President’s message Fall 2015

October 15, 2015

Fall is here and that means “back to school” for a lot of people, myself included.

I am currently undertaking a Masters of Business Administration (MBA) at Wilfrid Laurier University. It is a challenging, high speed program and I am learning a lot in areas of business where I feel I was previously lacking experience. I think that the arts community, in general, lacks a lot of business skills, so I hope to use what I learn to improve this community. I am far from being a business expert, but I wanted to start by passing along some highlights that this new experience has taught me so far:

 

Top five things that I have learned as an MBA student:

 

  1. Be prepared. You think that I would have learned to be prepared as far back as Cub Scouts, but this is still the key to success in the MBA program. Whether it is reading a textbook, studying a case, bringing a calculator or showing up early, being prepared is essential. Such preparedness applies to anything and everything that you do. People often shortchange themselves by not preparing.

 

  1. Accounting is difficult, but useful. Actually, so are finance, strategy, marketing, operational management and business analytics. All of these skills are difficult to learn, but will pay off in the long run, because all businesspeople need them to run efficient operations. I already see how my business can improve. It’s not enough to simply make work, drop it off at a gallery and wait. There are a lot of necessary difficulties that you need to overcome to be successful.

 

  1. Get out of your comfort zone. It is easy to fall into routines or patterns because they work well. I have no problem with people that do so in the short run, but I have learned that breaking routine is good for you in the long run. I recommend stepping out of your comfort zone and learning something new. Take a business class, try a new sport, learn a language or even try pumpkin beer. Always check in with yourself to see whether you are in a rut or are moving towards something new. Trying something new is the best way that I have found to shake things up. If you don’t like it, don’t do that thing again. It’s not a failure to learn that you don’t like something, it’s a success.

 

  1. Working in groups has its challenges and rewards. What if someone is doing exactly what you are doing but they are doing it better? Quicker? Cheaper? Working within a group allows members to each focus on their own specialty while the group learns from them. Group work allows others to learn from your strengths, too, and that means that both the combined outputs and efficiencies are increased (sorry, I just wrote my Economics final exam yesterday). I will never say that working with a group is easy, but working together is a great way to learn and to accomplish more than you can as an individual.

 

Never give up. After the first day of the MBA, I was ready to drop out of the program. I am an artist trying to learn complicated accounting formulas and I am very, very far from my comfort zone. I still feel that way sometimes, but for the other six days of the week (yes, I am at school everyday of the week – I am even in the school library as I write this!), I am glad that I didn’t give up. It may not be fun, but it is already paying off. Just because something is difficult does not mean that it is not worthwhile.

 

 

Le mot du président – automne 2015

 

Qui dit automne, dit rentrée scolaire pour la plupart d’entre nous, moi inclus. J’entreprends en ce moment de suivre les cours à la Wilfried Laurier University pour un Master en Business Administration (MBA). C’est un programme de cours très enrichissant et dynamique et j’y apprends beaucoup sur le milieu des affaires dans lequel j’avais des lacunes auparavant. Je trouve que domaine artistique en général manque de connaissances en commerce et j’espère pouvoir appliquer ce que j’aurai appris dans un le but de faire progresser notre communauté. Loin d’être un expert en affaires, je souhaite simplement transmettre les messages clés que cette nouvelle expérience m’a appris jusqu’ici.

 

Top 5 des choses que j’ai apprises dans mon cursus en MBA.

 

  1. Soyez préparés. On me l’avait pourtant appris quand j’étais scout chez les louveteaux, mais c’est essentiel pour réussir son MBA. Que ce soit de lire le livre de cours, étudier le cas, apporter une calculatrice ou arriver à l’heure, il faut être préparé. Cela s’applique à tout ce que l’on fait. On se saborde trop souvent en n’étant mal préparé.

 

  1. La comptabilité est compliquée mais utile. D’ailleurs, la finance, la stratégie, le marketing, le management et l’analyse statistique aussi. Toutes ces choses sont complexes à comprendre mais seront bénéfiques à long terme. Ce sont des compétences dont nous avons tous besoin pour bien faire marcher un commerce et j’entrevois déjà des façons d’améliorer le mien. Réaliser un travail et attendre bêtement une fois l’objet déposé à la galerie ne suffit pas. Il y a bon nombre d’obligations par lesquelles il faut passer avant de réussir.

 

  1. Sortez de votre zone de confort. C’est tellement tentant de se laisser bercer par la routine ou de toujours faire la même  chose parce que ça fonctionne bien. Je n’ai aucun problème avec les personnes qui font ça de manière temporaire mais j’ai appris que cela fait du bien de casser la routine. Je recommande donc de sortir de la zone de confort pour apprendre quelque chose de nouveau. Prenez des cours de commerce, essayez un nouveau sport, apprenez une autre langue ou pourquoi pas à brasser de la bière au potiron. Demandez-vous toujours si vous stagnez ou si vous progressez vers un but. Tester de nouvelles choses est la meilleure façon de me secouer un peu. Si ça ne vous a pas plus, alors ne le refaites pas. Ce n’est pas un échec de découvrir aussi ce que l’on n’aime pas, au contraire, c’est une victoire.

 

  1. Travailler en groupe a ses inconvénients et ses avantages. Et si quelqu’un faisait ce que vous faites mais en mieux? Plus rapidement? Moins cher? Travailler en groupe permet aux participants de se concentrer sur ce qu’ils savent faire de mieux et le groupe peut apprendre de chacun. Connaitre les forces d’autrui permet d’augmenter le rendement et l’efficacité (désolé, je viens tout juste de passer mon examen final d’économie hier). Je ne prétendrai pas que travailler en groupe est facile. Mais c’est un moyen efficace qui permet d’accomplir plus qu’individuellement, et c’est une bonne façon d’apprendre.

 

 

  1. N’abandonnez jamais.  Au bout de mon premier jour en MBA, j’étais prêt  à tout laisser tomber. Après tout, je suis un artiste qui essaye d’apprendre des formules complexes de comptabilité et je suis vraiment très loin de ma zone de confort. Il m’arrive encore de me sentir comme ça parfois, mais les six autres jours de la semaine (car oui je suis en cours 7 jours sur 7 – je vous écris même à l’heure actuelle depuis la bibliothèque de mon école !), je suis content de ne pas avoir abandonné. Ce n’est peut-être pas évident tous les jours, mais ça commence déjà à porter ses fruits. Ce n’est pas parce que quelque chose est compliqué qu’il ne faut pas l’entreprendre pour autant.

 

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First coin ever created with boro glass

by Loïc Beaumont-Tremblay

 

In July 2015, the Royal Canadian Mint launched the world’s first coin made of borosilicate glass. This event symbolizes more than a year of learning and collaborating to the development of a very unique product.

Royal Canadian Mint.  World first borosilicate glass coin. Sterling Silver .9999 and boro glass. 38.1mm diametre (coin), ~12mm (glass)

Royal Canadian Mint. World first borosilicate glass coin. Sterling Silver .9999 and boro glass. 38.1mm diametre (coin), ~12mm (glass)

 

The initial concept comes from one of my favourite themes; the beauty of the universe. The reverse side of the coin shows the Mount Megantic Observatory based in the world’s largest starry sky reserve.

The design on the coin is made of black and clear borosilicate glass as well as a toffee coloured planet. The sky and stars are made of pure silver particles. In addition, it has luminescent glass to give a special effect once the lights are off.

Ever since I started working with glass, I have been doing my best to learn all the different working techniques of this fascinating material, which transforms my work into a constant learning process.

The project of combining boro glass with a sterling silver collection coin has been the most exciting adventure of my career. From the designing of the coin and the glass part in it, to its conception and production, the level of perfection requested to achieve such a piece is beyond compare. The trick is to vary the different techniques and tools needed so as to realise each task in a singular way.

In order to succeed in this process, I had to adapt my usual way of working solo to produce a specific amount of coins, work in teams and respect deadlines. More importantly, a strict product quality control was applied to each of the 8500 smoked silver designs that I realised in order to obtain a uniform but very unique result.

As part of the learning process, I had to get used to working with a precise millimetre calibration. By doing so, I was able to control the right quantity of glass used and meet this way the exact specifications that had been set by the Mint.

The toughest part of the realisation process was to endure freezing temperatures inside the room during the whole winter. Because of the the large ventilation system to evacuate toxic fumes, the cold would get quickly in the workshop. Luckily, we were able to use a heating floor to reduce the effect of this crisp cold.

 

Beaumont-Tremblay.  Pouce Verre workshop in action.  Winter 2015.

Beaumont-Tremblay. Pouce Verre workshop in action. Winter 2015.

 

I hope this achievement will contribute to communicating on the potentials of a collaborative work between Canadian companies and glass artists to create mixed media handmade products.

