cela m’amène à un autre point important : vous présenter le nouveau Conseil d’Administration de la GAAC. Certains d’entre nous avons interverti nos fonctions au conseil tandis que d’autres sont tous nouveaux. Pour savoir qui tient les rênes à présent, jetez aussi un œil à l’article en question dans ce numéro (cette édition est relativement imposante).

 

Alors, qu’en pensez-vous à présent? Est-ce une mauvaise période pour être artiste verrier ? S’il y a une chose dont je suis sûr, c’est qu’il n’y a jamais de mauvais moment pour être artiste verrier. La communauté du verre est forte (grâce au bon vieux temps où la GAAC fut créée en concordance avec l’esprit de cette merveilleuse communauté du verre). Alors certes, les anciennes stratégies pour réussir dans le verre ont surement évolué depuis ce « bon vieux temps », mais je vois beaucoup d’opportunités et d’optimisme dans ces changements.

 

Peut-être devrions-nous voir notre verre (soufflé, cela va de soi) à moitié plein, plutôt qu’à moitié vide ?

 

 

 

 

 

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Belgium Residency: Production at the GlazenHuis

November 14, 2013

by Brad Copping

 

This past summer, the glass center GlazenHuis organized two production residencies for hot glass.  The goal of the production residency was to invite experienced glassblowers with designing skills to their glass studio in Lommel, Belgium to produce their own designed glass products, which would fall within very specific price ranges.   These products would then be sold in their glass shop.  The products could be free blown or mould blown, hot sculpted or even hot cast.  Only two hours drive to Amsterdam, four hours to Paris, six hours to Berlin, nine to Prague.  Lommel is at the cross roads of Europe.

 

01.Belgium Residency

 Brad Turner working at the GlazenHuis, in Lommel Belgium. Photo by Carola Rummens  (all photos courtesy of the GlazenHuis)

 

Brad Turner was awarded the August residency.  He recently completed a residency at Harbourfront Centre in Toronto and then the Master of Fine Arts in Sculpture/Dimensional Studies with a concentration in Glass Arts at Alfred University in upper New York State.  He has exhibited in multiple international exhibitions, and has received numerous awards including Best of Show at the 2008 Toronto Outdoor Art Exhibition, Best of Show at the 2006 Canadian Glass Graduate Exhibition, and several other significant awards from the Ontario Crafts Council.  Reached via email some where still in Europe, Turner responded to the CCG’s request for his thoughts on the residency:

 

The term “residency” is a bit misleading.  In reality, it’s a job.  That sounds less glamorous, but where else are you going to get paid a guaranteed wage to make what you want in a nice hot shop?  With a good assistant and forgiving glass?  In a country where beer and cheese are practically given away (by Canadian prices anyway)?  Sure, there’s a focus on quantity.  It is not really a good chance to experiment with new ideas, and your housing actively prevents you from experiencing a European lifestyle, but for my situation, I couldn’t have found a better start off to Europe (barring an actual full time job that would sponsor my visa).

 

02.Belgium Residency

 Turner using a torch to fire polish at the GlazenHuis.  Photo by Carola Rummens

 

Given the financial idiocy of doing a Masters for two years in a country I’m not allowed to work in (because that’s the only choice Canadian glass artists have, might I add, clearing throat), then almost immediately moving to a new continent where I’m again not allowed to work, the residency has allowed me to stay close to, and support the girl I love as she now embarks on a new path.  That simply wouldn’t have been possible otherwise.  Aside from financing my time in Europe thus far, it has also created great connections within Belgium, and I’ve even been able to parlay an experimental, unpaid residency at GlazenHuis in the spring, provided I can find additional funding.

 

Mathieu Grodet, who currently lives just outside of Lachute, Quebec, was awarded the first of the two residencies in July and has chosen to draw an intriguing response to CCG’s question of how the residency went.

 

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 Mathieu Grodet working at the GlazenHuis in Lommel Belgium. Photo by Carola Rummens

 

Born in Orleans, France, he first studied art at the Visual Art Institute of Orleans before discovering hot glass in 1999.  Then he trained in different studios across France and Europe.  He also learned flame working at CERFAV (European Centre for Research and Training in Glass Art).  After many travels, Mathieu dropped his suitcases in Canada, where he now applies the different techniques he has studied over the years.  Currently, he uses his experiences to draw on the surface of thinly blown goblets little scenes reflecting contemporary issues in the outside world.  His work has been purchased for the collections of Corning Museum of Glass and the Art Institute of Chicago, as well as private collections in Europe and North America.

 

04.Belgium Residency

 05.Belgium Residency

 

 

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Bringing the Glass Community Together

By Becky Lauzon

 

On a very hot and humid September 7th 2013, over 130 glass artists from across Ontario and parts of Quebec flocked together for the first – and hopefully not the last – Glass Gathering.  The Glass Gathering, which was not affiliated with Sheridan College or the Glass Art Association of Canada (GAAC) and was completely volunteer-based, was an all-day free event, held at Sheridan College, and was open to anyone with a love for glass. Organizers Megan Smith, Sylvie Jensen and Steven Tippin, along with their army of volunteers, had a full day of activities in which those attending the gathering could participate.

 

Bringing the Glass Community Together 1

 Sally McCubbin, Blaise Campbell and Roxanne Tochor Giving the first hotshop demo of the day

 

The day began at 10am with the first talk by Ian Milligan, entitled “Ian’s Detour.”  The talks were meant to allow anyone to speak!  Talks were given by gallery owners, recent graduates and everyone in between.  Topics ranged from the obscure, such as Jesse Bromm’s “Taxidermy, Talk and Demo,” and Eric Covington’s “High Efficiency Melters,” to Renato Foti’s “Progression in Glass” and Tanya Lyons’ “Taking Traces.” With each talk running approximately 15 minutes, plenty of opportunity was allowed for people to hear what interests them without missing a punty transfer in the hot shop. Demos were occurring simultaneously throughout the day by artists such as Mike Gray, Blaise Campbell and Andy Kuntz.  For those participants whose focus leaned more toward flameworking, there were demos by Emma Gerard, Matt Robertson and Mathieu Grodet. With so many things going on, it made for an eventful day with attendees only stopping briefly to enjoy the free lunch provided by the Sheridan Alumni Association and to discuss ideas, work methods and build new friendships and connections with familiar and new faces.

