MAD Artist Residency

June 30, 2016

Author: Kate Clements

After completing my MFA in Glass at Tyler School of Art in Philadelphia, I was selected to be a part of the Museum of Arts and Design Artist in Residency Program in New York City. The opportunity to transition from the world of academia to the ‘real’ world with a residency in New York was more than I could have hoped for. At MAD I worked in the studio one day a week for four months. The main element of the residency was the interaction of the artist with the public. Every week I would go to work, set up my studio process and open the door from 10AM until 5PM.

 

MAD Studio (2015) (Carli Beseau)

MAD Studio (2015) (Carli Beseau)

 

There were three important components for this residency to work. First was being efficient with time. Because of the open door policy, visitors would constantly stream through the studio. In order to produce work, I had to be able to multi-task.  I would arrive early, fire a kiln that would finish firing in the late afternoon and reload it with what I had worked on throughout the day.

 

Stain (2016) kiln fired glass 96”x 84”x 0.25” (Will Preman)

Stain (2016) kiln fired glass 96”x 84”x 0.25” (Will Preman)

 

By following this procedure, I knew I would have a finished physical object at the end of each day in studio. Second was being generous with my knowledge of artistic process. The only way to get work done was to make it in front of the visitors, which lead to answering questions of how I got from A to B. I would reveal exactly how each piece was made, which is not something you can tell just by looking at the work.

 

Stain Detail (2016) kiln fired glass 96”x 84”x 0.25” (Will Preman)

Stain Detail (2016) kiln fired glass 96”x 84”x 0.25” (Will Preman)

 

This leads to the last component: being able to discuss at length your own artistic theory to a wide audience who may have never studied art or met an artist before.

 

Sofa (2015) 40”x 96”x 48” vinyl treated upholstery, kiln fired beads, plastic beads, sequins, glue (Mike Fleming)

Sofa (2015) 40”x 96”x 48” vinyl treated upholstery, kiln fired beads, plastic beads, sequins, glue (Mike Fleming)

 

Having spent the two previous years in an academic bubble, it was refreshing to discuss my work with such a wide audience. The structure around the residency allowed for me to have an impact on a large and diverse group of people—even if only for a few minutes.

 

Beloved (2016) 48”x36”x 20” glass vitrine, funerary arrangements collected from funerals March 2016 in Philadelphia, (Antony Anderson)

Beloved (2016) 48”x36”x 20” glass vitrine, funerary arrangements collected from funerals March 2016 in Philadelphia, (Antony Anderson)

 

One of the most rewarding parts was when elementary students came through. Their lack of self-consciousness allowed them to ask the most direct and sometimes challenging questions in addition to showing the most awe and excitement about the artwork—something that seems to happen less as we get older.  What might not have been accomplished in physical work during the residency was outweighed by the platform provided by MAD.  This enabled me to engage with the public and introduce or broaden the dialog of what contemporary craft is to an audience that might have been unaware of its existence.

 

 

Author’s Biography:

Kate Clements is an artist whose primary material is kiln-fired glass. She was first introduced to glass in 2007 while working on her BFA at the Kansas City Art Institute and continued her focus by completing her MFA in Glass at Tyler School of Art, where she was awarded a University Fellowship.  She has shown nationally at venues including the DCCA in Delaware, Bullseye Glass Galleries in Portland, OR and the Bay Area, Sherry Leedy Contemporary in Kansas City, the Philadelphia Art Alliance and Pittsburgh Glass Center in Pennsylvania and the Bellevue Arts Museum in Washington State.

 

Her work explores a variety of mediums, including: glass, textile, sculpture and installation. She has completed residencies at the Charlotte Street Foundation in Kansas City and the Museum of Arts and Design in New York City and is the recent recipient of the S12 Glass Studio Residency in Bergen, Norway.

 

Résidence d’artiste au MAD

Auteur: Kate Clements

Après l’obtention de mon diplôme de maîtrise en beaux-arts en verre à la Tyler School of Art de Philadelphie, j’ai été choisie pour participer au programme d’artiste-résident du Museum of Arts and Design (MAD) à New York. Cette occasion de quitter le milieu universitaire pour une résidence dans le « vrai monde » à New York était au-delà de mes espérances. Au MAD, j’ai travaillé à l’atelier une journée par semaine pendant quatre mois. Puisque l’objectif principal de la résidence est l’interaction de l’artiste avec le public, chaque semaine, je me présentais à l’atelier, je m’installais et j’ouvrais les portes de 10 h à 17 h.

 

MAD Studio (2015) (Carli Beseau)

MAD Studio (2015) (Carli Beseau)

 

Trois éléments étaient importants pour que cette résidence porte fruit. L’efficacité était le tout premier. Étant donné la politique de portes ouvertes, les visiteurs allaient constamment défiler dans l’atelier. Pour réussir à produire quelque chose, je devais donc être en mesure d’accomplir plusieurs tâches en même temps. J’arrivais tôt le matin, j’allumais le four qui ne serait prêt qu’en fin d’après-midi, moment où j’y placerais les pièces sur lesquelles j’avais travaillé pendant la journée.

 

Stain (2016) kiln fired glass 96”x 84”x 0.25” (Will Preman)

Stain (2016) kiln fired glass 96”x 84”x 0.25” (Will Preman)

 

En suivant cette routine, je savais que j’aurais un objet physique terminé à la fin de chacune de mes journées à l’atelier. Le deuxième élément important était la générosité – je me devais de partager mes connaissances du processus artistique. La seule façon de réussir à produire quelque chose était donc de le faire en présence des visiteurs et de répondre à leurs questions. Je leur révélais donc comment chaque pièce avait été faite, puisqu’on ne peut pas deviner le processus uniquement en regardant l’œuvre finale.

 

Stain Detail (2016) kiln fired glass 96”x 84”x 0.25” (Will Preman)

Stain Detail (2016) kiln fired glass 96”x 84”x 0.25” (Will Preman)

 

Cela mène au troisième élément : la communication. Je devais être en mesure de discuter en détail de ma propre théorie artistique avec un large public n’ayant peut-être jamais étudié les beaux-arts ou même rencontré un artiste auparavant.

 

Sofa (2015) 40”x 96”x 48” vinyl treated upholstery, kiln fired beads, plastic beads, sequins, glue (Mike Fleming)

Sofa (2015) 40”x 96”x 48” vinyl treated upholstery, kiln fired beads, plastic beads, sequins, glue (Mike Fleming)

 

Puisque je venais de passer les deux dernières années dans un cocon universitaire, c’était rafraîchissant de pouvoir discuter de mon travail avec un auditoire aussi varié. La structure du programme de résidence m’a permis de toucher, ne serait-ce que pour quelques minutes, des groupes variés de gens.

 

Beloved (2016) 48”x36”x 20” glass vitrine, funerary arrangements collected from funerals March 2016 in Philadelphia, (Antony Anderson)

Beloved (2016) 48”x36”x 20” glass vitrine, funerary arrangements collected from funerals March 2016 in Philadelphia, (Antony Anderson)

 

Certains de mes moments les plus gratifiants étaient les visites d’élèves du primaire. Leur absence de gêne leur permettait de me poser des questions directes et parfois même complexes et d’exprimer toute leur excitation et admiration devant une œuvre – cette capacité qui me semble se perdre avec l’âge! Ce que je n’aurais pas pu accomplir en travail physique pendant le temps de résidence a été compensé par la plateforme que m’a fournie le MAD. J’ai pu échanger avec le public et initier ou étoffer le dialogue sur les métiers d’arts contemporains avec un auditoire ne connaissant peut-être pas leur existence.

 

Biographie  de L’auteur:

Kate Clements est une artiste qui travaille d’abord et avant tout le verre thermoformé. C’est en 2007, dans le cadre de son baccalauréat en beaux-arts au Kansas City Art Institute qu’elle a été initiée au verre et elle a poursuivi dans cette direction en complétant ses études de maîtrise en beaux-arts à la Tyler School of Art, qui lui a accordé une bourse universitaire. Elle a exposé ses œuvres dans divers centres et galeries aux États-Unis, dont le DCCA au Delaware, les galeries Bullseye Glass en Oregon (Portland) et en Californie (Bay Area), au centre Sherry Leedy Contemporary de Kansas City, à la Philadelphia Art Alliance et au Pittsburgh Glass Center en Pennsylvanie, ainsi qu’au Bellevue Arts Museum dans l’État de Washington.

 

Son travail explore une foule de médiums et de moyens d’expression : le verre, le textile, la sculpture et l’installation. Elle a effectué des résidences à la Charlotte Street Foundation de Kansas City et au Museum of Arts and Design de New York et elle a récemment été admise au programme de résidence du S12 Glass Studio de Bergen en Norvège.

 

 

 

 

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Cataloguing the North Lands Creative Glass Collection

March 15, 2016

by Jamie Gray

 

 

I’ve been travelling to Lybster in northern Scotland for about ten years now to volunteer during the North Lands’ masterclasses and conferences.  My goal has been to generally try to make myself useful and, in this action of general gopher, I’ve learned a lot.  It was about four years ago that studio manager, Michael Bullen, and I got talking about how much we admire things well-organized and how the growing accumulation of art glass in all corners and attics of the studio and office—left as gifts by masters, students and residents—needed some serious TLC.  The various pieces were badly in need of proper identification and safeguarding.  About half of what was stacked here and there was catalogued to some extent, mostly for the sake of a North Lands publication done about ten years ago.  But it all needed firming up.  Add to that about a hundred pieces that had no identification except in the memory of the staff, which lived in real danger of becoming incorrectly attributed.  And, of top priority, a dedicated space was needed for safe storage of the work.

 

This big chunk of furnace glass, broken out of a cold crucible, is one of my favourite “accidental,” non-artist-attributable pieces. Photo:  J.Gray

This big chunk of furnace glass, broken out of a cold crucible, is one of my favourite “accidental,” non-artist-attributable pieces.
Photo: J.Gray

 

Being not only an organizational freak, but also one trained to handle glass in all its forms, for the love of North Lands and glass generally, I offered my volunteer services as archivist.  So, in the summer of 2012, I started to wade through the piles of dusty boxes, crates and bubble-wrapped objects.  Over the next couple of summers, a few weeks here, a few there, I slowly tackled the job until it started to gain cohesion.  Of great importance, purpose-built shelving was set up by Michael in the studio office attic—safe and dry—and this meant that the glass could be stored up off of the floors.

Cataloguing the collection has involved correctly attributing the maker of each piece and the year made, assessing any damages, determining the technique used, measuring each piece, giving each an insurance value and taking a decent photo against a clean backdrop.  All the details have been put together into both an electronic version and hard-copy paper version.  Each piece was cleaned prior to photographing, followed by boxing each up for the shelving provided.  To date, the catalogue is made up of just over 200 pieces and is growing yearly.

 

02.Hot-sculpted and cold-worked piece by Richard Jolley. Photo:  J.Gray

Hot-sculpted and cold-worked piece by Richard Jolley.
Photo: J.Gray

 

Archiving the glass continues today.  This is because artists from all over the world—students, artists-in-residence and masters—continue to visit North Lands to explore processes and techniques and they often generously donate work to the collection, all of which must be catalogued in.