 

Beaumont-Tremblay.  Loïc Beaumont-Tremblay lampworking.  2015

Beaumont-Tremblay. Loïc Beaumont-Tremblay lampworking. 2015

 
https://www.youtube.com/watch?v=C36CKCWoMso

World first borosilicate glass coin, with a visit of the Pouce Verre shop

 

 

 

Première pièce de monnaie au monde avec verre boro

par Loïc Beaumont-Tremblay

 

Le lancement en juillet 2015 de la première pièce de monnaie au monde avec du verre borosilicate par la Monnaie Royale Canadienne, fût pour moi le parachèvement de plus d’un an d’apprentissage et de collaboration au développement d’un produit unique en son genre.
 

Monnaie Royale Canadienne.  Première pièce de monnaie ornée de verre borosilicaté au monde. Argent Pur .9999 et verre boro. 38.1mm diamètre (pièce monnaie), ~12mm (verre)

Monnaie Royale Canadienne. Première pièce de monnaie ornée de verre borosilicaté au monde. Argent Pur .9999 et verre boro. 38.1mm diamètre (pièce monnaie), ~12mm (verre)

 

Le concept de la pièce me provient d’un de mes thèmes récurrents; l’Univers et ses merveilles. Le design du revers de la pièce représente l’Observatoire du Mont-Mégantic situé dans la première réserve mondiale de ciel étoilé.

La création qui orne la pièce de monnaie est fabriquée de verre borosilicate transparent et noir, ainsi que l’ajout d’une planète de couleur caramel.  Le design des étoiles et du ciel est fait à partir de particules d’argent pur sublimées.  Elle contient en plus du verre photoluminescent qui donne un attrait supplémentaire lorsque les lumières sont éteintes.

Depuis mes débuts dans le verre, j’ai toujours cherché à connaître toutes les techniques et les moyens possibles pour travailler cette matière qui me fascine tant, c’est ce qui rend mon travail un apprentissage continu.

Le projet de la Monnaie de combiner le verre boro et une pièce de collection en argent pur, fût l’aventure la plus intéressante de ma carrière.  De la conception du design de la pièce de monnaie et du design de la pièce de verre, jusqu’à la réalisation et la production; le niveau de perfection exigé pour l’achèvement d’une telle œuvre est incomparable.  L’astuce est de multiplier les techniques et les outils afin de réaliser chacune des tâches de manière unique.

Le processus m’a requis une adaptation du travail habituel en solitaire, pour réussir à produire la pièce de verre en équipe et en quantité suffisante, dans les délais requis.  Il était aussi important de conserver le contrôle de qualité du produit et de faire moi-même chacun des 8500 design en argent fumé afin d’obtenir un look uniforme mais définitivement unique.

S’ajuster à l’utilisation d’une calibration millimétrique très précise fût aussi une partie de l’apprentissage, car la dimension finale de la pièce est régulée par le contrôle juste des quantités de verre utilisées afin d’arriver aux spécifications rigoureuses de la Monnaie.

La plus grande impasse à la fabrication des pièces de verre qui s’effectua cet hiver fût la température glaciale que nous avons eue tout au long de la saison.  Due à une forte ventilation qui évacue rapidement gaz et fumées nocives, l’air froid pénètre très rapidement dans l’atelier.  L’utilisation d’un plancher de masse (chauffage radiant) atténue heureusement l’effet de ce froid vif.
 

Beaumont-Tremblay.  Atelier Pouce Verre en action.  Hiver 2015

Beaumont-Tremblay. Atelier Pouce Verre en action. Hiver 2015

 

Cette réalisation, je l’espère, facilitera l’ouverture sur la fusion des matériaux dans divers milieux et les collaborations possibles entre les grandes entreprises de créations canadiennes et les produits de qualité fait à la main par des artisans verriers de chez nous.

 


Beaumont-Tremblay.  Loïc Beaumont-Tremblay au travail sur son chalumeau.  2015

Beaumont-Tremblay. Loïc Beaumont-Tremblay au travail sur son chalumeau. 2015

 

https://www.youtube.com/watch?v=qrb8iP-uDYs

Première pièce de monnaie avec verre borosilicaté au monde, avec une visite de l’atelier Pouce Verre.

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Art & Architecture – In Partnership with the Sun

by Sarah Hall

 

As an artist working in architectural glass, I have been accustomed to projects that are integrated into buildings. While the leap into solar has involved a definite learning curve, it feels like a natural extension of what I had already do with light and colour.

 

Hall_Sarah_The Science of Light_2010_Grass Valley School_painted art glass with embedded solar and dichroic laminations_H 25 ft_W 12 ft_photo Peter Kaufmann

Hall_Sarah_The Science of Light_2010_Grass Valley School_painted art glass with embedded solar and dichroic laminations_H 25 ft_W 12 ft_photo Peter Kaufmann

 

 

I have become enamoured with building-integrated photovoltaics (BIPV). It is one of the most promising and elegant ways of producing on-site electricity directly from the sun – silently, without environmental harm or pollution and without depletion of scarce resources. Solar energy collection is integrated into the building envelope as part of the design of the building. The photovoltaic modules serve a dual purpose: replacing conventional building envelope materials and generating power.

 

Hall_Sarah_Lux Nova_2008_layout of artwork with integrated solar cells_Photo Sarah Hall

Hall_Sarah_Lux Nova_2008_layout of artwork with integrated solar cells_Photo Sarah Hall

 

Hall_Sarah_Lux Nova_2008_Regent College_UBC_painted, fused art glass with embedded solar cells and dichroic crosses_H 40 ft_ W 6 ft_D 6ft_photo Michael Elkan

Hall_Sarah_Lux Nova_2008_Regent College_UBC_painted, fused art glass with embedded solar cells and dichroic crosses_H 40 ft_ W 6 ft_D 6ft_photo Michael Elkan

 

My introduction to BIPV came in 2003 at a workshop organized by Dr. Ray Cole in Vancouver. Participants heard presentations from three internationally renowned BIPV experts: Ingo Hagemann (Germany), Tjerk Reijenga (The Netherlands) and Steven Strong (US).  I was excited to see how solar cells could be integrated as a uniquely beautiful and useful design element.

 

Hall_Sarah_Lux Gloria_ 2014_Cathedral of the Holy Family_3 painted art glass windows with embedded solar and dichroic laminations_H 37 ft W 12 ft each window_photo Grant Kernan

Hall_Sarah_Lux Gloria_ 2014_Cathedral of the Holy Family_3 painted art glass windows with embedded solar and dichroic laminations_H 37 ft W 12 ft each window_photo Grant Kernan

 

Over the next 18 months I will be working in a new direction – to create a prototype for an energy-collecting glass that also reduces bird fatalities. The recent rise and widespread use of glass curtain wall design in buildings is posing a terrible threat to bird populations. It is estimated that 100 million to one billion birds are killed annually by collisions with glazed buildings in North America alone. My own city of Toronto has gained the sad distinction of having one of the highest rates of bird fatalities in the world, due to a massive high-rise building boom over the last decade, but the problem is truly worldwide.

 

Birds do not see glass – they see the sky or their habitat reflected and fly headlong into it, resulting in 9 million bird fatalities in Toronto per year_ photo courtesy FLAP.

 

If glass facades are the problem, then clearly the solution has to start there. Already there has been extensive research to identify bird-friendly patterns that warn them away from collisions. I believe that by combining bird-friendly patterns with highly effective photovoltaic capabilities in glass, the path could be opened for widespread application of this new product. I have recently begun to collaborate with leading international scientists, advocacy groups, research foundations, architects and manufacturers to develop a bird-friendly prototype that incorporates recent advances in organic solar technology.

 

Hall_Sarah_2014_work in the lab for creating organic solar coatings, which can be screen printed onto glass, producing glass which is transparent and collects solar energy_photo Sarah Hall Studio

 

The success of this initiative will depend on the effective merging of bird-friendly patterns, interesting and attractive glass designs and the latest in solar technology. With the support of a grant from the Ontario Arts Council, I have already begun working towards this goal. The design work has been taking place in my Toronto studio and prototypes will be created with the help of laboratories and fabrication firms in the United Kingdom and Germany.

 

Hall_Sarah_2014_concept image for Toronto condos which have bird friendly patterns to prevent collisions, and which also collect solar energy for the building_photo Sarah Hall Studio

 

 

 

 

Throughout my career I have sought to improve human environments through the medium of architectural glass. With these most recent initiatives I am continuing to work towards a complete integration of material, design and technology to create building surfaces that support and enhance our natural world – in partnership with the sun.

 

 

Sarah Hall is an internationally recognized artist who creates large-scale installations and solar projects. Her exceptional contribution to the built environment has garnered ‘Honor Awards’ from the American Institute of Architects and the ‘Allied Arts Award’ from the Ontario Association of Architects. Hall’s artistic achievements were acknowledged by her induction into the Royal Canadian Academy of Art in 2002 and annual listing in our Canadian Who’s Who. Sarah is well known for her artistic innovation and pioneering of new glass techniques. Her groundbreaking work was recently featured in the CBC documentary series “Great Minds of Design”. See www.SarahHallStudio.com for more solar projects and further information.

 

 

 

Art & Architecture - En partenariat avec le soleil

par Sarah Hall

 

Travaillant sur l’art du verre architectural, j’ai l’habitude de réaliser des projets en verre qui sont intégrés aux bâtiments. Pour pouvoir poursuivre dans le solaire, j’ai dû orienter mon apprentissage vers un nouvel axe. Franchir ce cap supplémentaire m’a semblé des plus naturels, au vu des œuvres que je réalisais déjà avec la lumière et la couleur.