 

Bringing the Glass Community Together 2

Clayton Haigh , Kristen Spreen and James Wardhaugh proudly parading their glass dragon during the glass Olympics

 

Once everyone was full from lunch and made their way back to the glass studio, they had the opportunity to bid on items in the silent auction. Organized by Gabby Wilson, the silent auction featured donations from some of the people attending the Glass Gathering 2013. Those in attendance had the opportunity to bid on items that varied from glass pieces made by their peers, to vintage prints from an old glass dictionary, to the truly bizarre – a free chauffeur for an evening. Overall the silent auction brought in $3,095, which was split between a donation to GAAC and funding for future Glass Gatherings.

As the day came to an end, there was one last opportunity for those who had not given a talk or demo to participate and to show off their skills in the Glass Olympics. With four teams of five people, each team consisted of one sand caster and the rest were made up from students and professionals whose names were randomly drawn. The teams really had no idea what they were about to get themselves into as they set up their benches and anxiously waited for the four judges – Steven Tippin, Sally McCubbin, Benjamin Kikkert and Sue Rankin – to announce the first of three rounds in the Olympics. The three challenges were:  one-handed chalice-making; a magic stick, where teams were challenged to make as many cups as they could using nothing but a ceramic tile; and, creation of a sculptural representation of their team that they could parade around the hot shop. Off to the side, each team’s sand caster was busy with their own challenges as they competed in Pictionary, a tapered-pour challenge and in a speed-pour challenge. In the end, the scores were very close, but the blue team consisting of James Wardhaugh, David Thompson, Clayton Haigh, Mathieu Grodet and Kristen Spreen, won with their rendition of a molten glass Chinese dragon. As judge Benjamin Kikkert stated, “There’s no beating a glass dragon.”

 

Bringing the Glass Community Together 3

Andy Kuntz impressed by Nick Chase’s design for the Glass Gatherings 2013 t-shirt design

 

With the Olympics done and the hotshop cleanup in action, there was nothing left for participants to do but head to a local restaurant to continue the fun.  But not before they purchased their official Glass Gathering 2013 t-shirt, designed by Nick Chase in an online contest prior to the event.  An overall amazing day, where old friends were given the opportunity to catch up, and new friends and connections were made by all. The Glass Gathering 2013 will be a hard event to beat, but everyone in attendance is already anxiously waiting to see how the Glass Gathering 2014 will top it.

 

Becky Lauzon is in her 3rd year in the Glass program at Sheridan College.

 

 

Rassembler la communauté du verre
Par Becky Lauzon

 

Le 7 septembre 2013, par une belle journée chaude et humide, plus de 130 artistes venant de tout l’Ontario et d’une partie du Québec sont venus assister au premier (rassemblement de verriers (Glass Gathering) mais pas le dernier, espérons-le. Entièrement dû à l’action de bénévoles, cet évènement gratuit ne dépendant ni du Sheridan College, ni de l’Association du Verre d’Art du Canada (GAAC) s’est déroulé sur une journée complète. Le rassemblemet a pris place au Sheridan College et a ouvert ses portes à tous ceux présentant un intérêt pour le verre. Les organisateurs Megan Smith, Sylvie Jensens et Steven Tippin, accompagnés de leur armée de bénévoles, avaient prévu une journée remplie d’activités auxquelles ont pu contribuer tous les participants.

 

Bringing the Glass Community Together 1

Sally McCubbin, Blaise Campbell and Roxanne Tochor Giving the first hotshop demo of the day

 

La journée débuta à 10 heures avec la première conférence animée par Ian Milligan intitulée « Le détour d’Ian ». Les conférences ont permis de donner la parole à chacun ,galeristes, élèves récemment diplômés et bien d’autres personnes sont intervenus. Les sujets étaient très variés, allant de l’obscure tels que  «Taxidermie, débat et démo » de Jesse Bromm, « Les fondeurs les plus efficaces » d’Eric Covington à la « Progression du verre » de Renato Foti ou « Suivre les traces » de Tanya Lyons. Chaque débat durant environ 15 minutes. Cela  donna aux gens la possibilité d’assister à ce qui les intéressait le plus sans manquer pour autant un transfert de verre entre cannes dans l’atelier. Des démonstrations furent données en parallèle durant la journée par des artistes tels que Mike Gray, Blaise Campbell et Andy Kuntz. Pour ceux dont l’intérêt portait plus sur le travail au chalumeau, Emma Gerard, Matt Robertson et Mathieu Grodet firent aussi des démonstrations. Avec tant de choses au programme, les participants n’eurent que le temps de s’arrêter pour apprécier un repas offert par la Sheridan Alumni Association. Ils en profitèrent pour échanger leurs idées, méthodes de travail et consolider relations et réseaux grâce à d’anciennes retrouvailles et de nouvelles rencontres.

 

Bringing the Glass Community Together 2

Clayton Haigh , Kristen Spreen and James Wardhaugh proudly parading their glass dragon during the glass Olympics

 

Une fois tout le monde repus et retourné à l’atelier de verre, il fut proposé aux personnes de  participer à une vente aux enchères sous plis. Organisée par Gabby Wilson, cette vente aux enchères proposait des objets donnés par certains participants du “Glass Gathering” 2013. Ceux qui le désiraient ont pu enchérir sur une sélection d’articles aussi variés que des œuvres en verre et des images vintage provenant d’un ancien dictionnaire du verre, et même aussi curieux qu’un chauffeur gratuit pour une soirée. Au total, l’enchère rapporta quelques $3,095 qui furent répartis entre une donation à la GAAC et des fonds pour le prochain rassemblement en 2014.

