Anthony Schafermeyer’s GAAC Conference Talk

June 1, 2010

This is a transcript of the talk given by Anthony Schafermeyer at the Glass Art Association of Canada Conference in Montreal on May 29, 2010.

Beecause, Anthony Schafermeyer

Hello, everyone and thank you for coming.

My name is Anthony Schafermeyer, and I am a construction worker from Pittsburgh, Pennsylvania.  I started my construction career shortly after graduating from art school back in 1992.  You see, art school is expensive, and I graduated with what I think – if I remember correctly – was $39,000 in student loans.  Now this was money spent on an education that was in essence completely worthless.  I was unqualified for almost everything.  I was even unqualified for construction.  But I got lucky.  I got a job working as a laborer for a guy named Big Mike Portagie.  He was, and still is, a plasterer.  Not a sheet-rock taper now, but a plasterer; hard coat, real old school plasterer.

I’ve worked construction off and on for the last twenty years.  Plastering, plumbing, carpentry, landscaping, and I was even a tree limber in Boston when I was younger and more nimble.  I worked as a plasterer for about four months as recently as last winter.  I also sometimes blow glass.  My old boss, Big Mike, used to call me Mr. Knick Knack.  He would say, “I give you a perfectly good job, a man’s job, and all you do is work long enough to save up some money so you can go make more knick knacks.  Ain’t this world got enough knick knacks?”  What I am trying to get across here is that this is hard.  It’s not easy to make stuff and sell it so that you can both eat and make some more stuff.  At least it’s been hard for me.  Yes, I have taught in Japan, and I have had solo shows in Stockholm.  I’ve given lectures in Spain.  I once held the record at Pilchuck for the most amount of students on a waiting list for a class.  But I have also patched roofs and insulated basements and unclogged toilets, in the name of self preservation.

I thought that it might be a bit disingenuous of me to stand up here today and give a lecture about what a great guy I am, during these uncertain times in the field of glass.  Self preservation is something that I have been thinking a lot about lately.  It started with something that my therapist said to me recently (yes, I go to a therapist).  She said that all humans are self preservationists and that most are short sighted about it.  I work construction in order to preserve my ability to make stuff.  Some people go the route of academia.  Everyone has their own way.  But rest assured, most of us do something that we don’t want to do in order to get by.

During the last few years of incredibly tough economic times, and arguably the collapse of the glass movement, I have seen what I consider a disturbing trend that can be attributed to self preservation, and what I would like to have happen here today is to have everyone here leave this lecture with an assignment of self examination.  Part A is that I want everybody in this audience to go home and ask themselves what they have done in the last few years in the name of self preservation.  Make a list as it were of all the things that you do that was not part of the original dream.  Part B of your assignment is that I want you to ask yourself if what you did was good for glass as a whole or bad for glass as a whole.  What I am suggesting is a radical idea.  What I am suggesting is that your self preservation may not be the best thing for glass or for its future.  Of course no one thinks that this applies to them.  Every single one of you is thinking right now that you are the exception, as I did.  But assuredly some of you aren’t.

Now I am not advocating that everyone out there starts working construction, or that my way is the best and that it will save glass.  Construction is something that works for me.  It works for my temperament and my mentality.  But what I am saying is that one of the most popular and easy ways to self preserve for glass people these days seems to be to dumb things down, to make cheap studio versions.  To hold “make your own paperweight” classes at your shop to help pay the bills.  Make your own pumpkin, make your own glass heart, make your own Christmas ball,  There is even a “sprinkle your own cupcake” event wherein people pay to throw colorful glass shards at hot globs of glass.  I am proposing that these things are bad for glass as a whole and that I find this trend especially disturbing when public non-profit institutions are the instigators.

I have never owned my own hot shop.  Shops are expensive and I simply don’t sell enough to afford one.  Every single piece I have ever made has been in a rented shop.  I have relationships with a lot, and I mean a lot, of public access studios.  In all likelihood my dog has been to more glass shops than many of you in this audience.  Without them I wouldn’t be able to make anything.  I am grateful that these shops exist.  But … there is a but.  I am finding it increasingly difficult to align myself with an institution that so publicly promotes itself as a “do it yourself” shop.  I find it detrimental to associate myself with studios that advertise “learn to make a goblet in a weekend” when all they do is glue a pre-made cup on a wonky stem.  I feel that studios everywhere are preserving themselves by undermining the respectability of glass.  How can I reasonably be expected to sell something that I have spent years developing when the public image of glass is that of “sprinkle your own cupcakes,” “learn to do this in a weekend”?  What chance do any of us have of reaching our goals to make and sell meaningful work when this is the public face we are presenting?