 

Hall_Sarah_The Science of Light_2010_Grass Valley School_ verre peint avec panneaux solaires intégrés et feuilletage dichroïque 25 pds_W 12 pds_photo Peter Kaufmann

Hall_Sarah_The Science of Light_2010_Grass Valley School_ verre peint avec panneaux solaires intégrés et feuilletage dichroïque 25 pds_W 12 pds_photo Peter Kaufmann

 

Je me suis prise d’affection pour ces immeubles avec panneaux photovoltaïques intégrés (BIPV). C’est l’une des méthodes les plus élégantes et les plus prometteuses pour produire directement sur place de l’électricité par le soleil, en silence, sans causer de dégâts environnementaux ni de pollution et sans risquer un épuisement de ressources rares. La collecte de l’énergie solaire s’intègre dans l’architecture du bâtiment et s’inscrit dans son design. Les panneaux photovoltaïques ont deux fonctions, ils remplacent les matériaux conventionnels qui enrobent le bâtiment et génèrent de l’énergie.

 

Hall_Sarah_Lux Nova_2008_panel d’œuvres avec panneaux solaires intégrés Photo Sarah Hall

Hall_Sarah_Lux Nova_2008_panel d’œuvres avec panneaux solaires intégrés Photo Sarah Hall

 

Hall_Sarah_Lux Nova_2008_Regent College_UBC_verre peint et fusé avec panneaux solaires intégrés et croisillons dichroïque _H 40 pds_ W 6 pds_D 6ft_photo Michael Elkan

Hall_Sarah_Lux Nova_2008_Regent College_UBC_verre peint et fusé avec panneaux solaires intégrés et croisillons dichroïque _H 40 pds_ W 6 pds_D 6ft_photo Michael Elkan

 

Ma première approche des BIPV remonte en 2003 lors du séminaire organisé par le Dr. Ray Cole à Vancouver. Les participants ont pu voir les présentations de trois experts internationaux en BIPV : Ingo Hagemann (Allemagne), Tjerk Reijenga (Pays Bas) and Steven Strong (US).  Je me réjouissais à l’idée de comprendre comment intégrer les panneaux solaires en tant qu’éléments utiles et esthétiques dans le design.

 

Hall_Sarah_Lux Gloria_ 2014_Cathedral of the Holy Family_3 vitres en verre peint avec panneaux solaires intégrés et feuilletage dichroïque _H 37 pds W 12 pds pour chaque fenêtre photo Grant Kernan

Hall_Sarah_Lux Gloria_ 2014_Cathedral of the Holy Family_3 vitres en verre peint avec panneaux solaires intégrés et feuilletage dichroïque _H 37 pds W 12 pds pour chaque fenêtre photo Grant Kernan

Dans les 18 prochains mois, mon travail va prendre une nouvelle orientation. Je me consacre à la réalisation d’un prototype de verre capable de réceptionner l’énergie tout en réduisant les collisions avec les oiseaux. L’expansion récente des bâtiments aux façades entièrement vitrées est un véritable danger pour les oiseaux. On estime que 100 millions à un milliard d’oiseaux chaque année se tuent en percutant les immeubles vitrés d’Amérique du Nord. Ma propre ville Toronto a gagné le triste record du plus grand nombre d’accidents avec les oiseaux au monde, à cause de son augmentation forte de gratte-ciels au cours des dernières décennies. En vérité, c’est un réel problème à l’échelle mondial.

 

Les oiseaux ne voient pas le verre, ils voient le ciel ou le reflet de leur environnement et foncent droit dedans, ce qui cause 9 millions d’accidents d’oiseaux à Toronto par an_ photo gracieusement fournie par FLAP.

Les oiseaux ne voient pas le verre, ils voient le ciel ou le reflet de leur environnement et foncent droit dedans, ce qui cause 9 millions d’accidents d’oiseaux à Toronto par an_ photo gracieusement fournie par FLAP.

 

Si les façades en verre sont la source du problème, alors la solution doit partir de là. Des recherches approfondies ont déjà été menées pour identifier les motifs qui permettraient d’éviter que les oiseaux se tuent. Je pense qu’en combinant ces motifs avec des capacités de stockage d’énergie, on pourrait aboutir à une utilisation massive de ce produit. J’ai récemment débuté une collaboration avec des scientifiques internationaux, des groupes de plaidoyer, des instituts de recherche, des architectes et des fabricants, pour développer un prototype respectueux des oiseaux qui intègrerait les dernières avancées en matière d’énergie solaire.

 

Hall_Sarah_2014_travail au laboratoire pour créer des revêtements solaires pouvant être imprimés sur le verre et pour produire du verre transparent qui recueille l’énergie_photo Sarah Hall Studio

 

Le succès de cette initiative dépendra de la possibilité d’incorporer les motifs destinés aux oiseaux à des designs originaux ainsi qu’aux dernières technologies solaires. C’est grâce au soutien de l’Ontario Arts Council par une bourse que j’ai pu débuter mon travail à ce sujet. J’ai travaillé le design dans mon atelier de Toronto et les prototypes seront créés avec l’aide des laboratoires et de fabricants au Royaume Uni et en Allemagne.

 

Hall_Sarah_2014_Image conceptuelle des appartements à Toronto avec des motifs de sécurité pour les oiseaux et qui permettent de récolter l’énergie solaire  photo Sarah Hall Studio

Hall_Sarah_2014_Image conceptuelle des appartements à Toronto avec des motifs de sécurité pour les oiseaux et qui permettent de récolter l’énergie solaire photo Sarah Hall Studio

 

 

Au travers de ma carrière, j’ai cherché à améliorer l’environnement humain par l’architecture du verre. Avec ces initiatives récentes, je poursuis ainsi mon chemin pour une intégration parfaite du matériau, du design et de la technologie afin de créer des surfaces de bâtiments qui préserveront notre environnement naturel – en partenariat avec le soleil.

 

 

Sarah Hall est une artiste mondialement reconnue pour ses créations à très grande échelle et ses projets solaires. Sa contribution exceptionnelle aux constructions lui a valu le prix « Honor Awards » de l’American Institute of Architects et  le prix « Allied Arts Award » de l’Association des Architectes de l’Ontario. Ses œuvres ont fait leur entrée à l’Académie Royale des Arts du Canada en 2002 et sont listées dans notre Who’s Who Canadien. Sarah est réputée pour ses innovations artistiques et son esprit précurseur dans les nouvelles techniques du verre. Son impressionnant travail a récemment été mentionné dans la série de documentaires CBC “Great Minds of Design”. Pour connaitre ses autres projets solaires, rendez-vous sur www.SarahHallStudio.com

 

 

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Personal Cathedrals

A Review of an Exhibition of Stained Glass by Aimée McCulloch

by Jamie Gray

 

Aimée McCulloch is a young, energetic artist, who has recently completed her Master of Arts in glass at the Edinburgh College of Art at the University of Edinburgh. As part of her requirements to complete her degree, she participated in an exhibition of MA work. She showed among a variety of disciplines and her work shone. Literally.

 

Aimée McCulloch working on Personal Cathedral.  (photo:  JGray)

Aimée McCulloch working on Personal Cathedral. (photo: JGray)

 

In her work of this past year, Aimée has courageously tackled both a tricky glass technique and a challenging subject. Stained glass would not be everyone’s choice, since it’s been besieged by the hobbyist, but with a BA in Illustration from the University of Dundee, drawing and painting on flat surfaces is Aimée’s forte. She has been swimming upstream by choosing to work with flat glass, but she has done so with confidence and energy.

 

Personal Cathedral II (Choir) by Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Personal Cathedral II (Choir) by Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Personal Cathedral by Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Personal Cathedral by Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Aimée’s work is about personal cathedrals, a subject she became interested in when she decided to research the feeling of the “numinous:” “a sensation,” according to Otto Rank, “of uplifting awe and contemplation, and sometimes dread.” As Aimee says, “the numinous can be deconstructed to a reaction towards symbolic colours, enveloping spaces, contrasts in light and dark and pre-existent ideology around stained glass and cathedrals.” With that in mind, her exhibition work explores the idea of bringing the environment and architecture of the cathedral down in scale so that it can envelop both the vision and the imagination of the viewer, encouraging isolated moments of reflection.

 

Sculpturally-set stained glass panels by Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Sculpturally-set stained glass panels by Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Aimée has created individual, intimate spaces which draw the viewer in. Each stained glass sculpture has been encased and lit in order to maximize the power of the numinous. Backlit violets and blues are calming and spire-like interiors seem to go on forever. Stunning red glass excites emotion and awe – perhaps something of the dread possible when experiencing the numinous.

 

Personal Cathedral III (Gallery), with the artist, by Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Personal Cathedral III (Gallery), with the artist, by Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Aimée has applied fired-on paints in both traditional and contemporary methods, using screen printing and hand-painted applications, and the effect of texture is reminiscent of Islamic mosque artwork. She has used layered, engraved flash glass to great effect. The depth she achieved takes the viewer even deeper into the work. She uses both copper-foil and lead-kame to join the glass, sometimes both in a single piece.

