President’s Message

December 8, 2014

I want to tell you all about a great day that I had a little while ago. It was a day full of good friends, good times, information, new techniques, games and laughter. Sure, it was hot but no one seemed to be bothered or at least they did not let the heat slow them down.

 

The Glass Gathering, as it is officially called, is something that you may hear about when talking to your glass friends or scanning your Facebook newsfeed. Word is spreading quickly about this event because it is gaining momentum—for good reason. This event is only in its second year and already it has become something spectacular. Last year, the Glass Gathering had 150 attendees and this year the pre-event registration had over 230 registered, not to mention all the people that showed up unregistered. I will let someone else describe the event (See the article by Loni Kimber or the photo essay in this issue) and instead tell you how it inspired me.

 

The Glass Gathering was a free event but lets think about what that means. For an event to be free there must be no overhead cost to run the event or the costs were somehow donated, gifted and given. It means that all lecturers and demonstrators were not paid anything and wanted to simply be a part of something special. The Alumni relations team managed not only to have free food for the 250 expected glass enthusiasts, but they felt so strongly about supporting this event that they even hosted a raffle and watched a few demos and lectures. Each of the organizers and the countless volunteers were working their butts off to make sure that this event was a success without being paid anything other than cold water. The ever-supportive Glass department and its faculty and students at Sheridan College felt so strongly about the glass community that they were willing to give up their working time and space, their benches and tools, their torches and kilns. Sheridan also footed the bills for supplies and resources such as the glass, natural gas, oxygen, etc. all to support a great cause. Everyone who donated and volunteered did not just support the event, but also supported building a broader glass community. Imagine what we could accomplish if more people supported this type of initiative.
 

Glass enthusiast cannot resist a “selfie” with Chihuly. Photo by Nick Chase.

Glass enthusiast cannot resist a “selfie” with Chihuly. Photo by Nick Chase.

 

On a personal note, I cannot tell you how great it was to see everyone at this event, especially those that I have not see for much too long. Let’s not wait so long before connecting next time. For all of the other friends that I still need to reconnect with, I will see you at Sheridan College for the next Glass Gathering happening next September.

 

 

Le mot du Président

 

Laissez-moi vous parler de cette magnifique journée que j’ai passée il y a quelques temps. Une journée remplie de bons amis, de bons moments, de choses intéressantes, de nouvelles techniques, de jeux et de rires. C’est vrai qu’il a fait vraiment chaud, mais personne ne s’en est plaint et ne s’est laissé démotiver par la chaleur.

 

Le Glass Gathering(Rencontre du Verre), tel qu’officiellement intitulé, est un événement dont vous avez peut-être déjà entendu parler dans le milieu du verre ou sur votre fil d’actualités Facebook. Si le mot s’est aussi vite répandu pour cet événement, c’est qu’il y a de bonnes raisons. Deux années à peine, et déjà l’événement prend de l’ampleur. L’année passée, 150 personnes avaient assisté au Glass Gathering, tandis que cette année, on comptabilisait déjà 230 personnes préinscrites, sans compter toutes celles qui se sont pointées le jour même sans inscription. Je préfère laisser quelqu’un d’autre vous parler de l’événement (voir l’article de Loni Kimber et le roman-photo de ce numéro) et vous dire plutôt à quel point cela m’a inspiré.

 

Le Glass Gathering est un événement gratuit, demandons-nous ce que cela implique. Pour qu’un événement soit gratuit, il ne doit pas y avoir de frais généraux, ou alors ces coûts doivent faire l’objet de dons ou de faveurs. Cela signifie que les intervenants n’ont pas été rémunérés et tenaient simplement à participer à quelque chose d’unique. L’équipe du réseau des Alumni est parvenue à négocier non seulement le repas gratuit pour les 250 fans de verre attendus, mais ils se sont tellement impliqués qu’ils ont aussi organisé une tombola et ont assisté à plusieurs démonstrations et conférences. Chacun des organisateurs et les nombreux bénévoles se sont donnés un mal fou pour que tout se déroule au mieux durant l’événement, le tout sans jamais rien y gagner. Le département du verre du Sheridan College avec ses étudiants et professeurs ont, comme toujours, été d’un précieux soutien et ont sacrifié leur temps et leur lieu de travail pour nous donner accès à leurs outils et bancs, fours et creusets. Sheridan a aussi pris en charge les factures pour le matériel et les ressources, tels que le verre, le gaz et l’oxygène, en soutien à cet événement important. Tous ceux qui ont donné un peu de leur temps n’ont pas seulement participé au succès de l’événement mais, ont aussi contribué à agrandir le réseau de la communauté du verre. Imaginez tout ce que l’on pourrait accomplir si plus de personnes soutenaient ce genre d’initiative ?

 

Les amoureux du verre ne peuvent s’empêcher de faire un « selfie » avec Chihuly. Photo de Nick Chase.

Les amoureux du verre ne peuvent s’empêcher de faire un « selfie » avec Chihuly. Photo de Nick Chase.

 

D’un point de vue personnel, difficile de vous dire à quel point j’ai pris plaisir à revoir tous ceux présents à cet événement, en particuliers ceux que je n’avais pas vu depuis longtemps. N’attendons pas si longtemps pour nous revoir la prochaine fois. Pour tous les autres amis avec lesquels je dois encore reprendre contact, rendez-vous au Sheridan College lors du prochain Glass Gathering en septembre 2015.

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Glass Gathering 2014

Glass Gathering – the story in photos.

Photos taken by Nick Chase, Patrick Fisher and Michael Radigan.

 

Rencontre  du Verre/ Glass Gathering: Le Roman-Photo

Photographies réalisées par Nick Chase, Patrick Fisher et Michael Radigan

 

 

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The Human Condition Through Glass

At the Espace VERRE Gallery until January 9, 2015

by Christian Bernard Singer, Curator

 

Life is in itself a miracle but, as humans, we experience the awareness of its ephemeral nature as both a precious blessing and a cruel curse. We respond to the beauty and magic of birth, and the cycles of life in nature, with wonder and awe, yet few of us are truly able to accept the concept of death – that unpredictable one-way trip to some ‘unknowable beyond.’ Against this backdrop, our consciousness becomes a blend of psychological, emotional, physical and spiritual experiences that, together, define the human condition. It is no wonder then that the human condition is so often the greatest preoccupation of artists.

 

In this exhibition, love and beauty, loss and hope, identity and place and mythos and spirituality are some of the concerns explored through the works of Canadian artists Laura Donefer, André Fournelle, Jiri Ladocha, John Paul Robinson, Koen Vanderstukken and Tim Whiten. While pushing the conceptual and material possibilities of the medium, the artists not only challenge our assumptions of what glass art can be but they invite us to contemplate some of the questions that are at the heart of the human experience.

 

Tim Whiten has long been concerned with the transcendental, exploring various kinds of transitions between the physical world and non-physical experiences that tell us that the physical is only a part of our human experience. In his work, he uses archetypal symbols such as the skull, boat, ritual and prayer objects, construction tools, domestic implements and children’s toys to reference the physical objects that can act as portals to other levels of awareness.