Earlier in the spring a local “society” came to my studio for a tour.  I gave them the usual speech about myself and where I had studied, my inspirations, etc.  When it was over, I was trying to herd the visitors into my make-shift gallery, trying to sell something to recoup my money, and before I got there the director was handing out envelopes for the visitors to insert their donations for the society.  I suddenly realized that they weren’t there to support me.  They were there to support themselves.  They are preserving the society for contemporary craft.  Not contemporary craftsmen.  They were there to eat me.  At this time when craftsmen are really struggling, they were there for support from me.  Ask yourself, just exactly what are they preserving?

Recently I was approached by a public glass center for a donation.  I gave the usual schpiel about how I do not donate work to public shops anymore because I do not agree with their current policies of focusing on classes for amateurs while simultaneously raising rental rates for professionals.  I was assured that the focus of this shop would change, and that they were no longer holding so many paperweight classes, and that they were doing this and doing that to help people who were serious craftsmen.  Three weeks later an article came out in the San Francisco Chronicle about a 10 year old glass master who worked out of this very shop.  His instructors were quoted as saying that he was an extremely talented artisan.  Now all of us here know that a 10 year old is simply not big enough to blow glass physically.  We all know that this boy, no matter how talented he is, could not physically blow glass by himself.  He is simply not tall enough.  Hell, I’m not tall enough.  All press is not good press.

We are all of us educators, whether we like it or not.  Everything we do is absorbed by collectors and potential collectors, artists and potential artists; our state-funded tax-exempt non-profits especially so.  The interested look to these places to learn about who we are and what we are up to.  What are we teaching them?  Garth Clark writes that our downfall is directly attributed to us.  He thinks that we did it to ourselves by calling ourselves artists when we are not.  His solution is that we should align ourselves with the design world instead.  But how can we do that when our most public designs include glass hearts and cupcakes?  How can we blame the public or the collectors?  Look what we show them.

My father first saw me work a few years ago in St Louis.  Now he’s a blue collar guy, my father; knows nothing about art.  Later after the demo and a few beers, he said to me, “Y’know, I am relieved.  I was worried that you were gonna make little animals like at the mall.”  What are we calling ourselves now?  In this time of struggle we are calling ourselves Mr. and Mrs. Knick Knack.  Mr. and Mrs. Copycat.  Mr. Chihuly imitator, and Mrs. Unoriginal.  Mr. I Have Made The Exact Same Thing For Fifteen Years Because It Keeps Selling But I Still Insist Its Art.  We fancy ourselves as creative people.  Can no one out there come up with a more creative solution than to mimic the same mistakes made by the ceramic movement?  Is this self preservation?  If so, what is it preserving?  I would argue that no it is not preserving.  It is not preserving the glass that I know, the movement that I want to be a part of.  It is not preserving craftsmanship, certainly.  It is very unlikely that it is preserving the dream we all had when we were young about making beautiful meaningful, important work.  We all have a different idea of what meaningful work is, but I think that we can all agree that “sprinkle your own cupcakes” is probably not it.

Rather than preserving, we are creating.  It is creating a glass that is cheap, a glass that requires no skill or thought.  Garth Clark may be right.  He may be wrong.  I’m not here to debate what’s art and what’s craft.  Because in the end, it doesn’t matter what we say about ourselves or our work as long as our institutions keep putting hot shops on cruise ships.  That, my friends, says volumes.

I have been trying to find some literature lately on the downfall of the ceramics movement of the 70s.  I think that there is a correlation here.  I think that there are lessons to be learned.  The “paint your own pottery” shops that used to be everywhere were strikingly similar to the city-sponsored glass shops of today.  As yet I have not been able to find a book on how ceramics collapsed.  I suppose that no one wanted to be the one who wrote it.  It took them twenty years to come back from that.  How long will it take us?  But my idea is simple.  Let’s teach everyone what we can be.  And let’s be lead by the institutions that we have created.  Let them stand up and say, “We are quality, originality.  We are something to be appreciated.”