 

Visitor to exhibition space viewing stained glass by Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Visitor to exhibition space viewing stained glass by Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

While doing her MA, Aimée had the opportunity to take courses from Judith Schaechter and Jeff Zimmer, both of whom use painted, flat glass in innovative ways. Jeff is an American-Scottish glass artist, who paints on multiple layers of clear glass to create dark, sublime, slightly uneasy monochrome vignettes. Judith is an American glass artist who has become well-known for her colourful, anti-narrative stained glass panels. She recently taught a masterclass at North Lands Creative Glass in Northern Scotland, which Aimée attended.

 

'Ambulatory' Cathedral Jumble-Window by Aimée McCulloch (photo:  JGray)

‘Ambulatory’ Cathedral Jumble-Window by Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Vault by Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Vault by Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Aimée is using a material traditionally used in single sheets to create fully-realized sculpture. Few glass artists are taking this approach. Working flat glass in a sculptural way creates a new language in this medium. It is innovative glass art made unapologetically in a traditional style, but with a distinctive twist. The stained glass window has been reborn into a sculptural entity placed within easy viewing, and indeed touch, of the audience. With Aimée’s work, no longer is stained glass set well above our heads. Instead, it’s brought down to our level where we are invited to engage fully, to immerse ourselves, experiencing light and glass in a most awe-inspiring way.

 

More work by Aimée McCulloch can be found at www.aimeemcculloch.com.  Follow her on Instagram (@aimee_mcculloch).  Jamie Gray is a Canadian glass artist entering her second year of a Master of Fine Arts at the University of Edinburgh.

 

 

Cathédrales personnelles

Revue de l’exposition de vitraux d’Aimée McCulloch

par Jamie Gray

 

Aimée McCulloch est une jeune artiste qui a récemment terminé son Master d’Art en Verre à l’Edinburgh College of Art de l’Université d’Edimbourg. Dans le cadre de son diplôme, elle a participé à une exposition réalisée par les étudiants en Art. Elle a exposé parmi une grande variété de disciplines et son travail rayonnait littéralement.

 

Aimée McCulloch travaillant sur Personal Cathedral.  (photo:  JGray)

Aimée McCulloch travaillant sur Personal Cathedral. (photo: JGray)

 

Dans son projet de l’année, Aimée s’est courageusement attelée à un sujet difficile et une technique de verre délicate. Le vitrail n’est pas souvent choisi depuis que les amateurs se sont pris d’affection pour cet art, mais avec un Bachelor en Illustration de l’Université de Dundee, le dessin et la peinture sur les surfaces planes font sa force. Elle a navigué à contre-courant en choisissant de travailler le verre à plat, mais elle l’a fait avec confiance et dynamisme.

 

Personal Cathedral II (Choir) par Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Personal Cathedral II (Choir) par Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Personal Cathedral par Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Personal Cathedral par Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Le travail d’Aimée porte sur les cathédrales personnelles, un sujet auquel elle s’est intéressée en approfondissant le sentiment du « sacré » : « une sensation » décrite par Otto Rank « d’émerveillement et de contemplation, parfois mêlée à de l’effroi. » Comme nous dit Aimée : « on peut analyser le sacré comme une réaction à des couleurs symboliques, des espaces enveloppants, des contrastes de clair-obscur et une idéologie préexistante sur le lien entre vitraux et cathédrales ». A partir de cela, le travail qu’elle présente explore l’idée recréer à échelle réduite l’environnement et l’architecture des cathédrales pour solliciter l’imagination et la vue d’ensemble du spectateur et l’encourager à des moments personnels de réflexion.

 

Panneaux de verre disposés en sculpture par Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Panneaux de verre disposés en sculpture par Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Aimée a créé des espaces individuels intimistes qui attirent le spectateur. Chaque sculpture est encadrée et éclairée pour maximiser la puissance du sacré. Des éclairages violet et bleu apaisent et les flèches semblent s’élever à l’infini. Le verre rouge vif suscite émotion et émerveillement, et peut-être un peu du possible effroi relevant du sacré.

 

Personal Cathedral III (Galerie), avec l’artiste, par Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Personal Cathedral III (Galerie), avec l’artiste, par Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Aimée a appliqué la peinture au pistolet de façon traditionnelle et contemporaine en utilisant la sérigraphie et la peinture à la main, les effets de texture rappellent le style des mosquées islamiques. Elle a utilisé du verre feuilleté et structuré pour maximiser l’effet. L’intensité qu’elle obtient emmène le spectateur dans la profondeur de son œuvre. Elle utilise  à la fois des jointures en plomb et des feuilles de cuivre pour relier le verre, employant parfois les deux dans une même œuvre.

 

Visiteurs de l’exposition en train de regarder les vitraux d’Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Visiteurs de l’exposition en train de regarder les vitraux d’Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Au cours de son Master, Aimée a eu la chance de suivre les cours de Judith Schaechter et Jeff Zimmer qui travaillent tous les deux de façon innovante la peinture et le verre plat. Jeff est un artiste verrier américano-écossais qui peint sur du verre feuilleté transparent des vignettes monochromes à la fois sombres et sublimes. Judith est une artiste verrière devenue célèbre pour ses vitraux colorés anticonformistes. Elle a récemment donné des cours au North Lands Creative Glass en Ecosse du nord auxquels Aimée a pu assister.

 

'Ambulatory' Cathedral Jumble-Window par Aimée McCulloch (photo:  JGray)

‘Ambulatory’ Cathedral Jumble-Window par Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Vault par Aimée McCulloch (photo:  JGray)

Vault par Aimée McCulloch (photo: JGray)

 

Aimée utilise un matériau traditionnellement employé en une seule couche pour créer une sculpture. Peu d’artistes verriers utilisent son approche. L’utilisation du verre plat de façon sculpturale donne au matériau un nouveau mode de communication. Cet art verrier innovant emploi un style à la fois traditionnel avec une tournure distincte. Les vitraux de fenêtres renaissent sous forme de sculpture que le public peut voir et toucher. Grace au travail d’Aimée, le vitrail n’est plus lointain au-dessus de nos têtes. Il est mis à notre portée et nous invite tous à nous immerger et à expérimenter la lumière et le verre de façon exaltante.

Vous découvrirez davantage du travail d’Aimée McCulloch sur www.aimeemcculloch.com. Jamie Gray est une artiste verrière canadienne en 2e année d’un Master des Beaux-Arts à l’Université d’Edimbourg.

 

 

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Reflections: the mirrored canoe project

by Brad Copping

 

As artist-in-residence at the Canadian Canoe Museum for the past year, I am often asked what initially inspired me to cover a 16-foot cedar strip canoe in a mirrored mosaic map of some of the waterways of central Ontario, Canada, where I live.

 

Reflections – the mirrored canoe.  Photo by Deana Huntsbarger

Reflections – the mirrored canoe. Photo by Deana Huntsbarger

 

The experience of paddling on still and quiet nights, the sky clear and the moon yet to rise, moved me to create this work. The mirror-like surface of the water reflects the stars and I am given the sensation of moving myself through them. As the moon rises, the small ripples from my paddle and canoe cutting through the water sends the reflected light dancing across its surface. In these moments I feel myself in intimate conversation with my environment. Not simply a creature living in this world, but a part of its very nature, the earth, air, water and light living around me, within me and through me. In this project I attempt to make visible the silent language of this conversation.

 

Interior reflection. Photo by Brad Copping

Interior reflection. Photo by Brad Copping

 

From this initial inspiration, through the long process of its creation, this work has evolved and triggered connections beyond my private experience. The canoe’s exterior maps the waterways from my home in Apsley, Ontario, southward into the Trent Severn Waterway and on into Rice Lake. The changing cut patterns of the mirror reflect the changing landscape from the granite shield north of Stoney Lake to the limestone plane south of this waterline.  The canoe’s interior is mirrored in a much simpler fashion. I mimic the planking of this old cedar strip canoe by placing mirror between the ribs. The effect, when actually paddling the canoe, is of floating in the skeleton of the small vessel, sky and water joined.

 

Reflections – the mirrored canoe.  Photo by Brad Copping

Reflections – the mirrored canoe. Photo by Brad Copping

 

This year, Belgium and the Netherlands are celebrating their close historical and geographical ties with a program called ‘BesteBuren’ or ‘Good Neighbours,’ which supports a large number of collaborative artistic and cultural projects. In 2009, I had the good fortune to work with Jeroen Maes of the Glazen Huis in Lommel, Belgium, putting together an exhibition titled “Tenuous Tenacity: Contemporary Canadian Glass.” Now seemed a good time to work together again on a new project. The Dutch National Glass Museum in Leerdam, Netherlands, and the Glazen Huis had already begun to plan a collaborative project and the mirrored (glass) canoe was a perfect fit to strengthen these connections.