 

Hot-sculpted and flameworked pieces by James Maskrey. Photo:  J.Gray

Hot-sculpted and flameworked pieces by James Maskrey.
Photo: J.Gray

 

In the process of cataloguing, we’ve discussed an important question:  what types of pieces should comprise this collection?  To answer, it’s not all master work, nor even all completed pieces.  As well as master work, which would be valued in any gallery or museum, there is student work, test pieces, class collaborations and donations.  As well as glass art in all techniques, there are drawings, photos, video, installation pieces and mixed media.  Much of it is suitable to exhibit, so the catalogue assists gallery curators to make preliminary selections electronically, narrowing down choices before they visit to make final selections.  Much important history, not only of North Lands but of studio glass itself, exists in the form of the many hundreds of photos and videos yet to be organized.

 

Kiln-formed piece by David Reekie, done as a class demo and attributed this way in the catalogue. Photo:  J.Gray

Kiln-formed piece by David Reekie, done as a class demo and attributed this way in the catalogue.
Photo: J.Gray

 

North Lands Creative Glass is entering its 20th year of serving the world-wide glass community and that’s worth celebrating in a big way.  I’ve been glad to be a small part of it over the years and extremely grateful that the staff have given me some sweet, rare opportunities.  It’s been an indescribably rich gift to have been able to have my hands all over master work by glass geniuses whose work and practices I revere.  I’ve also gotten to have a first-hand look at the work of young artists in the glass world who are clearly up-and-coming, as well as closely examine work made using new techniques and those are both very exciting.

 

“Flash glass” copper-wheel engraving of Jiří Harcuba by April Surgent. Photo:  J.Gray

“Flash glass” copper-wheel engraving of Jiří Harcuba by April Surgent.
Photo: J.Gray

 

The cataloguing of this collection means, in my opinion, that the glass world can breathe a collective sigh of relief because what is becoming a very important documentation of a particular period of time in the age of studio glass worldwide is both more secure and more accessible to those who will wish to study it in the future.  The foundation is well laid and waiting for others to add to it.

 

Jamie Gray is a Calgary glass artist with a BFA (Glass) from Alberta College of Art + Design, currently completing an MFA (Glass) at the University of Edinburgh.

 

 

 

L’inventaire de la Collection de Verre de North Lands Creative Glass

par Jamie Gray

 

 

Cela fait près de 10 ans maintenant que je me rends à Lybster, au nord de l’Ecosse, pour participer bénévolement aux cours et aux conférences donnés par North Lands. Je le fais dans l’idée de donner un coup de main pour tout type de tâches, et j’en suis à chaque fois ressortie gagnante. Il y a environ quatre ans, en évoquant avec Michael Bullen, responsable de l’atelier, notre goût commun pour les choses bien rangées, nous sommes tombés d’accord sur le fait que la multitude d’objets en verre entassée dans les coins et recoins de l’atelier et des bureaux aurait besoin d’un sérieux rangement. Il fallait inventorier ces pièces variées – laissées en cadeaux par les différents maitres, étudiants et résidents de passage- et les mettre en sécurité. Près de la moitié des objets disposés par ci, par-là,  avaient déjà été catalogués, essentiellement pour une ancienne publication de North Lands datant de plus de dix ans. Mais il fallait y mettre un peu plus d’ordre. Ajoutez à cela une centaine de pièces ayant pour seule identification la mémoire du personnel avec un risque accru d’être réattribuées à tort. Et puis surtout, il fallait installer un espace de stockage pour les mettre en sécurité.

 

Ce gros morceau de verre fondu, cassé pour être extrait d’un creuset froid, est probablement l’une de mes pièces préférées dans la catégorie « accidentellement réalisé sans artiste». Photo: J.Gray

Ce gros morceau de verre fondu, cassé pour être extrait d’un creuset froid, est probablement l’une de mes pièces préférées dans la catégorie « accidentellement réalisé sans artiste».
Photo: J.Gray

 

Comme je suis de nature plutôt maniaque et habituée à manier le verre sous toutes ses formes, par amour de North Lands et du verre en général, je me suis portée volontaire pour faire l’inventaire. C’est donc pendant l’été 2012 que j’ai commencé à vadrouiller entre les piles de boites poussiéreuses et les objets emballés de papier à bulle. Revenant une semaine par ci, une semaine par-là les étés suivants, j’ai graduellement accompli ce travail jusqu’à ce que l’on y voie un peu plus clair. Point essentiel, Michael avait fait installer des étagères exprès, permettant de ranger le verre en hauteur, en sécurité et au sec.

Pour répertorier correctement toute la collection, il a fallu retrouver le bon auteur pour chaque pièce avec l’année de sa création, évaluer les dégâts éventuels, la technique employée, la valeur pour l’assurance, prendre les mesures, et pour finir faire une belle photo sur un fond propre. Toutes ces informations ont été mises à la fois sur un support électronique et sur un document papier.  Chaque élément a été nettoyé avant d’être photographié, puis emballé et rangé sur l’étagère prévue à cet effet. A ce jour, le catalogue comporte près de 200 objets et s’agrandit chaque année.

 

02.Pièce sculptée à chaud et travaillée à froid par Richard Jolley. Photo: J.Gray

Pièce sculptée à chaud et travaillée à froid par Richard Jolley.
Photo: J.Gray

 

Cet archivage du verre se poursuit encore aujourd’hui, car des artistes du monde entier – étudiants, artistes résidents et maitres – se rendent à North Lands afin d’explorer les procédés et les techniques. Bien souvent, ils font cadeau d’une de leur création à la collection, qui doit alors être cataloguée.

 

03.Pièces sculptées à chaud et réalisées au chalumeau par James Maskrey. Photo:  J.Gray

 Pièces sculptées à chaud et réalisées au chalumeau par James Maskrey.
Photo: J.Gray

 

Pendant le classement, une question est alors survenue: de quels genres de pièces se compose la collection ? Car toutes ne sont pas des pièces de maitres, ni des réalisations achevées. Certaines sont des œuvres de maitres, qui auraient leur place dans n’importe quelle galerie ou musée, mais d’autres proviennent du travail des étudiants, de tests, de réalisations de groupes ou de donations. En plus des réalisations en verre par de multiples techniques, on trouve également des dessins, photos, vidéos, et autres objets d’installation en matériaux divers. Comme la majorité peut être exposée, le catalogue électronique facilite la tâche aux conservateurs des galeries pour faire une première sélection. Cela permet de restreindre les choix avant de venir voir les pièces pour décider de l’assortiment final. Des centaines de photos et de vidéos, qui reconstituent l’histoire de North Lands et de son atelier verrier, attendent d’être classées à leur tour.

 

04.Pièce réalisée au four par David Reekie, faite en démonstration pour une classe et classée en tant que tel dans le catalogue. Photo:  J.Gray

Pièce réalisée au four par David Reekie, faite en démonstration pour une classe et classée en tant que tel dans le catalogue.
Photo: J.Gray

 

Cela fera vingt ans cette année que North Lands Creative Glass contribue par sa présence à la communauté internationale du verre, et ça se fête. J’ai été ravie d’en faire un tout petit peu partie au cours de ces dernières années, et je suis très reconnaissante auprès du personnel de m’avoir donné ces opportunités rares et réjouissantes. Pouvoir manipuler ces précieux objets, réalisés par des génies du verre dont j’admire le travail et les œuvres, a été un moment formidable. J’ai aussi posé les mains pour la première fois sur le travail de jeunes artistes montants du monde du verre et examiné de très près certaines techniques novatrices. Tout cela fut passionnant.

 

Verre “Flash glass” gravé à la roue en cuivre de Jiří Harcuba par April Surgent. Photo:  J.Gray

Verre “Flash glass” gravé à la roue en cuivre de Jiří Harcuba par April Surgent.
Photo: J.Gray

 

Le fait d’avoir inventorié cette collection signifie, à mon sens, que le monde du verre peut se rassurer. Ce qui est en train de devenir un élément très important de documentation sur une période spécifique dans l’évolution du verre en atelier dans le monde, est à la fois plus accessible et plus sécurisé, pour ceux qui souhaiteront l’étudier à l’avenir. Les bases sont solides et n’attendent plus qu’une chose, que l’on construise dessus.

 

Jamie Gray est une artiste du verre de Calgary qui possède un BFA en verre de l’Alberta College of Art + Design, et qui poursuit actuellement ses études pour un Master en verre à l’Université d’Édinbourg.

 

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Ramon Orlina: A Visit to Museo Orlina

by Stephanie Baness

 

 

In Tagaytay City, Luzon, Philippines, perched on the side of a volcanic ridge overlooking Taal Lake, is the Museo Orlina. I am on the rooftop deck of the Museo Orlina on a hot day in August, but the cool breezes keep me comfortable as I marvel at the view of a lake within a volcano within a lake within a volcano.  (Yes, you read that correctly).

 

While other tourists are here to enjoy this natural marvel, I came to see the work of Ramon Orlina, the renowned Filipino glass artist.  Orlina originally studied architecture but moved to glass sculpture: carving and sawing optic glass and crystal to create abstract and figurative sculptures.  Although his gallery contains a variety of pieces, it is only a small sampling as he is represented by several galleries and does large-scale works that are scattered throughout the country.  He is well-known in Asia, if not North America.

 

As I return to the cool interior of the multi-level gallery, I am amazed by the amount of art that is displayed in the former townhouse.  Orlina not only shows his work, but also displays other artists in the multi-storied building, which includes an outdoor performance space and a lower garage that houses two hand-painted cars.

 

Orlina’s glass sculptures interact well with the space.  The changing of the abundant natural light, combined with the monochromatic color of the glass sculptures, creates the illusion that the glass is alive.  The figures that are carved into the glass appear to watch me as I move about the space.  As the light changes, new details are revealed, which compel me to spend time studying the pieces.

 

 

The pieces in the gallery representing Orlina’s work include:

 

“Anna – 06,” a curvaceous abstract sculpture that suggests the female form in a sensuous manner.  The texture of the glass is lightly frosted, further emphasizing the softness that is associated with women.  Orlina creates depth in the sculpture through his surface treatment and play on positive and negative space.

 

Orlina, Ramon. Anna 06 (2006), Carved asahi glass, 48 cm x 38 cm x 20 cm. (Stephanie Baness) 02.Orlina, Ramon. Detail of Anna 06 (2006), Carved asahi glass, 48 cm x 38 cm x 20 cm. (Stephanie Baness) 03.	Orlina, Ramon. Virgin and Child (2006), Carved asahi glass, 73 cm x 47 cm x 32 cm. (Stephanie Baness) 04.	Orlina, Ramon. Rich Harvest in Banaue (2012), Carved amber crystal, 131 cm x 180 cm x 80 cm. (Stephanie Baness) 05.	Orlina, Ramon. Golden Harvest in Banaue (2012), Carved amber crystal, 37 cm x 35 cm x 20 cm. (Stephanie Baness) 06.	Orlina, Ramon. Virgen Maria (2007), Carved asahi glass, 28 cm x 24 cm x 13 cm. (Stephanie Baness) 07.	View from Musee Orlina (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Anna 06 (2006), Carved asahi glass, 48 cm x 38 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

 

Orlina, Ramon. Detail of Anna 06 (2006), Carved asahi glass, 48 cm x 38 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Detail of Anna 06 (2006), Carved asahi glass, 48 cm x 38 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

 

Similar to “Anna – 06,” “Virgin and Child” is carved using long fluid lines but is finished with a highly reflective surface.  When viewed, the child is slowly revealed, like a hidden treasure.  Because it is placed in a window, the sculpture reflects the surrounding scenery, adding the landscape as another dimension to the piece.