 

Whiten, Tim. One, One, One (2002), cast glass, hot-worked glass, metal, 155 x 7.5 x 20 cm, Collection of the Canadian Clay and Glass Gallery. (Photo: Michael Cullen)

Whiten, Tim. One, One, One (2002), cast glass, hot-worked glass, metal, 155 x 7.5 x 20 cm, Collection of the Canadian Clay and Glass Gallery. (Photo: Michael Cullen)

 

 

The use of archetypes is also at the heart of John Paul Robinson’s work, reflecting humankind’s age-old preoccupation with understanding our origins. Today, science leads the way to entirely new understandings about our beginnings and provides explanations about dimensions and phenomena that exist so far outside of our daily experience as to make them incomprehensible to most. In order to find personal resonance, Robinson creates metaphorical symbols informed by scientific and mathematical theories. Robinson interprets what he coins, “the mythic potential of science” in order to understand the world and his place within it.

 

Robinson, John Paul. Probability (2014), hot-worked glass, metal, 122 x 366 x 13 cm. (Image: Himagia)

Robinson, John Paul. Probability (2014), hot-worked glass, metal, 122 x 366 x 13 cm. (Image: Himagia)

 

 

Jiri Ladocha’s glass constructions demonstrate a masterful oscillation between chaos and control, gesture and abstraction, and mirage and substance. He is renowned for his ever-evolving exploration and evocation of the textures, hues and sensibilities of the Old and the New Worlds. While his imagery transcends any specific time and place, we sense within this intangibility something that is intuitively familiar.

 

Ladocha, Jiri. Black Squares, detail (2007), plywood, steel balls, mirrors, 40 x 40 x 8 cm (Photo: Pete Paterson)

Ladocha, Jiri. Black Squares, detail (2007), plywood, steel balls, mirrors, 40 x 40 x 8 cm (Photo: Pete Paterson)

 

 

In the age of ‘selfies,’ Koen Vanderstukken’s works turns our attention to the notion of self-perception when confronted with our virtual selves. His works oscillate between revelation and deception. He challenges our preconceptions about self in relation to time and place as he turns our focus to the very question of what is reality in his series of interactive sculptures. We have become so accustomed to the constant barrage of moving images that we forget to question the validity – or reality – of the images in question.

 

Vanderstukken, Koen. virtual reality 10-15-05 (2010). DAENYX 15” LCD-TV, camera, float glass, 49 x 36 x 36 cm. (Photo: Koen Vanderstukken)

Vanderstukken, Koen. virtual reality 10-15-05 (2010). DAENYX 15” LCD-TV, camera, float glass, 49 x 36 x 36 cm. (Photo: Koen Vanderstukken)

 

 

Laura Donefer’s installations on loss, mourning and memory articulate the anguish of personal and global pain with such concerns as assault, bereavement, joy and madness. By simultaneously exploiting and transcending the seductive materiality of glass in ways that push the boundaries of traditional glassmaking, she has influenced countless others to explore the sculptural possibilities of the medium. Whether working in (or combining) blown, cast or flame-worked glass, her works are always sculptural or installation-based, full of riotous colour and incorporate such diverse materials as bones, shells, fibres, and found objects in what she calls, “human sheddings, urban remnants and natural bric-a-brac.”

 

Donefer, Laura. BEYOND THE PALE: A Tale of Loss, Longing, and Love (2014). Blown and manipulated glass, hair, wire, wax, honeycomb, rusted wrench, 112.5 x 360 x 60 cm (Photo: Stephen Wild)

Donefer, Laura. BEYOND THE PALE: A Tale of Loss, Longing, and Love (2014). Blown and manipulated glass, hair, wire, wax, honeycomb, rusted wrench, 112.5 x 360 x 60 cm (Photo: Stephen Wild)

 

 

André Fournelle takes the exhibition full circle with his concerns for the possibilities of how materials have communicated humankind’s evolutionary journey while exploring a dialogue between art and society. His interest in the basic natural elements of earth, water, fire and air provide the starting point to explore notions of transformation, the ephemeral and the cycles of birth, life and death. In particular, light, as a symbol for knowledge and intellectual freedom, whether expressed through his neon works or his performative works involving fire, has been at the core of his work since the 1960s.

 

Fournelle, André. L’intention se doit d’être violente (1990), neon, acrylic, 48 x 240 x 10 cm (Photo: Michel Dubreuil)

Fournelle, André. L’intention se doit d’être violente (1990), neon, acrylic, 48 x 240 x 10 cm (Photo: Michel Dubreuil)

 

 

While the awareness of life and death is hardly germane to the human species, as far as we know, humans are the only species to question why we live and die. The answer remains in the realm of the unknowable yet has been a common thread in our art and stories since our earliest beginnings and continues to define the human experience.

 

 

 

La condition humaine à travers le verre

à la galerie Espace VERRE jusqu’au 9 janvier 2015


par Christian Bernard Singer, commissaire (Propos traduits par Valérie Paquin)

 

La vie est un miracle en soi; mais nous, êtres humains, vivons la prise de conscience de sa nature éphémère à la fois comme une faveur divine et une malédiction. Nous sommes sensibles à la beauté magique de la naissance et aux cycles de la vie, y répondant avec émerveillement, mais peu d`’entre nous sommes véritablement prêts à accepter la mort , ce voyage imprévisible vers l’inconnu. Contre cette trame, notre conscience devient un amalgame d’expériences psychologiques, émotives, physiques et spirituelles qui, ensemble, déterminent la condition humaine. Il n’est donc pas surprenant que la condition humaine soit aussi souvent le sujet de prédilection des artistes.

 

Dans cette exposition, les artistes canadiens Laura Donefer, André Fournelle, Jiri Ladocha, John Paul Robinson, Koen Vanderstukken et Tim Whiten proposent des œuvres qui explorent les notions de l’amour et de la beauté, la perte et l’espoir, l’identité et l’espace, ainsi que la mythologie et la spiritualité. En repoussant les frontières conceptuelles et plastiques de la matière, les artistes remettent en cause nos présomptions sur la nature du verre d’art, tout en nous invitant à réfléchir sur certaines grandes questions qui sont au cœur même de l’expérience humaine.

 

Depuis longtemps, Tim Whiten s’intéresse aux sujets transcendantaux, explorant différents types de transitions entre le monde matériel et les expériences non physiques qui nous révèlent que le matériel n’est qu’une partie de l’expérience humaine. Il utilise dans ses créations des archétypes tels le crâne, le bateau, des objets de culte, des outils de construction, des équipements domestiques et des jouets pour enfants pour évoquer les objets matériels pouvant mener à d’autres niveaux de prise de conscience.

