Glass Gathering 2015

June 30, 2016

Author: Stephanie Baness

 

In September of 2012, Megan Smith and Sylvie Jensen organized the first Glass Gathering at Sheridan College in Oakville, Ontario. The event was planned as an opportunity for glass artists to get together and spend the day socializing, participating in the Glass Olympics, watching demos, attending lectures and bidding on fabulous (primarily) glass items at the silent auction. To add to the enjoyment, the Sheridan Alumni Association generously hosted a catered lunch for the event.

 

The Glass Gathering has grown steadily since 2012. Last year was the busiest gathering yet, with 300 attendees arriving from the U.S. and all across Canada.

 

Glass Gathering 2015 was packed with a diverse array of demos, speakers and events. One of the first highlights of Glass Gathering 2015 was the lecture by Philip Vinson & Chuck Wells from The Mobile Glassblowing Studios in Georgia. They discussed the creation of their portable furnace, Little Dragon Glass Furnace, took questions from the audience, then lead everyone down the hall for a demonstration of the furnace. Throughout the day, everyone was encouraged to try the furnace out by making cups, which annealed in 60 minutes using the Continuous Annealing Tube (CAT-60) that is attached to the furnace.

 

Phillip Vinson and Chuck Wells with the Little Dragon Glass Furnace. (photo by Andrew Synders)

Phillip Vinson and Chuck Wells with the Little Dragon Glass Furnace. (photo by Andrew Synders)

 

The hot shop at Sheridan College was the center of activity with demonstrations throughout the day that attracted crowds of attendees. In the morning, the demos included Koen Vanderstukken presenting two-part sand molds and Patrick Primeau creating a blown vessel. Alyssa Getz and Tommy Cudmore created a Loveguin, to the delight of the spectators. In the afternoon, Sue Rankin, Sally McCubbin, Blaise Campbell and Silvia Taylor created a gorgeous floral vase, followed by a high octane “Squirrels” demo from Angus Powers with his team of students from Alfred University.

 

Blaise Campbell entertaining the crowd. (photo by Andrew Synders)

Blaise Campbell entertaining the crowd. (photo by Andrew Synders)

 

The flameworking studio had nonstop guest demos in both the soft and borosilicate glass mediums: bead making, ornament blowing and finishing techniques. The American Scientific Glassblowers Society wrapped up the day with interesting torch and lathe demos.

 

Even the kiln studio hosted activities, including Kasia Czarnota’s demo, “Multi-Part & Hollow Core Moulds,” Fantasy in Glass’ presentation, “Glass Fusing, Slumping & Reactives” and Roxanne Tocher’s “Wax Folding” Demo.

 

For those attendees who wanted to sit down for a bit, the lecture room provided a great alternative to the activity in the other studios. The lecture series included talks by Jessie Trott and Jim Elliot, Josh Hershman, Caroline Ouellette, Catherine Labonté, Leana Quade and Angus Powers. The lecture series ended with a spirited panel discussion, “Can Pipes be Art?” As a grand finale, Alfred Engerer entertained us with a short film, “I’m not Jeff, Jeff’s my brother”—a hilarious recounting of how strangers continuously mistake him for Jeff Goldblum.

 

Catherine Labonté addressing the audience. (photo by Andrew Synders)

Catherine Labonté addressing the audience. (photo by Andrew Synders)

 

The final event of the day was the Glass Olympics with five teams competing for bragging rights and mini trophies. Always a crowd favorite, this year’s event did not disappoint. The teams made amazing pieces and showcased incredible skills and talent. In the end, everyone went home a winner.

 

Teams get organized for Olympics. (photo by Andrew Synders)

Teams get organized for Olympics. (photo by Andrew Synders)

Ken Hockin (left) and Justin Adams (right) getting creative. (photo by Andrew Synders)

Ken Hockin (left) and Justin Adams (right) getting creative. (photo by Andrew Synders)

The sand casters show off their mad skills. (photo by Andrew Synders)

The sand casters show off their mad skills. (photo by Andrew Synders)

 

One young event goer summed up the day with her hand written note:

 

Hand written note by Adriana (photo by Andrew Synders)

Hand written note by Adriana (photo by Andrew Synders)

The Glass Gathering 2016 will be on September 10, 2016.

For more information of attending please visit: http://glassgathering.com/

For information on getting involved, please visit: http://glassgathering.com/GetInvolved

 

 

Authors Biography:

Stephanie Baness moved from Chicago to enroll in the glass program at Sheridan College. She has completed her studies and is working on beginning her new life in glass.

 

 

Reunion du verre 2015

Auteur: Stephanie Baness

En septembre 2012, Megan Smith et Sylvie Jensen on organisé  la première  reunion de verre a Sheridan College, à  Oakville en Ontario. L’événement  a été une opportunité  pour les artistes en verre de se réunir   et partager une journée  pour fraterniser  entre eux. Ils ont  participé   à  une Olympique  de verre, suivi des ateliers, assisté  à  des lectures et ont eu  l’opportunité  de participer à  une enchère  silencieuse  de verre . Pour  aider à  l’événement,  l’association des gradués de Sheridan  à organisé  un repas fourni  par un restorateur pour l’événement .

L’événement  du verre est en  progression depuis 2012. L’an dernier  a été  le rassemblement le plus fréquenté  avec plus de 300 personnes venues des Etats-Unis, et de plusieurs régions du Canada.

Le regroupement  du verre 2015 a acueilli des orateurs  ,de demontrastions diverses  et beaucoup d’événements . Le premier  des événements  spéciaux   a été  la présentation donnée  par Phillip Vinson et Chuck Wells qui  viennent de “ The Mobile Glassblowing Studios” en Georganie . Ils ont discute de  la creation de leur four portable, nommé  “ Little Dragon Glass Furnace”,ils ont repondu à  des  questions de l’audience   puis ils ont  invité les participants à une démonstration  du fourneaux . Durant  la journée, les gens ont été  invités à  essayer  le fourneau  en fabriquant des tasses qu’ils pouvaient  faire refroidir lentement  en 60 minutes en utilisant un tube  appelé  “Continuous Annealing Tube(CAT-60)”. Ce tube est attaché  aux fourneaux .

 

Phillip Vinson and Chuck Wells with the Little Dragon Glass Furnace. (photo by Andrew Synders)

Phillip Vinson and Chuck Wells with the Little Dragon Glass Furnace. (photo by Andrew Synders)

 

Durant la journee, le studio  de four à  Sheridan College a été  le centre d’activités  avec des démonstrations qui ont attiré  un grand nombre de personnes. Durant la matinée, la démonstration  a inclus Koen Vanderstukken qui a présenté deux parties   sable encastrées et Patrick  Primeau qui as créé  un verre soufflé. Alyssa Getz et Tommy Cudmore créèrent  un “LOVEQUIN” au grand plaisir des spectateurs. Durant l’apres midi, Sue Rankin, Sally McCubbin, Blaise Campbell et Silvia Taylor ont créé un merveilleux vase floral suivi d’une démonstration d’octane à  haute température  “squirrels” par Angus Powers avec son équipe  d’étudiants de l’Université Alfred.

 

Blaise Campbell entertaining the crowd. (photo by Andrew Synders)

Blaise Campbell entertaining the crowd. (photo by Andrew Synders)

 

Le studio des chalumeaux a été tres occupe:  des démonstrations   sur le médium  du verre tendre et le verre borosilicate : fabrication de perles de verre, ornements soufflés  et techniques de finition. L’association américaine  scientifique de verre soufflé  a terminé  la journée  avec des démonstrations  intéressantes   de chalumeaux  et  de travail sur un tour.

Le studio de fourneaux  a présenté  beaucoup d’activités qui incluent Kasia Czarnota avec la présentation  de Part et Hollow Core  Moulds. La présentation  “ Fantaisie en verre”, ”Verre  soudé  ,fondu et réactivité ”. La demonstration de Roxanne Tocher “Cire plie”.

Pour les participants qui voulaient se reposer , un peu la chambre  de lecture a parmi aux invités  un bonne alternative aux activités dans les studios. La serie de lecture a inclus des présentations  par Jessie Trott et Jim Elliot, Josh Hershman, Caroline Ouellette, Catherine Labonte, Leana Quade et Angus Powers. La serie de lecture  s’est terminée  avec une discussion  animée  sur le sujet de la question: est-ce que les tubes peuvent etre considérés  comme art?. En grande finale, Alfred Engerer nous as divertis avec son court film “je ne suis pas Jeff, Jeff est mon frere”,  une comédie  qui raconte comment les étrangers  le confondent toujours à  Jeff Goldblum.

 

Catherine Labonté addressing the audience. (photo by Andrew Synders)

Catherine Labonté addressing the audience. (photo by Andrew Synders)

 

Le dernier événement  de la journée  a  été  les Olympiques du verre avec quatre équipes qui se sont partagé les honneurs et les petits trophées . Comme toujours, pour leur activité favorite de l’événement  les participants n’ont pas étés désappointés: Les équipes  ont fabriqué  des pièces  magnifiques  et ont démontré des qualités de travail et talents incroyables. Finalement,  tout les gens son retournés chez eux gagnants.

