Lessons we Learn from Glass

June 30, 2016

Author: Diana Fox

I’ve been a volunteer for GAAC since 2010 and my main contribution has been interviewing GAAC members for content for the GAAC Facebook page. Since our first interview back in December 2010, I’ve connected with over 60 GAAC members.


As much as our members are all unique and special in both the work they create and the contributions they make to the Canadian glass community, there are commonalities that keep us all drawn together. Perhaps in another six years I will be able to provide some charts or Venn diagrams to illustrate these, but in the interim, allow me to provide some insights I have gained about Canadian glass artists over the last six years.


Bastian, Ward. Highlights 13, Light Jet Print Rear-mounted on Plexi-glass, 2011. (Photo Ward Bastian)

Bastian, Ward. Highlights 13, Light Jet Print Rear-mounted on Plexi-glass, 2011. (Photo Ward Bastian)


Everyone has a reason for coming to glass and everyone has a reason for staying with it, but not everyone came to it on purpose.

The first question that everyone gets asked is what brings them to glass in the first place and, while there are numerous artists who identify glass’ specific qualities as the thing that drew them in, there are just as many artists that come across glass serendipitously or totally by accident. The commonality amongst everyone is that once they’ve discovered glass, there is no going back. People who fall in love with glass do so because there is no other material that can communicate what they need or want to say. Christy Haldane summed this experience of discovering glass accidentally nicely: “Like many glass artists before me, I started at Sheridan College with every intention of becoming a furniture maker. For our first year, first project, Kevin Lockau asked us, “what is god?” and that intrigued me. I wanted to answer that question more than I wanted to make furniture. The vocabulary that glass offers has played a role in my interest in glass as a material.”


Haldane, Christy.  It Takes a Village (excerpt from African Proverb), Glass, concrete, reclaimed dock wood and steel, 2012. (Photo Parks Canada)

Haldane, Christy. It Takes a Village (excerpt from African Proverb), Glass, concrete, reclaimed dock wood and steel, 2012. (Photo Parks Canada)


No one talks about glass the way they talk about any other material—if you didn’t know better, you really would think that glass was a living thing that you wrangled into an artwork or object.

Perhaps this is the nature of the material itself: glass is a notoriously finicky material to work with and it requires very specific conditions to accomplish specific results. Ward Bastian articulated this beautifully when he was interviewed in May 2011: “it is a profound experience to work with a material that moves so freely when it’s hot, but is so unbending once it cools.” Working with these unusual qualities—and ultimately having to make enough sense of them to create something—leaves a mark on all of us and we each come away with our own understanding of what glass is as material. This concept was best described by Julia Reimer: “I think glass is like nature, it has its own way and even when you struggle to control it, it has its own schedule and agenda. It is like a river finding its path around a dam. So I think glass has its own properties and, to work with it, you have to consider that. It can be pretty tolerant of what you impose upon it but you have to account for its own nature.”


Reimer, Julia.  Cocoon, blown glass, 2012.  (Photo courtesy of Julia Reimer)

Reimer, Julia. Cocoon, blown glass, 2012. (Photo courtesy of Julia Reimer)


Glass is not an easy material to work with and no one pretends that it is.

I think it is easy for an artistic lifestyle to get glamorized, but it isn’t something I’ve encountered very frequently amongst GAAC members. I’ve always been struck by the honesty of our members and how willing they are to be so totally forthcoming with the realities of life as a glass artist. It is not easy, it is not always financially rewarding and it is often something we do when we get spare moments from living otherwise busy lives. Certainly other materials come with struggles, but as glass is often a costly material to work with, these struggles are ones I’ve realized are pretty common amongst all of us and something we all have to reconcile in our own individual practices. Jamie Gray spoke to the challenges she faces in her own career: “ok, first of all, as we all know, you don’t make a lot of coin doing this. Seriously, I’d do tons better working for Green Drop. So making enough money to pay for supplies, etc., is probably the biggest challenge. And then, on top of that, how about that huge challenge of making work for the work’s sake instead of for pay’s sake? It’s a circular conundrum. But there it is. We do what we do because we love it so much. I’m even so fortunate as to have a wonderful husband who pays the mortgage and makes sure food gets on the table and gas in the car, but there’s still that societal pressure to “pay your own way” (maybe that’s that puritanical Bible-belt in my head again). I guess that’s what I find to be the greatest challenge: just relaxing and making the work that must be made in order to get my message across and making production pieces as I need to in order to purchase more glass. Most of us are in that spot, I imagine, to one degree or another, at one time or another.”


Gray, Jamie.  Telling The Bees, Gaffer lead crystal, brass wire, bee, gold leaf, 2016. (Photo courtesy of Jamie Gray)

Gray, Jamie. Telling The Bees, Gaffer lead crystal, brass wire, bee, gold leaf, 2016. (Photo courtesy of Jamie Gray)


Whatever you think glass is, someone out there is using it in a way you never even imagined possible.  

If I have learned anything at all through all my conversations with Canadian glass artists around the country, it is that they are coming up with ways to use glass that are constantly surprising and inspiring. In all seriousness, the work of the GAAC membership is really fantastic. I love scrolling through the profiles on the GAAC website to see the work of our members and it is there that I discovered how virtually every glass artist in Canada takes their own unique approach to glass as a material. From Brad Copping’s mirrored canoe to Teresa Burrows’ exquisite beaded creations, the works of the GAAC membership really challenge the notions of what glass is and can be. Learning about our Canadian glass artists has been a privilege and I encourage everyone to spend some time looking through these interviews—there is much to learn about Canadian glass through them:


Ward Bastian was our interviewee May 2011.

Christy Haldane was our interviewee September 2015.

Julia Reimer was our interviewee July 2013.

Jamie Gray was our interviewee July 2011.


To read these and other member interviews in full, please visit the GAAC Facebook page: https://www.facebook.com/Glass-Art-Association-of-Canada-89639673869/


Authors Biography: Diana Fox graduated from the Alberta College of Art + Design in 2010.  She has been the Social Media Coordinator for GAAC since that same year.

Leçons que l’on apprend du verre

Auteur: Diana Fox

Je suis une volontaire(bénévole) pour GAAC depuis 2010 et ma contribution majeure est de procéder à des entrevues entre les menbres de GAAC pour le contenu de la page Facebook de GAAC. Depuis notre premiere entrevue en decembre 2010,j’ai fais la rencontre de plus de 60 membres.


En fait nos menbres sont tous uniques et spéciaux dans les deux facettes des travaux créatifs et des contributions qu’ils font pour la communauté  Canadienne du verre et ils ont des choses communes qui les  attirent ensemble. Peut-être que dans les 6 prochaines années  je serai capable de vous donner des diagrammes  ou (Venn?) diagrams pour illustrer cet chose mais pour l’instant laissez-moi vous donner un apercu  des  bénéfices que j’ai constaté à  propos des artistes canadiens  de verre depuis c’est dernier 6 ans.


Bastian, Ward. Highlights 13, Light Jet Print Rear-mounted on Plexi-glass, 2011. (Photo Ward Bastian)

Bastian, Ward. Highlights 13, Light Jet Print Rear-mounted on Plexi-glass, 2011. (Photo Ward Bastian)



La premiere question que tout le monde se fait demander est: qu’est-ce qui vous as incité  à  vouloir travailler avec le verre en premier et tandis que plusieurs  artistes  identifient le verre avec ces qualités  spécifiques  est la chose qui les as attirés ,il y a aussi plusieurs artistes qui découvrent le verre  totalement  par accident.La chose commune entre tous est qu’une fois qu’il on decouvet le verre, il ny a pas de retour en arriere. Les gens qui tombent en amour avec le verre font cela parce qu’il ny as pas d’autre materiaux qui peu communiquer ce qu’ils ont besoin ou ce qu’ils veulent exprimer. Christy Haldane a decrit son experience de sa découverte du verre, comme un joli accident.” Come plusieurs arstistes de verre avant moi,j’ai commencé  mes études  au College Sheridon avec  intention de devenir un fabriquant de meubles. Pour notre première  année ,premier projet,  Kevin Lockau nous a demandé: “Qu’est -ce que Dieu?” et cela ma intriguée. Je voulais la réponse  à  cette  question plus que je voulais fabriquer des meubles. Le vocabulaire que le verre offre a joué  un rôle X dans mes interets avec le verre en fait de materiel.”