 

Orlina, Ramon. Virgin and Child (2006), Carved asahi glass, 73 cm x 47 cm x 32 cm. (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Virgin and Child (2006), Carved asahi glass, 73 cm x 47 cm x 32 cm. (Stephanie Baness)

 

In sharp contrast to the female forms of “Anna – 06” and “Virgin and Child” are the sculptures of the Banaue Rice Terrace series.  In the sculpture, “Rich Harvest in Banaue,” 81 angular amber glass forms jut upward on a lighted five-tiered metal base, emulating the terraced rice fields of Banaue in the Philippines.  Light illuminating the glass enhances the amber hue that is synonymous with harvest.  The individual pieces are shaped like gemstones or crystals, highlighting the value of a harvest in a metaphoric way.

 

Orlina, Ramon. Rich Harvest in Banaue (2012), Carved amber crystal, 131 cm x 180 cm x 80 cm. (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Rich Harvest in Banaue (2012), Carved amber crystal, 131 cm x 180 cm x 80 cm. (Stephanie Baness)

 

“Golden Harvest in Banaue” is also part of the series but is much smaller in size.  Placed on a lit base, the work captures the feeling of the stepped terrace, but in a subtler manner.  Saw marks direct the eye through the piece and seem to recreate plants blowing in the wind.  The transparency of the glass allows the eye to be lead to the multiple layers of the piece, as if marching up steps.  The presence of the saw marks also captures the handmade aspect of the rice steppes – not natural, but created by man.

 

Orlina, Ramon. Golden Harvest in Banaue (2012), Carved amber crystal, 37 cm x 35 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Golden Harvest in Banaue (2012), Carved amber crystal, 37 cm x 35 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

 

A piece that intrigued me was the “Virgen Maria.” Although it is seemingly simplistic in nature, it invoked the biggest response in me.  The piece is constructed of green glass and completed with a frosted and textured surface.

The face is calm, serene, and watchful.  However, as I walked about the room, the eyes seemed to follow me.  No matter from what angle I viewed the piece, the eyes appeared to be looking at me.

 

Orlina, Ramon. Virgen Maria (2007), Carved asahi glass, 28 cm x 24 cm x 13 cm. (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Virgen Maria (2007), Carved asahi glass, 28 cm x 24 cm x 13 cm. (Stephanie Baness)

 

The Museo Orlina is a fantastic place to spend an hour or two.  Ramon Orlina’s work is sophisticated, complex and demands multiple views.  I would highly recommend seeking out his work if the opportunity presents itself.

 

If you wish to visit, Museo Orlina is located about an hour’s drive outside of Metro Manila in Tagaytay City.  For a map and additional information, please check out the website: http://www.museo-orlina.org

 

View from Musee Orlina (Stephanie Baness)

View from Musee Orlina (Stephanie Baness)

 

Stephanie Baness is originally from Chicago, IL.  She attended Sheridan College in Oakville, ON and is in the beginning stages of expanding her glass practice.  Whenever she travels, she hunts for glass-related activities to attend.

 

 

 

 

Ramon Orlina: Visite du Museo Orlina

par Stephanie Baness

 

 

Le Museo Orlina se situe dans la ville de Tagaytay, à Luzon aux Philippines, perché sur le flanc d’un coteau volcanique qui donne sur le lac Taal. Je suis sur la terrasse du toit du musée par une chaude journée du mois d’aout et un petit vent me rafraichit juste assez pour pouvoir admirer la vue de ce lac dans un volcan, qui est lui-même dans un lac dans un volcan. (Oui, vous avez lu correctement).

 

Alors que d’autres touristes sont juste venus apprécier cette merveille de la nature, je suis venue pour voir le travail de Ramon Orlina, artiste verrier Philippin de renom. Orlina a d’abord étudié l’architecture pour se porter plus tard vers la sculpture du verre : il grave et scie du verre optique et du Crystal et crée ainsi des sculptures abstraites et figurées. Bien que sa galerie comporte une grande variété d’œuvres, ce n’est qu’en fait un petit échantillon. Il est également exposé dans plusieurs autres galeries et réalise des œuvres de grande échelle visibles à travers le pays. Il est aussi connu en Asie, et parfois même, en Amérique du Nord.

 

Retournant au frais à l’intérieur de la galerie de plusieurs étages, je suis impressionnée par la quantité d’œuvres exposées dans cette ancienne bâtisse. Orlina n’y montre pas seulement son travail mais expose aussi d’autres artistes dans ce vaste bâtiment. Il y a même des espaces extérieurs aménagés et un sous-sol où deux véhicules peints à la main sont exposés.

 

Les sculptures en verre d’Orlina interagissent bien avec leur environnement. La couleur monochromatique du verre jumelée avec cette lumière extérieure changeante qui abonde, donne l’illusion que le verre prend vie. Les motifs gravés dans le verre semblent me surveiller tandis que je me déplace autour des sculptures. Lorsque la lumière change, de nouveaux détails apparaissent et m’obligent à leur consacrer plus de temps d’observation.

 

Les œuvres d’Orlina présentées dans la galerie comprennent :

 

“Anna – 06,” une sculpture abstraite aux courbes généreuses suggérant une silhouette féminine sensuelle. La texture du verre est légèrement dépolie, ce qui souligne encore la douceur associée à l’image de la femme. Orlina crée de la profondeur dans la sculpture au travers du traitement de la surface et joue sur les espaces positifs et négatifs.

 

Orlina, Ramon. Anna 06 (2006), Verre sculpté asahi, 48 cm x 38 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Anna 06 (2006), Verre sculpté asahi, 48 cm x 38 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

 

02.Orlina, Ramon. Detail of Anna 06 (2006), Verre sculpté asahi, 48 cm x 38 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

02. Orlina, Ramon. Detail of Anna 06 (2006), Verre sculpté asahi, 48 cm x 38 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

 

Semblable à  “Anna – 06,” “Virgin and Child” est sculpté en utilisant de longues lignes fluides qui se terminent par une surface très réfléchissante. En observant, l’enfant se révèle doucement, tel un trésor caché. Placée dans l’embrasure d’une fenêtre, la sculpture reflète aussi le paysage environnant, ce qui ajoute une dimension supplémentaire à l’œuvre.

 

03.Orlina, Ramon. Virgin and Child (2006), Verre sculpté asahi, 73 cm x 47 cm x 32 cm. (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Virgin and Child (2006), Verre sculpté asahi, 73 cm x 47 cm x 32 cm. (Stephanie Baness)

 

Les sculptures de la série Banaue Rice Terrace contrastent brutalement avec les formes féminines de “Anna – 06” et de “Virgin and Child”. Dans la sculpture

“Rich Harvest in Banaue,” 81 formes anguleuses et saillantes en verre ambré partent d’une structure métallique légère de 5 niveaux, suggérant les rizières de Banaue aux Philippines. La lumière éclairant la pièce met en valeur la teinte ambrée qui symbolise les récoltes. Toutes les pièces sont façonnées comme des cristaux de pierres précieuses, ce qui souligne de façon métaphorique la valeur des récoltes.

 

Orlina, Ramon. Rich Harvest in Banaue (2012), Crystal ambré sculpté, 131 cm x 180 cm x 80 cm. (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Rich Harvest in Banaue (2012), Crystal ambré sculpté, 131 cm x 180 cm x 80 cm. (Stephanie Baness)

 

“Golden Harvest in Banaue” fait partie de cette même série dans une taille beaucoup plus petite. Placée sur un socle éclairé, l’œuvre capture de façon subtile l’échelonnement de ces terrasses superposées. Des traces de découpe attirent l’œil au travers de la sculpture et semblent recréer des plantes qui dansent dans le vent. La transparence du verre permet de découvrir toutes les couches de la pièce comme si l’on gravissait des marches. Les marques de sciage évoquent également cet aspect « fait main » des rizières, c’est-à-dire créé par l’homme et de façon non-naturelle.

 

Orlina, Ramon. Golden Harvest in Banaue (2012), Crystal ambré sculpté, 37 cm x 35 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Golden Harvest in Banaue (2012), Crystal ambré sculpté, 37 cm x 35 cm x 20 cm. (Stephanie Baness)

 

“Virgen Maria” est une pièce qui m’a intriguée. Bien que simple d’apparence, elle a suscité en moi une vive réaction. L’œuvre est réalisée à partir de verre vert et complétée par une surface dépolie et texturée.

Le visage est calme, serein et attentif. Mais lorsqu’on se déplace à travers la pièce, les yeux semblent nous suivre. Qu’importe l’angle dans lequel je me trouvais, les yeux ont toujours eu l’air de m’observer.

 

Orlina, Ramon. Virgen Maria (2007), Verre sculpté asahi, 28 cm x 24 cm x 13 cm. (Stephanie Baness)

Orlina, Ramon. Virgen Maria (2007), Verre sculpté asahi, 28 cm x 24 cm x 13 cm. (Stephanie Baness)

 

Le Museo Orlina est un endroit fabuleux pour s’y promener une ou deux heures. Le travail de Ramon Orlina est sophistiqué, complexe et requiert d’être regardé de plusieurs façons. Je vous recommande vivement d’aller découvrir ses œuvres si vous en avez l’occasion.

 

Si vous souhaitez le visiter, le Museo Orlina est situé à environ une heure de route de Metro Manila à Tagaytay City.  Pour obtenir un plan et des informations supplémentaires, vous pouvez vous rendre sur le site internet: http://www.museo-orlina.org

 

Vue du Museo Orlina (Stephanie Baness)

Vue du Museo Orlina (Stephanie Baness)

 

Stephanie Baness est originaire de Chicago, IL. Elle a étudié au Sheridan College à Oakville, ON et commence à présent à développer sa pratique du verre. Lorsqu’elle voyage, elle est toujours à la recherche d’activités en lien avec le verre.

 

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The Story of Glass India – A Conversation with Norman Faulkner

by Diana Fox

 

 

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Of all the contributions Norman Faulkner has made to the world of contemporary glass art, perhaps the one he is best known for is the documentary Glass India.  Though only one-half hour in length, it is a fascinating look into how minimalist, yet efficient, a massive glass production facility can be.  Full of images of glassblowers tossing blowpipes of hot glass through the air, it is an exquisite look at how organized mayhem can be and a lesson for any glassblower about how beautiful work can still be made with the most minimal of resources.

 

Like so many things Norman has done, Glass India came about a bit by accident. “I’d took a year off from teaching at ACAD and I was in school in England. The sculpture department brought these guys in from India that did this casting process that was just really cool – like a lost wax casting.  And they’d make these little wax things and then they’d pack their own kind of mould mixture around it made out of like, clay, cow shit and sawdust. They packed it around it and they’d build a little neck and kind of an egg and they’d put a piece of bronze in it and finish the egg and then let it dry.  Then they’d put it in the fire and get the fire really hot, with the egg down, and when the wax had all burned out, they’d reach in with two green sticks and turn it over and the bronze would go down.  Like a one-step thing. And I thought, that is so cool.”

 

While on a break from school, Norman and his wife, Marie De Roy, took a trip to India in the hopes of finding the studio these artists worked out of.  “So I was looking for that and I didn’t find them. But in a market one day I saw this paperweight, it was just a little, simple little paperweight, pressed into a little mould.  And there’s an elephant on it and it looked like it was made in India, so I said, well, where do they do this?  And finally somebody said the town that they did it and we just went there.”

 

The town was Firozabad, India.  Located in northern India, Firozabad has a long history of glass production and is widely regarded as the major glass centre in the country.  After arriving in Firozabad and asking around, Norm and Marie were able to find someone to take them into the factory to look around.  “The guy took us in and I took a few photographs and we left and went back to England.  But when I looked at the pictures I thought, holy mackerel!”