 

Teams get organized for Olympics. (photo by Andrew Synders)

Teams get organized for Olympics. (photo by Andrew Synders)

 

Ken Hockin (left) and Justin Adams (right) getting creative. (photo by Andrew Synders)

Ken Hockin (left) and Justin Adams (right) getting creative. (photo by Andrew Synders)

 

The sand casters show off their mad skills. (photo by Andrew Synders)

The sand casters show off their mad skills. (photo by Andrew Synders)

 

Une jeune  participante décrit  bien le résultat  de la journee  avec sa note écrite.

 

Hand written note by Adriana (photo by Andrew Synders)

Hand written note by Adriana (photo by Andrew Synders)

 

Pour la Reunion du verre en 2016 l’événement  sera le 10 Septembre 2016

Pour plus d’informations pour  participer, visitez le site : http://glassgathering.com

Pour plus d’information  pour aider à  l’evenement, visitez le site :http://glassgathering.com/Getinvolved

 

 

 

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How to save the World (and Money)

March 15, 2016

by Ed Colberg

 

 

I have always marveled at the amount of waste heat that is blown to the atmosphere in many of the hot glass studios I have visited.  It seems to me that studios have been slow to adapt with changing times.  The equipment in some studios seems like fossils from the early days of the studio glass movement – a time when energy efficiency was not the urgent concern that it is today.

 

It seems a safe prediction that the move towards energy efficiency and green energy sources on a global scale is set to increase exponentially in the near future.  The recent agreement negotiated at the Paris Climate Conference likely means some form of new taxation on energy consumption to encourage energy efficiency and to help fund investment in green energy.  Those of us who make our work in a hot shop need to look for ways to reduce our energy use, both for environmental sustainability and for the financial viability of our studios.

 

Lucky for us, the technology to make this shift is already being used.  One long-standing and relatively simple means of reducing energy consumption is through recuperation.  Recuperators are air-to-air heat exchangers that capture some of the waste heat from the exhaust gasses going out the flue and transfer that heat to the incoming air that will be mixed with the fuel gas.  In large-scale glass industry it has long been standard to use recuperators on melt furnaces to recycle waste heat back into usable energy.

 

Furnaces and glory holes operate in a state of equilibrium to maintain a constant temperature within the furnace – they lose heat to the surroundings at the same rate that heat is introduced.  In a typical furnace the exhaust gasses leaving the furnace are close to 2000℉ and are vented straight to the atmosphere.  If you give a furnace, preheated 1000℉, air, you only need to supply fuel to heat the air another 1000℉ to achieve working temperature.  This greatly reduces the amount of energy needed to bring the combustion air up to operating temperature.

 

Recuperation is a positive feedback system.  The more efficiently one aspect of the system runs, the more efficiently the rest of the system runs.  By increasing efficiency through better insulation and better door fit, you greatly reduce the amount of gas needed to maintain equilibrium, thereby causing the exhaust to move through the recuperator more slowly.  As the exhaust exits more slowly, the intake air also moves more slowly, giving the exhaust and intake air more time in the recuperator to exchange heat.

 

Hub Consolidated recuperators will work well with lower temperature burners in the 300-800℉ range.  A Hub recuperator designed to work on a furnace of 150,000 – 250,000 BTU costs $930.  A highly efficient Correll recuperator/burner system, capable of recouping from a 1200℉ burner, costs $2950 for a 200,000 BTU furnace.  Though recuperators are somewhat expensive, fuel savings of 30-40% are quite common.  Depending on usage and fuel costs, a recuperator can quickly pay for itself and continue to return that investment for years to come.

 

How much is your monthly gas bill?  Wouldn’t it be nice to reduce it by one-third, all while dramatically reducing your carbon footprint?  Unless you’re a climate denier who doesn’t like saving money, it seems like a no-brainer.

 

Ed Colberg was first introduced to working with hot glass in 2005. He has studied glass blowing and glass sculpture with many prominent artists in the Canadian and International glass art community. He graduated with Distinction from the Alberta College of Art + Design in 2014.  Ed currently lives in Toronto, Ontario where he is a full time Artist-in-Residence in the glass studio at Harbourfront Centre. Ed is greatly influenced by nature and intangible aspects of human experience.

 

 

 

Comment sauver la Planète (et de l’Argent)

par Ed Colberg

 

 

J’ai toujours été perturbé par la quantité de chaleur gaspillée dans les ateliers de soufflage que j’ai visités. J’ai le sentiment que les ateliers ont mis du temps pour s’adapter aux évolutions de notre époque actuelle. Le matériel dans certains endroits est digne des fossiles des tout débuts du verre en atelier, du temps où les économies d’énergies n’étaient alors pas une priorité.

 

Tout porte à croire que cet élan vers une énergie verte sans gaspillage va rapidement prendre de l’ampleur à l’échelle mondiale. Les récents accords de la Conférence sur le Climat à Paris visent à l’instauration d’une nouvelle taxe sur la consommation d’énergie pour inciter  à économiser l’énergie et favoriser les investissements dans l’énergie renouvelable. Ceux qui parmi nous travaillent dans un atelier de soufflage devront se renseigner sur les moyens d’économiser leur consommation d’énergie, tant pour des raisons environnementales que pour des raisons financières.

 

Fort heureusement, il existe déjà des technologies pour y parvenir. L’un des moyens les plus simples et les plus connus de réduire la consommation est le principe de la récupération. Les récupérateurs sont des échangeurs d’air qui captent la chaleur des gaz d’échappement sortant des conduits et la transfèrent à l’air entrant pour être mêlé au gaz du combustible. Dans les grosses usines de production de verre, cela fait longtemps que les récupérateurs ont été installés au dessus des fours à pot pour recycler la chaleur perdue en énergie utile.

 

Les fours et les creusets doivent maintenir une température constante à l’intérieur, ils équilibrent chaque fois la chaleur perdue en extérieur. Dans la plupart des fours, les gaz qui s’échappent approchent les 2000°F et sont ventilés directement à l’air libre. Si vous nourrissez un four avec de l’air préchauffé à 1000°F, vous n’aurez besoin que de fournir l’énergie pour 1000°F de plus avant d’obtenir la bonne température de travail. Cela réduit par beaucoup la quantité d’énergie nécessaire pour atteindre une température suffisante.

 

Le système de récupération n’apporte que du bon. Plus un paramètre est efficace, plus le reste du système fonctionne bien. En améliorant l’efficacité par une meilleure isolation et de bonnes jointures, vous réduisez largement la quantité de combustible requis pour maintenir cet équilibre, la chaleur s’échappe alors plus lentement par le récupérateur. Comme elle sort plus lentement, l’air aspiré circule plus lentement, ce qui donne au gaz d’échappement et à l’air introduit plus de temps dans le récupérateur pour s’échanger la chaleur.

 

Les récupérateurs Hub Consolidated fonctionnent bien avec les brûleurs de basse température entre 300 et 800°F. Un récupérateur Hub conçu pour un four de 150 000 – 250 000 BTU coûte $930. Un récupérateur hautement efficace du type Correll système récupérateur/brûleur, capable de récupérer d’un brûleur à 1200°F, coûte $2950 pour un four de 200 000 BTU. Bien que les récupérateurs soient relativement chers, ils permettent en général une économie de combustible d’environ 30 à 40 %. En fonction de l’utilisation et du coût du combustible, un récupérateur peut se rentabiliser rapidement et continuer à rapporter durant les années suivantes.

 

Combien coûte votre facture d’énergie? Ne serait-ce pas agréable de pouvoir la réduire d’un tiers, tout en réduisant de beaucoup votre empreinte carbone ? A moins d’être climato-sceptique et de ne pas vouloir économiser d’argent, cela a tout l’air d’une bonne affaire.

 

Ed Colberg a commencé à travailler le verre à chaud en 2005. Il a étudié le soufflage et la sculpture du verre avec de nombreux artistes reconnus dans la communauté du verre canadienne et internationale. Il a obtenu son diplôme avec Mention de l’Alberta College of Art + Design en 2014.  Ed habite actuellement à Toronto en Ontario, où il est artiste en résidence à plein temps dans l’atelier verrier du Centre Harbourfront. Ed puise ses influences dans la nature et les aspects intangibles de l’être humain.

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From the Archives (Winter 2008)

The Fumed Vessels of Jim Norton

by Julia and Yolande Krueger

 

 

Bubbles fill the air as the warm breeze carries them from their wand. The beautiful, round spheres dance in the air currents as the sun brings to life their magical colours; greens, purples, and blues blur into sight just as new colours start to form, and then – ‘POP’, and it’s gone. The fleeting life of the bubble and the beauty it creates is short lived in its dance on the breeze. However, the beauty that the bubbles’ iridescent surfaces create do not have to be so short. This beauty can be frozen in time and captured on the surfaces of fumed/iridescent glass.