Haldane, Christy.  It Takes a Village (excerpt from African Proverb), Glass, concrete, reclaimed dock wood and steel, 2012. (Photo Parks Canada)

Haldane, Christy. It Takes a Village (excerpt from African Proverb), Glass, concrete, reclaimed dock wood and steel, 2012. (Photo Parks Canada)



Peut-être que c’est la nature du matériel  lui-même. Le verre est un matériel  avec lequel on doit travailler avec minutie et qui requiert  des conditions très particulières   pour accomplir des résultats  specifiques. Ward Bastion a  magnifiquement expliqué cela dans son entrevue de Mai 2011: “C’est une expérience  profonde de travailler avec ce matériel  qui coule si librement quant il est en état  chaud , mais si solide quand il est en état  froid.”  Travailler avec ces qualités  uniques  et créer de façon à donner un sens ultime à  quelque chose  qui nous laisse une marque à  nous tous et nous laisse avec notre propre comprehension de ce qu’est   le verre en fait de matériel . Ce concept est bien décrit  par Julia Reimer:” Je pense que le verre est comme la nature ,il a ses propres manières  et même  si vous luttez à  le contrôler, il a ses propres intentions . C’est comme une rivière  qui trouve son passage autour d’un barrage.Je pense que le verre a ses propres propriétés  et pour travailler avec, vous devez prendre cela en consideration. Il peut-être  vraiment tolérant  à  ce quoi vous lui imposer mais vous devez prendre en considération  de sa propre nature.


Reimer, Julia.  Cocoon, blown glass, 2012.  (Photo courtesy of Julia Reimer)

Reimer, Julia. Cocoon, blown glass, 2012. (Photo courtesy of Julia Reimer)



Je pense que cest facile pour un artiste et son style de vie d’être  prestigieux mais ce n’est pas quelque chose que j’ai rencontré  fréquemment  parmis les menbres de GAAC. J’ai toujours  été  impressionnée  par la sincérité  de nos menbres et être  volontaire à  être  totallement franc avec les réalités  de la vie comme artiste de verre. Ce n’est pas facile ,ce n’est pas toujours financierement récompensé  et c’est aussi souvent quelque chose que l’on fait en consacrant du temps en surplus dans notre vie  qui est deja tres active. Certainement  d’autres matériaux  ont d’autres problèmes  mais le verre est souvent très  dispendieux comme matériel  de travail. J’ai réalisé que ses problèmes  son souvent communs pour nous tous et quelque fois nous devons nous reconcilier avec notre propre pratique individuelle. Jamie Gray a parlé  des defis qu’elle rencontre dans sa propre carrière .”OK en premier comme on le sais on ne fait pas beaucoup de sous a faire cela. Sérieusement, je ferait mieux à travailler pour Green Drop. Alors, faire assez d’argent pour payer  les matériaux ,etc est probablement le plus gros defits. En plus  le tout est de réaliser  une piece  pour sa qualité  au lieu de sa valeur monétaire  cest un cercle vicieux. Mais cela est ce qu’il en ait on fait ce que l’on fait parce que nous aimons cela beaucoup. Je suis aussi tres privilégiée d’avoir un mari merveilleux qui paye l’hypothèque  et s’assure qu’il y a de la nourriture sur la table et de l’essence pour la voiture, mais il y a aussi les pressions sociales d’avoir à  ”payer son propre chemin”[peut-etre que c'est ma religion puritaine dans ma tete encore].Je pense que c’est ce que je trouve être  le plus gros défi : juste relaxer en créant  le travail qui doit être  construit dans un ordre qui délivre  mon message au monde et produise des pieces qui me permettent d’acheter plus de verre. La pluspart de nous tous sont dans la meme position, j’imagine dans un degré  ou un autre, dans un temp ou un autre.


Gray, Jamie.  Telling The Bees, Gaffer lead crystal, brass wire, bee, gold leaf, 2016. (Photo courtesy of Jamie Gray)

Gray, Jamie. Telling The Bees, Gaffer lead crystal, brass wire, bee, gold leaf, 2016. (Photo courtesy of Jamie Gray)



Si j’ai appris quelque chose  durant mes conversation avec les artistes Canadiens de verre dans le pays,c’est qu’ils inventent des moyens de se servir du verre qui son constamment curieuses et une source d’inspiration. En toute sincérité, le travail des menbres de CAAG est vraiment fantastique. J’adore regarder les profiles sur le site CAAG à  voir les travaux que les membres  créent et c’est là  que je découvre  comment les artistes Canadiens ont  leur propre approche avec le materiel qu’est le verre. De Brad Copping’s avec son canoe en miroir, de Teresa Burrows’ superbe création  de perle, les travaux des menbres de GAAC vraiment défient l’idée de quoi le verre  peut être . Apprendre à  propos des artistes Canadiens de verre a été  un privilège  et j’encourage tout le monde à prendre le temps de lire   ces entrevues  car il i as’ beaucoup à  decouvrir à  propos du verre Canadien par ces artistes.


Ward Bastian a été  en entrevue issue Mai 2011

Christy Haldane a été  en entrevue issue Septembre 2015

Julia Reimer a été  en entrevue issue Juillet 2013

Jamie Gray a été  en entrevue issue Juillet 2011


Pour lire ces entrevues au complet et autres s’il vous plaît   visiter le site sur la page de GAAC Facebook : https://www.facebook.com/Glass-Art-Association-of-Canada-89639673869/


Biographie  de L’auteur:

Diana Fox est graduée  de l’Alberta College des Arts et dessins de 2010.Elle est la coordinnatrice du media social de GAAC depuis cette année .


Cataloguing the North Lands Creative Glass Collection

March 15, 2016

by Jamie Gray



I’ve been travelling to Lybster in northern Scotland for about ten years now to volunteer during the North Lands’ masterclasses and conferences.  My goal has been to generally try to make myself useful and, in this action of general gopher, I’ve learned a lot.  It was about four years ago that studio manager, Michael Bullen, and I got talking about how much we admire things well-organized and how the growing accumulation of art glass in all corners and attics of the studio and office—left as gifts by masters, students and residents—needed some serious TLC.  The various pieces were badly in need of proper identification and safeguarding.  About half of what was stacked here and there was catalogued to some extent, mostly for the sake of a North Lands publication done about ten years ago.  But it all needed firming up.  Add to that about a hundred pieces that had no identification except in the memory of the staff, which lived in real danger of becoming incorrectly attributed.  And, of top priority, a dedicated space was needed for safe storage of the work.


This big chunk of furnace glass, broken out of a cold crucible, is one of my favourite “accidental,” non-artist-attributable pieces. Photo:  J.Gray

This big chunk of furnace glass, broken out of a cold crucible, is one of my favourite “accidental,” non-artist-attributable pieces.
Photo: J.Gray


Being not only an organizational freak, but also one trained to handle glass in all its forms, for the love of North Lands and glass generally, I offered my volunteer services as archivist.  So, in the summer of 2012, I started to wade through the piles of dusty boxes, crates and bubble-wrapped objects.  Over the next couple of summers, a few weeks here, a few there, I slowly tackled the job until it started to gain cohesion.  Of great importance, purpose-built shelving was set up by Michael in the studio office attic—safe and dry—and this meant that the glass could be stored up off of the floors.

Cataloguing the collection has involved correctly attributing the maker of each piece and the year made, assessing any damages, determining the technique used, measuring each piece, giving each an insurance value and taking a decent photo against a clean backdrop.  All the details have been put together into both an electronic version and hard-copy paper version.  Each piece was cleaned prior to photographing, followed by boxing each up for the shelving provided.  To date, the catalogue is made up of just over 200 pieces and is growing yearly.


02.Hot-sculpted and cold-worked piece by Richard Jolley. Photo:  J.Gray

Hot-sculpted and cold-worked piece by Richard Jolley.
Photo: J.Gray


Archiving the glass continues today.  This is because artists from all over the world—students, artists-in-residence and masters—continue to visit North Lands to explore processes and techniques and they often generously donate work to the collection, all of which must be catalogued in.


Hot-sculpted and flameworked pieces by James Maskrey. Photo:  J.Gray

Hot-sculpted and flameworked pieces by James Maskrey.
Photo: J.Gray


In the process of cataloguing, we’ve discussed an important question:  what types of pieces should comprise this collection?  To answer, it’s not all master work, nor even all completed pieces.  As well as master work, which would be valued in any gallery or museum, there is student work, test pieces, class collaborations and donations.  As well as glass art in all techniques, there are drawings, photos, video, installation pieces and mixed media.  Much of it is suitable to exhibit, so the catalogue assists gallery curators to make preliminary selections electronically, narrowing down choices before they visit to make final selections.  Much important history, not only of North Lands but of studio glass itself, exists in the form of the many hundreds of photos and videos yet to be organized.