 

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Realizing how valuable this could be to his students back in Canada, Norm determined that he would need to return to India to document the factory, which he did.  “I’d bought a video camera in Hong Kong, on my way to India.  So we went in the back door and all the workers went nuts and they were showing off and doing all this stuff that’s in that first scene in Glass India … so we got all this video and then we asked somebody and they took us to a factory owner and I showed him my work and I had a letter and we did all this stuff and he arranged an actual tour.”

 

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Upon his return to Canada, Norm then had the task of going through all the footage to turn it into some semblance of something to show to his students.  “When I came back, the school had bought this editing suite for High 8 – state of the art at the time,” he tells me with a laugh.  “So I thought, well that looks like fun, so Marie and I sat and put the tapes in and spit out Glass India.”

 

Spit out is an amusing take on what in the end is an exhilarating look at a bare-bones glass production facility, for the images of Glass India are astounding.  The factory is full of men working, seemingly on top of each other, each with their own specific job: gathering, shaping, blowing.  Punties and blowpipes are literally thrown through the air, even with hot glass on them.  But despite the seeming disorganization, the factory is, in fact, anything but disorganized.  To the outsider it may appear terrifying, but after a few minutes of watching, it is clear that timing is everything and despite all the seeming chaos of the factory, it runs like a well-oiled machine.  It does not appear like any glass production facility that would be familiar to us in Canada and this was the reason why Norm was so excited to show the footage to his students.

 

“I just thought if I could see these guys working like this it would be really nice to make video of it and it’s nice for other people to see it.  But it wasn’t like … I don’t consider myself a filmmaker.  You know, I make videos, I think because there’s common interest among glass people, but I mean, if you want to make money as a filmmaker, you don’t make glass movies – you would die of starvation.  But, you know, if you like glass and if other people like glass, the chances are, if you do something about it, there will be some people who are interested in it.  And the Glass India was just – even when we were making it and giving it a title and editing it, you know, tightened it up and put in stuff – it was still only for my students.”

 

Despite his desire to share the footage with his students, Glass India did take on a bit of a life of its own.  “I happened to show it to somebody who sold glass books and he said, “I’ll sell it,” and so I made copies of it and, all of a sudden, everybody had seen it, ‘cause they were showing it to every student – like every student who went to Pilchuck was seeing it.”

 

It is this that makes Glass India one of the things that Norm’s career is best known for.  As much as his desire was to share images of glass with other people who may be interested, it is apparent that the interest spreads across the globe.  This idea isn’t lost on Norm, as he tells me, “I remember being at a glass conference and I was talking to Josh Simpson and these people came along from Japan and he knew them and he said, “oh this is Norman Faulkner,” and they said, you know, “hi,” and then he said, “he made Glass India,” and they went, “Oooh!  Glass India!  Oooh!”

 

Diana Fox graduated from the Alberta College of Art + Design in 2010.  She has been the Social Media Coordinator for GAAC since that same year.

 

 

 

L’histoire de Glass India – Conversation avec Norman Faulkner

par Diana Fox

 

 

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De toutes les contributions apportées par Norman Faulkner à l’univers du verre contemporain, la plus connue est probablement son documentaire intitulé Glass India. Bien qu’il ne dure que 30 minutes à peine, il apporte un regard fascinant sur le fonctionnement précaire, et pourtant efficace, d’une usine de production de verre. Riche en images de souffleurs de verre levant haut leurs cannes, il offre un aperçu délicieux de cet incroyable bazar organisé. C’est aussi une belle leçon pour tout souffleur de verre, en prouvant que de magnifiques choses peuvent  être créées avec très peu de moyens.

 

Comme la plupart des réalisations de Norman, Glass India est arrivé un peu par hasard. « J’avais pris une année sabbatique pendant mon enseignement à l’ACAD pour me rendre dans une école en Angleterre. Un jour, le département Sculpture a invité des gars venus d’Inde qui travaillaient avec des moulages et ça avait l’air rigolo, un peu comme le procédé de la cire perdue.  Ils ont fait leurs petits trucs en cire, ils les ont entourés d’un mélange qu’on aurait dit fait à base d’argile, de bouse de vache et sciure. Ils l’ont  tassé autour et ont fait un goulot avec un genre d’œuf au bout, puis ils ont disposé un morceau de bronze à l’intérieur de l’œuf et ils l’ont fermé pour le laisser sécher. Ensuite, ils ont tout mis dans le feu, température à fond avec l’œuf vers le bas, et quand la cire a eu fini de brûler, ils ont attrapé le tout avec deux baguettes vertes et l’ont retourné pour que le bronze descende. Tout en une seule étape, je me suis dit : c’est génial. »

 

Les vacances venues, Norman et sa femme Marie de Roy sont partis en Inde dans l’espoir de retrouver l’atelier d’où provenaient ces artistes. « Je me suis mis à leur recherche mais je ne les ai pas retrouvés. Un jour sur un marché, j’ai vu ce presse-papier tout simple, fait dans un petit moule. Il y avait un motif d’éléphant dessus qui avait l’air d’être fait en Inde, alors je me suis demandé : mais où fabriquent-ils donc cela ? Quelqu’un a fini par m’indiquer la ville d’où l’objet provenait et nous nous y sommes rendus. »

 

La ville s’appelait Firozabad. Située dans le nord de l’Inde, elle a un long passé commun avec la production de verre et est considérée comme une référence centrale du verre dans le pays. Une fois arrivés à Firozabad, Norm et Marie se sont renseignés et ont convaincu quelqu’un de les accompagner à l’usine pour y jeter un œil. « Le type nous a emmenés à l’intérieur pour prendre quelques photos et peu après, nous sommes rentrés en Angleterre. Mais lorsque j’ai visionné les photos au retour, je me suis dit : mince alors ! »

 

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Réalisant à quel point cela serait bien pour ses étudiants à son retour au Canada, Norm décida de repartir en Inde pour filmer la manufacture. « J’ai acheté une caméra vidéo en cours de route à Hong Kong. Nous sommes entrés cette fois par la porte arrière, quand soudain, tous les ouvriers sont devenus dingues ont commencé à frimer et à réaliser tout ce que vous avez pu voir dans la première scène de Glass India… Nous avons tourné la vidéo et j’ai demandé à quelqu’un de me présenter au propriétaire de l’usine. Je lui ai montré mon travail avec une lettre d’explication et il m’a organisé une visite. »

 

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A son retour au Canada, Norm a trié toutes les séquences et les a montées pour obtenir un semblant de quelque chose à montrer à ses étudiants. « Lorsque je suis revenu, l’école avait fait l’acquisition d’un ensemble de montage vidéo pour cassettes qui était du dernier cri à l’époque », me dit-il en souriant. « Je me suis dit : tiens, ça a l’air marrant. Avec Marie, nous nous sommes mis à l’œuvre et avons accouché de la cassette Glass India. »

 

‘Accouché’ est bien peu dire au vu de ce documentaire exaltant à propos d’une usine de production de verre à l’équipement minimaliste, car les images de Glass India sont stupéfiantes. La manufacture est pleine de gens, qui travaillent à première vue les uns sur les autres, chacun avec un rôle spécifique : collecter, façonner, souffler. Les pinces et les cannes volent littéralement dans les airs, parfois même avec du verre incandescent au bout. Malgré ce désordre apparent, l’usine est en fait tout sauf désordonnée. Vu de l’extérieur, cela peut paraitre terrifiant. Mais après quelques minutes d’observation, il apparait évident que le minutage est essentiel. En dépit de tout ce chaos ambiant, tout roule telle une mécanique bien huilée. Cela ne ressemble en rien aux usines de production de verre que l’on pourrait voir au Canada, et c’est pour cela même que Norm était si enthousiaste à l’idée de montrer le film à ses étudiants.

 

« Je me suis dit que si j’étais en mesure d’observer ces personnes à l’ouvrage, ce serait vraiment bien de les filmer et de pouvoir le montrer aux autres. Mais je ne me considère pas comme un réalisateur. Vous savez, je fais des documentaires parce que je vois qu’il y a un intérêt de la part des artistes verriers. Ce que je veux dire par là, c’est qu’il n’y a pas d’argent à se faire en réalisant des films sur le verre – je serais déjà mort de faim sinon. Mais si vous aimez le verre et que d’autres l’aiment également, il y a de fortes chances que votre travail portant sur le sujet suscitera un intérêt. Et le film Glass India était au départ  tout simplement – même en étant tourné, monté, intitulé et réalisé avec soin – juste pour mes étudiants. »

 

Bien qu’au départ destiné à ses étudiants, le documentaire Glass India a mené son propre petit bout de chemin par la suite. « Je l’ai montré un jour à quelqu’un qui vendait des livres sur le verre et qui m’a dit : je vais le mettre en vente. Et c’est alors que j’en ai fait plusieurs copies. D’un seul coup, tout le monde l’avait vu et l’a diffusé auprès de ses propres élèves. Tous les étudiants de Pilchuck par exemple ont eu l’occasion de le visionner en classe. »

 

C’est ce qui rendit Glass India l’une des choses les plus connues de la carrière de Norm. Il semble que sa volonté de partager ces images du verre avec d’autres ait traversé le monde. Norm approuve et me raconte « Je me souviens d’une conférence sur le verre où je discutais avec Josh Simpson. Des personnes venues du Japon  vinrent le saluer et il leur dit : Tenez, je vous présente Norman Faulkner. D’abord ils dirent simplement : Ah bonjour. Alors il leur dit : C’est lui qui a réalisé Glass India. A ce moment ils firent tous : Ooooh ! Glass India ! Ooooh ! »

 

Diana Fox est diplômée depuis 2010 de l’Alberta College of Art + Design.  Elle est depuis cette même année la Coordinatrice des Réseaux Sociaux de la GAAC.

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Glass Education in Prague

June 15, 2014

The Academy of Arts, Architecture and Design

by Brad Copping and Klára Horáčková

 

 

With the focus on education in this issue of Contemporary Canadian Glass, Brad Copping approached Klára Horáčková, the Assistant Professor in the Glass Department at the Academy of Arts, Architecture and Design (also known by its original name UMPRUM) in Prague to talk about the program there.

 

CCG: I understand that the Glass Program at AAAD is very much concerned that glass art is seen within the context of other approaches in art and design – possibly a more integrated approach than is taken in North American schools.  Can you tell me about the philosophical underpinnings of the glass program and how it fits into the Academy?  Does the Academy encourage this integrated approach within the various programs?

 

KH: The glass program at UMPRUM has a long tradition and it is very challenging to be in such a position after such strong history. The approach we stand for is not really new.  Basically, in a philosophical way, it professes to the same rules as it always has – accent on good artistic readiness, mastered drawing, sculpting, sketching, broadminded approach and emphasis on comparison in broader perspective. We use the same tools and try to apply them in contemporary context.

 

 

UMPRUM (AAAD in Prague) – Photo credit: Ondřej Přibyl

UMPRUM (AAAD in Prague) – Photo credit: Ondřej Přibyl

 

 

We see that it is important that students don’t stay just within the borders of glass art. Glass is a great and fascinating material but brings many restrictions. Sometimes all the energy is consumed in just solving technological problems to the detriment of the piece itself.

 

While working with glass, it tends to happen that the material itself starts to dictate the result. We are trying to avoid that and begin from the other side, from the art concept or from strong design itself.

 

Students usually spend a lot of time sketching and thinking before the approach to realization. The resulting piece may not necessarily be made of glass or all parts made by students themselves. The goal is to create objects that will stand strong in competition within art and design in general. Of course, we still have the craft issue in mind, and the pieces must be mastered technically, but we perceive craft as a precious tool that we have to cherish, not as an ultimate purpose.