 

Norton, Jim. Portrait. photo credit: Gary Stefko 02.Norton, Jim. Spots and Stripes Vases (2008), fumed blown glass, tallest vase 47.5cm. photo credit: Gary Stefko 03.Norton, Jim. Spiral Pattern Vase (2008), fumed blown glass. photo credit: Gary Stefko 04.	Double-Struggle Glass Studio, Calgary, 2008. Note the fuming hood to the right of the furnace. photo credit: Gary Stefko

Norton, Jim. Portrait. photo credit: Gary Stefko

 

Calgary based glass artist Jim Norton first fumed glass during his studies at the Alberta College of Art and Design in Calgary (fig. 1). In an old shovel filled with tin chloride a hot bit of glass was rolled in the solution to create vapours. The soon to be fumed piece of glass would be held above the vapours allowing them to encompass its surface, giving it its iridescent sheen. From 1981-1987 Norton worked at Skookum Art Glass, Calgary where he also fumed many pieces. In 1985 Norton founded the Double-Struggle Glass Studio in Calgary with Marty Kaufman, and in 1989 Barry Fairbairn purchased Kaufman’s half of the business. Norton’s repertoire consists of five basic vase shapes where he applies a variety of different surface treatments. His two most popular surface treatments, or series, are Spots and Stripes (fig. 2) and Spiral Pattern Vases (fig. 3). Both of these series are fumed.

 

Norton, Jim. Spots and Stripes Vases (2008), fumed blown glass, tallest vase 47.5cm. photo credit: Gary Stefko

Norton, Jim. Spots and Stripes Vases (2008), fumed blown glass, tallest vase 47.5cm. photo credit: Gary Stefko

 

One of the most famous examples of fumed or iridescent glass is the Jack-in-the-Pulpit Vase c. 1900 by Louis Comfort Tiffany. Tiffany admired and owned examples of iridescent glass from the Roman times. When glass is buried for centuries, its surface is corroded by carbonic acid creating an iridescent surface which splits light and creates a prismatic effect. From the 1890s onwards, Tiffany’s glass chemists sprayed works with tin chloride in a reducing flame to mimic the Roman wares he so admired. Tiffany patented this technique which he called “favrile” in 1890. However, Tiffany was not the first to attempt to create an iridescent effect. In 1873, the Austrian firmof J. & L. Lobmeyr exhibited examples of iridescent glass at the Vienna International Exhibition. Another example of iridized glass from the early 1900s and onwards is the immensely popular Carnival Glass. Also known as “the poor man’s Tiffany” or “the working man’s Tiffany”, Carnival glass was press moulded and hand finished. The hot pieces were sprayed with various metallic solutions such as iron and tin chloride. The liquid would evaporate leaving a metallic film on the surface. The solutions were made in a separate building called “the dope house” and the solution was commonly referred to as “dope”.

 

Norton, Jim. Spiral Pattern Vase (2008), fumed blown glass. photo credit: Gary Stefko

Norton, Jim. Spiral Pattern Vase (2008), fumed blown glass. photo credit: Gary Stefko

 

Norton begins a fumed piece in the same way that he produces any other hand blown piece. He gathers the glass, blows and caps, and shapes the piece. However, according to Norton, colour choices are critical. In order to achieve the maximum iridescence, he starts with a dark, opaque piece of colour bar, and coats his final gather with reducing colours such as “gold-brown” or “iris-violet”. For example, once all the colours have been applied to a Spiral Pattern Vase, Norton trails clear glass in a spiral pattern over the entire surface. The clear glass masks the chrome-like surface of the reduced colours. This step is very important because when the piece is fumed, the chrome-like surface will be very reactive to the process whereas the clear-glass surface will be extremely subtle.

 

Once the entire pattern has been applied, the piece is blown, transferred, and completed. If the piece was not to be fumed, it would be finished. However, in order to fume it, the piece must be reduced and have even heat. Norton explains that this reheating should be done over a number of quick flashes and that the punty should just be starting to move, yet not so hot that the entire piece is changing shape. If the piece is too hot when it is fumed, it will result in a matt-grey surface, and if the piece is too cold, it will crack.

 

Fairbairn built the fuming hood at Double-Struggle Glass Studio (fig. 4). It consists of a vacuum, a nylon barrel, Masonite door, air extractor with a filter and a sprayer. Norton explains that it is crucial that one have a proper ventilation system in place when fuming because the by-product of this process is chlorine gas. Once the piece has an even temperature and is fully reduced, it is placed inside the nylon barrel, and the vacuum (which is set to blow, not suck) is turned on using a foot pedal switch. Quick vacuum powered sprays of methyl alcohol and tin chloride are dispersed into the nylon barrel, coating the hot piece. The liquid evaporates, leaving a shiny metallic surface. The piece may be sprayed a couple of times, but it cannot be reheated or reshaped. After the fuming process is complete, one quick reheat or flash is important before it is annealed.

 

Double-Struggle Glass Studio, Calgary, 2008. Note the fuming hood to the right of the furnace. photo credit: Gary Stefko

Double-Struggle Glass Studio, Calgary, 2008. Note the fuming hood to the right of the furnace. photo credit: Gary Stefko

 

Experimentation can happen within this process. Norton has fumed surfaces and then gathered on top of them creating a “fish scale-like surface”. He has also applied it to nonuniform surfaces where the fuming solution gathers in some areas and is thin in others. The thickness of the glass can also be a determining factor in the final results.

 

Over the past 30 years that Norton has been working with glass, he has contributed a great deal to Canada’s functional glass history. With his fumed pieces, which can be found in numerous galleries across Canada, he has been able to capture the beauty of the short-lived iridescent bubble. His pieces are full of colour, life, and happiness.

 

 

References cited:

David Battie and Simon Cottle, Sotheby’s Concise Encyclopedia of Glass (London: Conran Octopus, 1991), 147.

RobertJ. Charleston, Masterpieces of Glass: A World History from the Corning Museum of Glass. (New York: Harry N. Abrams, Inc. Publishers, 1990), 208.

Glen and Stephen Thistlewood, Carnival Glass: the Magic and the Mystery (Atglen, PA: Schieffer Publishing, Ltd., 1998), 8-11.

 

 

 

Les Vase Fumés ou Iridescents de Jim Norton

par Julia et Yolande Krueger

 

 

 

Des bulles de savon, qui envahissent l’air, sont arrachées de leur anneau par le vent chaud. De belles sphères rondes dansent dans les courants d’air, pendant que le soleil intensifie la beauté de leurs fantastiques couleurs vertes, mauves et bleues. Celles-ci apparaissent, en formant de nouvelles couleurs, et POUF, la bulle a disparu. Si la vie et la beauté des bulles sont éphémères, la surface irisée de la bulle n’est pas obligée de l’être, puisqu’elle peut être capturée sur la surface du verre fumé ou iridescent.

 

Norton, Jim. Portrait. photo credit: Gary Stefko 02.Norton, Jim. Spots and Stripes Vases (2008), verre soufflé et fumé, le plus grand vase 47.5cm. photo credit: Gary Stefko 03.	Norton, Jim. Spiral Pattern Vase (2008), verre soufflé et fumé. photo credit: Gary Stefko 04.	Double-Struggle Glass Studio, Calgary, 2008. Notez la hotte pour fumé le verre à la droite du four. photo credit: Gary Stefko

Norton, Jim. Portrait. photo credit: Gary Stefko

 

Installé à Calgary, l’artiste verrier Jim Norton fait sa première expérience pour fabriquer du verre iridescent, Durant ses études au Alberta College of Art and Design à Calgary (fig. 1). Il place un morceau de verre en fusion dans une pelle remplie de chlorure d’étain pour créer des vapeurs. La pièce de verre est tenue au-dessus des vapeurs afin de bien couvrir toute la surface et de donner au verre une propriété irisée uniforme. De 1981 à 1987, Jim Norton travaille à l’atelier Skookum Art Glass à Calgary, où il produit plusieurs pièces en verre iridescent. En 1985, il fonde avec Marty Kaufman, Double-Struggle Glass Studio à Calgary, et en 1989 Barry Fairbairn achète la part de Marty Kaufman. Le répertoire de Jim Norton consiste en cinq forms de vases avec une variété de traitements de surface. Les deux séries de verre iridescent les plus appréciées sont les vases à pois et à rayures (fig. 2) et les vases spiralés (fig. 3).