Kiln-formed piece by David Reekie, done as a class demo and attributed this way in the catalogue. Photo:  J.Gray

Kiln-formed piece by David Reekie, done as a class demo and attributed this way in the catalogue.
Photo: J.Gray


North Lands Creative Glass is entering its 20th year of serving the world-wide glass community and that’s worth celebrating in a big way.  I’ve been glad to be a small part of it over the years and extremely grateful that the staff have given me some sweet, rare opportunities.  It’s been an indescribably rich gift to have been able to have my hands all over master work by glass geniuses whose work and practices I revere.  I’ve also gotten to have a first-hand look at the work of young artists in the glass world who are clearly up-and-coming, as well as closely examine work made using new techniques and those are both very exciting.


“Flash glass” copper-wheel engraving of Jiří Harcuba by April Surgent. Photo:  J.Gray

“Flash glass” copper-wheel engraving of Jiří Harcuba by April Surgent.
Photo: J.Gray


The cataloguing of this collection means, in my opinion, that the glass world can breathe a collective sigh of relief because what is becoming a very important documentation of a particular period of time in the age of studio glass worldwide is both more secure and more accessible to those who will wish to study it in the future.  The foundation is well laid and waiting for others to add to it.


Jamie Gray is a Calgary glass artist with a BFA (Glass) from Alberta College of Art + Design, currently completing an MFA (Glass) at the University of Edinburgh.




L’inventaire de la Collection de Verre de North Lands Creative Glass

par Jamie Gray



Cela fait près de 10 ans maintenant que je me rends à Lybster, au nord de l’Ecosse, pour participer bénévolement aux cours et aux conférences donnés par North Lands. Je le fais dans l’idée de donner un coup de main pour tout type de tâches, et j’en suis à chaque fois ressortie gagnante. Il y a environ quatre ans, en évoquant avec Michael Bullen, responsable de l’atelier, notre goût commun pour les choses bien rangées, nous sommes tombés d’accord sur le fait que la multitude d’objets en verre entassée dans les coins et recoins de l’atelier et des bureaux aurait besoin d’un sérieux rangement. Il fallait inventorier ces pièces variées – laissées en cadeaux par les différents maitres, étudiants et résidents de passage- et les mettre en sécurité. Près de la moitié des objets disposés par ci, par-là,  avaient déjà été catalogués, essentiellement pour une ancienne publication de North Lands datant de plus de dix ans. Mais il fallait y mettre un peu plus d’ordre. Ajoutez à cela une centaine de pièces ayant pour seule identification la mémoire du personnel avec un risque accru d’être réattribuées à tort. Et puis surtout, il fallait installer un espace de stockage pour les mettre en sécurité.


Ce gros morceau de verre fondu, cassé pour être extrait d’un creuset froid, est probablement l’une de mes pièces préférées dans la catégorie « accidentellement réalisé sans artiste». Photo: J.Gray

Ce gros morceau de verre fondu, cassé pour être extrait d’un creuset froid, est probablement l’une de mes pièces préférées dans la catégorie « accidentellement réalisé sans artiste».
Photo: J.Gray


Comme je suis de nature plutôt maniaque et habituée à manier le verre sous toutes ses formes, par amour de North Lands et du verre en général, je me suis portée volontaire pour faire l’inventaire. C’est donc pendant l’été 2012 que j’ai commencé à vadrouiller entre les piles de boites poussiéreuses et les objets emballés de papier à bulle. Revenant une semaine par ci, une semaine par-là les étés suivants, j’ai graduellement accompli ce travail jusqu’à ce que l’on y voie un peu plus clair. Point essentiel, Michael avait fait installer des étagères exprès, permettant de ranger le verre en hauteur, en sécurité et au sec.

Pour répertorier correctement toute la collection, il a fallu retrouver le bon auteur pour chaque pièce avec l’année de sa création, évaluer les dégâts éventuels, la technique employée, la valeur pour l’assurance, prendre les mesures, et pour finir faire une belle photo sur un fond propre. Toutes ces informations ont été mises à la fois sur un support électronique et sur un document papier.  Chaque élément a été nettoyé avant d’être photographié, puis emballé et rangé sur l’étagère prévue à cet effet. A ce jour, le catalogue comporte près de 200 objets et s’agrandit chaque année.


02.Pièce sculptée à chaud et travaillée à froid par Richard Jolley. Photo: J.Gray

Pièce sculptée à chaud et travaillée à froid par Richard Jolley.
Photo: J.Gray


Cet archivage du verre se poursuit encore aujourd’hui, car des artistes du monde entier – étudiants, artistes résidents et maitres – se rendent à North Lands afin d’explorer les procédés et les techniques. Bien souvent, ils font cadeau d’une de leur création à la collection, qui doit alors être cataloguée.


03.Pièces sculptées à chaud et réalisées au chalumeau par James Maskrey. Photo:  J.Gray

 Pièces sculptées à chaud et réalisées au chalumeau par James Maskrey.
Photo: J.Gray


Pendant le classement, une question est alors survenue: de quels genres de pièces se compose la collection ? Car toutes ne sont pas des pièces de maitres, ni des réalisations achevées. Certaines sont des œuvres de maitres, qui auraient leur place dans n’importe quelle galerie ou musée, mais d’autres proviennent du travail des étudiants, de tests, de réalisations de groupes ou de donations. En plus des réalisations en verre par de multiples techniques, on trouve également des dessins, photos, vidéos, et autres objets d’installation en matériaux divers. Comme la majorité peut être exposée, le catalogue électronique facilite la tâche aux conservateurs des galeries pour faire une première sélection. Cela permet de restreindre les choix avant de venir voir les pièces pour décider de l’assortiment final. Des centaines de photos et de vidéos, qui reconstituent l’histoire de North Lands et de son atelier verrier, attendent d’être classées à leur tour.


04.Pièce réalisée au four par David Reekie, faite en démonstration pour une classe et classée en tant que tel dans le catalogue. Photo:  J.Gray

Pièce réalisée au four par David Reekie, faite en démonstration pour une classe et classée en tant que tel dans le catalogue.
Photo: J.Gray


Cela fera vingt ans cette année que North Lands Creative Glass contribue par sa présence à la communauté internationale du verre, et ça se fête. J’ai été ravie d’en faire un tout petit peu partie au cours de ces dernières années, et je suis très reconnaissante auprès du personnel de m’avoir donné ces opportunités rares et réjouissantes. Pouvoir manipuler ces précieux objets, réalisés par des génies du verre dont j’admire le travail et les œuvres, a été un moment formidable. J’ai aussi posé les mains pour la première fois sur le travail de jeunes artistes montants du monde du verre et examiné de très près certaines techniques novatrices. Tout cela fut passionnant.


Verre “Flash glass” gravé à la roue en cuivre de Jiří Harcuba par April Surgent. Photo:  J.Gray

Verre “Flash glass” gravé à la roue en cuivre de Jiří Harcuba par April Surgent.
Photo: J.Gray


Le fait d’avoir inventorié cette collection signifie, à mon sens, que le monde du verre peut se rassurer. Ce qui est en train de devenir un élément très important de documentation sur une période spécifique dans l’évolution du verre en atelier dans le monde, est à la fois plus accessible et plus sécurisé, pour ceux qui souhaiteront l’étudier à l’avenir. Les bases sont solides et n’attendent plus qu’une chose, que l’on construise dessus.


Jamie Gray est une artiste du verre de Calgary qui possède un BFA en verre de l’Alberta College of Art + Design, et qui poursuit actuellement ses études pour un Master en verre à l’Université d’Édinbourg.



First coin ever created with boro glass

October 15, 2015

by Loïc Beaumont-Tremblay


In July 2015, the Royal Canadian Mint launched the world’s first coin made of borosilicate glass. This event symbolizes more than a year of learning and collaborating to the development of a very unique product.

Royal Canadian Mint.  World first borosilicate glass coin. Sterling Silver .9999 and boro glass. 38.1mm diametre (coin), ~12mm (glass)

Royal Canadian Mint. World first borosilicate glass coin. Sterling Silver .9999 and boro glass. 38.1mm diametre (coin), ~12mm (glass)


The initial concept comes from one of my favourite themes; the beauty of the universe. The reverse side of the coin shows the Mount Megantic Observatory based in the world’s largest starry sky reserve.

The design on the coin is made of black and clear borosilicate glass as well as a toffee coloured planet. The sky and stars are made of pure silver particles. In addition, it has luminescent glass to give a special effect once the lights are off.

Ever since I started working with glass, I have been doing my best to learn all the different working techniques of this fascinating material, which transforms my work into a constant learning process.

The project of combining boro glass with a sterling silver collection coin has been the most exciting adventure of my career. From the designing of the coin and the glass part in it, to its conception and production, the level of perfection requested to achieve such a piece is beyond compare. The trick is to vary the different techniques and tools needed so as to realise each task in a singular way.