 

Detail of exterior.  Photo by Brad Copping

Detail of exterior. Photo by Brad Copping

 

These two glass centres are 100 kilometres apart, as the crow flies, and, as it turns out, about 135 kilometres apart via water. There are ‘water roads’ throughout Europe, which connect the interior of many countries via locks and tunnels, using natural waterways and man-made canals. And so, the idea of paddling the mirrored canoe from one glass centre to the other became a part of this project.

 

Glass rib forms taken from canoe mold.  Photo by Brad Copping

Glass rib forms taken from canoe mold. Photo by Brad Copping

 

This journey connects back to the Canadian waterways mapped on the canoe’s exterior. The Peterborough Lift Lock, opened 1904, is part of the Trent Severn Waterway in Ontario and is still the world’s highest hydraulic lifting lock. The designer of the Peterborough Lift Lock, Richard Birdsall Rogers, looked to a series of lifting locks in England, France and Belgium when designing the Peterborough Lift. Those most closely related to Rogers’ design are in central Belgium, which are now designated a UNESCO World Heritage Site.

 

My trip between these glass centres begins on September 7, 2015. I will journal my experiences using a rotary diamond engraver on the mirror inside the canoe. I will also attempt to post images and comments via my Instagram (@bradcopping).

 

As part of this project, I have been working at the Glazen Huis in Lommel, on the creation of a 10-foot canoe made from hot glass. This part of the project will be continued at the Glass Museum in Leerdam when I return in November.

 

 

“Reflections: the mirrored canoe project” has been generously supported by the Canada Council for the Arts, the Glazen Huis, the Dutch National Glass Museum and the Canadian Canoe Museum.

 

 

 

Réflexions: Le projet du canoé miroir

par Brad Copping

 

En tant qu’artiste en résidence au Canadian Canoe Museum depuis un an, on me demande souvent d’où m’est venue cette idée de recouvrir un canoé en cèdre de 16 pieds de long d’une mosaïque de miroirs pour y représenter les cours d’eau de l’Ontario, Canada, où je vis.

 

Réflexions – le canoé miroir.  Photo par Deana Huntsbarger

Réflexions – le canoé miroir. Photo par Deana Huntsbarger

 

Ce sont mes sorties nocturnes en canoë sur les eaux calmes et sous un ciel cristallin qui m’ont conduit à créer cette œuvre. La surface miroitante de l’eau réfléchissant les étoiles donne la sensation de se déplacer au travers d’elles. Lorsque la lune s’élève, les vaguelettes générées par ma rame et mon canoé font danser des reflets de lumière sur l’eau. Dans ces moments, je me sens en communion profonde avec ce qui m’entoure. Je ne me sens pas seulement tel un être habitant ce monde, mais je me sens partie intégrante de cette nature, la terre, l’air, l’eau et la lumière m’entourent et sont en moi. Dans ce projet, j’essaye de rendre visible le langage silencieux de cette conversation.

 

Réflexion Intérieure. Photo par Brad Copping

Réflexion Intérieure. Photo par Brad Copping

 

Avec cette inspiration de base et au travers du long processus de création, cette pièce a évolué et suscité des idées au-delà de mon expérience personnelle. L’extérieur du canoé cartographie les cours d’eau de chez moi à Apsley en Ontario, jusqu’au Trent Severn Waterway plus au sud et le lac Rice. Les motifs changeants de la découpe des miroirs reflètent les paysages variés du plateau de granite au nord du lac Stoney jusqu’aux plaines de calcaire au sud de cette ligne des eaux. L’intérieur du canoé est couvert de miroirs de façon moins complexe. J’ai imité les planches de ce vieux canoé en lambris de cèdre en plaçant des miroirs entre les armatures. Lorsque l’on navigue dans ce canoé, on a l’impression de flotter sur le squelette d’un petit vaisseau où le ciel et l’eau se rejoignent.

 

Réflexions – le canoé miroir.  Photo par Brad Copping

Réflexions – le canoé miroir. Photo par Brad Copping

 

Cette année, la Belgique et les Pays-Bas célèbrent leurs liens géographiques et historiques dans un programme qui s’intitule ‘BesteBuren’ ou ‘Bon Voisins’, qui soutient un grand nombre de projets artistiques et culturels collaboratifs. En 2009, j’ai eu la chance de travailler avec Jeroen Maes du Glazen Huis à Lommel, en Belgique pour monter une exposition intitulée « Tenuous Tenacity : Contemporary Canadian Glass ». Cela nous semblait être à présent le moment opportun pour reprendre la collaboration sur un nouveau projet. Le Musée National Hollandais du Verre à Leerdam aux Pays Bas et le Glazen Huis ont déjà commencé à mener un projet collaboratif et le canoé de miroir entrait parfaitement en compte dans le renforcement de ces liens.

 

Détails de l’extérieur.  Photo par Brad Copping

Détails de l’extérieur. Photo par Brad Copping

 

Ces deux centres verriers sont à 100km de distance à vol d’oiseau et environ 135 km par les eaux. Ce sont ces « voies d’eau » à travers l’Europe qui ont relié de nombreux pays par les écluses et les tunnels, via les voies naturelles et les canaux artificiels. Ainsi, l’idée de faire naviguer le canoé miroir d’un centre verrier à l’autre est devenue partie intégrante du projet.

 

Armature en verre faites avec un moulage du canoé.  Photo par Brad Copping

Armature en verre faites avec un moulage du canoé. Photo par Brad Copping

 

Ce périple peut être relié aux cours d’eau du Canada dessinés sur l’extérieur du canoé. L’ascenseur de l’écluse de Peterborough créé en 1904 fait partie du réseau d’eau du Trent Severn Waterway en Ontario et est à l’heure actuelle l’ascenseur hydraulique le plus haut du monde. Son créateur Richard Birdsall Rogers s’est inspiré d’une série d’ascenseurs hydrauliques au Royaume Uni, en France et en Belgique pour construire celui de Peterborough. Les plus proches du concept de Rogers sont situés au centre de la Belgique et sont classés au patrimoine mondial de l’UNESCO.

 

Ce voyage entre les centres verriers débutera le 7 septembre 2015. Je tiendrai un journal de mes impressions quotidiennes sur cette expérience en gravant au diamant sur les miroirs de l’intérieur du canoé. J’essayerai aussi de poster des images et commentaires sur mon compte Instagram. (@bradcopping).

 

Pour ce projet, j’ai également travaillé au Glazen Huis de Lommel à la création d’un canoé de 10 pieds en verre. Cette partie du projet se poursuivra au Musée du Verre de Leerdam lors de mon retour en Novembre.

 

« Réflexions: le projet du canoé miroir » bénéficie du généreux soutien du Canada Council for the Arts, du Glazen Huis, du Musée National du Verre Hollandais et du Musée du Canoé Canadien.

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Exploring Artifacts, Tyler Rock’s Still Water

by Diana Fox

 

 

Craftspeople spend a lot of time thinking about function. An object’s purpose is often paramount in our minds. While many of us go straightforward, such as a glass made to drink from, others think beyond that to a greater scope of what an object can function as. This latter idea of function was the catalyst for Tyler Rock’s most recent body of work and it is here where I began a conversation with him:

 

“[My interest in function] comes from years and years in the studio making functional objects, and thinking about how a vessel created for somebody can function in their environment. It’s a very craft-oriented way of thinking that I’ve come to see as being different than other motivations for making art. There is a generosity implicit in the process of thinking how an object will function for someone else. I think there have been a lot of great discussions going on in the field of craft recently, but I haven’t found much written about this topic. More to the point though, that interest in function and how glass objects function in an environment caused me to begin thinking about how a space around an object could be activated and become a subtler function of what the glass is doing – a non-narrative experience that informs the viewer’s understanding, like how a stained glass window can affect an environment inside a church. Often there is a narrative expressed in the windows that is a clear-cut expression of the ideas being presented, but there is also the immersive experience of being in that flood of colour: an expanded experience that extends beyond our eyes and mind that informs understanding in a more embodied way. There’s things that glass can do that are functional that aren’t purely about the mechanics of drinking or something like that. And I think, typically, that’s sort of a default position that craft goes to. Often function is seen as being an end point of an object, or at least a parameter through which it is understood. This can be positive but it can also be a limitation. I think we have all seen people investigate objects to the point where they understand the function and then that investigation stops. So that those concerns interested me to the point where I wanted to explore them more, and in different ways, and I guess that informed the basis of the research.”

 

Tyler’s research was done while completing his MVA at the University of South Australia, and was meticulously documented, along with the evolution of the accompanying body of work, in his thesis, The Second Artifact: An Investigation of the Craft Object and its Engagement with Phenomena. Tyler’s thesis is both a document of a philosophical investigation of craft objects and a look into the intense process – both technically and intellectually – that went into his thesis’ work. As the title suggests, much of the discussion centers on the idea of artifact and how artifacts dictate interactions with the world. His thinking began with function, but quickly lead to artifacts and what those actually were.