This is the part where I am supposed to give everyone an answer.  I am supposed to tell you how to preserve yourself honorably.  But I cannot.  I simply don’t know.  I feel ok about this though because Garth Clark, who is way smarter than I am, doesn’t supply an answer in his lectures either.  At least not a reasonable one.  And I think that at this stage that’s ok.  I think that at this stage we need to recognize our problems, and try not to make them worse.  Those that do not know history are doomed to repeat it.  We are repeating it.  I can tell you what I have done in order to self preserve.  I built a giant slumping oven and I’m slumping lampshades.  I hardly blow glass anymore at all.  I kind of like it.  I find architects to be much easier to deal with than gallery owners or collectors.  I find that they actually know what they want and put a slightly higher premium on originality.  I still make my own work, but I am not sending it out to anyone.  I find it liberating.  I have, in a way, let myself burn down.  Architectural glass is fine for now.  It is usually a technical challenge.  I have learned a lot more about glass now from factories and commercial glass people.  I get paid up front, and I even get paid for drawings.

Do I miss blowing?  Hell, yes.  I loved blowing.  Some would even say that I was pretty good at it.  But I will not demean my skills and the effort and sacrifice that I put into it by making something cheap, and I don’t appreciate others doing it for me, especially the very institutions that purport to love craft as much as I do.  If you love the media and you respect your own dreams, then find a way to self preserve that is not destructive.  Let’s not preserve secretarial jobs at non-profits.  Let’s preserve the craft.

A year and a half ago, my friend David Levi said to me, “I think it all needs to burn down first before we can rebuild.”  Last week I asked him if it had all burned down yet, and he told me yes.  If this is true, then good.  Let’s start rebuilding it.  This is our chance.  Let’s start teaching people what we can be.

Anthony Schafermeyer est un artiste verrier professionnel depuis 15 ans. Il a beaucoup enseigné aux États-Unis au Pilchuck School of Glass, au Haystack Mountain School of Crafts et au Corning Museum of Glass. Anthony a donné plusieurs conférences et démonstrations à l’étranger dont : à l’Université de Segovia (Espagne), au Niijima Glass School (Japon), au Gerrit Rietveld Academie of Art (Amsterdam), ainsi qu’au Kittengela Glass (Kenya). Anthony possède un atelier à Millvale (PA) et travaille actuellement sur un projet d’installation pour le tout nouvel hôtel Fairmont au centre-ville de Pittsburgh. Il est représenté par Habatat Gallery de Boca Raton (FL) et par Dane Gallery (Nantucket, MA).

Anthony Schafermeyer has been a professional glass artist for fifteen years. He has taught extensively throughout the country including, but not limited to Pilchuck glass school (WA), Haystack Mountain School of Crafts (ME), and the Corning Museum of Glass (NY). Anthony has also lectured and demonstrated abroad, including The University of Segovia (Spain), Niijima Glass School (Japan), Gerrit Rietveld Academie of Art (Amsterdam), and Kittengela Glass (Kenya). Anthony has a studio in Millvale (PA), and is currently working on an installation project for the new Fairmont Hotel in downtown Pittsburgh. He is currently represented by Habatat Gallery in Boca Raton (FL) and Dane Gallery in Nantuckett (MA).

Anthony demo'ing at Espace Verre, photo: Patrick Fisher

Bonjour à tous et merci d’être venus,

Mon nom est Anthony Schafermeyer et je suis un travailleur de la construction à Pittsburgh en Pennsylvanie. J’ai débuté ma carrière dans la construction, après avoir reçu un diplôme en arts en 1992. Vous comprendrez, les études en arts sont très dispendieuses et j’avais accumulé une dette de 39,000$ en prêts étudiants. C’était donc beaucoup d’argent dépensé pour un diplôme sans valeur réelle. En fait, je n’étais pas qualifié pour grand-chose, même pas pour la construction. Mais la chance m’a sourit et j’ai été engagé comme ouvrier manuel par « Big » Mike Portagie. Il était, et est toujours, un plâtrier. Pas un simple poseur de plâtre, mais un vrai maître plâtrier; endurci et de la vieille école.