In order to succeed in this process, I had to adapt my usual way of working solo to produce a specific amount of coins, work in teams and respect deadlines. More importantly, a strict product quality control was applied to each of the 8500 smoked silver designs that I realised in order to obtain a uniform but very unique result.

As part of the learning process, I had to get used to working with a precise millimetre calibration. By doing so, I was able to control the right quantity of glass used and meet this way the exact specifications that had been set by the Mint.

The toughest part of the realisation process was to endure freezing temperatures inside the room during the whole winter. Because of the the large ventilation system to evacuate toxic fumes, the cold would get quickly in the workshop. Luckily, we were able to use a heating floor to reduce the effect of this crisp cold.


Beaumont-Tremblay.  Pouce Verre workshop in action.  Winter 2015.

Beaumont-Tremblay. Pouce Verre workshop in action. Winter 2015.


I hope this achievement will contribute to communicating on the potentials of a collaborative work between Canadian companies and glass artists to create mixed media handmade products.


Beaumont-Tremblay.  Loïc Beaumont-Tremblay lampworking.  2015

Beaumont-Tremblay. Loïc Beaumont-Tremblay lampworking. 2015


World first borosilicate glass coin, with a visit of the Pouce Verre shop




Première pièce de monnaie au monde avec verre boro

par Loïc Beaumont-Tremblay


Le lancement en juillet 2015 de la première pièce de monnaie au monde avec du verre borosilicate par la Monnaie Royale Canadienne, fût pour moi le parachèvement de plus d’un an d’apprentissage et de collaboration au développement d’un produit unique en son genre.

Monnaie Royale Canadienne.  Première pièce de monnaie ornée de verre borosilicaté au monde. Argent Pur .9999 et verre boro. 38.1mm diamètre (pièce monnaie), ~12mm (verre)

Monnaie Royale Canadienne. Première pièce de monnaie ornée de verre borosilicaté au monde. Argent Pur .9999 et verre boro. 38.1mm diamètre (pièce monnaie), ~12mm (verre)


Le concept de la pièce me provient d’un de mes thèmes récurrents; l’Univers et ses merveilles. Le design du revers de la pièce représente l’Observatoire du Mont-Mégantic situé dans la première réserve mondiale de ciel étoilé.

La création qui orne la pièce de monnaie est fabriquée de verre borosilicate transparent et noir, ainsi que l’ajout d’une planète de couleur caramel.  Le design des étoiles et du ciel est fait à partir de particules d’argent pur sublimées.  Elle contient en plus du verre photoluminescent qui donne un attrait supplémentaire lorsque les lumières sont éteintes.

Depuis mes débuts dans le verre, j’ai toujours cherché à connaître toutes les techniques et les moyens possibles pour travailler cette matière qui me fascine tant, c’est ce qui rend mon travail un apprentissage continu.

Le projet de la Monnaie de combiner le verre boro et une pièce de collection en argent pur, fût l’aventure la plus intéressante de ma carrière.  De la conception du design de la pièce de monnaie et du design de la pièce de verre, jusqu’à la réalisation et la production; le niveau de perfection exigé pour l’achèvement d’une telle œuvre est incomparable.  L’astuce est de multiplier les techniques et les outils afin de réaliser chacune des tâches de manière unique.

Le processus m’a requis une adaptation du travail habituel en solitaire, pour réussir à produire la pièce de verre en équipe et en quantité suffisante, dans les délais requis.  Il était aussi important de conserver le contrôle de qualité du produit et de faire moi-même chacun des 8500 design en argent fumé afin d’obtenir un look uniforme mais définitivement unique.

S’ajuster à l’utilisation d’une calibration millimétrique très précise fût aussi une partie de l’apprentissage, car la dimension finale de la pièce est régulée par le contrôle juste des quantités de verre utilisées afin d’arriver aux spécifications rigoureuses de la Monnaie.

La plus grande impasse à la fabrication des pièces de verre qui s’effectua cet hiver fût la température glaciale que nous avons eue tout au long de la saison.  Due à une forte ventilation qui évacue rapidement gaz et fumées nocives, l’air froid pénètre très rapidement dans l’atelier.  L’utilisation d’un plancher de masse (chauffage radiant) atténue heureusement l’effet de ce froid vif.

Beaumont-Tremblay.  Atelier Pouce Verre en action.  Hiver 2015

Beaumont-Tremblay. Atelier Pouce Verre en action. Hiver 2015


Cette réalisation, je l’espère, facilitera l’ouverture sur la fusion des matériaux dans divers milieux et les collaborations possibles entre les grandes entreprises de créations canadiennes et les produits de qualité fait à la main par des artisans verriers de chez nous.


Beaumont-Tremblay.  Loïc Beaumont-Tremblay au travail sur son chalumeau.  2015

Beaumont-Tremblay. Loïc Beaumont-Tremblay au travail sur son chalumeau. 2015



Première pièce de monnaie avec verre borosilicaté au monde, avec une visite de l’atelier Pouce Verre.


Exploring Artifacts, Tyler Rock’s Still Water

by Diana Fox



Craftspeople spend a lot of time thinking about function. An object’s purpose is often paramount in our minds. While many of us go straightforward, such as a glass made to drink from, others think beyond that to a greater scope of what an object can function as. This latter idea of function was the catalyst for Tyler Rock’s most recent body of work and it is here where I began a conversation with him:


“[My interest in function] comes from years and years in the studio making functional objects, and thinking about how a vessel created for somebody can function in their environment. It’s a very craft-oriented way of thinking that I’ve come to see as being different than other motivations for making art. There is a generosity implicit in the process of thinking how an object will function for someone else. I think there have been a lot of great discussions going on in the field of craft recently, but I haven’t found much written about this topic. More to the point though, that interest in function and how glass objects function in an environment caused me to begin thinking about how a space around an object could be activated and become a subtler function of what the glass is doing – a non-narrative experience that informs the viewer’s understanding, like how a stained glass window can affect an environment inside a church. Often there is a narrative expressed in the windows that is a clear-cut expression of the ideas being presented, but there is also the immersive experience of being in that flood of colour: an expanded experience that extends beyond our eyes and mind that informs understanding in a more embodied way. There’s things that glass can do that are functional that aren’t purely about the mechanics of drinking or something like that. And I think, typically, that’s sort of a default position that craft goes to. Often function is seen as being an end point of an object, or at least a parameter through which it is understood. This can be positive but it can also be a limitation. I think we have all seen people investigate objects to the point where they understand the function and then that investigation stops. So that those concerns interested me to the point where I wanted to explore them more, and in different ways, and I guess that informed the basis of the research.”


Tyler’s research was done while completing his MVA at the University of South Australia, and was meticulously documented, along with the evolution of the accompanying body of work, in his thesis, The Second Artifact: An Investigation of the Craft Object and its Engagement with Phenomena. Tyler’s thesis is both a document of a philosophical investigation of craft objects and a look into the intense process – both technically and intellectually – that went into his thesis’ work. As the title suggests, much of the discussion centers on the idea of artifact and how artifacts dictate interactions with the world. His thinking began with function, but quickly lead to artifacts and what those actually were.


“I came across this definition that was a very different definition of what an artifact was than what I had been thinking about in the context of craft, and that is that an artifact can be an unexpected result as much as a defined result that we often think of it as being. So, in other words, if you’re using an instrument of measurement and something skews that data, that’s an artifact. And I thought this notion was really interesting. That random chance, or glitch, or something that’s outside of the control of the maker could actually be a mechanism to understand an artifact in a different way, a second artifact. And that became very exciting to me, because it put the glass artifact into a context where maybe it wasn’t an end point, maybe it was a beginning point that would enable the object (artifact) to remain in-process.”


There is one artwork Tyler cites specifically as an example of this idea, Anish Kapoor’s Cloud Gate:


“I think it’s one of the most successful public sculptures I’ve ever seen. One of the great things about it, beyond the things we typically think about, like how the sculpture interacts with the site and its surroundings as an object, is there’s this sense of play around it. I’ve witnessed people get right up against it and do the craziest things while trying to understand that they’re looking at themselves in space in a different way. In the presence of Cloud Gate, you could feel the jubilance within everybody’s individual and collective interactions. I think that’s a good example of what I’m talking about: where there’s liminality that’s present in the work that transcends how you understand it, and you feel the heightened awareness of everybody around you in a way that is pretty profound. In this way, the object remains an open experience and in-process. And I guess it’s the jubilance that I’m talking about, that everybody gets buoyed up by their own experience, and has this big smile on their face and there’s a connectedness as a result of that.”