Ceux qui n’avaient pu prendre la parole ou faire de démonstration jusque-là eurent une dernière chance à la fin de la journée de montrer leur talent en participant aux Olympiques du Verre. 4 équipes de 5 personnes furent tirées au sort, chacune étant composée d’un polisseur, d’étudiants et de professionnels. En s’installant sur les bancs, les équipes n’avaient aucune idée de ce qui les attendait jusqu’à l’arrivée des 4 juges

Steven Tippin, Sally McCubbin, Benjamin Kikkert et Sue Rankin. Ces derniers leurs ont annoncé trois épreuves : faire un vase avec une seule main, réaliser une baguette magique, faire le plus de tasses possible dans une seule plaque de céramique et créer une sculpture qui représentera le trophée de l’équipe. Chaque polisseur avait son propre défi  comprenant une épreuve de fuselage et une épreuve de vitesse. Les scores finaux furent très serrés mais l’équipe des bleus composée de James Wardhaugh, David Thompson, Clayton Haigh, Mathieu Grodet et Kristen Spreen, finit par remporter la partie grâce à son interprétation d’un dragon chinois en verre. Alors juge, Benjamin Kikkert déclara : « Rien ne peut battre le dragon chinois ».

Bringing the Glass Community Together 3

Andy Kuntz impressed by Nick Chase’s design for the Glass Gatherings 2013 t-shirt design

Une fois les Olympiques terminés et l’atelier rangé, il ne resta plus au participants qu’à se rendre au restaurant du coin pour poursuivre les festivités. Les participants ont  acheter leur t-shirt officiel du “Glass Gathering” 2013 bien sûr, réalisé par Nick Chase, vainqueur du concours en ligne qui fut organisé avant l’événement. Une journée magnifique dans l’ensemble pendant laquelle les vieux amis ont pu rattraper le temps perdu et de nouvelles amitiés voir le jour. Difficile de faire mieux que le “Glass Gathering” 2013, mais chacun présent à l’évènement attend déjà avec impatience de voir comment le “Glass Gathering” 2014 pourra le surpasser.

Becky Lauzon est étudiante en 3e année du programme Verre au Sheridan College.

 

 

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Glass Gathering 2013

While GAAC would like to thank Patrick Fisher and Sally Jensen for providing most of these images, a big thanks goes to all those who volunteered at the event and captured these images.

Tandis que la GAAC souhaite remercier Patrick Fisher et Sally Jensen pour nous avoir fourni la majorité des images, un grand merci revient aussi à tous ceux qui se sont portés volontaires à l’événement et ont pris ces photos.

 

Glass Gathering01

Sweet shirt design by Nick Chase (not pictured here)

 

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Blaise Campbell at work

 

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Friends reuniting

 

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 Blaise marvering

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Demo by Emma Gerard

 

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Block it!

 

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Tanya Lyons lecture

 

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Emma Gerard also did a talk

 

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Matt Robertson blowing a goat

 

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Reunited and it feels so good!

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Advance technique shown by Sally McCubbin

 

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Looks Heavy

 

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Lecture by Sue Rankin

 

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 Matieu Grodet making goblets

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Lecture by Alex Wilson and Eric Davy

 

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Lunch provided by Sheridan Alumni

 

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Thanks go to organizers Steven Tippin, Sylvie Jensen and Megan Smith

 

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Lunch makes everyone happy!

 

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Thanks guys

 

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Benji Kikkert at work in the hotshop

 

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Lecture by Renato Foti

 

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This is also how Andy Kuntz cooks salmon

 

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Lecture by Kyle Brook

 

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Nick Chase and Paula Vandermey

 

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Clayton Haigh adding bits to Benji’s piece

 

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Is there anything that Matieu Grodet cannot do?

 

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See, even Laura Donefer doesn’t trust Nick Chase!

 

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Good times

 

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Alex Hupe enjoying lunch

 

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Benji explains the rules of the Olympic Games

 

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Stay within the lines

 

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Will Ruppel making use of the only tool allowed (4 x 4” ceramic tile) while lovers stare into the depths of each other’s eyes behind him

 

Glass Gathering33

Silvia Taylor using her hands to shield Patrick Fisher while he works

 

Glass Gathering34

Teams at work during glass Olympics

 

Glass Gathering35

I smelled it. It was really cream soda in Sue’s hand

 

Glass Gathering36

Blue team with their Parade dragon

 

Glass Gathering37

Judges making their final decisions

 

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 Blue Team wins! L to R: Dave Thomas, James Wardhaugh, Clayton Haigh, Matieu Grodet (holding his daughter), Kristian Spreen

Video link:

http://www.youtube.com/watch?v=YyT1jOT8Lvs&feature=youtu.be

 

 

Bio

Steven Tippin is the President of GAAC and was one of the organizers of the Glass Gathering. The Glass Gathering was about seeing friends old and new, learning about glass, viewing demos and having fun. That is why Tippin felt compelled to help organize such a fantastic initiative. Although it was not a GAAC event, it is something that the organizers were happy to cover in this issue for those not able to make it. Let us know if other events like this are happening anywhere in Canada. This is such a great idea.

 

Biographie

Steven Tippin qui est le Président de la GAAC et a été l’un des organisateurs du “Glass Gathering”. Tout l’intérêt du rassemblement était de permettre aux participants de faire de nouvelles rencontres ou retrouver d’anciennes têtes, de pouvoir apprendre sur le verre, assister à des démonstrations et passer du bon temps. C’est pourquoi Mr Tippin se devait de contribuer à l’organisation d’une si merveilleuse initiative. La GAAC n’était pas à l’origine de l’événement mais nous avons été ravis de le couvrir dans ce numéro pour ceux qui n’ont pu être présents. N’hésitez pas à nous faire savoir lorsque des événements de ce genre ont lieu au Canada. Ce fut une si bonne idée !