J’ai travaillé dans la construction par période intermittente durant les 20 dernières années comme plâtrier, plombier, charpentier, paysagiste et même élagueur d’arbres durant ma jeunesse à Boston. L’hiver dernier, j’ai travaillé comme plâtrier durant quatre mois. Je souffle le verre à l’occasion. Mon vieux patron « Big » Mike, m’appelait Monsieur Bibelot. Il disait « Je te donne un bon travail, un vrai boulot d’homme, et tu le fais juste assez longtemps pour avoir de l’argent pour faire plus de bibelots. Tu ne penses pas que le monde a assez de bibelots  » ? En fait, c’est très difficile pour moi de fabriquer des objets, de les vendre, de me nourrir et d’en faire d’autres. Certes, j’ai enseigné au Japon, j’ai fait des expositions solos à Stockholm, j’ai donné des conférences en Espagne et j’ai même déjà eu le record du plus grand nombre d’étudiants sur une liste d’attente à l’école Pilchuck. Mais j’ai aussi réparé des toits, isolé des sous-sols et débouché des toilettes, au nom de l’instinct de conservation.

Il serait malhonnête de ma part, de faire un long discours pour dire que je suis un très bon gars, surtout en ces temps précaires dans le domaine du verre. Dernièrement, j’ai réfléchi à l’instinct de conservation. Cette réflexion m’est venue suite à une conversation avec ma thérapeute. Et oui, je suis en thérapie! Elle me disait que tous les humains possèdent un instinct de conservation et que la plupart d’entre nous l’appliquons sans trop s’en rendre compte. Pour ma part, je travaille dans la construction pour me permettre de fabriquer des objets en verre. D’autres prennent le chemin des études. À chacun son chemin. Soyez assuré que la plupart d’entres-nous doivent faire des sacrifices pour y arriver.

Au cours des dernières années, avec la crise économique et l’effondrement vraisemblable du mouvement du verre, je constate une inquiétante tendance que l’on peut attribuer à l’instinct de conservation. C’est pour cela que j’aimerais que vous partiez de cette conférence avec un devoir d’introspection personnelle. Premièrement (partie A), dès que vous serez à la maison j’aimerais que vous vous demandiez ce que vous avez fait au cours des dernières années qui soit relié à l’instinct de conservation. Faites une liste de toutes les choses que vous avez faites pour maintenir votre rêve original. Deuxièmement (partie B), j’aimerais que vous vous demandiez si ce que vous avez fait était entièrement bon ou mauvais pour le domaine du verre. Ce que je propose est peut-être radical mais je crois que l’instinct de conservation n’est peut-être pas la meilleure des choses pour le verre et son avenir. Je sais très bien que plusieurs d’entre vous pensez que vous êtes une exception, comme je le pensais. Je vous assure que plusieurs d’entre vous ont tort.

Je ne dis pas que tous les verriers devraient travailler dans la construction, que mon cheminement est meilleur ou que j’ai la formule pour sauver le domaine du verre. Mais le travail dans la construction convient à mon tempérament et à ma mentalité. En réalité, ce que j’essaie de vous dire c’est que les verriers ont tendance à prendre la voie de la facilité en faisant des d’objets qui sont abordables, qui imitent des pièces plus dispendieuses, et ce afin de se maintenir et de payer leurs comptes; que se soit en tenant des activités d’une journée pour faire des presse-papiers en forme de citrouille, de cœur ou des boules de Noël. J’ai même entendu dire qu’il y avait des activités pour décorer son propre petit four où les gens payaient pour saupoudrer des tessons de verre colorés sur des masses de verre. Je soutiens que cette tendance est de mauvais goût et même inquiétante pour le domaine du verre, surtout lorsque que ces activités sont proposées par des institutions sans but lucratif.

Je n’ai jamais possédé d’atelier de verre à chaud. Après tout, c’est cher et je ne vends pas assez de pièces pour en avoir un. Toutes mes pièces ont été faites dans un atelier loué. J’ai eu tellement de liens avec des ateliers publics que je vous gage que mon chien a fréquenté plus d’ateliers que la plupart d’entre vous. Sans eux, je ne pourrais pas produire quoique ce soit. Je suis très reconnaissant de leur existence. Toutefois, il y a un « mais » parce que dernièrement, je commence à ressentir énormément de réticence à m’associer à un atelier qui annonce des cours avec la formule « faites-le vous-même ». J’ai un sentiment de rejet envers ces ateliers qui annoncent des cours « faites une coupe en une fin de semaine » lorsqu’il s’agit de coller des buvants préfabriqués sur des pieds branlants. D’après moi, plusieurs ateliers qui offrent ces cours, ne le font que parce qu’ils suivent leur instinct de conservation. Ils discréditent ainsi la notoriété du verre. Comment peut-on espérer vendre des pièces développées pendant plusieurs années, lorsque l’image du verre présentée au public consiste à saupoudrer des tessons sur des petits fours en verre faits en une fin de semaine ? Quelle chance avons-nous d’atteindre nos objectifs de produire et vendre des pièces importantes avec cette image ?