Kapoor, Anish. Cloud Gate, photo courtesy of Tyler Rock

Kapoor, Anish. Cloud Gate, photo courtesy of Tyler Rock


This connectedness is something that Tyler strove for with his accompanying work, and something that he found most successful in his piece, Still Water. While the form is reminiscent of his lidded vessel series, the difference lies in what happens when you encounter Still Water, for it is not a static object. It hangs from the ceiling, a beautiful, curvaceous lamp spilling a circle of blue, rippling light across the floor. But, if you make noise, Still Water reacts. It shoots a jet of air that causes the water inside to bubble and scatters the light around the room. The more noise, the more it reacts. The piece is playful, which Tyler enjoys, but there is more to it:


“There are other qualities about that work that are more sophisticated – like how the first time that any noise happens, the moment where you understand what the object is doing and the play of that, the way that the light forms the circle around the base – sort of sets up a meditative space, and I think that’s really important. And then there’s the point where, as a viewer, if you’re interacting and engaged enough with it, you start to realize that the object isn’t maybe as playful as you initially thought. There’s a sense of it interrupting you, or affecting how you understand noise, and it feels like the object wants to quiet you down and take you back into that meditative space. And … I like that somebody’s mood could be affected by that, or that they could come out changed or slowed down and their normal temporality about their day could shift and become a bit quieter and softer.”


Rock, Tyler. Still Water. Photo by Ward Bastian.

Rock, Tyler. Still Water. Photo by Ward Bastian


Risk is an inherent element in this kind of work. With work that relies on viewer interaction, the risk that the viewer won’t interact means that there is a risk the viewer won’t fully understand a piece. Tyler was aware of this and it became an element of the work he embraced:


“I began to realize that if I wanted that embodied moment to be real, those same kind of processes would be at play in the finished project, and I kind of embraced that and thought it was a really good thing. So in the case of Still Water, people could walk into that room and never make a noise and have another type of encounter.”


When I saw Still Water that was precisely my experience. I was alone at the gallery, quietly went into the room where it hung without making a sound, and had no idea that it was anything other than the exquisitely beautiful object hanging in the room. I share this with Tyler, who responds:


“I think that the risk of it not functioning the way that it optimally could made me realize even more about that life of the object that I think is pretty neat. In the case of your description of Still Water, you just understand it in a different sort of way than others who experienced it differently. The site specific requirements of Still Water has lead me to having to be in a lot of different situations setting up that piece and negotiating new spaces when I do an install of it. Every space is different and the parameters are different. This type of problem solving during installs has expanded my understanding of process.” 


I ask Tyler if this period of intense research and reflection provided by his Master’s degree changed his approach to his work and how he considers what he is creating:


“Well I think that I’ve always seen glassblowing and art making as parallel processes. And so I think I’m always going to sit down at the bench and make the things that Tyler makes, but what was rich about the process was that I have a new vocabulary about how I’m making work and how I’m thinking about making work. The neat thing is the perspective I’ve gained after coming through it, at the time of conducting the research, it seemed like it was all new terrain and new ways of thinking, but at the end of that process, I can really see a through-line with my previous work, and I just see this as a part of a continuum of things I was interested in twenty years ago when I was beginning and the ideas are just manifesting themselves in a different way than they would have. I was interested in making objects that cast light. I was interested in form. I was interested in the space around objects and increasingly it’s just become – I don’t really want to say more subtle or more intellectual, it isn’t either of those things – it’s just different, maybe more fertile and open ground to explore those things in, and I’m looking forward to seeing what the next things are that I’m making.” 



Still Water; Video Documentation of a site-specific glasswork by Tyler Rock, presented at Liverpool Street Studios in Adelaide


Diana Fox graduated from the Alberta College of Art + Design in 2010. She has been the Social Media Coordinator for GAAC since that same year.




L’exploration des artéfacts : Still Water de Tyler Rock


par Diana fox


Written Submission/Article:


Les artistes passent beaucoup de temps à réfléchir sur la fonction des objets. Leur utilité est souvent pré-conditionnée dans nos esprits. La plupart d’entre nous va droit au but en se disant qu’un verre est fait pour boire, d’autres considèrent l’objet au-delà de ses fonctions de base. Le récent travail de Tyler Rock porte sur l’exploration de cette fonctionnalité et fait l’objet de notre discussion.


“Cet intérêt pour la fonctionnalité me vient des années passées à l’atelier à fabriquer des objets fonctionnels et à réfléchir à la façon dont un récipient va servir dans un environnement. C’est une vision de l’art qui diffère selon moi des autres enjeux artistiques. Il y a une générosité implicite dans le concept de penser à la manière dont l’objet va servir à quelqu’un d’autre.  Dans les nombreuses discussions ayant eu lieu sur l’art ces derniers temps, je n’ai pas trouvé grand-chose à ce sujet. Plus précisément, cet intérêt pour la fonction et la façon dont les objets en verre interagissent avec leur environnement m’ont amené à réfléchir sur l’espace entourant l’objet et comment l’animer pour qu’il devienne partie intégrante de la fonction de l’œuvre. Ce serait comme si une expérience non verbale contribuait à la vision globale du spectateur, de la même façon que les vitraux peuvent influencer l’environnement à l’intérieur d’une église. Souvent, un récit sur les vitraux relate clairement les idées présentées, mais il y a aussi cette impression d’être submergé par un flot de couleurs : une expérience globale qui s’étend au-delà de nos yeux et de notre esprit et qui renseigne notre compréhension d’une façon plus générale. Certains éléments fonctionnels à propos du verre ne relèvent pas du simple mécanisme de servir à boire. Et je pense que l’artisanat se cantonne trop fréquemment à cela. Souvent, la fonction est considérée comme la finalité de l’objet, ou du moins un paramètre au travers duquel il est perçu. Cela peut présenter des avantages tout comme des inconvénients. Je pense que nous avons tous vu des personnes explorer les objets jusqu’à ce qu’ils leurs découvrent une fonction et la quête s’arrête là. Ce constat m’a interpellé à tel point que j’ai souhaité approfondir par plusieurs manières pour en savoir d’avantage. »


Tyler a mené cette exploration au cours de son MVA à l’Université d’Australie Méridionale et s’est documenté méticuleusement tout en créant une série d’œuvres pour étayer sa thèse: The Second Artifact: An Investigation of the Craft Object and its Engagement with Phenomena (Le Second Artéfact : Investigation sur  l’objet d’art et son impact avec le phénomène). La thèse de Tyler est à la fois un document de recherche philosophique sur la nature des objets et un regard sur le processus intense, à la fois technique et intellectuel, qui a été investi dans son travail de recherche. Comme le suggère le titre, la grande partie porte sur la question de l’objet et comment les objets dictent l’interaction avec le monde qui les entoure. Sa réflexion a débuté avec la question de la fonction mais l’a rapidement conduit aux artéfacts et ce qu’ils représentent en réalité.


“Je suis parvenu à cette définition de l’artéfact bien différente de celle à laquelle je pensais dans le contexte de l’artisanat. Elle précise qu’un artéfact peut être un résultat inattendu autant qu’un résultat défini, ce que nous considérons généralement en tant que tel. En d’autres mots, si vous utilisez un instrument de mesure et que quelque chose vient dénaturer cette donnée, alors cela devient un artéfact. J’ai trouvé cette notion vraiment intéressante. Hasard, dysfonctionnement ou phénomène hors de portée du fabricant, peuvent être considérés comme des mécanismes permettant de considérer l’artéfact d’une façon différente, tel un nouvel objet. C’est devenu très stimulant  pour moi de savoir que l’artéfact de verre pouvait ne pas être une fin en soi en fonction du contexte.  Cela peut aussi être le point de départ qui permettrait à l’objet (l’artéfact) de rester dans le processus. »


Tyler cite une œuvre en particulier qui illustre son point de vue, le Cloud Gate d’Anish Kapoor :


 « Je pense que c’est l’une des sculptures publiques les plus réussies que je connaisse. Ce qu’elle a de particulier, au-delà des choses auxquelles on pense en premier lieu, tel que la façon dont elle interagit avec le site et son environnement en tant qu’objet, c’est l’esprit ludique qu’elle dégage. J’ai vu des gens s’adosser à elle et faire des choses délirantes tout en réalisant que c’est eux-mêmes qu’ils regardent dans une vision déformée de l’espace. Quand on s’approche de la Cloud Gate, on se réjouit des interactions collectives et individuelles. Je pense que cela illustre bien ce dont je parle : lorsque la liminalité présente dans le travail transcende votre interprétation et vous fait ressentir la présence des autres de façon plus intense. De cette manière, l’objet devient une expérience en continu. Au travers de tout cela, l’enthousiasme ressenti de chacun fait sourire et nous connecte les uns aux autres. »