 

I would say that the approach of the other departments at UMPRUM is analogical.

 

The academy always has been very selective and students who want to apply must be well prepared. People come to the academy usually quite well experienced in the field they want to study, which consequently means that knowledge of the craft is taken for granted and the main focus during the educational process lies in development of further qualities of works or advanced techniques.

 

The academy is rather small; every studio has some 20 students in total, which means that professors can afford an individual approach to their students.

 

CCG: I realize that both you and Rony Plesl, the head of the studio, are practicing artists and designers as well as professors.  Could you describe your own practice (and if possible that of Rony Plesl) and how you see it within this integrative approach?

 

KH: We are both very enthusiastic about what we do and our work at the academy in particular.

 

 

RONY PLESL: UOVO, chandeliers designed for czech company Lasvit. Photo credit: Jaroslav Kvíz

RONY PLESL: UOVO, chandeliers designed for czech company Lasvit. Photo credit: Jaroslav Kvíz

 

 

Rony has much more experience in the field and in teaching than I do since he had been working in glass and design very intensively over thirty years. His own practice is very vivid. He works on many projects at one time and always seems to be running somewhere, yet his work is rather meditative and more about searching for some spiritual quality, which he brings into his pieces by perfect proportions, shapes and strong symbols.

 

 

RONY PLESL: IN-COMPOSITUS 2, cast, coldworked glass. Photo credits: Tomáš Brabec, Patrik Borecký

RONY PLESL: IN-COMPOSITUS 2, cast, coldworked glass. Photo credits: Tomáš Brabec, Patrik Borecký

 

 

I would say that his teaching at the academy naturally follows his practice. He is as demanding on students as he is on himself and requires high level of professionalism from them in everything they do.

 

 

KLÁRA HORÁČKOVÁ: MIRROR, mobile installation, mirrors, metal, electric device. Photo credit: Jan Kuděj

KLÁRA HORÁČKOVÁ: MIRROR, mobile installation, mirrors, metal, electric device. Photo credit: Jan Kuděj

 

 

Myself, I find a lot of inspiration in human mentality, society, relationships, hidden basic principles, and, secretly, in metaphysics. I oscillate between two ways of expressing myself.  One is more material based, where I experiment with glass and other materials.  The other is more minimalistic and conceptual.  And I occasionally flirt with design as well.

 

 

KLÁRA HORÁČKOVÁ: EGGO, fused float glass, patte de verre. Photo credit: Jaroslav Kvíz

KLÁRA HORÁČKOVÁ: EGGO, fused float glass, patte de verre. Photo credit: Jaroslav Kvíz

 

 

The studies at UMPRUM have always been rather free-minded, without too rigid of a structure. Of course there is always the imprint of the pedagogues who taught there, which is the same as everywhere else. But the main goal has always been to encourage students to find their own way and style, and, most importantly, that they find their own source of inspiration and start to develop their own themes. Self-motivation is a motor, which has to be found during the studies, and which will keep them going after graduation.

 

CCG: Are there other faculty or staff that work within the glass studio?  Could you describe their roles?

 

KH: In our department there are four teachers in total:  Rony Plesl, myself, and two faculty – heads of workshops – Antonín Votruba, who is master of the coldshop, and Ivan Pokorný, who takes care of the kilnshop, enameling, and engraving workshop. They consult on the technological and craft aspect of the projects, organize craft courses, and take care of the workshops in general. We also have external lecturers for special classes and workshops, and, of course, students have many art theory and history classes, which are common to all students of the academy.

 

CCG: As you know, North American schools have been very much focused on building the hand skills necessary to create something with glass.  As a result, students here are very concerned about what kind of equipment is available to them.  Can you describe the equipment in your studio and the amount of access students have to this equipment?

 

KH: The workshops have been always important part of the glass studios and UMPRUM is not an exception.

 

Currently, we have a bit of an old school, but nice and well-equipped coldshop, workshop for casting, fusing, enameling, sandblasting, and classical copper wheel engraving.

 

In the next few years, the academy is planning to build a new technological building, not far from the old one, in which there will be brand new workshops for all the studios.  At the same time, there are plans for a new hotshop in Prague, which would closely cooperate with our glass department.

 

Students have access to the workshop eight hours per day, but this depends on when they find the time between their classes. The academy also has a background in metalworking and woodworking, laser cutting, 3d printing, and a lot of other workshops. Some of them are accessible to all students, some are just for specific departments.

 

CCG: Would you describe a couple of student projects, which exemplify the approach you encourage?

 

KH: Students are encouraged to work very individually and take the responsibility for their own approach. Hence, at the beginning, the tasks are quite controlled and then get more and more individual during the students’ time in the program. Usually, students have one big task for art and one for design in each semester, and all the works are exhibited at the public academy Artsemester exhibition that takes place at the school at the end of every semester.  Some of the students work more conceptually, some feel more comfortable in design.

 

For instance, Jakub Petr has always shown a fascination in geometry, mathematics, physics, and science in general. His works often derive from his zeal for inventing and solving technological difficulties and novelties, and from descriptions of basic principles of the world around him. In his work, Archimeidon, Jakub was developing an idea of centrifugal casting. He constructed a device, which spins the mold in the kiln during the casting process. From this technological aspect, he moved forward to create specific mobile installations using glass cylinders and glycerin, where the natural forces create an illusionary solid glass-like object, which refers to science on one hand and plays with the viewer’s sense of reality on the other.

 

 

JAKUB PETR: TOROID, mobile installation, mixed media, electric motor (lap wheel machine), LED lightsource, Photo credit: Tomáš Souček

JAKUB PETR: TOROID, mobile installation, mixed media, electric motor (lap wheel machine), LED lightsource, Photo credit: Tomáš Souček

 

 

In another piece called Toroid, Jakub addresses mathematical phenomena of 3D curves and string theory, forming an illusion of a toroid object with a fascinating humming mobile light drawing.

 

Tadeáš Podracký often refers in his work to art icons, transforming them into his own specific objects.

 

 

TADEÁŠ PODRACKÝ: JAARS, blown, coldworked glass, wood. Photo credit: Tomáš Brabec

TADEÁŠ PODRACKÝ: JAARS, blown, coldworked glass, wood. Photo credit: Tomáš Brabec

 

 

Lukáš Houdek finds his inspiration in playful jokes and pop culture. He is often juggling with meanings and the confusing of ordinary and luxury.

 

 

LUKÁŠ HOUDEK: GHERKINS, coldworked, glued glass. Photo credit: Filip Dobiás

LUKÁŠ HOUDEK: GHERKINS, coldworked, glued glass. Photo credit: Filip Dobiás

 

 

Tomáš Váp, in his work, Be Strong!, designs containers for doping, questioning the ethical aspect of the desire for success and perfection.

 

 

TOMÁŠ VÁP: BE STRONG! (CONTEINERS FOR DOPING), blown cut, silvered glass, artificial stone. Photo credit: Ondřej Pokorný

TOMÁŠ VÁP: BE STRONG! (CONTEINERS FOR DOPING), blown cut, silvered glass, artificial stone. Photo credit: Ondřej Pokorný

 

 

Kristýna Pojerová often takes her inspiration from family and the home atmosphere, and designs playful and functioning greenhouse light, which would light up your home and provide herbs for your kitchen at the same time.

 

 

KRISTÝNA POJEROVÁ: GREENHOUSE LIGHT, blown, coldworked glass, light source. Photo credit: Jaroslav Kvíz

KRISTÝNA POJEROVÁ: GREENHOUSE LIGHT, blown, coldworked glass, light source. Photo credit: Jaroslav Kvíz

 

 

Seuljee Kim often uses language of hyperbole. In her work, Object of Desire, the piece is used to challenge society’s illusional priorities.

 

 

SEULJEE KIM: OBJECT OF DESIRE, cast, coldworked glass. Photo credit: Jaroslav Kvíz

SEULJEE KIM: OBJECT OF DESIRE, cast, coldworked glass. Photo credit: Jaroslav Kvíz

 

 

CCG: Do you encourage foreign students to enroll in the glass program?

 

KH: Foreign students are welcomed to our department, although the capacity is limited. Students can come for a semester exchange or through the Erasmus Program.  Another possibility, which is not so well known, is the Visual Arts program, which was launched at UMPRUM some ten years ago. Visual Arts is a two years master degree program conducted in English. In the beginning, there were just a few departments which took part in it, but now you can select from almost all the departments at the academy, including the glass studio.

 

CCG: What do students end up doing when they leave the glass program?  To sum up, can you describe with what skills you are hoping students will exit the program?

 

KH: Of course, the main goal is that students would carry on their own artistic or design practice. As far as I know, most of the alumni do continue in the field.

Some of them find their way in producing creative design, starting their own brand, or cooperating with bigger glass companies or design studios.  Some of them try to live off of the artwork, which is usually a bit more difficult.  Some of them work in art education or galleries, and very often it is some combination of the aforementioned. And, of course, as everywhere, some graduates start their new career as bartenders. We are trying to minimalize that number a bit.

 

To sum it up, we would like to teach the students a professional attitude towards their work, precision in craft, cleverness and proportion in design, and intelligence in concept.

 

 

 

Enseignement du Verre à Prague

L’Academie des Arts, de l’Architecture et du Design

par Brad Copping et Klára Horáčková

 

 

L’accent étant mis sur l’enseignement dans cette édition du “Contemporary Canadian Glass”, Brad Copping a interrogé Klára Horáčková, qui assiste le département verre de l’Académie des Arts, de l’Architecture et du Design de Prague (aussi connue sous le  nom d’UMPRUM) pour nous parler de leur programme.

 

CCG: Il semble important pour le programme de verre de l’AAAD d’intégrer l’art du verre dans les autres formes d’art et de design avec une approche plus globale que dans nos écoles en Amérique du nord. Pouvez-vous nous en dire plus sur les grands principes de ce programme de verre et de quelle façon il s’intègre à l’Académie ? Académie encourage-t-elle ce concept d’insertion dans les différents programmes ?

 

KH: Le programme de verre de l’UMPRUM a un long passé et c’est un réel défit pour nous que d’occuper cette position après tant d’histoire. Notre approche n’a rien de vraiment nouveau. D’une façon générale, notre philosophie est toujours la même – avec un accent pour les prédispositions artistiques, la maitrise du dessin, la sculpture, le croquis, l’ouverture d’esprit et l’importance de se positionner dans une vue d’ensemble plus large. Nous employons les mêmes outils les mettons à profit dans un contexte plus contemporain.

 

 

UMPRUM (AAAD in Prague) – Photo credit: Ondřej Přibyl

UMPRUM (AAAD in Prague) – Photo credit: Ondřej Přibyl

 

 

Il est important pour nous que les étudiants ne se cantonnent pas aux limites fixées par l’art du verre. Le verre est un matériau fascinant mais qui comporte  beaucoup de restrictions. Il arrive que toute l’énergie soit mise uniquement dans la résolution de problèmes techniques au détriment de la pièce en elle-même.

 

En travaillant le verre, il arrive souvent que le matériau lui-même nous dicte le résultat final. Nous essayons de contourner cela en commençant par l’autre bout, du concept artistique ou d’un design par lui seul.

 

En général les étudiants passent beaucoup de temps à dessiner et à réfléchir avant de débuter la réalisation. La pièce obtenue ne sera pas forcément faite de verre ni toutes les parties réalisées par les étudiants eux-mêmes. Les but est de créer des objets qui auront un impact dans la compétition de l’art et du design en général. Bien sûr, la question de la confection reste à l’esprit et les pièces doivent pouvoir être réalisées techniquement, mais nous considérons l’artisanat comme un outil précieux qu’il nous faut choyer et non comme une fin en soi.