 

Norton, Jim. Spots and Stripes Vases (2008), verre soufflé et fumé, le plus grand vase 47.5cm. photo credit: Gary Stefko

Norton, Jim. Spots and Stripes Vases (2008), verre soufflé et fumé, le plus grand vase 47.5cm. photo credit: Gary Stefko

 

L’exemple le plus connu de pièce en verre fumé ou iridescent est le vase Jack-in-the-Pulpit (NDLR: Arisema triphylle, petit prêcheur) c.1900 de Louis Comfort Tiffany. Il admirait beaucoup le verre iridescent et il en possèdait plusieurs exemplaires datant de l’époque des Romains. Lorsque le verre est enfoui pendant des siècles, sa surface est corrodée par la formation d’acide carbonique créant une surface irisée où la lumière se divise en deux pour produire l’effet prismatique. Dans les années 1890, les chimistes verriers de la compagnie Tiffany vaporisaient les pièces avec du chlorure d’étain sur une flamme réduite pour imiter les pièces romaines tant admirées par Louis Comfort Tiffany. Cette technique que Louis Comfort Tiffany nomma «favrile» fut brevetée en 1890. Toutefois, Tiffany n’est pas le premier à avoir essayé de recréé l’effet irisé. En 1873, la firme autrichienne J. & L. Lobmeyr a présenté plusieurs exemples de verre irisé à l’Exposition Internationale de Vienne. Un autre exemple de verre irisé du debut des années 1900 est le très populaire verre Carnaval. Aussi connu comme «le verre Tiffany des pauvres et des ouvriers», le verre Carnaval était pressé dans des moules et fini à la main. Les pièces chaudes étaient vaporisées de plusieurs solutions métalliques comme les chlorures de fer et d’étain. Le liquid s’évaporait pour laisser une mince couche métallique en surface. Ces solutions étaient mélangées dans un bâtiment isolé, appelé «la maison de dopage» et la solution était communément la «dope».

 

Norton, Jim. Spiral Pattern Vase (2008), verre soufflé et fumé. photo credit: Gary Stefko

Norton, Jim. Spiral Pattern Vase (2008), verre soufflé et fumé. photo credit: Gary Stefko

 

Jim Norton débute toutes ses pièces iridescentes de la même façon que les autres pièces en verre soufflé. Il cueille le verre, le soufflé, bouche la canne et donne la forme à la pièce désirée. Toutefois, selon Jim Norton, le choix des couleurs est très important. Pour atteindre le maximum d’irisation, il débute avec un morceau de verre en barre foncé et opaque qu’il couvre lors de sa dernière cueillette d’une couleur réduite comme un brun-doré ou un violet irisé. Une fois toutes les couleurs appliquées pour un vase Spiral, Norton applique des couches de verre transparent en mouvements spiralés sur toutes la surface. Le verre clair masque alors la surface brillante des couleurs réduites. Cette étape sera importante lorsque la pièce sera fumée et la surface brillante réagira au procédé tandis que la surface claire sera extrêmement subtile.

 

Une fois que tout le motif est appliqué, la pièce est soufflé, transférée et complétée. Si elle ne droit pas être fumée, elle est terminée. Toutefois, pour la fumer, la pièce doit être réduite et être chauffée uniformément. Jim Norton explique que le réchauffement doit être fait en plusieurs étapes sure le pontil sans trop chauffer pour le changer la forme. Si l’on fume une pièce trop chaude, la surface sera d’un ton gris mat tandis que si la pièce est trop froide, elle risqué de craquer.

 

Barry Fairbairn a construit une hotte pour fabriquer le verre iridescent chez Double-Struggle Glass Studio (fig. 4). Elle consiste en un aspirateur, un baril en nylon, une porte en masonite, un extracteur avec filtre et un vaporisateur. Jim Norton explique qu’un bon système de ventilation est très important pour fumer le verre car il se dégage des vapeurs de chlore. Lorsque la pièce est à température uniforme et entièrement réduite, elle est placée dans le baril. L’aspirateur est ensuite activé avec une pédale pour souffler et non pour aspirer. L’aspirateur vaporise alors un mélange d’alcool méthylique et de chlorure d’étain dans le baril pour couvrir la pièce encore chaude. Le liquide s’évapore laissant une surface métallique et brillante. Les pièces peuvent être vaporisées à plusieurs reprises, mais elles ne doivent pas être réchauffeés ou remodelées. Une fois ce processus teminé, la pièce est réchauffé rapidement avant la recuisson.

 

Double-Struggle Glass Studio, Calgary, 2008. Notez la hotte pour fumé le verre à la droite du four. photo credit: Gary Stefko

Double-Struggle Glass Studio, Calgary, 2008. Notez la hotte pour fumé le verre à la droite du four. photo credit: Gary Stefko

 

L’expérimentation peut se faire Durant le procédé. Jim Norton a fumé plusieurs surfaces et a cueilli du verre sur le dessus pour créer une texture d’«écaille de poisson». Aussi, il a fumé des surfaces irrégulières où le mélange pour fumer n’était pas répandu uniformement. L’épaisseur du verre est un facteur déterminant pour le résultat final.

 

Pendant les 30 dernières années, Jim Norton a travaillé le verre et a beaucoup contribute à l’histoire du verre fonctionnel Canadien. Avec ses pièces de verre iridescent, présentes dans plusieurs galeries à travers le Canada, il a su capter la beauté éphémère de la bulle de savon irisée. Ses pièces sont remplies de couleurs, de vie et de bonheur.

 

 

Les Références citées:

 

David Battie and Simon Cottle, Sotheby’s Concise Encyclopedia of Glass (London: Conran Octopus, 1991), 147.

RobertJ. Charleston, Masterpieces of Glass: A World History from the Corning Museum of Glass. (New York: Harry N. Abrams, Inc. Publishers, 1990), 208.

Glen and Stephen Thistlewood, Carnival Glass: the Magic and the Mystery (Atglen, PA: Schieffer Publishing, Ltd., 1998), 8-11.

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From the Archives (Winter 1997)

by Gilles Désaulniers

 

 

If you want to locate Lybster in the north of Scotland, make sure that you have a large enough map! You may eventually notice a small fishing village on the east coast, approximately 150 km north of Inverness. About 30 km further north is the Caithness Glassworks, a factory that manufactures a line of glass products (their paperweights are worthy of attention). However, it was in Lybster that the sandcasting workshop took place, run by Bertil Vallien.

Why did the organizers choose this village of some 400 inhabitants over the town of Wick, which has better transportation and existing glass facilities? The intention of this project, which was delayed for ten years because of political and economic hold-ups, was to create for Britain – in fact, for the whole of Europe – a centre similar to Pilchuk that would embody the essence of the studio glass movement. The board included well-known British glass celebrities such as Keith Cummings. It was he who suggested starting off with a sandcasting workshop. And who better than Bertil Vallien to attract students?

The workshop took place September 16 to 21, 1996, and each day was filled with information and practical work. The reception on Sunday night gave participants the chance to meet the organizers as well as colleagues from Munich, Edinburgh, Glasgow, Wolverhampton, London…and Trois-Rivières. As time goes on, the participants will become even more international. Then it was time to roll up our sleeves and get down to work. On Monday, Bertil Vallien gave a long practical talk on a method he knows so well: sand, templates, enamels, annealing. Afterwards, he showed slides of the work he has done in recent years. In the afternoon, he demonstrated his technique, making two of his famous boats right there in front of us, giving us a running commentary at the same time. On Tuesday, the students faced the challenge of preparing the sand for the glass to be poured into. The thinner objects could be removed from the lehr the following day and thus guide the second attempt at sandcasting.

 

Gilles Désaulniers directs the pouring of glass. Lybster, Scotland, Sept. 1996

Gilles Désaulniers directs the pouring of glass. Lybster, Scotland, Sept. 1996

 

On Thursday, we and an additional ten participants listened to various speakers talking about glass and the studio glass movement. We listened to Keith Cummings and Bertil Vallien, who covered topics similar to those they presented to workshop participants, and we also had the pleasure of listening to lecturers such as Ray Flavell, head of glass at Edinburgh School of Art, Stuart Garfoot, senior lecturer in glass at the University of Wolverhampton, and Dan Klein, professor of glass at the University of Sunderland.

Soon it was Friday and some of the participants had to leave. Snapshots immortalized faces and works. Others stayed on to make a third piece, which they could take away the following day. The workshop was over. The time went by so fast that the learning didn’t fall into place until several days later.

 

Bertil Vallien entouré de ses stagiaires. Lybster (Écosse), Sept. 1996

Bertil Vallien entouré de ses stagiaires. Lybster (Écosse), Sept. 1996

 

A similar event is expected to take place in September 1997. The subject matter has yet to be decided, but the standards will certainly be high. It might be wise to mark it on one’s calendar and to write to North Land Creative Glass, Quatre-Bras, Lybster, Caithness KW3 6BN, United Kingdom. It seems that facilities will be available for those glass people who, apart from the workshops, just wish to come and use the equipment waiting in the house made of grey granite, like all the houses in the area.

 

Gilles Désaulniers introduced the teaching of glass art at the University of Québec at Trois-Rivières in 1968. He taught glass arts and headed the studio there for more than 25 years. Now retired, he devotes himself to creating sculptures by sandcasting or pâte de verre.