Kapoor, Anish. Cloud Gate, photo mise à disposition par Tyler Rock

Kapoor, Anish. Cloud Gate, photo mise à disposition par Tyler Rock


Tyler cherche à créer cet esprit de connexion dans l’œuvre qui accompagne son travail, et c’est avec la pièce Still Water qu’il y est parvenu le plus. Tandis que les formes rappellent sa série de récipients, la différence est dans l’effet ressenti lorsque vous découvrez Still Water, car ce n’est pas un objet statique. Suspendue au plafond, une lampe aux gracieuses courbes jette un halo bleu qui ondule sur le sol. Mais au moindre bruit, Still Water réagit et projette un jet d’air créant des bulles à l’intérieur de l’eau qui dispersent la lumière dans la pièce. Plus il y a de bruit, plus ça réagit. Tyler apprécie le côté ludique de cette œuvre, mais ce n’est pas tout :


Cette œuvre comporte d’autres aspects plus sophistiqués : lorsque le premier bruit a lieu, le moment ou vous comprenez le fonctionnement de l’objet et son interaction, la façon dont la lumière forme un cercle autour de la base… Tout cela crée un univers de style méditatif que je considère comme très important. On dirait que l’installation interrompt ou modifie votre compréhension du bruit et donne la sensation que l’objet veut vous faire taire et vous ramener à cette ambiance méditative. Je me plais à penser qu’on peut influer sur l’humeur de quelqu’un de cette façon, ou que cela peut changer ou ralentir le rythme habituel de la journée pour la rendre un peu plus calme et plus tranquille. »


Rock, Tyler. Still Water. Photo de Ward Bastian

Rock, Tyler. Still Water. Photo de Ward Bastian


Le risque est un élément inhérent dans ce genre de travail. Lorsqu’une pièce repose sur l’interaction de l’observateur, il y a un risque qu’il ne comprenne pas totalement l’œuvre s’il n’interagit pas tel que prévu. Tyler en a conscience et a pris en compte cet élément dans son travail:


“J’ai compris que si je voulais que ce moment imaginé devienne réalité, il fallait que je prenne en compte les différentes possibilités d’expérimenter le résultat final. Dans le cas de Still Water, les gens peuvent aussi entrer dans la pièce sans faire de bruit et avoir une expérience totalement différente. »


Cela a justement été mon cas quand j’ai découvert Still Water. Seule dans la galerie, je suis entrée calmement dans la pièce où l’objet pendait sans faire de bruit. Je n’avais pas conscience qu’il y avait chose à voir qu’un magnifique objet suspendu. J’ai partagé cette impression avec Tyler  qui m’a répondu :


« Je pense que ce risque que tout ne fonctionne pas comme prévu révèle les multiples vies de l’objet et cela me plait. Dans le cas de votre description de Still Water, vous le comprenez d’une façon différente que d’autres qui l’ont expérimenté autrement. Les conditions spécifiques nécessaires de Still Water m’ont amené à faire preuve d’imagination pour mener à bien l’installation de l’œuvre dans des endroits très variables. Chaque espace est différent et les paramètres varient en fonction. Ce type de réflexion au cours de l’installation m’a permis d’étendre ma compréhension du processus. »


J’ai demandé à Tyler si cette période de recherche intensive et de réflexion, que lui a fourni son master, a changé son approche du travail et la façon dont il considère ce qu’il crée :


“J’ai toujours considéré le soufflage de verre et l’art comme des processus parallèles. J’irai toujours m’asseoir au ban pour faire ‘du Tyler’, mais  j’ai enrichi mon procédé en formulant mieux mon travail et ma réflexion créative. Lorsque j’ai effectué les recherches, cela me paraissait être un champ de réflexion totalement différent. Avec le recul, je peux à présent faire le lien avec mon ancien travail et considère que c’est dans la continuité des choses auxquelles je m’intéressais déjà vingt ans plus tôt. Mes idées se manifestent simplement d’une façon différente. Je m’intéressais à la réalisation d’objets qui capturent la lumière,  à la forme et à l’espace entourant les objets, et progressivement cela s’est mis en place. Je ne souhaite pas spécialement développer ce point de manière plus intellectuelle ou subtile, car ce n’est pas l’objet.  C’est simplement différent, surement un peu plus fertile et libre d’horizon une exploration plus vaste et je me réjouis de découvrir les prochaines choses que je vais créer. »




Still Water; Documentaire Vidéo portant sur une œuvre de Tyler Rock présentée aux Liverpool Street Studios d’Adelaïde


Diana Fox est diplômée de l’Alberta College of Art + Design depuis 2010. Elle occupe le poste de coordinatrice des réseaux sociaux du GAAC depuis cette même année.





Interview with Cheryl Wilson Smith

by Stephanie Baness


Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur 2 (2015), Kiln-formed glass, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur 2 (2015), Kiln-formed glass, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith


Cheryl Wilson-Smith is a Canadian glass artist who works in kiln-formed glass. She lives in Red Lake, Ontario.


Last year, Cheryl won the 2014 RBC Award for Glass and she was selected for Emerge/Evolve 2014: Rising Talents in Kiln-Glass, sponsored by The Bullseye Glass Company.


I recently spoke with Cheryl regarding her artistic practice and the development of her work and career.


Q. How did you get involved in glass? 


A. I started in painting and pottery. I was never happy with the glazes in pottery. I was always looking for the translucency. There was an Australian ceramics magazine that talked about how you could fuse glass on fibreboard. I started fusing glass that I found laying around in old stained glass and that’s how I started.


Q. Then what was the next step in your development?


A. I found out about Bullseye classes in Portland, Oregon. I started taking one or two Bullseye classes a year and that was the next step, going back and forth to Portland.


Q. What were you looking to develop in your explorations? 


A. I am not actually sure. I am always after an image. I have a thing with family history and images, you know, my grandparents and that kind of stuff. I am always trying to get the images to glass so I have been chasing that for years. Now it is easily available but it wasn’t back then so most of my classes were fusing, cold working and chasing that image or production work. I took some great architectural courses in the beginning with Richard Parrish and Laurel Porcari. That actually helped me get established as a glass artist and get some money coming in and recognition for what I was doing, that was kind of cool.


Wilson-Smith, Cheryl. Agus (2014), Kiln-formed glass, 5” x 5”(Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Agus (2014), Kiln-formed glass, 5” x 5”(Wilson-Smith)


Q. How did you come up with idea for your layered, 3D glass pieces? 


A. I took a course at Bullseye. The course was screen printing images. So I took this class thinking images, right, back to chasing images again, and it was not images. But the instructor screen printed glass. It was the first time I saw glass being screen printed. We were making little wafer things, screen printed with glass. I also learned how to use CAD.


I always wanted to blow glass, I also have an obsession with things within things, but have never had the money to go and learn how to blow and I never thought I could do it on my own, living remote and rural. So halfway through the class I realized, I can build with this. And that is what did it.


I would only make little tiny things. It is taking a lot of learning and experimenting but I am slowly building bigger. With the help of Koen [Vanderstukken], I got the firing schedule down where I am able to build a larger solid form.


Q. How long does it take to make a piece? 


A. I am in the middle of making screens for one. The screens so far have been over a week. Once I get a screen made, I can use it multiple times. It really is only about four hours to actually build it. But it is in the kiln for at least three days with firing and annealing.


Q.  You have done some commission pieces in public places.  Would you like to talk about them? 


A. I think it is a great avenue for revenue. I think it is a great way to get noticed. I am choosing not to pursue it at this point because you need a whole team of people working with you and where I live, I do not have that team.


Q. What are the other challenges that you have being a glass artist in Red Lake?


A. Finding supplies. Everything is a week, two weeks, three weeks to get supplies. My glass takes three weeks from Portland. I can’t go to the hardware store and get something if I need it. This leads to having stockpiles of many supplies in your studio.


The challenges are huge…but the benefits are so huge. I don’t have to go to openings, which I’d love to go to but I’m not distracted by them. I am not distracted by the world around me because it is familiar and routine. When I go to a city I find the visual input almost an overload. My time is mine. I get to work all day and if I want to go back to the studio at night, I can. The demands of a small town on your time are few. There’s so much good and bad and I am really struggling with that.


Wilson-Smith, Cheryl. Square!! (2015), Kiln-formed glass, 5” x 11.5” x 2”(Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Square!! (2015), Kiln-formed glass, 5” x 11.5” x 2”(Wilson-Smith)


Q. Do you do a lot of work that you sell in the states?


A. Not yet, I am trying to develop that as a market. In October, I have a show in Cambridge Massachusetts, I am part of a group show there, that is exciting. I am trying to develop the Chicago to Toronto corridor.


Q. What do you think of the Canadian market vs. the U.S. market in glass?


A. I think it is hard to be in Canada and be neighbours with the U.S and see how people sell their work there and the market. Just the opportunities there compared to what we have here are incredible.