 

Whiten, Tim. One, One, One (2002), verre moulé, verre façonné à chaud, métal, 155 x 7,5 x 20 cm, Collection de la galerie canadienne de la céramique et du verre. (Photo: Michael Cullen)

Whiten, Tim. One, One, One (2002), verre moulé, verre façonné à chaud, métal, 155 x 7,5 x 20 cm, Collection de la galerie canadienne de la céramique et du verre. (Photo: Michael Cullen)

 

 

Rappelant la quête éternelle de la race humaine pour comprendre ses origines, la référence aux archétypes est aussi au cœur de la démarche de John Paul Robinson. De nos jours, la science guide les découvertes liées à la compréhension de nos origines et nous fournit des explications sur des phénomènes et dimensions bien au-delà de notre réalité quotidienne, qui les rendent indéchiffrables pour la majorité. Afin de trouver une résonnance personnelle, Robinson crée des symboles métaphoriques à partir de théories scientifiques et mathématiques. Robinson interprète ce qu’il a baptisé « le potentiel mythique de la science » afin de décoder le monde qui l’entoure et d’y trouver sa place.

 

Robinson, John Paul. Probability (2014), verre façonné à chaud, métal, 122 x 366 x 13 cm. (Image: Himagia)

Robinson, John Paul. Probability (2014), verre façonné à chaud, métal, 122 x 366 x 13 cm. (Image: Himagia)

 

Les constructions de verre de Jiri Ladocha font preuve d’une oscillation maîtrisée entre le chaotique et l’organisé, entre le geste et l’abstraction, entre le mirage et la matière. Il est reconnu pour son exploration en constante évolution et son évocation des textures, couleurs et sensibilités des Ancien et Nouveau mondes. Alors que son imagerie transcende les marqueurs spatio-temporels, on sent dans l’intangibilité de son travail une certaine familiarité intrinsèque.

 

 

Ladocha, Jiri. Black Squares, détail (2007), contreplaqué, boules en acier, miroirs, 40 x 40 x 8 cm (Photo: Pete Paterson)

Ladocha, Jiri. Black Squares, détail (2007), contreplaqué, boules en acier, miroirs, 40 x 40 x 8 cm (Photo: Pete Paterson)

 

 

À l’ère des égoportraits, le travail de Koen Vanderstukken nous tourne vers la notion de perception de soi lorsque nous sommes confrontés à nos pendants virtuels. Ses œuvres oscillent entre révélation et déception, tout en questionnant nos idées préconçues sur l’égo en relation spatio-temporelle. Sa série de sculptures interactives questionne la nature même de la réalité. Si accoutumés d’être constamment bombardés d’images en mouvement, nous oublions de questionner la validité – ou la réalité – des images en question.

 

Vanderstukken, Koen. virtual reality 10-15-05 (2010). DAENYX 15” LCD-TV, caméra, verre flotté, 49 x 36 x 36 cm. (Photo: Koen Vanderstukken)

Vanderstukken, Koen. virtual reality 10-15-05 (2010). DAENYX 15” LCD-TV, caméra, verre flotté, 49 x 36 x 36 cm. (Photo: Koen Vanderstukken)

 

 

Les installations de Laura Donefer sur le sentiment de perte, le deuil et la mémoire, articulent l’angoisse personnelle et la douleur collective avec des sujets tels l’agression, le deuil, la joie et la folie. En exploitant et même dépassant la plasticité séductrice du verre en fusion, repoussant les limites des techniques traditionnelles de travail du verre, elle a inspiré bon nombre d’artistes à explorer les possibilités sculpturales de la matière. Travaillant (ou combinant) le verre soufflé, moulé, ou façonné à la flamme, ses œuvres sont toujours sculpturales ou basées sur l’installation, débordantes de couleur débridée et de divers matériaux tels des os, des coquillages, des fibres et des objets trouvés, ce qu’elle qualifie « d’effritements humains, de vestiges urbains et de bric-à-brac naturel ».

 

Donefer, Laura. BEYOND THE PALE: A Tale of Loss, Longing, and Love (2014). Verre soufflé et manipulé, cheveux, fils métalliques, cire, nid d’abeilles, clef à molette rouillée, 112,5 x 360 x 60 cm (Photo: Stephen Wild)

Donefer, Laura. BEYOND THE PALE: A Tale of Loss, Longing, and Love (2014). Verre soufflé et manipulé, cheveux, fils métalliques, cire, nid d’abeilles, clef à molette rouillée, 112,5 x 360 x 60 cm (Photo: Stephen Wild)

 

 

André Fournelle boucle l’exposition avec son intérêt pour les pouvoirs communicatifs des matériaux en parallèle avec l’évolution de l’humanité, tout en explorant un dialogue entre l’art et la société. Les quatre éléments de la terre, l’eau, le feu et l’air lui fournissent la trame de fond pour son exploration des notions de transformation, de l’éphémère et des cycles de la naissance, de la vie et de la mort. Et la lumière – symbole du savoir et de la liberté intellectuelle –, exprimée via le néon ou par le feu dans ses performances, est au cœur de son travail depuis les années 1960.

 

Fournelle, André. L’intention se doit d’être violente (1990), néon, acrylique, 48 x 240 x 10 cm (Photo: Michel Dubreuil)

Fournelle, André. L’intention se doit d’être violente (1990), néon, acrylique, 48 x 240 x 10 cm (Photo: Michel Dubreuil)

 

 

Alors que la conscience face à la vie et à la mort est primordiale pour l’espèce humaine, au meilleur de notre connaissance, l’être humain est la seule espèce à questionner le pourquoi de la vie et de la mort. La réponse réside dans la sphère de l’inaccessible, bien qu’elle ait été et demeure le fil conducteur de notre art et de nos histoires, qui persiste à définir notre expérience humaine.

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Elemental Nexus Fuses Glass Sensibilities

by Gloria Hickey

 

The quietest tones of the glass palette—cool, green passages of clear glass—and the most volatile range of the medium—saturated reds, flaming oranges and vibrant cobalt blues—come together in the exhibition Elemental Nexus which includes the glass talents of Colette Samson (NS), Urve Manuel (NL) and Heather Mills (NL).

 

Samson, Colette. Flame/Fire (2013-2014), cast glass, 13 ½” x 13” x 3”. (Eric Walsh)

Samson, Colette. Flame/Fire (2013-2014), cast glass, 13 ½” x 13” x 3”. (Eric Walsh)

 

Samson, Colette. The Great Divide (2013-2014), cast glass, 8” x 7” 2”. (Eric Walsh)

Samson, Colette. The Great Divide (2013-2014), cast glass, 8” x 7” 2”. (Eric Walsh)

 

Samson fashions waves of blue kiln shaped glass and wedges of juicy, red kiln glass.  In the gallery, they become building blocks for optical experiences that seek to evoke an emotion, a memory or to reflect nature in color, shape and texture. Works like The Great Divide suggest erosion, shifting tectonics and use the characteristics of frit glass to portray the landscape of her native Newfoundland. Colette Samson operates Image Glass Studio in Shubenacadie East, N.S.