 

 

 

Bertil Vallien à Lybster (Écosse)

par Gilles Désaulniers

 

 

Assurez-vous que votre carte est assez détaillée si vous voulez localiser Lybster, au nord de l’Écosse. Vous pourrez finir par apercevoir ce petit port de pêche sure la côte est, à environ 150 km au nord d’Inverness. À une trentaine de kilomètres plus au nord, une verrerie, Caithness Glassworks, assure une production habituelle de verres utilitaires. Ses presse-papiers méritent une attention particulière. Pourtant c’est à Lybster que s’est tenu un atelier pratique de coulage du verre en sable, dirigé par Bertil Vallien.

Pourquoi les promoteurs ont-ils préféré ce petit port de 400 h. au lieu de Wick, localité mieux équipée pour le transport et déjà dotée d’une verrerie? Les appuis politiques aussi bien qu’économiques ont mis 10 longues années à mûrir ce projet qui voudrait doter les Iles britanniques, et tout l’Europe, d’une infrastructure capable de transmettre l’âme du renouveau esthétique du verre, à la façon de Pilchuck.

Le comité de direction du projet comprend des sommités anglaises du milieu verrier comme Keith Cummings. Ce dernier a suggéré que la première manifestation propose un atelier de coulage du verre en sable. Et qui mieux que Bertil Vallien offrait la renommée capable d’attirer les stagiaires?

Ce stage s’est inscrit au calendrier du 16 au 21 septembre 1996 et chaque journée a été remplie d’informations et de travail pratique. Dès le dimanche soir, une réception permettait aux participant(e)s de rencontrer les promoteurs aussi bien que les collègues venu(e)s de Munich, d’Édinbourg, de Glasgow, de Wolverhampton, de Londres et … de Trois-Rivières. Avec les années, la clientèle deviendra encore plus internationale. Puis, sans plus attendre, le moment est venu de retrousser nos manches et de travailler. Lundi, Bertil Vallien livre un long exposé technique sur une méthode qu’il maîtrise si bien : sable, gabarits, émaux, recuisson; il nous présente ensuite des diapositives illustrant son travail des dernières années. En après-midi il nous démontre sa façon de faire. Devant nous il prépare deux de ses célèbres bateaux en commentant abondamment ses gestes. Le mardi, les stagiaires abordent à leur tour le défi concret de préparer le sable pour y verser le verre. Les objets plus minces ont pu être sortis de l’arche à recuire le lendemain et ainsi guider une seconde tentative de coulage en sable.

 

Gilles Désaulniers directs the pouring of glass. Lybster, Scotland, Sept. 1996

Gilles Désaulniers directs the pouring of glass. Lybster, Scotland, Sept. 1996

 

La journée de jeudi avait prévu l’ajout d’une dizaine de participants additionnels venus entendre quelques conférenciers qui, du matin au soir, nous ont entretenu de divers sujets en rapport avec le verre et son renouveau esthétique. Nous avons entendu Keith Cummings et Bertil Vallien qui avaient déjà entretenu les stagiaires de sujets similaires. Nous avons eu le plaisir d’entendre également Ray Flavell, directeur de l’atelier de verre de l’École d’Art d’Édinbourg, Stuart Garfoot, conférencier sénior à l’Université de Wolverhampton ainsi que Dan Klein, professeur de verre à l’Université de Sunderland.

 

Bertil Vallien entouré de ses stagiaires. Lybster (Écosse), Sept. 1996

Bertil Vallien entouré de ses stagiaires. Lybster (Écosse), Sept. 1996

 

Déjà vendredi quelques stagiaires devaient partir. Des photos ont immortalisé stagiaires et œuvres. Certains ont pu réaliser une troisième œuvre qu’ils pourraient récupérer le lendemain. Le stage touchait à sa fin. Le temps avait coulé si vite que ce n’est que pendant les jours suivants que les apprentissages pourraient se fixer dans les esprits de chacun. Une expérience similaire prendra place en septembre 1997. Le sujet n’en est pas encore précisé mais le niveau de qualité sera sans doute maintenu. Il est peut-être sage d’inscrire déjà dans son agenda un séjour au North Land Creative Glass (Quatre-Bras, Lybster, Caithness KW3 6BN, United Kingdom). Il semble même que des facilités seront accessibles pour des verriers qui voudraient en dehors de tout stage venir utiliser les équipements installés dans une vieille maison de granit gris, comme toutes les habitations du coin.

 

Gilles Désaulniers a inscrit l’enseignement des arts verriers des 1968 dans la programmation de l’UQTR ou il a enseigné les arts verriers et dirigé l’atelier de verre pendant plus de vingt-cinq ans. Maintenant retiré, il se consacre à la création de volumes par coulage en sable ou pâte de verre.

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“A day in the life of art sales”

October 15, 2015

“Traditional vs. online selling of artwork”

by Ania Kyte

 

2015-GlassAssociation-AKyte-EtsyShop-9

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Part 1:

 

It’s an early start at 6:00 a.m. – just enough time to pack everything into my minivan and drive out in time to arrive for day one of this weekend’s craft show. Carefully, I stack up and load my displays, business cards, brochures, equipment, lights, power cables, tables and chairs, cloths, props, signage, cash float box and, of course, my artwork: glass beads and jewellery. I consult my checklist – if I forget anything, it will be difficult to set up my booth, and I will be in a panic to find ways to get through the day.

 

2015-GlassAssociation-AKyte-Shows-1

2015-GlassAssociation-AKyte-Shows-1

 

Since I want to look professional during the show hours, but be comfortable while unloading and setting up my booth, I bring a change of clothes. It will probably be a long day of standing on my feet on a concrete floor, so I also wear comfortable shoes. This is my first time at this show, so I’ve prepared coffee, water, lunch and snacks in case there is no concession stand and to save on expenses. I try to arrive at least two hours prior to the start of the show to make sure I can get set up before opening hours and be looking prepared, calm and ready to greet customers.

 

2015-GlassAssociation-AKyte-Shows-2

2015-GlassAssociation-AKyte-Shows-2

 

Once my booth is set up, I take time to make sure that all my artwork is grouped attractively, as well as labelled and priced (it’s embarrassing to mentally scramble for a price when a customer arrives to inquire about that particular item)! I’m always looking for creative ways to add interest to my display and this time is no exception – I’ve found a few lovely clear glass votive candle holders at a thrift shop and I use them to create little sand beaches for my artglass turtle beads. They’re great conversation starters and will hopefully turn out to be a desirable gift item for those shopping at this craft market.

 

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2015-GlassAssociation-AKyte-Shows-3

 

I’m always excited to show new clients my latest work, and I expect to be asked “What’s new?” at every venue, but I also try to have a variety of past and current items available for purchase to demonstrate the range of work I enjoy making. I have prepared a binder of archived custom-order photos to describe artwork I have created for other clients. It’s very satisfying to explain what I do, how I create my art and to hear direct feedback from customers. If they decide to purchase one of my pieces of glass or jewellery, I wrap it up carefully and hand it with pride to my newest client. I love hearing who the gift is being purchased for and seeing them enjoying their selection. The day may or may not be a sales success, but being prepared helps everything go smoothly and gives me a chance to locally show my artwork outside of my studio.

 

2015-GlassAssociation-AKyte-Shows-4

2015-GlassAssociation-AKyte-Shows-4

 

 

Part 2:

 

It’s 7:30 a.m. and I quickly throw on yoga pants and a t-shirt  – time to get my boys ready for school. Once they’re dropped off, my artisan day begins: it’s “Turtle Tuesday,” which means a series of specific studio and online tasks to get my artwork noticed by the big, wide world outside my studio. First, I do a quick check of my website to see if any information needs to be updated, then I clean new beads, take photographs and prepare detailed descriptions of each item.

 

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2015-GlassAssociation-AKyte-Website-5

 

I have designed a very basic website, as its purpose is mainly to introduce clients to my artwork, show archived photos of past custom orders and create a gateway to my other main online sales venue: Etsy (a virtual online storefront, to which there are links throughout my website and my Facebook account). It’s very easy to add new items for sale in my online shop. I try to take clear, close-up photographs in order to show my potential clients as much detail as possible since they can’t see the artwork in person before they purchase it.

 

2015-GlassAssociation-AKyte-EtsyShop-6

2015-GlassAssociation-AKyte-EtsyShop-6

 

 

Being part of an online shop gives my art the opportunity to be seen by an entire world of customers who might be interested in my work. Etsy has detailed features, which allow me to see a summary of how many people are looking at my beads and even, specifically, which items they really liked. I can even engage in conversations with customers through a chat program and get feedback about the glasswork they purchased in my shop.

 

2015-GlassAssociation-AKyte-EtsyShop-7

2015-GlassAssociation-AKyte-EtsyShop-7

 

Since my artwork may travel across the world to reach my new clients, I make sure to have a secure and attractive method of packaging so that it arrives safely, which means bubble wrap envelopes or parcel boxes. I include business cards and notes of appreciation, which I think go a long way in showing my professionalism and good customer service.