Au début du printemps, une société locale est venue visiter mon atelier. Je leur ai fait mon discours habituel sur moi, mes études, mes inspirations, etc. Après cela, j’ai guidé le groupe vers ma petite galerie, en espérant vendre quelque chose pour récupérer l’argent que je perdais en les recevant. Mais avant d’y arriver, le directeur de la société remettait aux membres des enveloppes pour solliciter des dons. C’est alors que j’ai réalisé qu’ils n’étaient pas venus pour m’encourager, mais plutôt pour s’encourager entre eux. Leur but était de supporter leur propre société des métiers d’art et non d’aider des artisans contemporains. Ils profitaient de moi. En ces temps précaires pour les artisans, ils étaient venus à mon atelier pour recevoir mon appui. Il faut alors se demander qu’est-ce qu’ils essayaient de protéger ?

Récemment, un atelier public d’art verrier m’a approché pour me demander un don. Je leur ai donné mon discours habituel que je ne faisais plus de don aux ateliers publics parce que j’étais en désaccord avec leur tendance de concentrer leurs activités sur des classes d’amateurs, tout en augmentant les coûts de location d’ateliers aux professionnels. Ils m’ont assuré que cet atelier changeait d’orientation, qu’il n’y avait plus de cours pour faire des presse-papiers et qu’ils faisaient des pieds et des mains pour aider les artisans professionnels. Trois semaines plus tard, un article a été publié dans le San Francisco Chronicle sur un maître verrier de 10 ans qui travaillait dans ce même atelier. Ses professeurs l’ont tous louangé comme étant un artisan extrêmement talentueux. Nous savons tous qu’un enfant de 10 ans n’est tout simplement pas assez grand physiquement pour souffler le verre. Merde, je ne suis même pas assez grand moi-même. Toute publicité n’est pas nécessairement bonne.

Que l’on veuille ou non, nous avons tous un côté pédagogique. Toutes les pièces ce que nous produisons sont acquises par des collectionneurs ou d’éventuels collectionneurs, des artistes ou d’éventuels artistes, mais surtout par des organismes sans but lucratif subventionnés et exemptés de taxes par l’état. Nous devons regarder vers ces endroits pour mieux nous connaître et en savoir plus sur ce que nous faisons. Qu’est-ce que nous leurs montrons ? Garth Clark écrit que nous sommes les seuls à blâmer puisque nous nous considérons en tant qu’artistes alors que nous ne le sommes pas. Sa solution serait de plutôt s’associer au milieu du design. Comment peut-on le faire lorsque la plupart de nos pièces design incluent des cœurs et des petits fours en verre ? Comment peut-on blâmer le public ou les collectionneurs ?  Regardez ce qu’on leur présente.

La première fois que mon père m’a vu travailler le verre, c’était il y a quelques années à St. Louis. Mon père est un col bleu et ne connait rien à l’art. Après ma démonstration et après avoir pris quelques bières, il m’a dit « Tu sais, je suis un peu soulagé. J’avais peur que tu fasses des petits animaux que l’on voit au centre commercial ». Comment est-ce qu’on nous appelle dernièrement ? En ces temps difficiles, nous nous appelons Monsieur et Madame Bibelot; Monsieur et Madame imitateur; Monsieur imitateur De Chihuly; Madame banale ou Monsieur Je fais exactement la même chose depuis 15 ans parce que cela se vend, mais je persévère pour l’art. Nous nous considérons comme des gens créatifs, alors n’y a-t-il pas quelqu’un qui pourrait trouver une meilleure solution afin de ne pas répéter les erreurs faites par le mouvement de la céramique ? Est-ce que c’est ça l’instinct de conservation ? Si c’est ça, alors qu’est-ce que nous conservons ? J’aurais tendance à penser que c’est le contraire puisque cela ne conserve pas le mouvement du verre dont je veux faire partie, encore moins les métiers d’art ou nos ambitions du début de notre carrière, de faire des pièces qui ont quelque chose à dire. Je crois que les petits fours saupoudrés n’aident pas notre cause.