 

“I came across this definition that was a very different definition of what an artifact was than what I had been thinking about in the context of craft, and that is that an artifact can be an unexpected result as much as a defined result that we often think of it as being. So, in other words, if you’re using an instrument of measurement and something skews that data, that’s an artifact. And I thought this notion was really interesting. That random chance, or glitch, or something that’s outside of the control of the maker could actually be a mechanism to understand an artifact in a different way, a second artifact. And that became very exciting to me, because it put the glass artifact into a context where maybe it wasn’t an end point, maybe it was a beginning point that would enable the object (artifact) to remain in-process.”

 

There is one artwork Tyler cites specifically as an example of this idea, Anish Kapoor’s Cloud Gate:

 

“I think it’s one of the most successful public sculptures I’ve ever seen. One of the great things about it, beyond the things we typically think about, like how the sculpture interacts with the site and its surroundings as an object, is there’s this sense of play around it. I’ve witnessed people get right up against it and do the craziest things while trying to understand that they’re looking at themselves in space in a different way. In the presence of Cloud Gate, you could feel the jubilance within everybody’s individual and collective interactions. I think that’s a good example of what I’m talking about: where there’s liminality that’s present in the work that transcends how you understand it, and you feel the heightened awareness of everybody around you in a way that is pretty profound. In this way, the object remains an open experience and in-process. And I guess it’s the jubilance that I’m talking about, that everybody gets buoyed up by their own experience, and has this big smile on their face and there’s a connectedness as a result of that.”

 

Kapoor, Anish. Cloud Gate, photo courtesy of Tyler Rock

Kapoor, Anish. Cloud Gate, photo courtesy of Tyler Rock

 

This connectedness is something that Tyler strove for with his accompanying work, and something that he found most successful in his piece, Still Water. While the form is reminiscent of his lidded vessel series, the difference lies in what happens when you encounter Still Water, for it is not a static object. It hangs from the ceiling, a beautiful, curvaceous lamp spilling a circle of blue, rippling light across the floor. But, if you make noise, Still Water reacts. It shoots a jet of air that causes the water inside to bubble and scatters the light around the room. The more noise, the more it reacts. The piece is playful, which Tyler enjoys, but there is more to it:

 

“There are other qualities about that work that are more sophisticated – like how the first time that any noise happens, the moment where you understand what the object is doing and the play of that, the way that the light forms the circle around the base – sort of sets up a meditative space, and I think that’s really important. And then there’s the point where, as a viewer, if you’re interacting and engaged enough with it, you start to realize that the object isn’t maybe as playful as you initially thought. There’s a sense of it interrupting you, or affecting how you understand noise, and it feels like the object wants to quiet you down and take you back into that meditative space. And … I like that somebody’s mood could be affected by that, or that they could come out changed or slowed down and their normal temporality about their day could shift and become a bit quieter and softer.”

 

Rock, Tyler. Still Water. Photo by Ward Bastian.

Rock, Tyler. Still Water. Photo by Ward Bastian

 

Risk is an inherent element in this kind of work. With work that relies on viewer interaction, the risk that the viewer won’t interact means that there is a risk the viewer won’t fully understand a piece. Tyler was aware of this and it became an element of the work he embraced:

 

“I began to realize that if I wanted that embodied moment to be real, those same kind of processes would be at play in the finished project, and I kind of embraced that and thought it was a really good thing. So in the case of Still Water, people could walk into that room and never make a noise and have another type of encounter.”

 

When I saw Still Water that was precisely my experience. I was alone at the gallery, quietly went into the room where it hung without making a sound, and had no idea that it was anything other than the exquisitely beautiful object hanging in the room. I share this with Tyler, who responds:

 

“I think that the risk of it not functioning the way that it optimally could made me realize even more about that life of the object that I think is pretty neat. In the case of your description of Still Water, you just understand it in a different sort of way than others who experienced it differently. The site specific requirements of Still Water has lead me to having to be in a lot of different situations setting up that piece and negotiating new spaces when I do an install of it. Every space is different and the parameters are different. This type of problem solving during installs has expanded my understanding of process.” 

 

I ask Tyler if this period of intense research and reflection provided by his Master’s degree changed his approach to his work and how he considers what he is creating:

 

“Well I think that I’ve always seen glassblowing and art making as parallel processes. And so I think I’m always going to sit down at the bench and make the things that Tyler makes, but what was rich about the process was that I have a new vocabulary about how I’m making work and how I’m thinking about making work. The neat thing is the perspective I’ve gained after coming through it, at the time of conducting the research, it seemed like it was all new terrain and new ways of thinking, but at the end of that process, I can really see a through-line with my previous work, and I just see this as a part of a continuum of things I was interested in twenty years ago when I was beginning and the ideas are just manifesting themselves in a different way than they would have. I was interested in making objects that cast light. I was interested in form. I was interested in the space around objects and increasingly it’s just become – I don’t really want to say more subtle or more intellectual, it isn’t either of those things – it’s just different, maybe more fertile and open ground to explore those things in, and I’m looking forward to seeing what the next things are that I’m making.” 

 

 

Still Water; Video Documentation of a site-specific glasswork by Tyler Rock, presented at Liverpool Street Studios in Adelaide

 

Diana Fox graduated from the Alberta College of Art + Design in 2010. She has been the Social Media Coordinator for GAAC since that same year.

 

 

 

L’exploration des artéfacts : Still Water de Tyler Rock

 

par Diana fox

 

Written Submission/Article:

 

Les artistes passent beaucoup de temps à réfléchir sur la fonction des objets. Leur utilité est souvent pré-conditionnée dans nos esprits. La plupart d’entre nous va droit au but en se disant qu’un verre est fait pour boire, d’autres considèrent l’objet au-delà de ses fonctions de base. Le récent travail de Tyler Rock porte sur l’exploration de cette fonctionnalité et fait l’objet de notre discussion.

 

“Cet intérêt pour la fonctionnalité me vient des années passées à l’atelier à fabriquer des objets fonctionnels et à réfléchir à la façon dont un récipient va servir dans un environnement. C’est une vision de l’art qui diffère selon moi des autres enjeux artistiques. Il y a une générosité implicite dans le concept de penser à la manière dont l’objet va servir à quelqu’un d’autre.  Dans les nombreuses discussions ayant eu lieu sur l’art ces derniers temps, je n’ai pas trouvé grand-chose à ce sujet. Plus précisément, cet intérêt pour la fonction et la façon dont les objets en verre interagissent avec leur environnement m’ont amené à réfléchir sur l’espace entourant l’objet et comment l’animer pour qu’il devienne partie intégrante de la fonction de l’œuvre. Ce serait comme si une expérience non verbale contribuait à la vision globale du spectateur, de la même façon que les vitraux peuvent influencer l’environnement à l’intérieur d’une église. Souvent, un récit sur les vitraux relate clairement les idées présentées, mais il y a aussi cette impression d’être submergé par un flot de couleurs : une expérience globale qui s’étend au-delà de nos yeux et de notre esprit et qui renseigne notre compréhension d’une façon plus générale. Certains éléments fonctionnels à propos du verre ne relèvent pas du simple mécanisme de servir à boire. Et je pense que l’artisanat se cantonne trop fréquemment à cela. Souvent, la fonction est considérée comme la finalité de l’objet, ou du moins un paramètre au travers duquel il est perçu. Cela peut présenter des avantages tout comme des inconvénients. Je pense que nous avons tous vu des personnes explorer les objets jusqu’à ce qu’ils leurs découvrent une fonction et la quête s’arrête là. Ce constat m’a interpellé à tel point que j’ai souhaité approfondir par plusieurs manières pour en savoir d’avantage. »

 

Tyler a mené cette exploration au cours de son MVA à l’Université d’Australie Méridionale et s’est documenté méticuleusement tout en créant une série d’œuvres pour étayer sa thèse: The Second Artifact: An Investigation of the Craft Object and its Engagement with Phenomena (Le Second Artéfact : Investigation sur  l’objet d’art et son impact avec le phénomène). La thèse de Tyler est à la fois un document de recherche philosophique sur la nature des objets et un regard sur le processus intense, à la fois technique et intellectuel, qui a été investi dans son travail de recherche. Comme le suggère le titre, la grande partie porte sur la question de l’objet et comment les objets dictent l’interaction avec le monde qui les entoure. Sa réflexion a débuté avec la question de la fonction mais l’a rapidement conduit aux artéfacts et ce qu’ils représentent en réalité.