 

Manuel, Urve and Samson, Colette. Phoenix (detail) (2013-2014), kiln-formed glass, fusing and slumping techniques, 73” x 89”. (Eric Walsh)

Manuel, Urve and Samson, Colette. Phoenix (detail) (2013-2014), kiln-formed glass, fusing and slumping techniques, 73” x 89”. (Eric Walsh)

 

Urve Manuel and Samson met at a craft fair and agreed to collaborate on a large-scale kiln glass sculpture.  The result is the Phoenix, a soaring composition of orange, red, yellow and blue glass that dominates 6 x 4 feet of wall; it is jubilant and active with flame shaped limbs reaching out like a propeller.  Upon closer inspection, the blades or limbs reveal that they are deftly worked with glistening ripples and gems.  The sculpture is slick with reflective surfaces.

 

Manuel, Urve. Hook and Feather (2013-2014), pate de verre and metal, 8” x 9”. (Eric Walsh)

Manuel, Urve. Hook and Feather (2013-2014), pate de verre and metal, 8” x 9”. (Eric Walsh)

 

Urve Manuel has three solo pieces in the exhibition as well which use the light-filled and ephemeral qualities of glass to consider what happens when a living being passes on.  From frit and kiln shaped glass, Manuel fashions ambiguous but beautiful objects.  They resemble leaves or feathers, things that nature casts off or sheds.  Characterized by patterns they are decorated after the fashion of animals and plants.  But there is the undeniable human element too.  One piece, dedicated to her grandmother’s memory, is a lyrical interpretation of a clothesline.  On its undulating metal frame are hung glass pieces that curl and unfurl gracefully, the patterns based on the Eastonian aprons of Urve’s grandmother.  A corresponding sculpture uses the metal line to evoke the gesture of her grandfather throwing out his fishing net off the dock.  The net itself is fashioned in glass, delicately suspended by fishing hooks, while a series of feather/leaves ascend the wall behind combining visual clues from fishing ties, the scales of fish and the circulatory system of leaves.

 

Mills, Heather. Across the Ice Flow, (2013-2014), repurposed tempered glass with quartz beach rock inclusions and mild steel, 14” x 27” x 1 ½”. (Eric Walsh)

Mills, Heather. Across the Ice Flow, (2013-2014), repurposed tempered glass with quartz beach rock inclusions and mild steel, 14” x 27” x 1 ½”. (Eric Walsh)

 

Mills, Heather. Erratics (2013-2014), repurposed tempered glass with quartz beach rock inclusions and anhydrite, 7” x 6” x 2 ½”. (Eric Walsh)

Mills, Heather. Erratics (2013-2014), repurposed tempered glass with quartz beach rock inclusions and anhydrite, 7” x 6” x 2 ½”. (Eric Walsh)

 

By contrast, Heather Mills combines her kiln formed glass with metals and actual organic elements.  The most memorable is her use of beach rocks.  They are humble in their inherent beauty, suspended and transformed by the surrounding glass in which they are embedded.  In Erratics, Mills chooses two small rocks, one rust red the other blushed pink.  The red is set off by the complimentary natural colour of green glass.  The glass is crazed with a plethora of lines as fine as filament.  The piece is displayed vertically from a grey marble base.  It is unapologetically abstract.  Erosion is a vertical strip of glass punctuated by the rhythmic presence of four rocks; its careful composition suggests Mills’ earlier work as a stained glass artist.

 

Manuel, Urve. Feather (2013-2014), pate de verre, 6” x 10 ½”. (Eric Walsh)

Manuel, Urve. Feather (2013-2014), pate de verre, 6” x 10 ½”. (Eric Walsh)

 

Manuel, Urve and Samson, Colette. Phoenix (detail) (2013-2014), kiln-formed glass, fusing and slumping techniques, 73” x 89”. (Eric Walsh)

Manuel, Urve and Samson, Colette. Phoenix (detail) (2013-2014), kiln-formed glass, fusing and slumping techniques, 73” x 89”. (Eric Walsh)

 

There is actually a fourth artist in this exhibition, who does not work in glass: jeweler and metal smith, Susan Lee Stephen.  She fashions tiny tableaux of copper, bronze and brass that cleverly question through the form of positive and negative spaces how we label animals as problems when they “interfere” with our shared environment.  Her use of semiprecious stones such as Nova Scotian agate makes a lovely counterpoint to Mills’ beach rocks and the rippling colours of Samson and Manuel’s glass.  Her jewelry is sculpture that we can wear.

 

The exhibit was from May 10th until June 14th, 2014 at the Craft Council of Newfoundland and Labrador Gallery.

 

 

 

L’Elemental Nexus fusionne les talents verriers

 

par Gloria Hickey

 

L’exposition Elemental Nexus rassemble les teintes les plus discrètes du verre, telles que le vert subtil du verre translucide, avec les teintes les plus volatiles du matériau, comme les rouges saturés, les oranges flamboyants et les bleus vibrants, en réunissant les talents en verre de Colette Samson (NS), Urve Manuel (NL) et Heather Mills (NL).

 

Samson, Colette. Flame/Fire (2013-2014), verre moulé 13 ½” x 13” x 3”. (Eric Walsh)

Samson, Colette. Flame/Fire (2013-2014), verre moulé 13 ½” x 13” x 3”. (Eric Walsh)

 

Samson, Colette. The Great Divide (2013-2014), verre moulé, 8” x 7” 2”. (Eric Walsh)

Samson, Colette. The Great Divide (2013-2014), verre moulé, 8” x 7” 2”. (Eric Walsh)

 

Samson façonne des vagues bleues en verre moulé et des œuvres d’un rouge intense. Dans la galerie, ses pièces s’imposent à la vue, tels des monuments optiques qui nous évoquent une émotion, un souvenir ou rappellent la nature dans leurs couleurs, leurs formes et leurs textures. Ses œuvres comme The Great Divide suggèrent l’érosion ou la tectonique des plaques et utilise le verre concassé pour représenter le paysage de Terre Neuve, sa région natale. Colette Samson tient l’Image Glass Studio à Shubenacadie Est, N.S.

 

Manuel, Urve et Samson, Colette. Phoenix (détail) (2013-2014), verre moulé, techniques de fusing et de thermoformage, 73” x 89”. (Eric Walsh)

Manuel, Urve et Samson, Colette. Phoenix (détail) (2013-2014), verre moulé, techniques de fusing et de thermoformage, 73” x 89”. (Eric Walsh)

 

Urve Manuel et Samson se sont rencontrés lors d’une foire artisanale et se sont entendus pour collaborer sur une sculpture en verre moulé à grande échelle. L’œuvre aboutie s’appelle le Phoenix, une pièce en hauteur composée de verre orange, rouge, jaune et bleu, qui occupe un pan de mur sur 6 x 4 pieds. Elle est radieuse et tonique avec des pics en flammes, qui dépassent comme des hélices. En regardant de plus près, on voit que ces flammes sont travaillées avec des ondulations scintillantes et des pierreries. La sculpture est lisse et comporte des surfaces brillantes.