Au lieu de se conserver, nous faisons le contraire puisque nous créons des pièces en verre qui n’ont pas de valeur et qui ne demandent aucune habileté ou réflexion. Garth Clark a peut-être raison ou tort. Je ne veux pas faire un débat sur ce qui est de l’art et ce qui est métier d’art. À la fin, ce qu’on pense de nous et de nos pièces n’importe pas, tant que nos institutions installeront des ateliers de verre à chaud sur des bateaux de croisières. Cela mes amis, vaut mille mots.

Dernièrement, j’ai cherché des livres sur le déclin du mouvement de la céramique dans les années 70 parce que je vois une corrélation qui pourrait nous permettre de tirer des leçons importantes. Les cafés céramique que l’on trouvait un peu partout sont semblables aux ateliers de verre financés par les municipalités. Je n’ai pas encore trouvé de livres sur l’effondrement du milieu de la céramique. Je suppose que personne n’a encore osé l’écrire. Cela a pris 20 ans pour s’en remettre, qui sait combien de temps cela va nous prendre ? J’ai une idée très simple. Nous devrions enseigner à tous ce que nous pouvons réaliser. Se laisser guider par les institutions que nous avons créées afin qu’elles prennent leurs responsabilités et s’affirment pour encourager la création de produits originaux et de qualité.

Maintenant, je suis sensé vous donner la bonne réponse, vous expliquer comment maintenir honorablement votre réputation. Malheureusement, je ne sais pas quoi vous dire. Ce n’est pas si grave car même Garth Clark, qui est plus intelligent que moi, ne donne pas de réponse durant ses conférences, du moins aucune réponse valable. En ce moment, je crois que c’est correct, puisqu’on est au stade d’identifier nos problèmes et de ne pas faire pire. Ceux qui ne connaissent pas l’histoire se condamnent à la revivre.  Et nous la répétons. Maintenant, je peux vous avouer ce que j’ai fait pour me conserver. J’ai construit un immense four de thermoformage pour faire des abat-jours. Depuis, je ne souffle presque plus le verre mais je suis bien avec ma décision. Je trouve que c’est plus facile de négocier avec des architectes qu’avec des galeristes et des collectionneurs. Ils savent ce qu’ils veulent et mettent l’accent sur l’originalité. Je produis encore mes œuvres sans me soucier de la vente. C’est très libérateur. En fait, j’ai abaissé mes exigences. Le verre architectural me convient pour le moment, tout en étant un défi technique. J’ai beaucoup plus appris sur le verre auprès de manufacturiers et de verriers commerciaux. En plus, on me paie à l’avance et même pour mes croquis.

Es-ce que le verre soufflé me manque ? Bien sur que oui, j’adore souffler. Certains vous diront que je suis un bon souffleur. Je refuse toutefois d’abaisser mes critères, mes efforts ou de sacrifier mon énergie pour produire quelque chose sans valeur. Je ne voudrais pas payer quelqu’un pour le faire non plus, surtout pas des institutions qui aiment les métiers d’art comme moi. Si on est passionné par la technique et qu’on respecte ses rêves, on trouve alors une façon qui n’est pas destructive de se conserver. Ce ne sont pas les postes de secrétaires qu’il faut conserver dans les organismes sans but lucratif, c’est le métier d’art.

Il y a un an et demi, mon ami David Levi m’a dit « Je pense qu’il faut tout laisser brûler et recommencer à zéro ». La semaine dernière, je lui ai demandé si tout avait brûlé, et il m’a dit que oui. Si c’est vrai, tant mieux. Commençons à rebâtir. C’est notre chance de démontrer ce que nous pouvons réellement faire.

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One Response to “Anthony Schafermeyer’s GAAC Conference Talk”

  1. James Harmon says:

    I recently spent some time with Anthony at Pilchuck, and read this transcript. I am quite impressed with Anthony for coming out with this talk, as it is something we are all concerned about.
    Mostly the health of the Art world and Glass within it. I am not sure we can avoid the ups and downs of a particular artistic endeavor. So much of our world is affected by what happens with the economy and through our support. Who buys what we make determines who gets to survive. Being proactive helps us each survive though the lean times, whether we are doing our work or not. I see us all looking for ways to join together to make it though these times, and in that something new may arise. I don’t see the hobby stuff as being our demise so much as a sign of the demise. But his point of not compromising one’s creative work just to stay working in the medium is a well put notion , and one I agree with.
    Anyway thanks Tony for starting this discussion!

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