 

“Je suis parvenu à cette définition de l’artéfact bien différente de celle à laquelle je pensais dans le contexte de l’artisanat. Elle précise qu’un artéfact peut être un résultat inattendu autant qu’un résultat défini, ce que nous considérons généralement en tant que tel. En d’autres mots, si vous utilisez un instrument de mesure et que quelque chose vient dénaturer cette donnée, alors cela devient un artéfact. J’ai trouvé cette notion vraiment intéressante. Hasard, dysfonctionnement ou phénomène hors de portée du fabricant, peuvent être considérés comme des mécanismes permettant de considérer l’artéfact d’une façon différente, tel un nouvel objet. C’est devenu très stimulant  pour moi de savoir que l’artéfact de verre pouvait ne pas être une fin en soi en fonction du contexte.  Cela peut aussi être le point de départ qui permettrait à l’objet (l’artéfact) de rester dans le processus. »

 

Tyler cite une œuvre en particulier qui illustre son point de vue, le Cloud Gate d’Anish Kapoor :

 

 « Je pense que c’est l’une des sculptures publiques les plus réussies que je connaisse. Ce qu’elle a de particulier, au-delà des choses auxquelles on pense en premier lieu, tel que la façon dont elle interagit avec le site et son environnement en tant qu’objet, c’est l’esprit ludique qu’elle dégage. J’ai vu des gens s’adosser à elle et faire des choses délirantes tout en réalisant que c’est eux-mêmes qu’ils regardent dans une vision déformée de l’espace. Quand on s’approche de la Cloud Gate, on se réjouit des interactions collectives et individuelles. Je pense que cela illustre bien ce dont je parle : lorsque la liminalité présente dans le travail transcende votre interprétation et vous fait ressentir la présence des autres de façon plus intense. De cette manière, l’objet devient une expérience en continu. Au travers de tout cela, l’enthousiasme ressenti de chacun fait sourire et nous connecte les uns aux autres. »

 

Kapoor, Anish. Cloud Gate, photo mise à disposition par Tyler Rock

Kapoor, Anish. Cloud Gate, photo mise à disposition par Tyler Rock

 

Tyler cherche à créer cet esprit de connexion dans l’œuvre qui accompagne son travail, et c’est avec la pièce Still Water qu’il y est parvenu le plus. Tandis que les formes rappellent sa série de récipients, la différence est dans l’effet ressenti lorsque vous découvrez Still Water, car ce n’est pas un objet statique. Suspendue au plafond, une lampe aux gracieuses courbes jette un halo bleu qui ondule sur le sol. Mais au moindre bruit, Still Water réagit et projette un jet d’air créant des bulles à l’intérieur de l’eau qui dispersent la lumière dans la pièce. Plus il y a de bruit, plus ça réagit. Tyler apprécie le côté ludique de cette œuvre, mais ce n’est pas tout :

 

Cette œuvre comporte d’autres aspects plus sophistiqués : lorsque le premier bruit a lieu, le moment ou vous comprenez le fonctionnement de l’objet et son interaction, la façon dont la lumière forme un cercle autour de la base… Tout cela crée un univers de style méditatif que je considère comme très important. On dirait que l’installation interrompt ou modifie votre compréhension du bruit et donne la sensation que l’objet veut vous faire taire et vous ramener à cette ambiance méditative. Je me plais à penser qu’on peut influer sur l’humeur de quelqu’un de cette façon, ou que cela peut changer ou ralentir le rythme habituel de la journée pour la rendre un peu plus calme et plus tranquille. »

 

Rock, Tyler. Still Water. Photo de Ward Bastian

Rock, Tyler. Still Water. Photo de Ward Bastian

 

Le risque est un élément inhérent dans ce genre de travail. Lorsqu’une pièce repose sur l’interaction de l’observateur, il y a un risque qu’il ne comprenne pas totalement l’œuvre s’il n’interagit pas tel que prévu. Tyler en a conscience et a pris en compte cet élément dans son travail:

 

“J’ai compris que si je voulais que ce moment imaginé devienne réalité, il fallait que je prenne en compte les différentes possibilités d’expérimenter le résultat final. Dans le cas de Still Water, les gens peuvent aussi entrer dans la pièce sans faire de bruit et avoir une expérience totalement différente. »

 

Cela a justement été mon cas quand j’ai découvert Still Water. Seule dans la galerie, je suis entrée calmement dans la pièce où l’objet pendait sans faire de bruit. Je n’avais pas conscience qu’il y avait chose à voir qu’un magnifique objet suspendu. J’ai partagé cette impression avec Tyler  qui m’a répondu :

 

« Je pense que ce risque que tout ne fonctionne pas comme prévu révèle les multiples vies de l’objet et cela me plait. Dans le cas de votre description de Still Water, vous le comprenez d’une façon différente que d’autres qui l’ont expérimenté autrement. Les conditions spécifiques nécessaires de Still Water m’ont amené à faire preuve d’imagination pour mener à bien l’installation de l’œuvre dans des endroits très variables. Chaque espace est différent et les paramètres varient en fonction. Ce type de réflexion au cours de l’installation m’a permis d’étendre ma compréhension du processus. »

 

J’ai demandé à Tyler si cette période de recherche intensive et de réflexion, que lui a fourni son master, a changé son approche du travail et la façon dont il considère ce qu’il crée :

 

“J’ai toujours considéré le soufflage de verre et l’art comme des processus parallèles. J’irai toujours m’asseoir au ban pour faire ‘du Tyler’, mais  j’ai enrichi mon procédé en formulant mieux mon travail et ma réflexion créative. Lorsque j’ai effectué les recherches, cela me paraissait être un champ de réflexion totalement différent. Avec le recul, je peux à présent faire le lien avec mon ancien travail et considère que c’est dans la continuité des choses auxquelles je m’intéressais déjà vingt ans plus tôt. Mes idées se manifestent simplement d’une façon différente. Je m’intéressais à la réalisation d’objets qui capturent la lumière,  à la forme et à l’espace entourant les objets, et progressivement cela s’est mis en place. Je ne souhaite pas spécialement développer ce point de manière plus intellectuelle ou subtile, car ce n’est pas l’objet.  C’est simplement différent, surement un peu plus fertile et libre d’horizon une exploration plus vaste et je me réjouis de découvrir les prochaines choses que je vais créer. »

 

 

 

Still Water; Documentaire Vidéo portant sur une œuvre de Tyler Rock présentée aux Liverpool Street Studios d’Adelaïde

 

Diana Fox est diplômée de l’Alberta College of Art + Design depuis 2010. Elle occupe le poste de coordinatrice des réseaux sociaux du GAAC depuis cette même année.

 

 

 

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Interview with Cheryl Wilson Smith

by Stephanie Baness

 

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur 2 (2015), Kiln-formed glass, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur 2 (2015), Kiln-formed glass, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith

 

Cheryl Wilson-Smith is a Canadian glass artist who works in kiln-formed glass. She lives in Red Lake, Ontario.

 

Last year, Cheryl won the 2014 RBC Award for Glass and she was selected for Emerge/Evolve 2014: Rising Talents in Kiln-Glass, sponsored by The Bullseye Glass Company.

 

I recently spoke with Cheryl regarding her artistic practice and the development of her work and career.

 

Q. How did you get involved in glass? 

 

A. I started in painting and pottery. I was never happy with the glazes in pottery. I was always looking for the translucency. There was an Australian ceramics magazine that talked about how you could fuse glass on fibreboard. I started fusing glass that I found laying around in old stained glass and that’s how I started.

 

Q. Then what was the next step in your development?

 

A. I found out about Bullseye classes in Portland, Oregon. I started taking one or two Bullseye classes a year and that was the next step, going back and forth to Portland.

 

Q. What were you looking to develop in your explorations? 

 

A. I am not actually sure. I am always after an image. I have a thing with family history and images, you know, my grandparents and that kind of stuff. I am always trying to get the images to glass so I have been chasing that for years. Now it is easily available but it wasn’t back then so most of my classes were fusing, cold working and chasing that image or production work. I took some great architectural courses in the beginning with Richard Parrish and Laurel Porcari. That actually helped me get established as a glass artist and get some money coming in and recognition for what I was doing, that was kind of cool.

 

Wilson-Smith, Cheryl. Agus (2014), Kiln-formed glass, 5” x 5”(Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Agus (2014), Kiln-formed glass, 5” x 5”(Wilson-Smith)

 

Q. How did you come up with idea for your layered, 3D glass pieces? 

 

A. I took a course at Bullseye. The course was screen printing images. So I took this class thinking images, right, back to chasing images again, and it was not images. But the instructor screen printed glass. It was the first time I saw glass being screen printed. We were making little wafer things, screen printed with glass. I also learned how to use CAD.

 

I always wanted to blow glass, I also have an obsession with things within things, but have never had the money to go and learn how to blow and I never thought I could do it on my own, living remote and rural. So halfway through the class I realized, I can build with this. And that is what did it.

 

I would only make little tiny things. It is taking a lot of learning and experimenting but I am slowly building bigger. With the help of Koen [Vanderstukken], I got the firing schedule down where I am able to build a larger solid form.

 

Q. How long does it take to make a piece? 

 

A. I am in the middle of making screens for one. The screens so far have been over a week. Once I get a screen made, I can use it multiple times. It really is only about four hours to actually build it. But it is in the kiln for at least three days with firing and annealing.

 

Q.  You have done some commission pieces in public places.  Would you like to talk about them? 

 

A. I think it is a great avenue for revenue. I think it is a great way to get noticed. I am choosing not to pursue it at this point because you need a whole team of people working with you and where I live, I do not have that team.

 

Q. What are the other challenges that you have being a glass artist in Red Lake?

 

A. Finding supplies. Everything is a week, two weeks, three weeks to get supplies. My glass takes three weeks from Portland. I can’t go to the hardware store and get something if I need it. This leads to having stockpiles of many supplies in your studio.