 

Je décrirai l’approche des autres départements de l’UMPRUM comme analogique.

 

L’académie a toujours été très sélective et les étudiants qui postulent doivent être bien préparés. Les personnes qui viennent sont généralement expérimentées dans le domaine qu’elles souhaitent étudier, ce qui signifie que la maitrise de l’art en question est considérée comme déjà acquise et l’objectif principal du cursus est alors de développer des compétences supplémentaires dans cet art et d’approfondir certaines techniques.

 

L’académie est relativement petite, chaque atelier compte vingt étudiants, ce qui permet aux professeurs d’effectuer un suivi individuel avec leurs étudiants.

 

CCG: Je me rends compte que le directeur de l’atelier Rony Plesl et vous-même, êtes tous les deux des artistes et designers actifs tout en enseignant parallèlement. Pouvez-vous nous décrire votre activité (et si possible celle de Rony Plesl également) et la façon dont vous la conciliez avec cette approche intégrative ?

 

KH: Nous sommes tous les deux très contents de ce que nous faisons et plus particulièrement de notre travail à l’académie.

 

 

RONY PLESL: UOVO, chandeliers designed for czech company Lasvit. Photo credit: Jaroslav Kvíz

RONY PLESL: UOVO, chandeliers designed for czech company Lasvit. Photo credit: Jaroslav Kvíz

 

 

Rony possède plus d’expérience que moi pour enseigner la matière vu qu’il travaille depuis plus de trente ans dans le verre et le design. Il est très actif. Il travaille sur plusieurs projets à la fois et donne toujours l’impression de courir quelque part, pourtant son travail est plutôt méditatif et porte sur la quête d’une qualité spirituelle qu’il illustre à merveille dans ses pièces aux proportions et aux formes parfaites avec des symboles forts.

 

 

RONY PLESL: IN-COMPOSITUS 2, cast, coldworked glass. Photo credits: Tomáš Brabec, Patrik Borecký

RONY PLESL: IN-COMPOSITUS 2, cast, coldworked glass. Photo credits: Tomáš Brabec, Patrik Borecký

 

 

J’aurai tendance à dire que ses méthodes d’enseignement à l’académie correspondent bien à sa façon de travailler. Il attend autant de rigueur de ses étudiants qu’il s’en impose lui-même, et leur demande d’être très professionnels dans tous ce qu’ils entreprennent.

 

 

KLÁRA HORÁČKOVÁ: MIRROR, mobile installation, mirrors, metal, electric device. Photo credit: Jan Kuděj

KLÁRA HORÁČKOVÁ: MIRROR, mobile installation, mirrors, metal, electric device. Photo credit: Jan Kuděj

 

 

Pour ma part, je puise beaucoup mon inspiration dans la psychologie humaine, la société, les relations, les principes de base sous-jacents, et secrètement, dans la métaphysique. L’un est plus tangible et me permets d’expérimenter avec le verre et d’autres matériaux. L’autre est plus minimaliste et conceptuel. De temps à autre, je joue avec le design aussi.

 

 

KLÁRA HORÁČKOVÁ: EGGO, fused float glass, patte de verre. Photo credit: Jaroslav Kvíz

KLÁRA HORÁČKOVÁ: EGGO, fused float glass, patte de verre. Photo credit: Jaroslav Kvíz

 

 

Les champs d’action des études à l’UMPRUM ont toujours été très libres et sans

encadrement trop rigide. Bien sûr, on ressent toujours la marque de ceux qui sont passés avant, comme partout. Mais le but a toujours été d’encourager les étudiants à trouver leur propre style, et plus important encore, à trouver leur propre source d’inspiration pour commencer à développer des thèmes qui leurs sont personnels. Au cours de leurs études, ils doivent trouver la motivation personnelle qui leur servira de moteur après leur diplôme.

 

CCG: Y a-t-il d’autres professeurs attitrés ou personnes travaillant au sein de l’atelier de verre ? Pouvez-vous nous décrire leur rôle ?

 

KH: Il y a quatre professeurs au total dans notre département: Rony Plesl, moi-même et deux autres enseignants en charge d’ateliers – Antonín Votruba, qui gère l’atelier du verre à froid et Ivan Pokorný qui s’occupe du four, des émaux et du gravage. Ils interviennent sur les aspects techniques et artisanaux des projets, organisent des cours de réalisation et sont responsables des ateliers en général. Nous avons aussi deux intervenants extérieurs qui viennent donner des cours et des ateliers exceptionnels. Et bien sûr, il y a aussi tout un bloc de cours sur la théorie et l’histoire de l’art, qui est commun à tous les étudiants de l’académie.

 

CCG: Comme vous le savez, les écoles en Amérique du nord se sont concentrées sur l’acquisition des compétences nécessaires pour pouvoir créer à partir du verre. De ce fait, les étudiants sont très concernés par le matériel mis à leur disposition. Pouvez-vous décrire l’équipement disponible dans votre atelier et comment les étudiants y ont accès ?

 

KH: Les ateliers ont toujours occupé une place importante dans le travail du verre et l’UMPRUM  n’y fait pas exception.

 

En ce moment, notre atelier pour le verre à froid est un peu démodé mais suffisamment  équipé pour le moulage, fusing, émaillage, gravage au sable et gravage classique à la roue en cuivre.

 

Dans les années à venir, l’académie a prévu de construire un nouveau bâtiment technologique non loin de l’ancien, dans lequel on trouvera des ateliers flambants neufs pour tous les domaines. Simultanément, des plans ont vu le jour pour un nouvel atelier de soufflage à Prague qui pourrait travailler en étroite collaboration avec notre département verre.

 

Les étudiants ont accès à l’atelier huit heures par jour, en fonction du temps qu’ils trouvent entre les cours. L’académie possède aussi du matériel en ferronnerie et ébénisterie, ainsi qu’en découpage laser, imprimerie 3D et bien d’autres ateliers. Certains sont libres d’accès pour tous, d’autres sont réservés à des départements spécifiques.

 

 

CCG: Pouvez-vous nous fournir quelques exemples de projets étudiants qui illustrent cette approche que vous encouragez?

 

KH: Nous encourageons les étudiants à travailler de façon très individuelle et à assumer pleinement la réalisation de leurs projets. C’est pourquoi au départ, les tâches sont relativement définies, puis deviennent de plus en plus individuelles au fur à mesure que les étudiants progressent dans leur cursus. En général, les étudiants ont chaque semestre un projet principal en art et un autre en design. A la fin de chaque semestre, les travaux sont présentés lors de l’exposition publique de l’académie qui prend place dans l’école. Certains étudiants travaillent plutôt de façon conceptuelle et d’autres sont plus à l’aise en design.

 

Par exemple, Jakub Petr a toujours été fasciné par la géométrie, les mathématiques, la physique et la science en général. Son travail découle souvent de son entrain à vouloir sans cesse innover, résoudre des problèmes technologiques et s’inspire de descriptions de principes basiques venant du monde qui l’entoure. Dans son travail Archimeidon, Jakub a développé une idée de moulage centrifugé. Il a construit une machine qui fait tourner le moule dans le four durant le processus de moulage. Partant de ce concept technologique, il a développé ensuite des installations mobiles en utilisant des cylindres de verre et de la glycérine, où les éléments naturels créent l’illusion d’un objet en verre plein, ce qui réfère à la fois à la science et joue avec la perception de la réalité des observateurs en même temps.

 

 

JAKUB PETR: TOROID, mobile installation, mixed media, electric motor (lap wheel machine), LED lightsource, Photo credit: Tomáš Souček

JAKUB PETR: TOROID, mobile installation, mixed media, electric motor (lap wheel machine), LED lightsource, Photo credit: Tomáš Souček

 

 

Dans une autre pièce intitulée  Toroid, Jakub utilise le phénomène mathématique des courbes 3D et de la théorie des cordes pour former l’illusion d’un objet toroid dessiné par une fascinante lumière mobile.

 

Tadeáš Podracký se réfère beaucoup à des icônes de l’art qu’il transforme ensuite en ses propres objets.

 

 

TADEÁŠ PODRACKÝ: JAARS, blown, coldworked glass, wood. Photo credit: Tomáš Brabec

TADEÁŠ PODRACKÝ: JAARS, blown, coldworked glass, wood. Photo credit: Tomáš Brabec

 

 

Lukáš Houdek puise son inspiration de boutades enjouées et de la culture pop. Il jongle souvent avec les significations et la confusion prêtée entre ordinaire et luxe.

 

 

LUKÁŠ HOUDEK: GHERKINS, coldworked, glued glass. Photo credit: Filip Dobiás

LUKÁŠ HOUDEK: GHERKINS, coldworked, glued glass. Photo credit: Filip Dobiás

 

 

Tomáš Váp dans son travail Be Strong!, créé des récipients pour contenir les questions portant sur l’aspect esthétique de notre quête du succès et de la perfection.

 

 

TOMÁŠ VÁP: BE STRONG! (CONTEINERS FOR DOPING), blown cut, silvered glass, artificial stone. Photo credit: Ondřej Pokorný

TOMÁŠ VÁP: BE STRONG! (CONTEINERS FOR DOPING), blown cut, silvered glass, artificial stone. Photo credit: Ondřej Pokorný

 

 

Kristýna Pojerová puise souvent son inspiration de sa famille et de son chez-elle

puis réalise des serres ludiques et fonctionnelles qui peuvent illuminer votre maison et faire pousser des aromates pour votre cuisine en même temps.

 

 

KRISTÝNA POJEROVÁ: GREENHOUSE LIGHT, blown, coldworked glass, light source. Photo credit: Jaroslav Kvíz

KRISTÝNA POJEROVÁ: GREENHOUSE LIGHT, blown, coldworked glass, light source. Photo credit: Jaroslav Kvíz

 

 

Seuljee Kim utilise souvent le langage de l’hyperbole. Dans son travail Object of Desire, les pièces sont créées pour challenger les priorités illusoires de notre société.

 

 

SEULJEE KIM: OBJECT OF DESIRE, cast, coldworked glass. Photo credit: Jaroslav Kvíz

SEULJEE KIM: OBJECT OF DESIRE, cast, coldworked glass. Photo credit: Jaroslav Kvíz

 

 

CCG: Est ce que vous encouragez les étudiants étrangers à s’inscrire au programme verre?

 

KH: Les étudiants étrangers sont les bienvenus dans notre département, bien que notre capacité soit limitée. Ils peuvent faire un semestre d’échange ou suivre le programme Erasmus. L’autre possibilité moins connue, est de passer par le programme Visual Arts lancé à l’UMPRUM il y a dix ans. Visual Arts est un programme de master sur deux ans enseigné en anglais. Au départ, seuls quelques ateliers en faisaient partie, mais pratiquement tous y sont désormais accessibles, dont l’atelier verre.

 

CCG: Une fois leurs études terminées, que deviennent les étudiants en verre par la suite? En résumé, qu’espérez-vous que vos étudiants retiennent en sortant ?

 

KH: Bien entendu notre objectif principal est de faire en sorte que l’étudiant puisse mener à bien sa propre carrière dans l’art et le design. D’après mes sources, c’est le cas pour la plupart des anciens élèves. Certains ont trouvé leur voie dans le design créatif, ont lancé leur propre marque ou ont coopéré avec des entreprises plus importantes de verre ou des ateliers de design. D’autres vivent de leur travail artistique, ce qui est en général un peu plus difficile. Certains travaillent dans l’enseignement de l’art ou les galeries, et bien souvent, c’est une combinaison de tout ce que je viens de vous mentionner. Bien sûr, il y en a toujours qui finissent par changer de plan de carrière et racheter un bar  mais nous essayons de les minimiser.