 

Manuel, Urve. Hook and Feather (2013-2014), pâte de verre et métal, 8” x 9”. (Eric Walsh)

Manuel, Urve. Hook and Feather (2013-2014), pâte de verre et métal, 8” x 9”. (Eric Walsh)

 

Urve Manuel expose aussi trois œuvres personnelles qui utilisent la luminosité subtile du verre pour exprimer le passage de la vie à la mort. Avec du verre concassé et du verre moulé, Manuel façonne des pièces belles bien qu’ambiguës. Elles suggèrent des feuilles ou des plumes que la nature aurait pu former. Il y a aussi une composante humaine indéniable. Une des œuvres est dédiée à sa grand-mère et représente l’interprétation lyrique d’un fil à linge. Sur un cadre de métal ondulé pendent des pièces de verre gracieusement courbées qui s’inspirent  des tabliers Estoniens de sa grand-mère. Une des autres sculptures utilise cette fois le cadre métallique pour évoquer le geste de son grand-père lorsqu’il lançait son filet de pêche. Suspendu délicatement par des crochets, le filet est en verre. Les plumes/feuilles qui décorent le mur en arrière sont autant d’indices visuels qui suggèrent les nœuds du filet, des écailles de poissons et un tourbillon des feuilles.

 

Mills, Heather. Across the Ice Flow, (2013-2014), verre tempéré avec galets de quartz intégrés et acier doux, 14” x 27” x 1 ½”. (Eric Walsh)

Mills, Heather. Across the Ice Flow, (2013-2014), verre tempéré avec galets de quartz intégrés et acier doux, 14” x 27” x 1 ½”. (Eric Walsh)

 

Mills, Heather. Erratics (2013-2014), verre tempéré avec galets de quartz intégrés et anhydrite, 7” x 6” x 2 ½”. (Eric Walsh)

Mills, Heather. Erratics (2013-2014), verre tempéré avec galets de quartz intégrés et anhydrite, 7” x 6” x 2 ½”. (Eric Walsh)

 

En contraste, Heather Mills combine ses pièces en verre moulé avec du métal et des éléments de la nature. On pense surtout à son utilisation des galets de plage. Ils sont humbles dans leur beauté inhérente, en suspension, transformés par le verre qui les entoure et dans lequel ils sont pris. Dans Erratics, Mills a choisi deux petits galets, l’un couleur rouille et l’autre rosé. Le rouge contraste avec la teinte naturellement verte du verre qui complète la pièce. Le verre comporte une multitude de lignes aussi fines que des filaments. La pièce est disposée verticalement sur un socle de marbre gris. C’est irrévocablement abstrait. Erosion est une bande verticale de verre dont la cadence est ponctuée de 4 galets ; sa composition délicate rappelle ses antécédents de vitrailliste.

 

Manuel, Urve. Feather (2013-2014), pâte de verre, 6” x 10 ½”. (Eric Walsh)

Manuel, Urve. Feather (2013-2014), pâte de verre, 6” x 10 ½”. (Eric Walsh)

 

Manuel, Urve et Samson, Colette. Phoenix (détail) (2013-2014), verre moulé, techniques de fusing et de thermoformage, 73” x 89”. (Eric Walsh)

Manuel, Urve et Samson, Colette. Phoenix (détail) (2013-2014), verre moulé, techniques de fusing et de thermoformage, 73” x 89”. (Eric Walsh)

 

Un 4e artiste ne travaillant pas le verre présentait également ses œuvres à l’exposition : il s’agit de Susan Lee Stephen, joaillière et forgeronne. Elle façonne de tous petits tableaux de cuivre, de bronze ou de laiton, qui posent de façon astucieuse la question de l’espace positif ou négatif qu’occupent les animaux lorsqu’ils partagent notre environnement commun. Son utilisation de pierres semi-précieuses, telles que les agates de Nouvelle Ecosse, font un très joli écho aux galets de Mills et aux couleurs ondulantes du verre de Samson et de Manuel. Ses bijoux sont de véritables sculptures portatives.

 

L’exposition a eu lieu du 10 mai au 14 juin 2014 au Craft Council de Terre Neuve et à la Labrador Gallery.

 

 

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Inspire By Fire

by Ron Vincent

 

This summer I was selected as teacher’s assistant to renowned Canadian glass artist Jin Won Han in a location I never thought I would be fortunate enough to find myself – Pilchuck Glass School in Washington. We were instructing an experimental course based around flame working and 3D rendering: “In Your Wildest Dreams”.

 

Instructor Jin Won Han doubles up her lathe demo into a popcorn making lesson; photo by Ron Vincent; 2014

Instructor Jin Won Han doubles up her lathe demo into a popcorn making lesson; photo by Ron Vincent; 2014

 

As my first venture traveling alone (and having only just graduated from Sheridan College’s (at the time) three-year Crafts and Design – Glass program) my preconception was nerve-racking. I was about to be at Pilchuck – the Hogwarts of glass schools – surrounded by extraordinary levels of skill on an international scale. I was intimidated. When I arrived on campus I immediately shed that cowardice, as I knew I was in for the experience of a lifetime.

 

Pilchuck’s cabins are located uphill, overlooking the studio buildings; photo by Ron Vincent; 2014

Pilchuck’s cabins are located uphill, overlooking the studio buildings; photo by Ron Vincent; 2014

 

Having arrived earlier than most, I was able to meander the grounds on my own before getting to meet everybody else. The calming green/blue environment of the West Coast provides a backdrop that nurtures the focused minds and bodies of the weary glass workers. As staff members, instructors, and other TAs arrived and introduced themselves, I was quickly struck with the realization that we were all in the same boat. We were all disconnected from our homes (many further than mine) and we were all aware of the reputation of the school. We were also positive that this would be an enriching session and that the opportunity to contribute to such a reputable school could not be passed up.

 

Visiting artist Jennifer Umphress demonstrates colour and solid sculpting; photo by Jin Won Han; 2014

Visiting artist Jennifer Umphress demonstrates colour and solid sculpting; photo by Jin Won Han; 2014

 

As students show up, the unfamiliar role of a teaching figure is placed upon me faster than I thought I could adapt to. As part of a three-person team, my fellow TA and our instructor all had different sets of skills and experiences to contribute to the students’ learning. Finding out how to approach, understand, and enhance each individual student’s education in just under three weeks was the tricky part. Student experience ranged from ‘never having touched hot glass’ to ‘teaches flame working courses regularly’, so learning how to delegate teachers to specific scenarios became crucial. As a result, I gained an appreciation for teaching that had long eluded me.

 

TA Ron Vincent giving a demo on flame polishing and graal work; photo by Jin Won Han; 2014

TA Ron Vincent giving a demo on flame polishing and graal work; photo by Jin Won Han; 2014

 

As a TA, I performed the expected duties that come with the position. Mixing plaster for a blow moulds demo, cutting coloured tube for students to incalmo with, gallery assembly, etc. were par for the course. What I found myself loving more than expected were the student interactions. Teaching experienced blowers how to deal with a closed form, showing aspiring flame workers cameo carving and graal working, even discussing concepts with the hot shop crowd – the students returned my input with a mutual respect and friendship that will linger for an unforeseeable amount of time. The people that are drawn to Pilchuck make it the fantastic learning environment that it is.