I do think that this is a great place – it is like being in a small town, being in Canada. It is a great place to be nurtured and the glass community seems friendly, for the most part, and cohesive and helpful. I honest-to-God cannot believe the people I have asked for help that have helped me.  I am shocked. Because you expect somebody to say “No,” you don’t expect people to say, “What can I do? I will gladly help you.” That’s amazing. I feel really fortunate to have found the friends and mentors I have in the glass community and no matter what their nationality, finding supporting, helpful people has probably been my greatest asset.


Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur (2015), Kiln-formed glass, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur (2015), Kiln-formed glass, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)


Stephanie Baness recently completed her studies at Sheridan College in Oakville, Ontario. She is currently developing her artistic practice in kiln-formed glass and sand casting.




Entretien avec Cheryl Wilson Smith

par Stephanie Baness


Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur 2 (2015), Verre moulé, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur 2 (2015), Verre moulé, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)


Cheryl Wilson-Smith est une artiste du verre canadienne qui réalise des œuvres en verre moulé. Elle habite à Red Lake en Ontario.

L’année dernière, Cheryl a remporté le prix RBC 2014 du Verre et a été sélectionnée pour le programme Emerge/Evolve 2014: Rising Talents in Kiln-Glass, sponsorisé par The Bullseye Glass Company.

Récemment, j’ai pu m’entretenir avec Cheryl sur son art, l’évolution de son travail et de sa carrière.


Q. Comment en êtes-vous venue à travailler le verre? 

R. J’ai débuté avec la peinture et la poterie. Je n’étais jamais satisfaite du vernis de mes poteries. Je recherchais toujours plus de translucidité. Un magazine Australien sur la céramique mentionnait la possibilité de fuser du verre sur des panneaux de fibres. J’ai commencé à fuser des vieux vitraux trouvés aux alentours et c’est ainsi que cela a commencé.


Q. Ensuite, quelle a été votre prochaine étape ?

A. J’ai entendu parler des cours du Bullseye à  Portland, Oregon. Au début, j’ai suivi un à deux cours par an avec eux, et très vite les allers-retours à Portland se sont enchaînés.


Q. Que recherchiez-vous dans vos explorations? 

A. Je n’en suis pas certaine. Je suis toujours à la recherche d’une image. J’ai un truc pour les histoires de familles et les images, tel que mes grands-parents, ou ce genre de choses. J’essaye toujours d’insérer ces images dans le verre et cela fait des années que ça dure. Maintenant, il est possible de le faire assez facilement, mais à l’époque, c’était plus complexe. Voilà pourquoi la plupart de mes cours portaient sur le fusing et le travail à froid pour obtenir une image et la réaliser. Au début, j’ai suivi de très bon cours d’architecture avec Richard Parrish et Laurel Porcari, qui m’ont été réellement bénéfique pour parvenir à m’imposer en tant qu’artiste dans le verre. Etre reconnu dans son travail et gagner sa vie grâce à cela est formidable.


Wilson-Smith, Cheryl. Agus (2014), Verre moulé, 5” x 5”(Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Agus (2014), Verre moulé, 5” x 5”(Wilson-Smith)


Q. D’où vous est venue  cette idée de créer des œuvres en 3D en superposant des couches verre? 

A. Un des cours que j’ai suivi un cours au Bullseye portait sur la sérigraphie d’images. En choisissant ce thème, je me suis dit « tiens, des images, on repart dans la même quête », mais ça ne l’était pas vraiment en réalité. Par contre l’enseignant nous a montré comment imprimer sur du verre. C’était la première fois que je voyais une impression sur verre. Nous avons créé des sortes de gaufrette pour les imprimer sur verre. J’ai aussi appris à manier les logiciels de conception.

J’aime l’idée du soufflage de verre et le concept d’intégrer les choses les unes dans les autres. Mais je n’ai pas encore pu m’offrir de cours de soufflage et je ne peux pas non plus le faire chez moi, car j’habite dans une campagne trop éloignée. Vers le milieu du cours, j’ai commencé à comprendre que je pouvais aussi créer de cette façon et c’est cela qui m’a séduite.

Je ne réalise que des choses de petite envergure. Avec beaucoup d’apprentissage et d’expérimentations, je commence tout doucement à faire des choses plus grandes. Grâce à Koen [Vanderstukken], j’ai pu m’organiser dans le planning de cuisson pour faire des objets plus larges.


Q. Combien de temps cela prend-il pour réaliser une pièce? 

A. Je suis en pleine réalisation des imprimés pour l’une d’elle. Ces modèles me prennent plus d’une semaine à fabriquer. Une fois qu’ils sont produits, je peux les réutiliser plusieurs fois. Cela ne prend que 4 heure pour créer les pièces, mais elles passent ensuite 3 jours dans le four pour la cuisson et la recuisson.


Q.  Vous avez déjà créé des pièces sur commande pour des lieux publics. Pouvez-vous nous en parler ? 

A. Je pense que c’est un bon filon pour gagner sa vie. C’est aussi une très bonne façon de se faire connaitre. Je ne le fais plus en ce moment car cela nécessite d’avoir une équipe complète à disposition et là ou je vis, je n’ai pas cette équipe.


Q. Quelles sont les autres choses qui posent des difficultés lorsqu’on est artiste verrier à Red Lake?

A. S’approvisionner. Tout prend une, deux ou trois semaines pour recevoir le matériel. Le verre met trois semaines pour arriver depuis Portland. Je ne peux pas juste aller à la boutique pour acheter ce qu’il me faut. Cela me mène à stocker des piles entières de fournitures dans mon atelier.

Les inconvénients sont nombreux…mais les bénéfices le sont encore plus. Je ne suis pas obligée d’aller à des vernissages auxquels j’adorerai assister mais qui sont source de distraction. Je ne suis pas déconcentrée par mon entourage ni mon environnement, car il m’est familier et routinier. Lorsque je me rends en ville, j’aperçois trop de choses qui pourraient me distraire. Mon temps m’appartient. Je peux travailler toute la journée et même retourner à l’atelier la nuit si j’en ai envie. Vivre dans une petite ville ne vous demande pas trop de temps. Il y a du bon et du mauvais et je me bats souvent avec ce dilemme.


Wilson-Smith, Cheryl. Square!! (2015), Verre moulé, 5” x 11.5” x 2”(Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Square!! (2015), Verre moulé, 5” x 11.5” x 2”(Wilson-Smith)


Q. Réalisez-vous beaucoup de pièces à destination des Etats Unis?

A. Pas encore, j’essaye de me développer sur ce marché. En octobre, j’expose à Cambridge Massachusetts, je fais partie d’un groupe d’exposants, c’est très agréable. J’essaye de me faire connaitre dans le passage Chicago – Toronto.


Q. Quel est votre opinion sur le marché du verre canadien vs le marché américain?

A. C’est difficile d’être frontalier des Etats Unis et d’observer du Canada le marché sur place et la façon dont les gens vendent leur travail là-bas. Rien qu’en termes d’opportunités comparées aux nôtres, la différence est immense.

Mais c’est aussi endroit idéal – être au Canada, c’est comme être dans une petite ville. C’est un super endroit pour s’inspirer avec en plus une communauté du verre globalement très sympa, porteuse et cohésive. Sincèrement je n’en reviens pas du nombre de gens qui m’ont aidée quand j’en ai eu besoin. J’ai été très étonnée car je  m’attendais à recevoir des réponses négatives, mais à la place les gens m’ont dit « que puis-je faire pour toi ? Je serai ravi de t’aider. ». C’est incroyable. J’ai vraiment de la chance d’avoir trouvé ces amis et mentors dans la communauté du verre, toute nationalité confondue. Le fait d’avoir rencontré des personnes si aidantes constitue surement une de mes forces.


Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur (2015), Verre moulé, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)

Wilson-Smith, Cheryl. Dearg Mur (2015), Verre moulé, 6” x 17” x 2.5” (Wilson-Smith)


Baness a récemment achevé ses études au Sheridan College à Oakville en Ontario. Elle se perfectionne actuellement dans le verre moulé et les techniques de sablage.



France Grice




France Grice enjoyed a long and successful career as an interior designer and then started exploring glass. Grice pursued a self-directed education in various aspects of sculpture, mold making, glass fusing and casting – a passion was born. Now, she works full-time as a glass artist. Her career is twofold: on one side, figurative works in kiln cast glass, on the other, sculptural panels and birdbaths for the garden. She has also created architectural glass panels as commissions. Grice’s interior design skills, gained from more than 20 years of experience, are evident in the way her pieces enhance the homes and gardens of the most discerning customers.