 

2015-GlassAssociation-AKyte-EtsyShop-8

2015-GlassAssociation-AKyte-EtsyShop-8

 

Ania discovered a fine sense of satisfaction when melting glass to create her own lampwork artglass beads, icicles and turtles. She sells her glass art at art markets, craft shows and online. Finding happiness in sharing her artform, Ania teaches private beadmaking classes in her bright glass studio, located in Mission, BC, Canada.

 

 

 

Une journée dans la vente d’objets art

Techniques de vente traditionnelle d’objets d’art vs vente en ligne

par Ania Kyte

 

 

2015- Boutique Etsy- AKyte -9

2015- Boutique Etsy- AKyte -9

 

Part 1:

 

La journée commence tôt, à 6h du matin. Tout juste le temps de charger mes affaires dans la fourgonnette et de faire la route pour arriver au premier jour de cette foire artisanale. Progressivement, j’installe mon présentoir : cartes de visites, brochures, matériel, éclairage, câbles électriques, tables et chaises, nappes, présentoirs, étiquettes, caisse de monnaie et pour finir mes objets d’arts : des perles de verre et des bijoux. Je vérifie dans ma liste que je n’ai rien oublié, sans quoi je serai mal installée et je passerai la journée à chercher des solutions à la va-vite.

 

2015-Exposition - AKyte-1

2015-Exposition – AKyte-1

 

Puisque je dois avoir l’air professionnel pendant les heures d’exposition, mais que j’ai aussi besoin d’être à l’aise pour le déchargement et l’installation, j’amène des vêtements de rechange. La journée sera longue et debout sur un sol de béton, donc je m’arme de chaussures confortables. Comme c’est la première fois que je me rends à cette foire artisanale, j’ai apporté du café, de l’eau, un repas et de quoi grignoter au cas où il n’y ait pas de stand de collation prévu, et pour économiser un peu d’argent. J’essaye d’arriver au moins deux heures avant l’ouverture pour avoir le temps de m’installer correctement, être sereine et prête à accueillir les clients.

 

2015-Exposition - AKyte-2

2015-Exposition – AKyte-2

 

Une fois mon stand installé, je prends le temps de disposer tout mon travail de façon attractive et je vérifie qu’il est étiqueté correctement avec les prix correspondants. (C’est toujours embarrassant d’avoir à farfouiller pour retrouver le prix d’un article lorsqu’un client vous le demande) ! Je cherche des moyens créatifs pour mettre en valeur mon stand et cette fois, j’ai trouvé de superbes bougeoirs en verre à une brocante et je les utilise pour agrémenter des petites plages de sable qui servent à mettre en avant mes perles de verre en tortues. Elles attirent souvent les acheteurs et sont de bonnes idées cadeaux.

 

2015-Exposition - AKyte-3

2015-Exposition – AKyte-3

 

Je suis toujours impatiente de pouvoir montrer aux clients mes dernières créations et je m’attends à être questionnée dessus à chaque occasion. J’essaye aussi de présenter un large choix de mes collections actuelles et passées pour montrer tout l’éventail de mes créations. J’ai préparé un classeur présentant les anciennes commandes pour présenter mon travail. C’est très agréable de pouvoir expliquer ce que je crée, comment je le réalise et d’avoir le retour direct des clients. S’ils décident d’acheter une de mes pièces en verre ou un de mes bijoux, je l’emballe délicatement et tends le paquet à mes nouveaux clients, non sans fierté. J’adore savoir à qui cela va être offert et de les voir se réjouir de leur choix. La journée peut être plus ou moins rentable, mais en étant bien préparée, c’est une très bonne occasion de pouvoir présenter mon travail en dehors de l’atelier.

 

2015-Exposition - AKyte-4

2015-Exposition – AKyte-4

 

 

Part 2:

Il est 7h30 du matin et j’enfile rapidement mon pantalon de yoga avec un t-shirt, c’est l’heure de préparer les garçons pour aller à l’école. Une fois qu’ils sont déposés, ma journée d’artisane peut commencer : le mardi c’est ‘tortues’, ce qui implique une série de taches spécifiques à l’atelier et en ligne qui contribueront à rendre mon travail visible en dehors de l’atelier. D’abord, je fais une vérification rapide sur mon site internet pour mettre à jour certaines informations. Ensuite, je nettoie les nouvelles perles, je fais des photos et je prépare une description détaillée pour chaque élément.

 

2015- Site Internet -AKyte -5

2015- Site Internet -AKyte -5

 

J’ai conçu un site web très basique, qui a pour but principal de présenter mon travail aux clients, montrer des photos d’anciennes commandes et de faire le lien avec mon autre portail de vente en ligne : Etsy (une boutique virtuelle en ligne qui est reliée à mon site et mon compte facebook). C’est très simple d’y ajouter de nouveaux produits pour les vendre en ligne. J’essaye de poster des photos nettes et en gros plan pour que les clients potentiels aient accès au maximum de détails, vu qu’ils ne peuvent pas voir les produits en vrai avant de les acheter.

 

2015- Boutique Etsy- AKyte 6

2015- Boutique Etsy- AKyte 6

 

Faire partie de cette boutique en ligne me donne l’opportunité de montrer mes créations à tout un panel de clients qui pourraient s’intéresser à mon travail. Etsy permet de connaitre dans le détail le nombre de gens qui visitent ma page et les articles qu’ils regardent. Je peux également discuter avec les clients au travers d’un tchat et avoir leur avis sur les articles qu’ils ont acheté dans ma boutique.

 

2015- Boutique Etsy- AKyte 7

2015- Boutique Etsy- AKyte 7

 

Comme mon travail peut être commandé à travers le monde, j’ai mis au point un emballage sécurisé et esthétique dans des enveloppes bullées ou des paquets pour faire en sorte que tout arrive entier. Je joins une carte de visite et une petite note de remerciement pour montrer mon professionnalisme et mon service client de qualité.

 

2015- Boutique Etsy- AKyte 8

2015- Boutique Etsy- AKyte 8

 

Ania s’est découvert une passion en faisant fondre du verre pour créer ses propres perles de verre au chalumeau, des stalactites et des tortues. Elle vend ses objets d’art dans des foires artisanales, des expositions d’art et sur internet. Comme elle aime beaucoup partager sa pratique, Ania donne des cours privés pour créer des perles dans son atelier verrier lumineux, situé à Mission, en BC au Canada.

 

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2012 GAAC Professional Project Grant

by Kasia Czarnota

 

In 2012, I was very happy to receive the GAAC Project Grant for Professionals. I had been flirting with the idea of the Matryoshka, or Russian stacking doll, form for a number of years (I even had sculpture concept designs and research notes dating back as far as when I was still in school at Sheridan College). I wanted make work based on the Matryoshka form, but have the actual figures fitting one inside the other. I had created one piece on the theme already and had an opportunity for a two-person exhibition in 2013. The GAAC grant afforded me the ability to accept the challenge and prepare for the exhibition.

 

I use the word “challenge” here because my life had changed dramatically during that period. My son, Adam, was about 18 months old when I learned I received the grant  –  a glorious age where he was both cheek-pinching adorable and constantly testing boundaries. I had also returned to a day job. Despite these two challenges to my time, I was very optimistic and excited about making new work.

 

I’ve always loved the kiln casting process because of the amount of time it takes. That sounds like a funny statement, but hear me out: I love blowing glass, but I have trouble thinking like a glassblower. Blowing glass is like chess, you’re moving very fast and always thinking three or four moves ahead. By contrast, I think a lot while in the making process, both about process and about the stories I’m trying to tell with my work. Using clay and wax in making sculptures allows for a lot of reflection. I can make a design to a point and then look at it, inspect it and alter it. I can walk away and think about the implications of what was just done, of how to mold it, how the glass will flow within it and how to polish all the nooks and crannies. I can decide if something will work in these first stages and change it if necessary. Working in this way allows for all kinds of creative play, but takes time.

 

From the outset, I knew I would be making the clay and wax sculptures at home because it made the most sense time-wise. The basement had been set up for this work, but over time I overtook the kitchen and dining room as well. Working in this way wasn’t a problem, and if I needed to melt wax, the melting pot setup on the back porch was only a couple steps away.

 

Mold making setup in the shed, inbetween the Vespa and pottery storage

Mold making setup in the shed, inbetween the Vespa and pottery storage

 

I was nervous about making the firing molds at home. I was used to working in proper studios, both at Sheridan and afterwards at Taliaferro Jones’ space. But again, it was the way to best use both my budget and time – I could work while everyone slept and I was steps away in case of emergencies. The molds were made in the backyard and in the shed. I used an old Ikea coffee table as my workspace. I happily, but awkwardly, worked on my knees with buckets and materials beside me on the floor. The molds were steamed out in another makeshift contraption, dried in the sun and transported to a studio for firing.