 

Session librarian Colton Scally and hot casting TA Josh Hargrave married on campus among friends new and old; photo by Ron Vincent; 2014

Session librarian Colton Scally and hot casting TA Josh Hargrave married on campus among friends new and old; photo by Ron Vincent; 2014

 

And it is the people that motivate you to come back. The immediately inviting attitudes among the Pilchuck regulars make it easy for newbies such as myself to become part of the family. Nightly bonding events like barbecues, hot shop collaborations, a live auction party, and general hangouts bring together people from all over campus to mix and mingle. The people of Pilchuck make up a uniquely disconnected world where everybody is some form of artist/craftsperson.

 

Hot sculpting instructor Raven Skyriver collaborates with session gaffers Daryl Smith and Jason Christian to replicate an inflatable plastic whale; photo by Ron Vincent; 2014

Hot sculpting instructor Raven Skyriver collaborates with session gaffers Daryl Smith and Jason Christian to replicate an inflatable plastic whale; photo by Ron Vincent; 2014

 

Staff, instructors, and TAs provide slide presentations of their work – all of a sudden it is clear what type of person is attracted to a glass commune in the woods. There are ceramicists and printmakers in the kitchen. The night watch and maintenance crew are glass blowers. Everyone within range of immediate interaction is seeking an outlet for their creativity. It is this eclectic community of artists that makes Pilchuck the glass haven that it is, and turns those bittersweet goodbyes into ‘I’ll see you again’.

 

“In Your Wildest Dreams” class photo, left to right: Ben Miller, Erin Taylor, Jin Won Han, Matthew Sanders, Madeline Rile Smith, Ron Vincent, Amber Barney, Jen Blazina, David Lee Drake (flat shop coordinator); photo by Justin Kern; 2014

“In Your Wildest Dreams” class photo, left to right: Ben Miller, Erin Taylor, Jin Won Han, Matthew Sanders, Madeline Rile Smith, Ron Vincent, Amber Barney, Jen Blazina, David Lee Drake (flat shop coordinator); photo by Justin Kern; 2014

 

 

Author Bio: Years ago, Ron Vincent pulled the plug on his cubicle-oriented engineering path in order to pursue his creative endeavors. Unable to ignore his childhood passions of drawing, creating, building, and exploring, Ron continues to seek an outlet for his adolescence. Years of exposure to the craft realm have sparked an interest that has grown into a passion. Ron is a recent graduate of Sheridan College’s Crafts and Design – Glass program, has since served as teacher’s assistant at Pilchuck Glass School and is a current resident artist at the Mississauga Living Arts Centre.

 

 

Le Feu qui Inspire

par Ron Vincent

 

L’enseignant Jin Won Han profite de sa démonstration au tour pour montrer comment faire des popcorns. Photo par Ron Vincent, 2014

L’enseignant Jin Won Han profite de sa démonstration au tour pour montrer comment faire des popcorns. Photo par Ron Vincent, 2014

 

Cet été, j’ai été sélectionné pour être assistant du très célèbre artiste Canadien Jin Won Han, pour donner des cours là où je n’aurai jamais imaginé aller un jour – à la Pilchuck Glass School de Washington. Nous y avons enseigné le travail au chalumeau et la création 3D dans un cours expérimental intitulé « In Your Wildest Dreams ».

Au début, j’étais très angoissé par l’idée de cette première expérience seule (à l’époque, je venais tout juste d’obtenir mon diplôme du Sheridan College pour 3 années d’études en Arts et Design dans le Programme de  Verre). J’allais être à Pilchuck – la Poudlard des écoles du Verre – entouré de talents international incroyables . J’étais très intimidé, mais une fois sur le campus, cette trouille a brutalement disparu lorsque j’ai réalisé que j’étais sur le point de vivre quelque chose d’inoubliable.

 

Les cabines de Pilchuck sont situées en haut d’une colline avec vue sur les ateliers. Photo par Ron Vincent, 2014

Les cabines de Pilchuck sont situées en haut d’une colline avec vue sur les ateliers. Photo par Ron Vincent, 2014

 

Je suis venu en avance le premier jour, ce qui m’a permis de me familiariser avec les lieux avant que tout le monde n’arrive. La côte ouest et ses teintes bleues-vertes crée un environnement relaxant qui ressource les esprits concentrés et les corps fatigués des artistes verriers. Alors que le personnel, les enseignants et les assistants arrivaient et se présentaient , j’ai rapidement compris que nous étions sur le même bateau. Nous étions loin de chez nous (pour beaucoup bien plus que moi) et nous avions tous conscience de la renommée du lieu. Une telle opportunité ne pouvait être qu’enrichissante et il était inconcevable de passer à côté.

 

L’artiste en visite Jennifer Umphress fait une démonstration de sculpture et de coloration. Photo par Jin Won Han, 2014

L’artiste en visite Jennifer Umphress fait une démonstration de sculpture et de coloration. Photo par Jin Won Han, 2014

 

Dès le départ, les étudiants m’ont attribué ce rôle éducatif qui m’était jusqu’alors inconnu et auquel il a fallu m’adapter aussi vite que possible. Dans notre équipe de 3 personnes, mon collègue assistant et le professeur avaient chacun des compétences et des expériences différentes qui contribuaient à l’apprentissage des étudiants. Cela n’a pas été simple de trouver en 3 semaines à peine, la meilleure façon d’aborder, de comprendre et d’encourager chaque élève dans son évolution personnelle. Certains élèves n’avaient encore jamais travaillé le verre à chaud tandis que d’autres enseignaient déjà régulièrement le chalumeau. Il devint vite évident que le suivi individuel des élèves par l’équipe enseignants devait se faire en tenant compte de ces diverses situations. En fin de compte, je me suis vu reconnaitre des qualités pédagogiques jusqu’alors ignorées.

 

L’assistant Ron Vincent en train de faire une démonstration de travail au chalumeau et de fabrication de récipient, photo par Jin Won Han, 2014

L’assistant Ron Vincent en train de faire une démonstration de travail au chalumeau et de fabrication de récipient, photo par Jin Won Han, 2014

 

En tant qu’assistant, j’ai réalisé les tâches habituelles du poste, mélanger le plâtre pour les démonstrations de soufflage dans des moules, découper les tubes de couleurs pour que les étudiants pratiquent l’incalmo, installer les expositions, etc. J’ai apprécié plus que prévu cette interaction constante avec les élèves. Enseigner à des souffleurs expérimentés comment gérer une forme close, montrer à ceux qui voulaient travailler au chalumeau comment graver un camée ou faire un récipient, et discuter de concepts en tout genre avec l’ensemble de l’atelier .Les élèves me l’ont bien rendu en instaurant un respect mutuel et parfois une amitié qui perdure encore. Sans aucun doute, ce sont les gens qui font de Pilchuck un endroit si propice à l’apprentissage.