 

En résumé, nous souhaitons apporter aux étudiants qui débutent leur carrière du professionnalisme, de la précision dans leur art, de l’habileté et des connaissances en design ainsi que l’intelligence de leur concept.

 

 

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From the Archives: North Lands

by Ryan Legassicke

Originally published in Contemporary Canadian Glass, Volume 4, Number 60, Spring 2005, pg 23-24

 

 

Glossary of terms:

 

David Nash: Has been living and working in Wales for the past 30 years.  Creative output includes sculptures in wood, planted earthworks, drawing, photography, and books. As far as I know, the McMaster Museum of Art in Hamilton is the only place in Canada that has one of his works in their collection.

Earthworks: Land art or environment art.  Loosely describes artworks that are either made outside or incorporate outside locations.

Two weeks: August 28th to September 5th, 2003.

 

 

North Lands Creative Glass, Coldworking Shop

North Lands Creative Glass, Coldworking Shop

 

 

North Lands Creative Glass: A working glass studio featuring blowing, sandcasting, kilmforming, and coldworking facilities. Offers two themed masterclass sessions annually, consisting of two courses each, which are joined together by a weekend conference. They also offer residencies and facility rentals throughout the year. The first course ran in 1996. Past instructors have included heavy hitters Bertil Vallien (Sweden), Tessa Clegg (England), Irene Frolic (Canada), Dante Marioni (USA), Richard Marquis (USA), Tony Cragg (England), Richard Deacon (England), and Susan Cohn (Australia). This year they have, amongst others, glass art pioneer Klaus Moje (Australia) on the bill.

Corning: The glass museum in Corning, New York.

 

Gaffer: Person who can blow glass real good.

 

Teaching assistant: Generally clean up after students … no really, self-explanatory.

Running fence: The artist Christo did an outside sculpture called Running Fence (1972-76) in California. As far as I know, there is no direct relation to the stone fences in Scotland…but…

 

Glass course taught by wood artist in Scotland?

 

How would (wood) an artist with over thirty years’ experience in the language of wood approach a material like glass? Interesting question, or at least I thought so. Luckily for me, in the summer of 2003, I got the opportunity to see the answer play itself out while spending two weeks at North Lands Creative Glass in Lybster, Scotland. And I wasn’t alone.

 

 

Village of Lybster, Scotland

Village of Lybster, Scotland

 

 

The studio is intended for use by professionals or students in any branch of the arts with courses exploring everything from technical, conceptual, to aesthetic concerns. If the goal of the programming was to attract a wide range of people, then something was working because David Nash of Grafting Glass attracted a diverse international crowd. Participants included:  a public school teacher from Ireland; a stone sculptor from England; a university student from Mexico; a post-doctoral researcher; a masters student and an undergrad student from different schools in Scotland; an artist from Apsley, Ontario, Canada; a guy who showed up with a Corning-produced video (about himself) from Austria; two gaffers and a teaching assistant from England; and, myself (the other assistant) from Toronto.

 

Then there was Lybster, a small fishing village located on the far north east coast of Scotland. For me, the remoteness had this aged and exotic quality that was astonishing. Crumbling castles, running stone fences, rain on one side of a building, sun on the other. To think that people have been living and working there in some facet for more than four thousand years! Naturally part of the class was spent exploring the area, which became an important part of the whole experience.

 

 

Castle Ruins in Scotland

Castle Ruins in Scotland

 

 

So again: why take a glass course from a non -glass artist? Ideas, or simply the technique of using your brain. Ideas are great because, in a sense, they are medium-less and genre-less. The same idea can be plugged into two different media or processes and you will almost always end up with something unexpected. In this case, the unexpected part for me was that instead of just working with an experienced wood sculptor in the context of glass, I got to work with (and watch each individual student with their various backgrounds) tackle a common material from different directions. The class became more about a group of people working around each other than one which revolves around a leader.

 

American counterparts: Beginning in the late 60’s, artists like Michael Heizer, Robert Morris, and Robert Smithson created monumental sculptures that directly reshaped remote landscapes in the USA and abroad.

 

Ash Dome (1977-present):  A planted work by Nash that involved a group of ash trees planted in a circle and grafted so that in time they would form a living dome.  A fence surrounds the work to deter “sharks of the vegetable world” from eating the work.  He also puts a solution of fox’s urine on the trees to deter smaller predators. *See The Sculpture of David Nash by Julian Andrews, published by The Henry Moore Foundation / University of California Press 1999 or David Nash Black & Light published by Annely Juda Fine Art, London, UK, 2001.

 

Wooden Boulder (1978-present): Nash carved a big sphere of wood and, while trying to get it back to his studio, it got stuck in a creek.  He has spent the time since then watching it as the weather moves it around the area where he lives. *See (amongst others) the first of the above mentioned books.

 

 

David Nash and Brad Copping forming hot glass in the hot shop

David Nash and Brad Copping forming hot glass in the hot shop

 

 

Irene Frolic: One of the most respected glass-based artists in Canada; has taught and lectured all over the world; lives and works in Toronto.

 

Jane Bruce: North Lands artistic and technical director; former professor at the Canberra School of Art in Australia; helped found Urban Glass in Brooklyn, New York; when not in Scotland, she lives and works in Manhattan, NYC.

 

Urban Glass: Glass studio in NYC; somewhat similar to North Lands.

 

Each morning David would talk about his work while illustrating and recording ideas on paper taped to a wall. Topics included things he’s learned, the business, generally tracing his thinking path in relation to where he lives, what he’s interested in, and what’s available for him to work with. David has been grouped in the land art or earthworks category in relation to his art practice. However, his approach differs from many of his American counterparts in that he actually lives with and is actively involved with some of his works (Ash Dome, 1977-present.) Other projects have become more hands-off and have ultimately turned into the act of watching (Wooden Boulder, 1978-present). Afternoons at the school became frenzied open studio time, and by studio time I mean the space both inside and outside the glass shop.

 

It’s hard to comprehend what happened during that time and I feel pretty removed right now as I sit here at my desk in a city a million miles away. I remember showing slides of my then-studio where I was building a skateboard ramp, and David telling me afterwards that he used to have one of those in his studio too! What? Exactly.

 

“My work is more influenced by non-glass artists than by glass artists. I feel if one only looks at glass it’s a little like a dog chasing its own tail, however, I do have a deep interest in historical glass…”  – Jane Bruce, 2005

 

“I can honestly say that traveling has had a positive effect on my art practice. It has taught me to really look, and looking is at the core of it all.” – Irene Frolic, 2005

You can find more info at www.northlandsglass.com.

 

Ryan Legassicke lives and works in Toronto and, amongst other things, he confuses both himself and students part time at Sheridan College in Oakville.  www.ryanlegassicke.com

 

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Issues in Glass Pedagogy: A Long Awaited Dialogue

February 18, 2014

By Koen Vanderstukken

 

From December 5th until December 7th, the first symposium on “Issues in Glass Pedagogy” took place at UrbanGlass in Brooklyn, New York. The event was organized by Andrew Page and sponsored by the Robert M. Minkoff Foundation.

 

Close to 100 department heads, faculty members, administrators, instructors and a small group of students came together to discuss the future of glass education. Approximately 18 presenters from the US, Canada, the Netherlands, the Czech Republic and Australia, shared their visions and experiences. Instead of giving a synopsis of all the presentations, I will give you a personal impression on the symposium as a whole and invite you to form your own opinion by visiting the Robert M. Minkoff Foundation’s website, http://www.rmmfoundation.org, where you can listen to all the audio recordings of the different lectures.

 

The event began on Thursday evening with a pre-symposium gallery tour and reception. Hauser & Wirth, Claire Oliver Gallery, Heller Gallery, and Nancy Hoffman Gallery were all represented. When I walked into the first gallery, arriving a bit late I found myself alone amidst several large drawings and two of Roni Horn’s installations from her show, ‘Everything Was Sleeping as if the Universe Were a Mistake.’ One installation consisted of ten solid glass objects in hues of yellow and green. The second followed a similar setup, but this time in hues of violet and blue. Both installations strongly provoked contemplation and when I left the gallery I couldn’t help but think that this was a perfect start for what would hopefully be a great symposium.

 

Roni Horn exhibition at Hauser & Wirth Gallery, where gallery director Barbara Corti offered her insights into this large-scale installation work.  Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

Roni Horn exhibition at Hauser & Wirth Gallery, where gallery director Barbara Corti offered her insights into this large-scale installation work. Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

 

 

After a short but wonderful walk along the ‘High Line’, one of New York’s newest attractions, I caught up with the group of participants and continued the tour. We were treated to short presentations in each gallery and, by 7.30pm, we found ourselves meeting and greeting at a private reception hosted by Geoff Isles and the Glass Art Society. The symposium had begun.

 

On Friday morning, Cybele Maylone, Executive Director of UrbanGlass, welcomed all the guests in the auditorium of the St. Francis College, where keynote speaker Jack Wax kicked off the official program. Nine speakers would present before the end of the day, all strictly guided by Andrew Page who did a fantastic job of keeping everybody on a tight schedule.  As expected from such experienced instructors, the presentations were of a high caliber. To conclude the day, we all walked from the lecture hall to the gallery in the newly renovated UrbanGlass building. By that time, informal discussions were happening everywhere and it became clear that this symposium was indeed fulfilling its promise of a long awaited event coming to fruition.

 

Nearly 100 attendees huddled together in the cold UrbanGlass studio that morning, many wearing coats. The temperatures contrasted with the atmosphere in the room, more intimate and informal as the symposium entered its second day, and the dialogue began to flow more freely. Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

Nearly 100 attendees huddled together in the cold UrbanGlass studio that morning, many wearing coats. The temperatures contrasted with the atmosphere in the room, more intimate and informal as the symposium entered its second day, and the dialogue began to flow more freely. Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

 

Jens Pfeifer, head of the glass program at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam, and Marc Barreda opened Saturday’s presentation series in the brand-new studio of UrbanGlass. The space is like a dream come true for everybody who loves glass studios. Unfortunately, the ventilation system was working so well that we all had to wear jackets and open up some furnaces in between activities to stay warm, but this could not stop the energy. Another day of high quality presentations and a demo by Alexander Rosenberg, Glass Program Head at the University of the Arts, ended with a superb lecture by Rony Plesl and Klára Horáčková from the Glass Department at the Academy of Art, Architecture, and Design in Prague.

 

The symposium's final presentation was by the Head of Studio at the Glass Department of the Academy of Art, Architecture, and Design in Prague and an Assistant Professor there. Rony Plesl and Klára Horáčková gave a tour of student work showing several of their own and their students' design and art projects demonstrating a confident approach that accepts no boundaries. Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

The symposium’s final presentation was by the Head of Studio at the Glass Department of the Academy of Art, Architecture, and Design in Prague and an Assistant Professor there. Rony Plesl and Klára Horáčková gave a tour of student work showing several of their own and their students’ design and art projects demonstrating a confident approach that accepts no boundaries. Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

 

There is no doubt that the symposium was a big success and all participants would agree that a second edition would greatly benefit the glass community at large. But, to keep an open mind, Jack Wax urged us, in his opening speech, to “be honestly and brutally self-critical” and keep our focus on the initial intention of the gathering. Because despite the high quality of all presentations and the openness of the dialogues taking place, it did occur to me that words like ‘studio glass’, ‘glass artist’, ‘art glass’, ‘glass techniques’, etc. were still used for more than they perhaps should be.  And, as is the case in any situation where like-minded people gather, there is always the inherent danger of patting each other’s backs a bit too much. We have to, by all means, remain very conscious of the fact that, as educators, our primary concern should always be the students and not some self-indulging structure that serves the institution’s needs or our own academic visions.