 

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The Next Glass Article (The Last Glass Article)

By: Ryan Legassicke

 

[1]

 

Glass art, what does it mean?  What is it for? What does it say and reveal about us?  As an artist / designer / craftsperson this question may be of little interest.  You simply make your work.  But to curate an exhibition of such work or to be critical in any way makes these questions fundamental.

 

First of all, the noun craft, which is often used to describe handmade glass objects, should be thought of as a verb! It describes a process, an action, movement.  This holds true for all creative acts involving skill, knowledge, and work.  Whether it’s painting or music or tattooing or programming a computer …

 

Design is a noun, the thing that craft produces.  It can be used to describe a particular kind of object, one that has some sort of utilitarian value.  It gets touched, worn, broken, fixed, modified…  It has the potential to become part of people’s lives in a very intimate way.

 

Art can also be thought of as a noun. Like design, it describes the result of thought, which is translated and communicated through a material, an action, a craft.  Art has the potential to inspire in a totally non-linear way.  For better or for worse, art and design make up the whole material world.

 

To think of craft as defining objects made with a select group of materials is limiting and for the most part makes no sense.  It’s as if music were categorized solely by instruments used and not by music played.

 

[3]

 

These were among the many things on my mind when curating the recent members exhibition “The Last Glass Show – The Next Glass Show” at both the Ontario Crafts Council in Toronto and the Canadian Clay and Glass Gallery in Waterloo.  But maybe this is just how things seem in the context of a gallery.

 

Take the same object out of the gallery and it takes on different meaning outside the confines and etiquette of these sorts of spaces? This is what the images that were a part of the exhibition were meant to show; that these objects are produced and are experienced on a daily basis. This is what I was interested in. It wasn’t specifically about issues related to the material, grouping specific techniques or cataloguing common interests but the larger picture.  Not everyone likes art or appreciates craft.  But everyone engages design – and you can’t have one without the other.

 

What aspects of our visual culture play a role in my life?  What are the things that influence and inspire me?  (Wouldn’t it be great to take all the advertisements in the city and put them in galleries, and take all the art in the galleries and put that energy into the city!?  That way if you wanted to see some ads, you knew where to go and not the other way around.)

 

{2}

 

The choice to include everyone who applied was not an easy one.  It was also a challenge to convince people that exhibiting an image of their work in the context of this show was really vital.  I was really happy that so many people were willing to believe in the idea.

 

The exhibition itself was less about my own aesthetic and ideological judgements and more about the idea that art is made and used by people who have some kind of curiosity about the world, and feel compelled to express this and have it become a part of the biggest collaborative project of them all – the world.

 

Ryan Legassicke is an artist / designer / craftsperson based in Toronto.  His current work broadly examines our relationship to aesthetics, urban spaces, and globalization.  Among other things, he is a graduate of the glass department at the Alberta College of Art and Design.  Recent projects include “States of Security / Security States” at Eastern State Penitentiary Historic Site in Philadelphia.  “The Last Glass Show – The Next Glass Show” at the Ontario Crafts Council Gallery in Toronto was his curatorial debut.

 

 

The Next Glass Article (The Last Glass Article)

 

Par: Ryan Legassicke

 

[1]

 

L’art du verre, qu’est-ce que cela signifie? A quoi cela sert-il ? Que dit-il et que révèle-t-il à propos de nous? Pour un artiste, designer ou artisan, cette question a peu d’intérêt. Vous faite simplement votre travail. Mais pour l’organisateur d’une exposition ou un critique d’art, la question devient fondamentale.

 

Tout d’abord, le mot artisanat, souvent utilisé pour décrire des objets en verre fait-main, devrait être considéré comme un verbe ! Il décrit tout un procédé, une action, un mouvement. Il en va de même pour tout acte créatif impliquant du talent, un savoir-faire et du travail, qu’il soit question de peinture, musique, tatouage, programmation informatique et j’en passe…

 

Le design est un nom désignant le fruit de l’artisanat. Il peut être employé pour décrire spécifiquement les objets ayant une valeur utilitaire. L’objet se touche, s’use, s’abime, se répare, se modifie… Il a le potentiel de faire partie de la vie d’autrui d’une façon assez privée.

 

L’art peut aussi être considéré comme un nom. Tout comme le design, il décrit le résultat d’une réflexion traduite et communiquée à travers un matériau, une action, un artisanat. L’art a le potentiel de nous inspirer de manière totalement aléatoire. Pour le pire ou pour le meilleur, l’art et le design sont à l’origine de la totalité du monde matériel.

 

Utiliser l’artisanat pour définir tout objet réalisé dans un matériau précis est très restrictif et la plupart du temps incohérent. C’est comme si la musique était catégorisée uniquement par le biais des instruments et non par le genre de musique joué.

 

[3]

 

Tout ça fait partie des nombreuses choses que j’ai gardées en tête en organisant les récentes expositions des membres “The Last Glass Show-The Next Glass Show” au Conseil des métiers d’art de l’Ontario à Toronto et au Canadian Clay and Glass Gallery de Waterloo. Mais peut-être est-ce simplement une façon de voir les choses quand on est dans un contexte d’exposition.

 

Placez un même objet en dehors d’une galerie et il prend un tout autre sens, une fois sorti du cadre et des usages de ce genre d’endroit. C’est ce que les images au sein de l’exposition cherchaient à démontrer ; que ces objets sont produits et destinés à un usage quotidien. C’est ce j’ai cherché à comprendre. Mon interrogation ne portait pas tant sur le matériau, les techniques spécifiques ou cataloguer ses intérêts communs, mais plutôt sur la globalité du sujet. Nous n’avons pas tous une sensibilité pour l’art ou un penchant pour l’artisanat, mais nous avons tous une préférence en matière de design. Or l’un ne peut exister sans l’autre.