 

La documentaliste Colton Scally et l’assistant en moulage Josh Hargrave se sont mariés sur le campus parmi leurs amis anciens et récents. Photo par Ron Vincent, 2014

La documentaliste Colton Scally et l’assistant en moulage Josh Hargrave se sont mariés sur le campus parmi leurs amis anciens et récents. Photo par Ron Vincent, 2014

 

Et ce sont ces mêmes personnes qui vous donnent l’envie d’y revenir. Les réguliers de Pilchuck dégagent une convivialité qui facilite l’intégration des petits nouveaux comme moi. Les événements pour faire connaissance après les cours, tels que les barbecues, les participations en atelier, la vente aux enchères et les soirées communes, contribuent en rassemblant tout le campus pour échanger et ce mélanger . Les personnes de Pilchuck parviennent à constituer ensemble un monde fait d’artistes, unique et déconnecté.

 

L’enseignant en sculpture à chaud Rave Skyriver collaborant avec les techniciens Daryl Smith et Jason Christian pour recréer une baleine en plastic gonflable. Photo par Ron Vincent 2014

L’enseignant en sculpture à chaud Rave Skyriver collaborant avec les techniciens Daryl Smith et Jason Christian pour recréer une baleine en plastic gonflable. Photo par Ron Vincent 2014

 

Quand le personnel, les enseignants et les assistants nous ont fait la présentation diapo de leur travail, il est  soudain devenu facile d’identifier le type de personne prêt à se rendre dans une communauté de verre au milieu de la forêt. Il y avait des céramistes et des imprimeurs dans la cuisine. La garde de nuit et l’équipe de maintenance était composée de souffleurs de verre. Chacun dans ses échanges directs, était à la recherche d’un lieu pour faire valoir sa créativité. Cette communauté d’artistes éclectiques a fait de Pilchuck un havre du verre et transformé les « au revoir » amers en des « à bientôt ».

 

“In Your Wildest Dreams” class photo, left to right: Ben Miller, Erin Taylor, Jin Won Han, Matthew Sanders, Madeline Rile Smith, Ron Vincent, Amber Barney, Jen Blazina, David Lee Drake (flat shop coordinator); photo by Justin Kern; 2014

“In Your Wildest Dreams” class photo, left to right: Ben Miller, Erin Taylor, Jin Won Han, Matthew Sanders, Madeline Rile Smith, Ron Vincent, Amber Barney, Jen Blazina, David Lee Drake (flat shop coordinator); photo by Justin Kern; 2014

 

 

Biographie de l’auteur: Il y a plusieurs années, Ron Vincent a débranché son ordinateur pour quitter sa carrière d’ingénieur et mettre à profit ses talents créatifs. Incapable de faire abstraction  de ses passions d’enfance comme dessiner, créer, construire ou explorer, Ron poursuit la quête de son adolescence. Ces années à côtoyer le monde de l’artisanat ont fini par susciter chez lui un intérêt à présent devenu passion. Ron est récemment diplômé du Sheridan College en Craft et Design – Programme Verre. Il a depuis été assistant à la Pilchuck Glass School et est actuellement artiste en résidence au Mississauga Living Arts Centre.

 

 

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AlexiGlass Earns Best In Glass at TOAE

by Kate Ducharme

 

Alexi Hunter has been developing his series: New and Used, since he attended Sheridan College in 2004.

 

Image of artist: Alexi Hunter (Bernard Clark)

Image of artist: Alexi Hunter (Bernard Clark)

 

His work is inspired by childhood memories of his family farm in Newburgh, Ontario. He is intrigued by the natural decay of metal artefacts such as rusting old machinery and tools.  He tries to capture interplay between smooth transparent glass, contrasted by textured rusted metal, symbolizing new and used or past and future.

 

Hunter, Alexi. New & Used: Grey Bolt. 2010. Glass & metal. 18x12x12” (Mariel Waddell)

Hunter, Alexi. New & Used: Grey Bolt. 2010. Glass & metal. 18x12x12” (Mariel Waddell)

 

At this year’s Toronto Outdoor Artist Exhibition, Hunter unveiled his latest work and new series: Zero Point. The term zero-point energy (quantum vacuum zero-point energy) is “the lowest possible energy that a quantum mechanical physical system may have; it is the energy of its ground state…never quite still”. Hunter visualizes this concept into a beacon-like form with protruding twisted glass extensions that seem to emit energy from the core.

 

Hunter, Alexi. Zero Point: Red & Purple. 2014. Glass. 18x17x17” (Mariel Waddell)

Hunter, Alexi. Zero Point: Red & Purple. 2014. Glass. 18x17x17” (Mariel Waddell)

 

In both series, Hunter experiments with the optical qualities of the glass by obscuring parts of the surface to create a contrast of textures and colour. Hunter says: “I thoroughly enjoy the glass blowing process because it combines mental creativity with the physical nature of working hot glass into simple forms and then altering them with a variety of detail.”

 

By exhibiting these series together, Hunter created a buzz of excitement at the TOAE and earned the 2014 Best in Glass Award.

 

Artist at 2014 TOAE

Artist at 2014 TOAE

 

Alexi was honoured by the award and will continue pushing the boundaries of his work for next year’s exhibit. His work is on display at prominent galleries all over the country including: Sandra Ainsley Gallery, L.A. Pai Gallery, Galerie Elena Lea and General Fine Craft. You can see him at work at his Kingston Glass Studio & Gallery where he keeps a large selection of his previous work as well as his up-and-coming pieces.

 

Image of artist at work in his Kingston Studio (Mariel Waddell)

Image of artist at work in his Kingston Studio (Mariel Waddell)

 

He concluded this interview stating: “my artistic drive is fierce and my goal is to create provocative works of art that will continue to hold meaning far into the future.”

 

Hunter, Alexi. New & Used: Yellow Bolt. 2012. Glass & metal. 12x8x8” (Mariel Waddell)

Hunter, Alexi. New & Used: Yellow Bolt. 2012. Glass & metal. 12x8x8” (Mariel Waddell)

 

 

As Gallery Manager and Curator, Kate Ducharme has been involved in art all her life. She has taught art history at St. Lawrence College and worked in many commercial galleries as well as public art spaces. Areas of special interest include exhibiting art that inspires dialogue and interest to individuals in the surrounding community. Ducharme has sat on several juries to help promote art in both the public and private sectors.

Ducharme has an honours degree in History of Fine Arts, as well as a diploma in Museum Studies.  She is continually trying to connect artists with the community and showing people how to integrate art into their everyday lives.

 

 

 

Alexi Hunter reçoit les honneurs au TOAE

 

par Kate Ducharme

 

Depuis son passage au Sheridan College en 2004, Alexis Hunter travaille sur sa série: New and Used.

 

photo de l’artiste: Alexi Hunter (Bernard Clark)

photo de l’artiste: Alexi Hunter (Bernard Clark)

 

Son œuvre s’inspire de ses souvenirs d’enfance à la ferme familiale de Newburgh en Ontario. Il est fasciné par la dégradation naturelle des structures métalliques, tels que les anciennes machines et les vieux outils. Il souhaite capturer le jeu entre le verre transparent et lisse en le contrastant avec le métal rouillé et rugueux, pour symboliser le neuf et l’usagé, le présent et le futur.