 

The challenges are huge…but the benefits are so huge. I don’t have to go to openings, which I’d love to go to but I’m not distracted by them. I am not distracted by the world around me because it is familiar and routine. When I go to a city I find the visual input almost an overload. My time is mine. I get to work all day and if I want to go back to the studio at night, I can. The demands of a small town on your time are few. There’s so much good and bad and I am really struggling with that.

 

Wilson-Smith, Cheryl. Square!! (2015), Kiln-formed glass, 5” x 11.5” x 2”(Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Square!! (2015), Kiln-formed glass, 5” x 11.5” x 2”(Wilson-Smith)

 

Q. Do you do a lot of work that you sell in the states?

 

A. Not yet, I am trying to develop that as a market. In October, I have a show in Cambridge Massachusetts, I am part of a group show there, that is exciting. I am trying to develop the Chicago to Toronto corridor.

 

Q. What do you think of the Canadian market vs. the U.S. market in glass?

 

A. I think it is hard to be in Canada and be neighbours with the U.S and see how people sell their work there and the market. Just the opportunities there compared to what we have here are incredible.

 

I do think that this is a great place – it is like being in a small town, being in Canada. It is a great place to be nurtured and the glass community seems friendly, for the most part, and cohesive and helpful. I honest-to-God cannot believe the people I have asked for help that have helped me.  I am shocked. Because you expect somebody to say “No,” you don’t expect people to say, “What can I do? I will gladly help you.” That’s amazing. I feel really fortunate to have found the friends and mentors I have in the glass community and no matter what their nationality, finding supporting, helpful people has probably been my greatest asset.

 

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur (2015), Kiln-formed glass, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur (2015), Kiln-formed glass, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)

 

Stephanie Baness recently completed her studies at Sheridan College in Oakville, Ontario. She is currently developing her artistic practice in kiln-formed glass and sand casting.

 

 

 

Entretien avec Cheryl Wilson Smith

par Stephanie Baness

 

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur 2 (2015), Verre moulé, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur 2 (2015), Verre moulé, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)

 

Cheryl Wilson-Smith est une artiste du verre canadienne qui réalise des œuvres en verre moulé. Elle habite à Red Lake en Ontario.

L’année dernière, Cheryl a remporté le prix RBC 2014 du Verre et a été sélectionnée pour le programme Emerge/Evolve 2014: Rising Talents in Kiln-Glass, sponsorisé par The Bullseye Glass Company.

Récemment, j’ai pu m’entretenir avec Cheryl sur son art, l’évolution de son travail et de sa carrière.

 

Q. Comment en êtes-vous venue à travailler le verre? 

R. J’ai débuté avec la peinture et la poterie. Je n’étais jamais satisfaite du vernis de mes poteries. Je recherchais toujours plus de translucidité. Un magazine Australien sur la céramique mentionnait la possibilité de fuser du verre sur des panneaux de fibres. J’ai commencé à fuser des vieux vitraux trouvés aux alentours et c’est ainsi que cela a commencé.

 

Q. Ensuite, quelle a été votre prochaine étape ?

A. J’ai entendu parler des cours du Bullseye à  Portland, Oregon. Au début, j’ai suivi un à deux cours par an avec eux, et très vite les allers-retours à Portland se sont enchaînés.

 

Q. Que recherchiez-vous dans vos explorations? 

A. Je n’en suis pas certaine. Je suis toujours à la recherche d’une image. J’ai un truc pour les histoires de familles et les images, tel que mes grands-parents, ou ce genre de choses. J’essaye toujours d’insérer ces images dans le verre et cela fait des années que ça dure. Maintenant, il est possible de le faire assez facilement, mais à l’époque, c’était plus complexe. Voilà pourquoi la plupart de mes cours portaient sur le fusing et le travail à froid pour obtenir une image et la réaliser. Au début, j’ai suivi de très bon cours d’architecture avec Richard Parrish et Laurel Porcari, qui m’ont été réellement bénéfique pour parvenir à m’imposer en tant qu’artiste dans le verre. Etre reconnu dans son travail et gagner sa vie grâce à cela est formidable.

 

Wilson-Smith, Cheryl. Agus (2014), Verre moulé, 5” x 5”(Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Agus (2014), Verre moulé, 5” x 5”(Wilson-Smith)

 

Q. D’où vous est venue  cette idée de créer des œuvres en 3D en superposant des couches verre? 

A. Un des cours que j’ai suivi un cours au Bullseye portait sur la sérigraphie d’images. En choisissant ce thème, je me suis dit « tiens, des images, on repart dans la même quête », mais ça ne l’était pas vraiment en réalité. Par contre l’enseignant nous a montré comment imprimer sur du verre. C’était la première fois que je voyais une impression sur verre. Nous avons créé des sortes de gaufrette pour les imprimer sur verre. J’ai aussi appris à manier les logiciels de conception.

J’aime l’idée du soufflage de verre et le concept d’intégrer les choses les unes dans les autres. Mais je n’ai pas encore pu m’offrir de cours de soufflage et je ne peux pas non plus le faire chez moi, car j’habite dans une campagne trop éloignée. Vers le milieu du cours, j’ai commencé à comprendre que je pouvais aussi créer de cette façon et c’est cela qui m’a séduite.

Je ne réalise que des choses de petite envergure. Avec beaucoup d’apprentissage et d’expérimentations, je commence tout doucement à faire des choses plus grandes. Grâce à Koen [Vanderstukken], j’ai pu m’organiser dans le planning de cuisson pour faire des objets plus larges.

 

Q. Combien de temps cela prend-il pour réaliser une pièce? 

A. Je suis en pleine réalisation des imprimés pour l’une d’elle. Ces modèles me prennent plus d’une semaine à fabriquer. Une fois qu’ils sont produits, je peux les réutiliser plusieurs fois. Cela ne prend que 4 heure pour créer les pièces, mais elles passent ensuite 3 jours dans le four pour la cuisson et la recuisson.

 

Q.  Vous avez déjà créé des pièces sur commande pour des lieux publics. Pouvez-vous nous en parler ? 

A. Je pense que c’est un bon filon pour gagner sa vie. C’est aussi une très bonne façon de se faire connaitre. Je ne le fais plus en ce moment car cela nécessite d’avoir une équipe complète à disposition et là ou je vis, je n’ai pas cette équipe.

 

Q. Quelles sont les autres choses qui posent des difficultés lorsqu’on est artiste verrier à Red Lake?

A. S’approvisionner. Tout prend une, deux ou trois semaines pour recevoir le matériel. Le verre met trois semaines pour arriver depuis Portland. Je ne peux pas juste aller à la boutique pour acheter ce qu’il me faut. Cela me mène à stocker des piles entières de fournitures dans mon atelier.

Les inconvénients sont nombreux…mais les bénéfices le sont encore plus. Je ne suis pas obligée d’aller à des vernissages auxquels j’adorerai assister mais qui sont source de distraction. Je ne suis pas déconcentrée par mon entourage ni mon environnement, car il m’est familier et routinier. Lorsque je me rends en ville, j’aperçois trop de choses qui pourraient me distraire. Mon temps m’appartient. Je peux travailler toute la journée et même retourner à l’atelier la nuit si j’en ai envie. Vivre dans une petite ville ne vous demande pas trop de temps. Il y a du bon et du mauvais et je me bats souvent avec ce dilemme.

 

Wilson-Smith, Cheryl. Square!! (2015), Verre moulé, 5” x 11.5” x 2”(Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Square!! (2015), Verre moulé, 5” x 11.5” x 2”(Wilson-Smith)

 

Q. Réalisez-vous beaucoup de pièces à destination des Etats Unis?

A. Pas encore, j’essaye de me développer sur ce marché. En octobre, j’expose à Cambridge Massachusetts, je fais partie d’un groupe d’exposants, c’est très agréable. J’essaye de me faire connaitre dans le passage Chicago – Toronto.

 

Q. Quel est votre opinion sur le marché du verre canadien vs le marché américain?

A. C’est difficile d’être frontalier des Etats Unis et d’observer du Canada le marché sur place et la façon dont les gens vendent leur travail là-bas. Rien qu’en termes d’opportunités comparées aux nôtres, la différence est immense.

Mais c’est aussi endroit idéal – être au Canada, c’est comme être dans une petite ville. C’est un super endroit pour s’inspirer avec en plus une communauté du verre globalement très sympa, porteuse et cohésive. Sincèrement je n’en reviens pas du nombre de gens qui m’ont aidée quand j’en ai eu besoin. J’ai été très étonnée car je  m’attendais à recevoir des réponses négatives, mais à la place les gens m’ont dit « que puis-je faire pour toi ? Je serai ravi de t’aider. ». C’est incroyable. J’ai vraiment de la chance d’avoir trouvé ces amis et mentors dans la communauté du verre, toute nationalité confondue. Le fait d’avoir rencontré des personnes si aidantes constitue surement une de mes forces.

 

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur (2015), Verre moulé, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur (2015), Verre moulé, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)

 

Baness a récemment achevé ses études au Sheridan College à Oakville en Ontario. Elle se perfectionne actuellement dans le verre moulé et les techniques de sablage.

 

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