 

Quels aspects de notre culture visuelle jouent un rôle dans notre vie ? Quelles sont les choses qui nous influencent et nous inspirent ? (Ne serait-ce pas génial de pouvoir retirer toutes les publicités en ville pour les exposer dans des galeries, et d’y mettre à la place tout l’art des galeries pour rendre cette énergie à la ville !? Ainsi, si vous souhaitez voir des pubs, vous savez où les trouver et non l’inverse.)

 

{2}

 

Décider d’inclure tous ceux qui avaient postulé ne fut pas un choix évident. Ce fut aussi un défi d’arriver à convaincre qu’exposer une image de leur œuvre était vraiment important, vu le contexte de l’exposition. J’ai été vraiment heureux de voir que tant de personnes semblaient partantes pour cette idée.

 

L’exposition en elle-même porta moins sur mes propres avis esthétiques et idéologiques que sur cette idée selon laquelle l’art est créé et employé par des personnes ayant une certaine curiosité du monde. Ils ne peuvent s’empêcher de l’exprimer et de l’inclure dans un projet collaboratif à bien plus grande échelle – le monde.

 

Ryan Legassicke est un artiste/designer/artisan basé à Toronto. Son œuvre actuelle traite de notre rapport à l’esthétique, aux espaces urbains et à la globalisation. Il est diplômé entre autres du département verre de l’Alberta College of Art and Design. Ses projets récents incluent notamment « States of Security/Security States » au Eastern State Penitientiary Historic Site in Philadelphia. “The Last Glass Show – The Next Glass Show” à la Ontario Crafts Council Gallery de Toronto fut sa première expérience en tant qu’organisateur.

 

 

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Keith Walker: From the Ground Up

By Jeff Werstiuk

 

It’s one of the biggest commitments a glassblower can make when they decide to set up their own independent hot shop.  Much of the time, this involves retro-fitting an existing space like a residential garage or an industrial space of some sort.  However it’s a fairly rare endeavour for a glass artist to custom-build their own studio from the ground up with their own two hands.  Keith Walker of Blow In The Dark Glassworks in Edmonton, Alberta is one of the rare ones who has tackled that challenge.

 

Working as an apprentice carpenter, Walker got his initial taste of molten glass in the spring of 2001 at the Glass Happens hot shop in Edmonton; the first of its kind in the city, founded by Jeff Holmwood and Carol Jane Campbell.  He was soon invited back to assist Holmwood, which developed into nearly eight years’ worth of Tuesday nights that nurtured an informal apprenticeship in glassblowing.

 

“Having some life experience and a hard work ethic helped me understand that I had a unique opportunity here and never took it for granted,” he says, which helped keep him committed while others came and went over time.  “I knew I wanted to practice this medium, and having a front row seat was the best way for me to learn.”

 

By the time Keith Walker started mulling over the idea of building his own hot shop, he had been working as a Red Seal Journeyman Carpenter for several years. There was also more than one influence leading up to this big step.

 

The birth of his daughter Violet was certainly a nexus, motivating a means of self-employment that could be pursued at home and allow him to be around for her.  Then talk of, and the eventual shutting down of, operations at Glass Happens removed the city’s lone facility to blow glass at the time.

 

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 “Keith Walker with shovel getting site prepared for concrete piles”  Photo Credit: Sabrina O’Donnell

 

Actual construction of the home studio began someplace in between those two major events.  By that point, Walker had amicably left his job as a carpenter and taken on a part-time job with Canada Post, which offered the flexibility to take care of his young daughter, time to work on the studio, and an income to help fund it.

 

The structure was modelled after one of the designs of The House Company (the employer Walker had worked with for the extent of his career as a tradesman), a build he was already familiar with.  Although he was handling the physical construction of it by himself, there were several considerations affecting this particular decision.

 

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 “Site area backfilled with gravel after grade beam installed and plumbing roughed in.”  Photo Credit: Keith Walker

 

The first was funding.  Walker was building what he could realistically afford to.  Also, half of the new overall studio space was to be shared with his wife Sabrina, a clothing designer with her own personal business Sabrina Butterfly Designs.

 

Before any ground was broken, Walker researched proper zoning parameters both for his particular residential area and for the city of Edmonton in general.  He chose at first to apply for a building permit for a detached garage at the back of his property.  His gut instinct told him to wait until after it was built to apply for a business license.

 

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 “Framing in the winter, structure begins to take shape.”  Photo Credit: Sabrina O’Donnell

 

There was no shortage of volunteer help throughout the process.  A friend with the applicable background assisted with getting the final blueprint ready to submit to the city for the building permit.  Then there were a host of friends, family and former co-workers assisting on construction when they could.

 

It was a slow process that spanned several years and was not without pitfalls.  Walker admits, “During the four or so years, I had lots of time to doubt my decision; and there were lots of times where construction halted due to lack of funds.”  In hindsight he muses, “It would have been a lot different if it was all put together in a summer with a proper company, even if it did cost more.”

 

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“Continuing to frame structure and roof details.”  Photo Credit: Sabrina O’Donnell

 

One exception to the construction that Walker decided to outsource was the application of the concrete slab, which ensured it was power trowelled to a mirror smooth finish.  This provided a surface easier to hose down and keep clean.

 

Once construction on the garage frame was completed, the next phase was to get the hot shop half set up and functioning.  Walker designed and built all the equipment himself, from the bench to the melt furnace, although he had some help from friends with welding skills.  Though not his ideal design, Walker refurbished a top loading kiln as his melt tank, which does the trick until he can afford to upgrade.