 

Hunter, Alexi. New & Used: Grey Bolt. 2010. Verre et Métal. 18x12x12” (Mariel Waddell)

Hunter, Alexi. New & Used: Grey Bolt. 2010. Verre et Métal. 18x12x12” (Mariel Waddell)

 

Cette année à l’Outdoor Artist Exhibition de Toronto (Exposition Artistique Extérieure de Toronto), Hunter nous a dévoilé sa dernière série: Zero Point. Le terme d’énergie de point zéro (en mécanique quantique) est « l’état d’un système quantique dans son état fondamental minimum proche du zéro absolu en température, c’est-à-dire l’état d’un système quantique à la plus basse énergie quantifiée ». Hunter visualise ce concept comme une sorte de flambeau d’où sortent des protubérances en verre qui semblent émettre une certaine énergie provenant de son centre.

 

Hunter, Alexi. Zero Point: Red & Purple. 2014. Verre. 18x17x17” (Mariel Waddell)

Hunter, Alexi. Zero Point: Red & Purple. 2014. Verre. 18x17x17” (Mariel Waddell)

 

Pour chaque série d’objets, Hunter joue avec les qualités optiques du verre en rendant certaines parties obscures pour créer un contraste dans les couleurs et les textures. Il nous explique : « J’aime vraiment souffler le verre car cela me permet de combiner en de simples formes la créativité mentale et l’aspect physique du travail du verre à chaud, puis à les orner d’une multitude de détails ».

 

En exposant ces deux séries ensemble, Hunter a créé l’engouement général à la TOAR et a reçu le Glass Award 2014.

 

Artiste au TOAE de  2014

Artiste au TOAE de 2014

 

Ce prix a été un honneur pour Alexi et il continuera à repousser les limites de son travail lors de la prochaine exposition. On peut admirer ses œuvres dans des galeries partout dans le pays, y compris à la Galerie Sandra Ainsley , laGalerie L.A. Pai , la Galerie Elena Lea ainsi qu’au General Fine Craft. Vous pouvez vous rendre à son atelier pour le voir travailler au Kingston Glass Studio & Gallery, où il conserve une large sélection de son travail passé ainsi que certaines de ses œuvres en finition.

 

Photo de l’artiste en train de travailler dans son atelier au Kingston Studio (Mariel Waddell)

Photo de l’artiste en train de travailler dans son atelier au Kingston Studio (Mariel Waddell)

 

En guise de conclusion pour cette interview, il nous dit alors: “ Mon élan artistique est sans répit et ma volonté est de créer des œuvres provocatrices dont la signification perdurera longtemps à travers le temps. »

 

Hunter, Alexi. New & Used: Yellow Bolt. 2012. Verre & métal. 12x8x8” (Mariel Waddell)

Hunter, Alexi. New & Used: Yellow Bolt. 2012. Verre & métal. 12x8x8” (Mariel Waddell)

 

 

En tant que gérante et conservatrice d’une galerie, Kate Ducharme a baigné dans l’art toute sa vie. Elle a enseigné l’histoire de l’art au St Lawrence College et a travaillé dans de nombreuses galeries et lieux artistiques publics. Elle porte un intérêt particulier pour les expositions artistiques qui incitent au dialogue et suscitent la curiosité des personnes qui vivent autour. Ducharme a plusieurs fois fait partie de jurys qui ont permis de promouvoir l’art à la fois dans le secteur public et privé.

Diplômée des beaux-arts, elle a aussi étudié les musées. Elle tente continuellement de créer des échanges entre artistes et communautés, pour leurs apprendre comment intégrer l’art dans leur vie quotidienne.

 

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The Magic of 3D Printing

by Cheryl Wilson Smith

 

I was lucky enough to receive and GAAC Grant and an OAC Grant to attend University Washington this spring for almost 3 weeks.

Previous to this I had the immense good fortune to do a glass mentorship courtesy of Fusion with The Head of Glass at Sheridan, Koen Vanderstuken and 8 other amazing clay and glass artist.  This mentorship pushed me in the direction of my current work which is “ manual 3D printing” Koen Vanderstukken strongly suggested I learn more about 3D printing, and after searching the internet I was fascinated by the work being done by Prof. Ganter at Solheim Lab at University Washington in Seattle. Prof. Ganter himself is a former Emerge finalist and this is the only place I am aware of printing in glass. Other than being a mechanical engineer, he is also an accomplished artist.

 

Wilson Smith, Cheryl

Wilson Smith, Cheryl

 

Dr. Storti, Ben, Prof. GAnter and Mark at  Solhiem Lab ,University Washington.

Dr. Storti, Ben, Prof. Ganter and Mark at Solhiem Lab ,University Washington.

 

After bugging Prof. Ganter several times over email he agreed that I could come work with him at the University under one condition,  I had to learn Rhino.  For those of you not familiar with it, this is a CAD based surfacing program. I used both a Maker Bot type printer that extruded plastic….we used a corn based plastic called PLA.

 

Wilson Smith, Cheryl

Wilson Smith, Cheryl

 

From this I printed all the shapes I had previously created in Rhino .

Another really interesting discovery for me was that I have never been able to consider scale. I cannot imagine how I could scale object by exactly 10% in wax or clay, or how long the math alone would take me let alone the sculpting.

 

Wilson Smith, Cheryl

Wilson Smith, Cheryl

 

So after working through my designs in PLA and then powder printing in flour and powder printing in a clay and glass mixture, we began printing in glass.

 

Flour clay and Glass

Flour clay and Glass

 

Flour clay and Glass

Flour clay and Glass

 

07_WilsonSmith_3DPrinting

glass 3D printed

 

What started out as a journey to understand has now become one of excitement and opportunities.  I will spend the next few months discovering how I can apply what I have learned to my manual process and how it will influence my work.  Thank You to the GAAC and the OAC for  all the help, you have made a huge difference in my life and art practice.  If you have questions that you think I can answer, please feel free to contact me cheryl@trysmith.com

 

 

Cheryl Wilson Smith is an artist working in glass frit sculptures for over 5 years. Her delicate works fit into the palm of your hand, and remind you of torn and woven paper, though the glass surface is as tough as nails.

 Through her work, Cheryl explores the human connection to the land through its spiritual resonance. Her latest work painstakingly layers minute glass particles, known as frit, to create detailed sculptured objects. These castings are technically challenging, using a method similar to 3d printing. The countless individual layers are more delicate than torn paper yet when combined, become fascinating objects contradictory in nature–manifesting both curiosity and beauty, fragility and strength.

 Cheryl’s work has been show throughout Canada and the US, including exhibits at the  Definitely Superior Gallery (Ontario), Minnetrista, Muncie (USA) the Ontario Crafts Council and the Cre8ery Gallery (Manitoba, Canada). Cheryl has been fortunate enough to have received several grants from the Ontario Arts Council, which have assisted her growth.

In Cheryl’s own words, “My sculptures allow the viewer to draw associations with their own remembered landscapes, resulting in a meditative and emotional response.”

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