 

Images of the polishing and cold working setup in the shed

Images of the polishing and cold working setup in the shed

 

Images of the polishing and cold working setup in the shed

Images of the polishing and cold working setup in the shed

 

Once the molds were finished, the shed was again transformed into a polishing studio. There was no electricity, so tools and lights were powered via a long extension cord. I found some amazing products online that allowed me to use a Foredom for most of the polishing work, followed up by hand pads.

 

Dream and Wonder; Kiln cast crystal, hollow core mold technique

Dream and Wonder; Kiln cast crystal, hollow core mold technique

 

The funds received by this grant were mostly used to purchase mold-making and polishing supplies. I realized early on in the process that the way I originally budgeted was insufficient because the majority of the costs were in fact for plaster, silica, rubber and other mold-making materials. I was very lucky that I could transform parts of my living space into makeshift work/studio spaces so I could save money by not having to rent a studio. I am also indebted to Lucy Roussel for use of her kiln. I don’t know what I would have done without her.

 

Grace; Kiln cast crystal, oil paint.  You can see the dividing line for the Matryoshka near the elbows, and the purple “glow” is another figure on the interior; the arms are attached to the top

Grace; Kiln cast crystal, oil paint. You can see the dividing line for the Matryoshka near the elbows, and the purple “glow” is another figure on the interior; the arms are attached to the top

 

The grant allowed me to prepare and make work for an exhibition in Montreal at Galerie Elena Lee. The exhibition was a two-person show with Steven Tippin took place in the fall of 2013. I learned a lot technically about sculpting figures, working in multiples and fitting complex parts together as a whole. It was a great experience that I am very thankful for. Beyond that, the grant had an emotional impact as well. As a solitary artist, who thinks a lot about what I am making and why, I hear myself say, “This is crap. Nobody cares. Just stop.” To receive a grant from my peers – from a group of artists who make awe-inspiring work that I adore – was a tremendous help in dispelling those negative thoughts. Thank you!

 

Glowing Heart; Kiln cast crystal, bronze, oil paint. The interior figure is displayed externally in this image

Glowing Heart; Kiln cast crystal, bronze, oil paint. The interior figure is displayed externally in this image

 

Kasia Czarnota is a glass artist who sculpts with kiln cast and blown glass in order to explore ideas concerning memory, family and relationships. Since graduating from the Glass Program at Sheridan College in 2006, her work has focused on nostalgic themes and imagery that juxtapose concepts of idealism and perfection with the realities of everyday life. Kasia’s sculptural practice involves image and object manipulation that play with glass’ various qualities including granular delicacy on one level and its unique transparency on the other.  A resident of Toronto, Canada, Kasia is the recipient of several grants and awards. Most recently, she completed an art residency in Sheridan’s glass department, where she enjoyed teaching and demonstrating what she has learned to a new generation of artists.

 

 

 

Bourse Projet Professionnel du GAAC 2012

par Kasia Czarnota

 

En 2012, j’ai été ravie de recevoir la Bourse Projet Professionnel du GAAC. J’étais séduite par l’idée des poupées russes depuis de nombreuses années (j’avais même déjà des designs d’un concept de sculpture prêts et des notes de recherches qui remontent au temps de mes études au Sheridan College). Je voulais réaliser un travail basé sur la forme des Matryoshka et que les figurines passent les unes dans les autres. J’avais déjà créé une pièce sur le thème et on me proposa de participer à une exposition à deux artistes en 2013. La bourse du GAAC  m’a permis d’accepter ce challenge et de préparer l’exposition.

Si j’emploie le mot “challenge”, c’est parce que ma vie a changé radicalement durant cette période. Mon fils Adam, avait 18 mois lorsque j’ai appris l’obtention de cette bourse – l’âge merveilleux où il a à la fois les joues roses à croquer et l’envie constante de tester vos limites. Je venais également de reprendre un emploi plein temps. En dépit de ces deux challenges de temps, j’étais très optimiste et excitée à l’idée de faire ce nouveau travail.

J’ai toujours adoré le procédé de la pâte de verre à cause du temps qu’il faut y investir. Cela peut vous sembler bizarre, mais voyez plutôt : j’adore souffler le verre mais j’ai des difficultés à penser comme un souffleur. Le soufflage est comme un jeu d’échecs, les mouvements sont rapides et il faut toujours penser deux ou trois coups d’avance. Tout au contraire, j’ai besoin de réfléchir tandis que je réalise mon travail, à la fois sur le procédé et sur la narration. J’essaye de raconter des choses  au travers de mon travail. En utilisant l’argile et la cire pour créer les sculptures, cela me permet de laisser le temps à la réflexion. Je peux réaliser un design à un moment puis le regarder, l’inspecter et le modifier. Je peux me retourner et penser aux implications de mon travail, au moulage et à la façon dont le verre se répartira à l’intérieur, puis comment polir toutes les aspérités. Je peux voir ce qui fonctionne dans ces premières étapes et décider de modifier si nécessaire. Travailler de cette façon me permet toute sorte de fantaisie créative mais me demande plus de temps.

Dès le départ, j’ai su que je ferai les sculptures en argile et en cire à la maison pour des raisons de temps. J’avais aménagé le sous-sol pour réaliser ce travail, mais au fil du temps, j’ai investi l’espace de la cuisine et de la salle à manger. Cela n’a pas été un problème, et si j’avais besoin de faire fondre de la cire, le matériel pour faire fondre n’était qu’à deux pas de là.

 

Installation pour fabriquer les moules dans le hangar entre le Vespa et l’étagère à poteries.

Installation pour fabriquer les moules dans le hangar entre le Vespa et l’étagère à poteries.

 

J’étais nerveuse à l’idée de cuire les moules à la maison. J’avais l’habitude de travailler dans de vrais ateliers, que ce soit à Sheridan ou à l’espace Taliaferro Jones par la suite. Mais là encore, c’était la meilleure façon d’utiliser mon budget et mon temps. Je pouvais travailler tandis que tout le monde dormais et j’étais juste à côté au cas où. Les moules étaient fabriqués dans l’arrière-cour et dans le hangar. Je travaillais avec engouement même à genoux avec mes sceaux et mon matériel par terre à mes côtés. Je fabriquais mes moules dans un truc improvisé, puis je les faisais sécher au soleil et les amenais à l’atelier pour la cuisson.

 

Images du polissage et du travail à froid dans le hangar

Images du polissage et du travail à froid dans le hangar

 

Images de l’installation pour polir et travailler à froid dans le hangar

Images de l’installation pour polir et travailler à froid dans le hangar

 

Une fois les moules terminés, le hangar était à nouveau transformé en atelier de polissage. Comme il n’y avait pas d’électricité, les outils et la lumière étaient branchés sur une rallonge. J’ai trouvé de merveilleux produits sur internet qui m’ont donné la possibilité d’utiliser la Foredom pour la majorité du travail de polissage, suivi du ponçage à à la main.

 

Dream and Wonder; Crystal moulé, technique du moule creux.

Dream and Wonder; Crystal moulé, technique du moule creux.

 

Les fonds reçus avec cette bourse m’ont principalement servi à acheter les fournitures pour faire les moules et le polissage. Je me suis rapidement rendu compte que le budget que j’avais initialement prévu était insuffisant car la majorité des frais étaient en fait pour acheter le plâtre, la silice, le caoutchouc et les autres matériaux destinés à la fabrication des moules. J’ai été très chanceuse de pouvoir transformer une partie de mon appartement en atelier de fabrication, ce qui m’a permis d’économiser de l’argent et ne pas devoir louer d’atelier. Je dois aussi beaucoup à Lucy Roussel qui m’a prêté son four. Je ne sais pas comment j’aurais fait sans elle.

 

Grace; Crystal moulé, peinture à l’huile.  Vous pouvez voir la ligne de jointure près des coudes des Matryoshka et le reflet violet qui provient d’une autre figurine à l’intérieur; les bras sont fixés sur le haut.

Grace; Crystal moulé, peinture à l’huile. Vous pouvez voir la ligne de jointure près des coudes des Matryoshka et le reflet violet qui provient d’une autre figurine à l’intérieur; les bras sont fixés sur le haut.

 

La bourse m’a donc permis de tout préparer pour cette exposition à Montréal à la galerie Elena Lee. L’exposition a pris place à l’automne 2013 pour présenter deux personnes, dont Steven Tippin. J’ai beaucoup appris sur le plan technique avec la sculpture et en travaillant sur de multiples pièces pour les assembler manière complexe. Ce fut une grande expérience et j’en suis très reconnaissante. Au-delà de ça, cette bourse a également eu un impact émotionnel. Comme je travaille de manière solitaire, je réfléchis beaucoup à ce que je fais en tant qu’artiste et je me dis souvent : « c’est nul, tout le monde s’en fiche, arrête toi ». Recevoir une bourse de la part de mes collègues, venant d’un groupe d’artistes qui réalise un si beau travail que j’apprécie, cela m’a beaucoup aidé à passer outre ces mauvaises pensées. Merci !