 

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 “Daughter Violet (2 yrs. old) standing in front of alley garage door, exterior 90% complete.”  Photo Credit: Keith Walker

 

All the personally fabricated equipment needed to be CSA inspected and approved, especially since Walker was aiming for a business license and planned on teaching workshops out of his facility.  Both the furnace and the gloryhole are electric, offering a quieter working environment (since his wife is also working right next door), which also cuts down on any potential noise pollution for the immediate neighbours around him.  While the neighbourhood supported the building and operation of his hot shop overall, Walker has unfortunately had to endure irksome neighbours who have moved in next door since then.  “Plant trees,” is his not-so-candid advice to pass on for others interested in building their own residential hot shop.  “If I knew I may have had problems [with neighbours] I would have planted more trees up and down the fence line.  By now they would have been mature.”  It is, after all, nature’s way of coping with nosy neighbours.

 

On top of that he offers, “I would urge anyone who is considering doing something like this to not only do research into urban zoning bylaws and whether they are in a location where it is permitted, but also consider your surroundings and design your backyard and /or structure in a way to be as ‘non-impacting’ as possible.  I would also add that getting to know your neighbours and community league president is a good policy.”

 

Since first lighting up his hot shop, Walker has managed to make a go of things and keep very busy.  Part of the week is dedicated to his studio practice, when he pursues his own body of work as well as commissions.  The remaining days are set aside for facilitating the flat glass program at the Nina Haggerty Centre twice a week and the weekend workshops he teaches out of his hot shop.  Public interest in these classes is high enough that he is perpetually booked with a waiting list at over 100+ at the moment.

 

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 “Speedsters, 2013 – Approx. 6” widths by 10″ in height, blown glass and etched.”  Photo Credit: Keith Walker

 

The effort, risks and sacrifices seem to have paid off and are fulfilling the reasons why Keith Walker set out to accomplish all of this in the first place.  “There was a great feeling that first summer I fired up after June 2011.  I was blowing glass in the studio, looking out the studio patio door at my daughter playing around in the backyard sprinkler, and my wife Sabrina was in the garden, and I thought, ‘This was all worth it.’  And yes this is what I wanted.”

 

For more info about Keith Walker’s artwork and workshops please go to www.blowinthedark.ca.

 

Jeff Werstiuk is a freelance writer who likes to play with fire.

 

 

 

Keith Walker : Partir de rien
Par Jeff Werstiuk

 

Le plus beau serment pour un souffleur de verre est de décider de fonder son propre atelier indépendant. La plupart du temps, il suffit de réaménager une pièce existante tel un garage résidentiel ou un bâtiment industriel quelconque. Toutefois, il est plus rare qu’un artiste verrier parte de zéro pour construire lui-même son atelier à l’aide de ses deux mains. Keith Walker de Blow in the Dark Glassworks à Edmonton en Alberta est l’une des rares personnes ayant relevé ce défi.

 

Alors apprenti charpentier, Walker a tout d’abord découvert le travail du verre à chaud en septembre 2001 à l’atelier Glass Happens d’Edmonton,  fondé par Jeff Holmwood et Carol Jane Campbell, il fut le premier atelier de la ville.  Rapidement sollicité pour assister Holmwood, ce dernier lui dispensa un apprentissage informel du soufflage sur près de 8 ans tous les mardi soirs.

 

« Mon expérience et mes méthodes de travail assidues m’ont permis de comprendre qu’une opportunité unique s’offrait à moi et qu’il ne fallait pas que je la sous-estime », nous explique-t-il, ce qui le fit tenir quand bien d’autres auraient abandonné.  « J’avais envie de travailler avec ce matériau et cette place au premier rang était le moyen idéal d’apprendre ».

 

Keith Walker travaillait en tant que Red Seal Journeyman.Il était charpentier depuis plusieurs années lorsqu’il a décidé de construire son propre atelier. Plusieurs facteurs l’ont motivé à franchir le pas.

 

La naissance de sa fille Violet y fut fortement liée, justifiant l’envie d’être travailleur autonome pour passer plus de temps chez lui. Après certaines rumeurs  et finalement la fermeture définitive du seul endroit pour souffler du verre, le Glass Happens, finit de le convaincre.

 

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 “Keith Walker with shovel getting site prepared for concrete piles”  Photo Credit: Sabrina O’Donnell

 

La construction de l’atelier débuta entre ces deux événements majeurs. Walker avait entre-temps quitté son travail de charpentier pour prendre un poste à mi-temps chez poste Canada. Cela lui donna une certaine souplesse pour prendre soin de sa fille et commencer la construction de son atelier, tout en ayant un revenu minimum pour financer le tout.

 

Le bâtiment fut conçu d’après un des designs de la House Company (l’employeur pour qui Walker avait travaillé en tant que commercial) car cette structure lui était déjà familière. Il fit ce choix suite à la prise en considération de différentes contraintes, bien qu’il agisse de façon complètement autonome dans ce projet.

 

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“Site area backfilled with gravel after grade beam installed and plumbing roughed in.”  Photo Credit: Keith Walker

 

La première concernait le financement. Walker a construit au fur à mesure qu’il pouvait financer de manière concrète les travaux. De plus, il était convenu que la moitié de son nouvel atelier servirait à sa femme Sabrina pour sa propre activité commerciale en tant que designer de mode pour Sabrina Butterfly Designs.

 

Avant même de commencer les travaux, Walker se renseigna sur les réglementations de terrain imposées par la ville d’Edmonton et plus particulièrement sur son site résidentiel. Il préféra demander d’abord un permis l’autorisant à construire un garage détaché à l’arrière de sa propriété. Une fois le bâtiment achevé, il fit la demande pour l’obtention d’une licence commerciale.

 

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 “Framing in the winter, structure begins to take shape.”  Photo Credit: Sabrina O’Donnell

 

Beaucoup vinrent prêter main forte à la construction. Un de ses amis le conseilla pour remplir le formulaire bleu de demande de permis de construire à la ville. Puis, de nombreux amis, anciens collègues et membres de la famille, vinrent donner un coup de main.