 

The road is long and work has just begun, but thanks to the organizers of this symposium, a platform was provided to start up the dialogue that needs to take place. The intimate character of the event allowed for in-depth discussions in an amicable atmosphere and I am convinced that some long-lasting partnerships were established during these days. Let us hope that we can continue the conversation during similar kinds of events in the future. To that end, Jens Pfeifer and Marc Barred have already announced the startup of an online platform called ‘The Glass Virus.’ It’s a new “internationally operating ‘Think Tank’, dedicated to new strategies in glass art education”. It will definitely open up the discussion to the larger public. You can find it at www.facebook.com/theglassvirus.

 

The glass community is slowly maturing. It felt good to be part of this new step forward and it was fascinating to notice the differences between European presenters and their US or Australian counterparts.  One thing still felt strange, though.  Despite the fact that many glass programs function within a larger fine art, craft or design department, no one was there to represent those other parties.  And although a small group of students were present, no real platform was offered to hear their voices either. Considering the content of many of the presentations, it would have been fascinating to hear both groups’ critical feedback. After all, if we really care about our students and our position within a larger field, we cannot afford to exclude anyone. It will be interesting to see how this conversation will evolve and who will be willing to take the discussion out of our own comfort zone and past the limitations of the medium glass into a broader context of Art, Craft and Design.

 

But let’s take it step by step. Thank you, Robert and Andrew, for a fantastic and well-organized event. I’ll be looking forward to the next edition.

https://www.facebook.com/theglassvirus and http://theglassvirus.tumblr.com, last visited December 2013.

 

Koen Vanderstukken is a renowned sculptor and educator. His work has been exhibited in major centres around the world, from Amsterdam, Paris, Prague and Venice to New York, Chicago and Montreal. He has offered workshops and master classes in Europe and North America, in addition to teaching for ten years at the State Institute of Art and Crafts in Mechelen, Belgium. Since 2006 he’s been a professor and the studio head of the glass department at Sheridan College in Oakville, Ontario, Canada.

 

 

 

 

La Question de la Pédagogie dans le Verre: Un Débat Tant Attendu

Par Koen Vanderstukken

 

Du 5 au 7 décembre a eu lieu le premier symposium sur la “Question de la Pédagogie dans le Verre” à l’UrbanGlass de Brooklyn, New York. L’événement était organisé par Andrew Page et sponsorisé par la Fondation Robert M. Minkoff.

 

Près de 100 responsables de départements, membres de l’éducation, administrateurs, enseignants et des petits groupes d’étudiants, se sont retrouvés pour parler de l’avenir de l’éducation en matière de verre. 18 présentateurs venus des Etats-Unis, du Canada, des Pays Bas, de la République Tchèque et d’Australie nous ont présenté leur point de vue et leurs expériences. Au lieu de faire un résumé de toutes ces présentations, je vais vous faire part de mon impression globale sur le symposium et vous invite à vous faire votre propre opinion en allant sur le site de la Fondation Robert M.Minkoff http://www.rmmfoundation.org , où vous trouverez tous les enregistrements audio des différentes interventions.

 

Dès le jeudi soir, l’événement a débuté avec une visite de la galerie en avant-première et une réception. Hauser & Wirth, Claire Oliver Gallery, Heller Gallery, et Nancy Hoffman Gallery étaient tous représentés. Arrivé légèrement en retard, je me suis retrouvé dans la première galerie au milieu de plusieurs grandes fresques et de deux installations provenant de l’exposition « Everything Was Sleeping as if the Universe Were a Mistake » (Tout dormait comme si l’univers était une erreur) de Roni Horn. Une des installations était constituée d’une dizaine d’objets en verre, tous dans des nuances de jaune et de vert. L’autre installation avait une disposition similaire, cette fois dans les teintes de violet et de bleu. Les deux installations invitaient à la contemplation et en quittant la galerie, je me suis dit que c’était une introduction parfaite pour ce qui allait être, je l’espérais, un grand symposium.

 

Roni Horn exhibition at Hauser & Wirth Gallery, where gallery director Barbara Corti offered her insights into this large-scale installation work.  Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

Roni Horn exhibition at Hauser & Wirth Gallery, where gallery director Barbara Corti offered her insights into this large-scale installation work. Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

 

 

Après une courte mais sympathique marche le long de la “High Line”, l’une des dernières attractions de New York, j’ai rattrapé les autres participants et poursuivi la visite guidée. Nous avons eu droit à une courte présentation pour chaque galerie, puis nous avons tous pu faire connaissance dès 19h30 au cours d’une réception privée tenue par la Geoff Isles et la Glass Art Society. Le symposium avait alors commencé.

 

Le vendredi matin, la directrice exécutive d’UrbanGlass, Cybele Maylone, a accueilli tous les invités dans l’auditorium du St. Francis College et l’intervenant Jack Wax a débuté suivant la programmation officielle. A la fin de la journée, neuf personnes étaient intervenues, sous l’œil d’Andrew Page qui a veillé avec succès au bon enchainement du programme. Comme il fallait s’y attendre, les présentations faites par tant d’instructeurs expérimentés ont été d’une grande qualité. Pour conclure la journée, nous nous sommes rendus à la galerie située dans le bâtiment  fraichement rénové d’UrbanGlass. Les conversations informelles allaient bon train et il apparut vite clair que ce symposium concrétisait bien les attentes d’un tel événement.

 

Nearly 100 attendees huddled together in the cold UrbanGlass studio that morning, many wearing coats. The temperatures contrasted with the atmosphere in the room, more intimate and informal as the symposium entered its second day, and the dialogue began to flow more freely. Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

Nearly 100 attendees huddled together in the cold UrbanGlass studio that morning, many wearing coats. The temperatures contrasted with the atmosphere in the room, more intimate and informal as the symposium entered its second day, and the dialogue began to flow more freely. Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

 

Jens Pfeifer, responsable du programme verre de la Gerrit Rietveld Academy à Amsterdam et Marc Barreda ont tous deux démarré les présentations du samedi dans l’atelier flambant neuf d’UrbanGlass. Cet endroit est un véritable paradis pour tous les adeptes d’ateliers verriers. Malheureusement le système de ventilation était tellement performant que nous avons dû garder nos manteaux et laisser les fours ouverts pour rester au chaud entre les activités, ce qui n’a pas entamé notre motivation. Une nouvelle journée remplie de présentations de qualité, d’une démonstration d’Alexander Rosenberg, responsable du programme verre de l’University of the Arts, et qui s’est achevée sur un superbe discours de Rony Plesl et Klára Horáčková du département verre de l’Academy d’Art, Architecture et Design de Prague.

 

The symposium's final presentation was by the Head of Studio at the Glass Department of the Academy of Art, Architecture, and Design in Prague and an Assistant Professor there. Rony Plesl and Klára Horáčková gave a tour of student work showing several of their own and their students' design and art projects demonstrating a confident approach that accepts no boundaries. Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

The symposium’s final presentation was by the Head of Studio at the Glass Department of the Academy of Art, Architecture, and Design in Prague and an Assistant Professor there. Rony Plesl and Klára Horáčková gave a tour of student work showing several of their own and their students’ design and art projects demonstrating a confident approach that accepts no boundaries. Photo by Andrew Page, courtesy Robert M. Mlnkoff Foundation

 

Nul doute que ce symposium a été un franc succès et les participants sont largement d’accord pour dire qu’une seconde édition serait bénéfique pour l’ensemble de la communauté du verre. Mais pour conserver notre ouverture d’esprit, Jack Wax avais clairement mentionné dans son discours d’ouverture l’importance de rester le plus honnête possible, de faire preuve d’auto- critique et de ne pas perdre de vue l’objectif initial du rassemblement. Car en dépit de la grande qualité des interventions et de la transparence des dialogues qui ont eu lieu, il m’est arrivé de penser que certains mots tels qu’ ‘atelier verrier’, ‘artiste verrier’, ‘verre d’art’, ‘techniques du verre’, etc. étaient peut être employés à outrance. Comme très souvent dans les situations où se côtoient des personnes d’avis similaires, le risque de se caresser un peu trop dans le sens du poil est fort. En tant qu’enseignants, nous devons toujours veiller à nous soucier des étudiants avant tout, et non de choses qui faciliteraient des besoins institutionnels ou nos intérêts académiques.

 

La route est longue et le travail ne fait que commencer, mais grâce aux organisateurs du symposium, une plateforme a été ouverte pour permettre le débat. Le côté réfléchi de l’événement a permis de donner lieu à des discussions approfondies dans une atmosphère détendue et je suis convaincu que ces journées ont été propices à la création de partenariats durables. Espérons que nous pourrons poursuivre le débat au cours d’événements similaires dans le futur. A cette fin, Jens Pfeifer et Marc Barred nous ont déjà annoncé la création d’une plateforme internet appelée ‘The Glass Virus’. C’est un nouveau « groupe de réflexion international en ligne dédié aux nouvelles stratégies en matière d’éducation dans l’art du verre »  . Ce sera assurément un bon moyen d’ouvrir la discussion à un plus large public. Vous pouvez aller jeter un œil sur www.facebook.com/theglassvirus.

 

 

La communauté du verre est progressivement en train de se dessiner. Etre partie intégrante de ce pas en avant supplémentaire fut très agréable et j’ai observé avec beaucoup d’intérêt les différences entre les intervenants venant d’Europe et leurs homologues américains et australiens. Une chose m’a pourtant parue étrange. En dépit du fait que la majorité des programmes d’enseignement du verre soient intégrés au sein d’un groupement artistique plus large, souvent d’un département d’artisanat ou de design, personne n’était présent pour représenter ces autres départements. Et malgré la présence d’un petit groupe d’étudiant, aucun réel moyen n’avait été mis en place pour leur permettre donner leur avis. Vu le thème de la plupart des présentations, il aurait été très intéressant de connaître l’avis objectif de ces groupes. Après tout, si nous voulons vraiment nous soucier de nos étudiants et de notre position au sens plus large, nous devons veiller à n’exclure personne. Je suis curieux de voir de quelle façon ce débat va évoluer, et qui se lancera pour pousser la discussion en dehors de ses zones de confort et permettre au verre de franchir ses barrières en tant que matériau pour s’inclure dans le contexte plus large de l’Art, de l’Artisanat et du Design.

 

Mais chaque chose en son temps. Merci Robert et Andrew, pour ce fabuleux événement si bien organisé. J’ai hâte de participer à sa prochaine édition.

https://www.facebook.com/theglassvirus et http://theglassvirus.tumblr.com, dernière visite en Décembre 2013.

 

Koen Vanderstukken est un sculpteur et enseignant renommé. Son travail a été exposé dans des centres importants du monde, à Amsterdam, Paris, Prague et Venise ainsi qu’à New York, Chicago et Montréal. Il a tenu des séminaires et des cours de master en Europe et en Amérique du Nord, en plus d’enseigner pendant 10 ans au State Institute of Art and Crafts de Mechelen en Belgique. Depuis 2006, il est professeur et responsable de l’atelier du département verre du Sheridan College à Oakville en Ontario, Canada. 

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