 

Glowing Heart; Crystal moulé, bronze, peinture  l’huile. La figurine de l’intérieur est exposée à l’extérieur sur cette image.

Glowing Heart; Crystal moulé, bronze, peinture l’huile. La figurine de l’intérieur est exposée à l’extérieur sur cette image.

 

Kasia Czarnota est une artiste verrière sculptrice de verre moulé et verre soufflé qui explore ses idées sur le thème de la mémoire, la famille et les relations. Depuis l’obtention d’un diplôme du Programme Verre au Sheridan College en 2006, son travail s’est focalisé sur les thèmes de la nostalgie et de l’imagerie en juxtaposant les concepts de l’idéalisme et de la perfection avec la réalité du quotidien. La pratique de la sculpture de Kasia inclue la manipulation d’images et d’objets jouant avec les différentes qualités du verre y compris  son aspect granulé d’un côté et sa transparence exceptionnelle de l’autre. Elle réside à Toronto au Canada et a reçu plusieurs prix et bourses. Récemment, elle a achevé une résidence dans le département du verre de Sheridan, où elle a pu enseigner avec enthousiasme aux nouvelles générations d’artistes ses connaissances.

 

 

 

 

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From the Archives: Natasha St. Michael

by Tony Girardin

 

 

Some things have the unscientific ability to add up to more than the sum of their parts. So what do you get when you add up 230, 000 beads on 2341 meters of thread? You get a snapshot of Natasha St. Michael’s world, and of life as a whole.

 

With a Bachelor of Fine Arts degree from the School of the Art Institute of Chicago, St. Michael has been threading beads for most of her life, and now focuses solely on three-dimensional suspended and sculptural structures.

 

Her work experience as an industrial weaver has taught her to embrace the efficiency that results from the repetitiveness of her factory-like craft. Her movements are broken down to achieve productivity that would make Henry Ford proud. She uses the mental liberations derived from the droning motions of her weaving to allow her thoughts to flow freely, away from the physical world.

 

St. Michael’s work is an answer to human kind’s general inability to wholly vocalize or express what it feels. Everybody has a picture of the world in his or her head, but each has a different one. She expresses her holistic visions by sewing together all the little pieces that make up the fabric of her life.

 

Like sewing an heirloom for her family of one, each piece also represents a snapshot of her life. Take up to five months to complete a structure, there are no shortcuts to her work. It’s hand to needle – thread to bead. There is no formula to what she does and her work cannot be copied, lithographed or printed. It is the patent of her life and it cannot be taught.

 

St. Michael, Natasha. Hand bead woven glass beads, nylon thread, 21”x11”x2” (Photo by: Paul Litherland)

St. Michael, Natasha. Hand bead woven glass beads, nylon thread, 21”x11”x2” (Photo by: Paul Litherland)

 

Working sometimes 16 hours a day on her couch at home, her craft is like chalking lines on a grade school board. The repetitive, almost hypnotic, motions of her needle drill home a piece of life’s puzzle until she finally understands something new when each piece is complete. Each work brings her an answer and each answer is added to the last and the next to form a greater understanding. It’s as if she’s threading a needle through all the stars that make up our universe and slowly pulling them together to get the pure brilliance of origin, one galaxy at a time. Her wall hangings are as dazzling as a firmament of stars, hanging in space, defined by time.

 

St. Michael’s goal is to show, within one piece, the progression of that piece. She is trying to depict matter that is decomposing and its mutations as it breaks up. But her work always has the appearance of something that is blooming, like a flower. People always see her work in a positive light where, in fact, it’s supposed to show a cycle of decline and organic decay. Maybe it’s because, as Aldous Huxley one wrote, that humans are attracted to sparkly objects. Like fish to lures.

 

She says that when her work gets out there, it all becomes worth it. But her pieces almost always leave her as soon as she finishes them, so she hardly ever has any time to enjoy her completed works. It’s like going through labour and giving up a child that you love the day he or she is born.

 

Her ultimate aspiration is to produce an installation that people can walk into. A floor-to-ceiling structure where one can interact and feel the piece from within by actually being in it.

 

Natasha St. Michael has an upcoming solo exhibition at the Galerie des métiers d’art du Québec (October 15 – November 14, 2004). Her work will also be shown at SOFA Chicago (November 5-7, 2004) and PalmBeach3 (January 13-17, 2005). Her pieces can be viewed at www.natashastmichael.com

 

Contemporary Canadian Glass would like to thank Fibre Arts magazine for allowing us to reprint this article.

 

 

Natasha St. Michael

par Tony Girardin

 

Certaines choses ont la capacité inexplicable d’avoir plus de valeur que la totalité de chacune de ses parties. Qu’obtenons-nous avec 230 000 perles enfilées sur 2 341 mètres de fil? Une représentation du monde de Natasha St. Michael et de la vie en générale.

 

Avec un Baccalauréat en Beaux-arts au School of the Art Institute of Chicago, St. Michael enfile des perles depuis presque toujours. Elle se consacre surtout sur des structures tridimensionnelles suspendues et sculpturales.

 

Son expérience de tissage industrielle lui a permis d’apprécier l’efficacité de la répétition du travail en usine. Ses gestes sont devenus plus concis pour permettre une meilleure productivité dont Henry Ford serait fier. La liberté d’esprit qu’offre les gestes répétitifs et parfois monotones du tissage lui permet de s’évader en pensée loin du monde réel.

 

Le travail de St. Michael est une réponse à la difficulté des humains à verbaliser et exprimer ce qu’ils ressentent. Chaque personne a une image différent du monde dans sa tête. Natasha exprime ses propres visions holistiques en tissant ensemble toutes les petites pièces qui représentent la complexité du tissu de sa vie.

 

Chaque pièces représente une image figée de sa vie comme si elle cousait un précieux souvenir de famille. Une ouvre peut prendre jusqu’à cinq mois à compléter sans aucun raccourci possible. C’est un travail manuel d’aiguille, de fil et de perle. Son travail n’est pas prémédité et ne peut être reproduit, lithographié our imprimé. C’est le brevet de sa vie qui ne peut être transmis.

 

En travaillant jusqu’à 16 heures par jour sur son divan, son art fait allusion aux lignes écrits à la craie sur le tableau d’école. La répétition presque hypnotique du geste de son aiguille produit un morceau du casse-tête de sa vie qui dévoile son sens lorsque la pièce est complétée. Chaque pièce lui apporte une réponse qui s’additionne à la dernière pour former une compréhension plus globale. C’est comme si elle enfilait toutes les étoiles de notre univers avec son aiguille et qu’elle les rassemblait pour montrer la brillance de la pureté originale, d’une galaxie à la fois. Ses oeuvres murales sont aussi éblouissantes qu’un firmament d’étoiles, suspendues dans l’espace, définies par le temps.

 

Le but de St. Michael est de montrer, à l’intérieur de chaque pièce, la progression de cette pièce. Elle tente de reproduire la matière qui se décompose et ses diverses mutations lors de leur désintégration. Par contre, son travail a toujours l’apparence de bourgeonner comme une fleur. Les gens jettent un regard positif face à son travail alors qu’elle voudrait démontrer le cycle du déclin et de la décomposition organique. Peut-être, est-ce dû, comme l’a écrit Aldous Huxley, parce que « les humains sont attirés par les objets qui brillent. Comme des poissons attirés par des hameçons. »

 

St. Michael, Natasha. Tissage perlé à la main perles de verre, fils de nylon, 31cm x 22cm x 2.5cm (Photo: Paul Litherland)

St. Michael, Natasha. Tissage perlé à la main perles de verre, fils de nylon, 31cm x 22cm x 2.5cm (Photo: Paul Litherland)

 

St. Michael, Natasha. Tissage perlé à la main perles de verre, fils de nylon, 18cm x 9cm x 6cm (Photo: Talia Dorsey)

St. Michael, Natasha. Tissage perlé à la main perles de verre, fils de nylon, 18cm x 9cm x 6cm (Photo: Talia Dorsey)

 

Ce n’est qu’au moment d’exposer son travail qu’elle a le sentiment de la valeur de ses efforts. Toutefois, ses oeuvres partent presque aussitôt qu’elles sont terminées et elle n’a donc pas le temps de les apprécier. C’est comme accoucher d’un enfant que vous aimez pour le donner le jour de sa naissance.

 

Son ultime souhait serait de produire une installation partant du plancher jusqu’au plafond dans laquelle les gens pourraient circuler, interagir et toucher l’intérieur de la structure.

 

Natasha St. Michael présente une exposition solo à la Galerie des métiers d’art du Québec du 15 octobre au 14 novembre 2004. Son travail sera aussi exposé au SOFA de Chicago du 5 au 7 novembre 2004 et au PalmBeach3 du 13 au 17 janvier 2005. Ses oeuvres peuvent aussi être vues sur son site Internet au www.natashastmichael.com

 

Adaption française d’Espace VERRE

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