 

Le long projet, qui s’étira sur plusieurs années, ne fut pas sans complications. « Au cours de ces quatre années ou presque, j’ai eu des moments de doutes et les travaux ont été interrompus plusieurs fois par manque de fonds. » Il murmure alors pour lui-même « ç’aurait été bien différent si le plan avait été réglé en un été par le biais d’une entreprise professionnelle, quitte à payer plus ».

 

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 “Continuing to frame structure and roof details.”  Photo Credit: Sabrina O’Donnell

 

Exceptionnellement, Walker préféra faire appel à un professionnel pour couler la dalle de béton, pour qu’elle ait un fini parfaitement lisse et soit plus facile à nettoyer à la laveuse à pression.

 

Une fois le bâtiment construit, il dû monter l’atelier et le rendre fonctionnel. Du banc au four, Walker fabriqua tout l’équipement lui-même avec l’aide de quelques amis amateurs de soudure. Walker transforma une arche en creuset, ce qui fit l’affaire le temps de pouvoir investir d’avantage.

 

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 “Daughter Violet (2 yrs. old) standing in front of alley garage door, exterior 90% complete.”  Photo Credit: Keith Walker

 

Tout le matériel fabriqué artisanalement fut contrôlé et approuvé par le CSA, d’autant plus qu’il était question pour Walker d’obtenir une licence commerciale et qu’il avait également en tête de dispenser des ateliers de formations à l’extérieur. Four et creuset sont électriques pour un environnement de travail plus calme (vu que sa femme travaille juste à côté) et ne pas créer de pollution sonore qui pourrait déranger les voisins proches. Le voisinage dans l’ensemble a relativement bien supporté les travaux et l’activité de son atelier  mais Walker a depuis dû faire face à des voisins plus contrariants emménagés juste à côté. « Plantez des arbres » est le conseil détourné qu’il fournit à ceux souhaitant construire leur propre atelier chez eux. « Si j’avais anticipé ces ennuis (avec les voisins), j’aurai planté plus d’arbres le long de la clôture. Ils seraient déjà grands à présent. » Apres tout, c’est une façon environnementale de gérer les voisins un peu trop curieux.

 

Il ajoute : « Je suggère fortement à quiconque souhaitant mener un projet similaire de se renseigner, non seulement sur les restrictions légales concernant le terrain et l’autorisation, mais aussi de prendre en considération l’entourage  pour aménager votre arrière-cours ou bâtiment afin d’éviter les incidents. J’ajouterai aussi qu’il est important de rencontrer vos voisins ainsi que le président de la copropriété. »

 

 

Depuis la première mise en marche de l’atelier, Walker est parvenu à le faire tourner et son emploi du temps est chargé. Une partie de la semaine est dédiée à son travail en atelier pour réaliser ses œuvres ou des commandes. Les autres jours sont consacrés au programme de verre plat du Nina Haggerty Centre prenant place deux fois par semaine et aux cours dispensés à l’extérieur de son atelier les weekends. Ses cours sont très demandés et la liste d’attente dépasse les 100 personnes à l’heure actuelle car il est continuellement sollicité.

 

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 “Speedsters, 2013 – Approx. 6” widths by 10″ in height, blown glass and etched.”  Photo Credit: Keith Walker

 

L’effort, les risques et les sacrifices ont fini par porter  fruits et répondent aux raisons pour lesquelles Keith Walker avait décidé d’accomplir tout ceci en premier lieu. « Ce fut un sentiment réjouissant  le premier été où j’ai démarré l’atelier en juin 2011. Je soufflais du verre dans l’atelier en regardant par  la porte d’entrée  ma fille jouant dans l’arroseur avec ma femme Sabrina dans le jardin. Je me suis dit que ça en valait vraiment la peine et que je l’avais vraiment voulu. »

 

Pour en savoir plus sur le travail de Keith Walker et sur son atelier, rendez-vous sur www.blowinthedark.ca.

 

 

Jeff Werstiuk est un auteur en freelance qui aime jouer avec le feu.

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Fair Collector

Turnstyle Studio aims to bring hot glass to Toronto and you can help!
By Clayton Haigh

 

Can glassmaking ever be considered a hobby?  I’d be hard-pressed to name anyone who thinks so.  You’re either in, or you’re out.  This sets the material apart from other artistic mediums and I think it’s a shame.  The barrier to entry can be so high that those who have taken time to develop a relationship with the material often find themselves without the means to nurture that relationship.  By the same token, those with little or no training are left watching from the sidelines.  With Turnstyle Glass Studio, I hope to change that.  By structuring the space as a hybrid school/studio I hope to educate the public on the challenge and exhilaration of working with glass while taking some of the headaches out of it for trained glassworkers like myself.

 

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The Dunlin Decanter Gift Set is offered as one of Turnstyle Glass Studio’s “perks”.

 

The plan:  A graduated series of workshops allowing beginners to develop their skill set and become self-sufficient “studio members” in time.  Members will be allowed to rent the studio for personal use.  Studio time will be monitored for safety’s sake but free of instruction.  Those with previous experience (i.e.: post-secondary grads) will be treated as members and allowed to rent time in the same way.  My hope is that welcoming more members into the studio will create a casual, “drop-in” atmosphere for both hobbyists and professionals alike.

 

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High-level donors will receive a beginner’s glassblowing course with instructor: Clayton Haigh.

 

As an artist-in-residence at Toronto’s Harbourfront Centre for the past four years, I have enjoyed an extremely flexible schedule in the studio.  It occurs to me that this flexibility can be vital to the career of a professional artist.  An artist may need a few days in the studio followed by a long hiatus to focus on installing/shipping/emailing/researching/recovering or one of a million other things that require our attention at a moment’s notice.  I hope that Turnstyle will provide this kind of freedom to its members.

 

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Hive Tumblers by Balance Glassworks are included in Turnstyle Glass Studios “perks”.

 

In order to fund the studio during its first year and beyond, I’ll be launching an IndieGoGo campaign.  For those unfamiliar with it, IndieGoGo is a crowd-funding site in the same vein as Kickstarter.  Both are online organizations that serve to collect donations toward a cause.  The cause in this case is Turnstyle Studio.  Since 90% of the required equipment has already been purchased, all funds collected will be put towards rent and utilities during year one.  Campaign organizers can offer incentives or “perks” to those that choose to donate.  Perks for the Turnstyle campaign will include select products from the Balance Glassworks catalogue (balanceglassworks.com), t-shirts, and permanent recognition in the finished studio.  Workshops and studio time will be offered to high-level donors.

 

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Screen-printed T-shirts designed by Clayton Haigh are offered as a low-level “perk”.

 

What I really want from Turnstyle is the opportunity to give back to a community that has served me well over the past 8 years.  By providing a flexible, reliable workspace, I hope to nurture the Toronto glass scene and allow it to grow.  Everyone needs a hobby, right?

 

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 High-level donors will receive a beginner’s glassblowing course with instructor: Clayton Haigh.

 

For more information on Turnstyle Glass Studio, please visit www.balanceglassworks.com/blog/.

To link to the Indiegogo campaign for Turnstyle Glass Studio please follow the link: http://igg.me/at/Turnstyle/x/4439118

 

Fair Collector

L’atelier Turnstyle souhaite faire valoir le travail du verre à Toronto et vous pouvez l’aider!
Par Clayton Haigh

 

Le travail du verre pourra-t-il un jour être considéré comme un simple loisir ? J’aurai bien du mal à trouver la moindre personne convaincue. Il faut être soit totalement impliqué, soit pas du tout. Cela donne au matériau un statut différent des autres supports artistiques et je trouve cela dommage. Les barrières d’entrée sont parfois si hautes que ceux qui ont pris le temps de s’approprier le matériau se retrouvent souvent sans les moyens de poursuivre leur progression. De la même façon, ceux qui ont peu ou pas d’entrainement n’ont plus qu’à se ranger du côté  du public. Grâce au Turnstyle Glass Studio, j’espère pouvoir changer cela. En créant un espace hybride entre atelier et école, j’espère montrer aux spectateurs les défis et l’exaltation du travail du verre tout en facilitant la tâche aux artisans expérimentés comme moi.

 

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 The Dunlin Decanter Gift Set is offered as one of Turnstyle Glass Studio’s “perks”.

 

Le plan : fournir une série d’entrainements successifs qui permettront aux débutants de développer leur talent et devenir avec le temps des membres autonomes de l’atelier. Les membres auront la possibilité de louer l’atelier pour leur usage personnel. Les heures d’atelier seront régulées pour des raisons de sécurité mais son utilisation sera libre. Les personnes ayant déjà de l’expérience (tels que les diplômés secondaires) seront considérées comme membres et autorisées à louer des heures de la même manière. Le fait d’accueillir des membres supplémentaires à l’atelier créera, j’espère, une ambiance informelle de « passage »  mêlant amateurs et professionnels.

 

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High-level donors will receive a beginner’s glassblowing course with instructor: Clayton Haigh.

 

En tant qu’artiste en résidence au Harbourfront Centre de Toronto depuis quatre années, j’ai bénéficié d’un emploi du temps très flexible à l’atelier. Cela m’a fait comprendre que la flexibilité peut être vitale à la carrière d’un artiste professionnel. Un artiste nécessite parfois de passer plusieurs jours dans l’atelier, puis d’une longue trêve pour se concentrer sur l’installation, le transport, les contacts, la recherche, le repos ou un million d’autres choses demandant de l’attention sur le moment. J’espère que le Turnstyle fournira ce genre de liberté à ses utilisateurs.

 

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Hive Tumblers by Balance Glassworks are included in Turnstyle Glass Studios “perks”.

 

Je vais lancer une campagne sur IndieGoGo pour financer l’atelier pendant les premières années. Pour ceux qui ne connaissent pas IndieGoGo, c’est un site de don en ligne du même style que Kickstarter. Tous deux sont des organismes sur internet servant à collecter des fonds au profit d’une cause. Dans notre cas, la cause sera l’atelier Turnstyle. Comme 90% des équipements nécessaires sont déjà acquis, tous les dons collectés seront utilisés pour payer les frais de location et de services pendant la première année. Les organisateurs de la campagne pourront offrir des lots de remerciements ou des avantages en nature à ceux qui auront choisi de faire un don. Les lots pour la campagne Turnstyle incluront une sélection de produits issus du catalogue Balance Glassworks (balanceglassworks.com), des t-shirts et la reconnaissance permanente dans l’atelier achevé. Des heures d’atelier seront aussi proposées aux grands donateurs.

 

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 Screen-printed T-shirts designed by Clayton Haigh are offered as a low-level “perk”.

 

Avec la création de Turnstyle, j’aimerai vraiment pouvoir rendre à une communauté qui m’a beaucoup donné au cours de ces huit dernières années. En fournissant un espace de travail fiable et flexible, j’espère alimenter la scène du verre de Toronto et lui permettre de s’agrandir. Tout le monde a besoin d’un loisir, non ?

 

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 High-level donors will receive a beginner’s glassblowing course with instructor: Clayton Haigh.

 

Pour plus d’informations sur le Turnstyle Glass Studio, rendez-vous sur :

www.balanceglassworks.com/blog/.

Pour créer un lien à la campagne Indiegogo pour Turnstyle Glass Studio, veuillez suivre le lien: http://igg.me/at/Turnstyle/x/4439118

 

 

 

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