After taking Donald Robertson’s pâte de verre workshop at Espace Verre in Montreal, Grice found a new path that would divert her focus from making functional works. From this technical knowledge, she developed unique techniques to suit her artistic vision. She has built sufficient confidence and expertise to hold workshops in casting for professional sculptors in Ottawa.

Grice’s figurative exploration is inspired by emotions and moods captured in the gestures of the human body. Some of her figures are within a 3-dimensional glass picture frame, which emphasizes a spatially significant context.



France Grice a fait une belle et longue carrière en tant que décoratrice d’intérieur avant de se mettre au verre. Elle s’est auto-formée aux différentes techniques de la sculpture, des moulages, du fusing et de la pâte de verre – une véritable passion était née. A présent, elle exerce son métier d’artiste du verre à plein temps. Son activité possède deux facettes distinctes, elle réalise à la fois de l’art figuratif avec la pâte de verre et des sculptures en panneaux de verre, ainsi que des bassins à oiseaux pour le jardin. Elle a aussi créé des sculptures architecturales en panneaux de verre pour des commandes. Ses clients ne s’y trompent pas, les compétences en décoration d’intérieur qu’elle a amassé au fil de ses 20 années de carrière se ressentent fortement à la façon dont ses pièces agrémentent leurs maisons et leurs jardins.

Après avoir suivi l’atelier de Donald Robertson sur la pâte de verre à l’Espace Verre de Montréal, Grice s’est découvert une nouvelle façon de concevoir son travail jusqu’alors exécuté de manière fonctionnelle. De cette expertise technique, elle a développé des techniques uniques qui conviennent à sa vision artistique des choses. Elle a accumulé suffisamment d’expérience et de confiance en elle pour assurer des ateliers sur la pâte de verre à des sculpteurs d’Ottawa.

L’exploration figurative de Grice s’inspire de l’émotion et de l’humeur capturés dans les mouvements du corps humain. Certaines de ses œuvres se présentent sous forme de tableaux de verre en 3 dimensions, agrémentant d’avantage encore  l’importance du contexte spatial.


ACAD Graduating Class 2015

June 22, 2015

What is it that draws us to Glass?

by Melony Stieben



What is it that draws us to glass? 


This material, which we cannot touch when working in the hotshop, requires constant attention and focus from start-to-finish. It cracks or explodes when we do not give it enough reassurance of its true beauty through reheats in the gloryhole. It burns us when we get too close or are not properly shielded from the immense heat that radiates from its surface. It can be the most violent or the most sensual material to work with, depending on how we treat it.


To truly understand glass, you need years-upon-years of working with it. On the other hand, I have met multiple artists, who have worked with hot glass for over 25 years, and are still discovering new things about the material. Can you ever really understand it fully? No matter how long you stay in a relationship with it, can you ever know it intimately?


Truly that is what working with glass becomes. It is a give-and-take relationship, full of excitement, discovery and curiosity, as well as heartbreak and tears. The more you are willing to give your time and effort to the glass, the more it will reward you.  These rewards come in the form of stunning creations, nourished from molten glass in the furnace, hot-sculpted work or tight-lined functional objects or even a flowing abstraction, reminiscent of life forces.


Glass becomes this material that we love, always enticing us to make more. It teaches us to let go of our attachment to a piece before it is finished (we succeed at this detachment some times more than others). Glass pushes us to improve our skills and work with others, taking joy in their successes as much as our own.


Glass creates a community. It brings us together through our love of the material. This love for glass drew us together as a class. We all shared our own versions of curiosity and had the opportunity to grow together. We were not only learning from our instructors, we were learning from each other’s experimentations and explorations.  Each of the five students, graduating from the Alberta College of Art + Design’s Glass major, has their own distinct and different voice. We have grown into a tight-knit group through the years of mug and Christmas bauble production nights, Glass Olympics and our trip to Chicago for the 2014 GAS Conference. ACAD has not only given us Bachelors of Fine Arts in Glass but also, more importantly, lifelong friendships.


I want to present you with the wonderful people that I had the pleasure of learning alongside for the duration of my degree:


Graeme Dearden


Dearden, Graeme. Crash (2015), silkscreen print on paper, 21” x 29” (Graeme Dearden)

Dearden, Graeme. Crash (2015), silkscreen print on paper, 21” x 29” (Graeme Dearden)


What do you make?

Abstract prints and drawings. Visual poetry. Prose poetry.

What do you make work about?

Well, the through-line of my work is usually the object-making process. I’m intrigued with why people, including myself, make objects and how the methods they use convey their personal history. This gets me thinking a lot about labour and craft and how these fields offer unique answers to why people produce both utilitarian objects and art objects.

Why is this at all important to you?

I see it as a way of distilling at least part of a person’s subjective experience into tangible conversations. It’s like listening to an interview. You learn about a person through their responses to external stimuli. Except, instead of a person asking questions, it’s a material asking questions. And materials ask different questions than people.

What do you intend for the viewer to get from the work you make?

I don’t feel I have enough control over who views my work and in what context, to attempt to control anyone’s reading of my work. I try to leave hypotheses about my work’s reception removed from the decision-making process as much as possible.

But, you still do think about the viewer to some extent?

Of course I do. I can’t imagine making work in which I wouldn’t do that. I guess what I mean is that I don’t trust myself to correctly anticipate people’s responses. The only response I can seem to correctly anticipate is my own. So that is the logic I rely on when I produce my art.

If the work doesn’t anticipate anything in specific from the viewer though, why do you show it?

I like to see how my personal experience making artwork is received when presented outside of the context of my studio and the time spent creating. I see my personal experience like a tool, it shapes and alters the final object without ever actually showing itself explicitly.

Could you describe what process you go through to make your work?

I work very heavily in printmaking and glass coldworking, but I see both as an expression of drawing. It’s the root of everything I make. I have been writing a lot as well, but even that I see as related to drawing. Every letter is a tiny drawing and has its own signature to it, which I get a kick out of. Even as I move into non-handwritten writing, I try to treat words and phrases like objects with specific qualities, just like prints and drawings and glass.



Ryan Gaudreault


Gaudreault, Ryan. Untitled (2015), Blown Glass, 11” x 12” (Ryan Gaudreault)

Gaudreault, Ryan. Untitled (2015), Blown Glass, 11” x 12” (Ryan Gaudreault)


Glass, as a material, has always allowed me to explore my fascination of the ocean and aquatic life easily because [glass] has qualities of those like water.  My work is inspired by the human connection with the ocean and nature. Much of my work is functional, using forms and patterns for Mother Nature. The material also gives me a voice to speak, like a painter communicating through their painting. Glass can also become a nonfunctional piece of artwork [with its] qualities, like using light and transparent colours to magnify the fluidity of the glass. I want my pieces to give the viewer a calm, almost meditative, feeling when viewing and using the work.



Leah Kudel


Kudel, Leah. A Moment of Negative Space (2013), Blown Glass (Joe Kelly)

Kudel, Leah. A Moment of Negative Space (2013), Blown Glass (Joe Kelly)


Kudel, Leah. The Space between Myself and I (2013), Blown Glass (Joe Kelly)

Kudel, Leah. The Space between Myself and I (2013), Blown Glass (Joe Kelly)


My art practice revolves around the idea of absence, specifically negative space. I am fascinated by how the absence of something becomes highlighted solely because of the fact that something or someone no longer exists. The absence, in a sense, materializes. I love attempting to highlight the negative spaces between people through the use of objects that initiate uncanny social interactions.



Lusia Stetkiewicz


Stetkiewicz, Lusia. Aware (2015), Blown Glass and Electronics, Dimensions Variable (Lusia Stetkiewicz)

Stetkiewicz, Lusia. Aware (2015), Blown Glass and Electronics, Dimensions Variable (Lusia Stetkiewicz)


Stetkiewicz, Lusia. Aware (2015), Blown Glass and Electronics, Dimensions Variable (Lusia Stetkiewicz)

Stetkiewicz, Lusia. Aware (2015), Blown Glass and Electronics, Dimensions Variable (Lusia Stetkiewicz)


Light, dark, vulnerability, time and the communication of these themes is the basis in which I produce work. These elements are all present in one way or another in day-to-day life, but can go unrecognized and unidentified, becoming normal or disregarded in our daily existence.  In my work, I expose these elements while I explore the outer physical landscape, our environment, and how it impacts our inner landscape.

Lightness and darkness can speak to a duality of good and bad and to the physical experience of light and shadow. I am fascinated by the experience of light and dark. I believe that the root of this fascination has emerged from growing up 25 km outside of Whitehorse, Yukon. Whitehorse is north of the 60th parallel, [so] it has summers that have almost twenty-four hour daylight and winters with nearly the exact opposite. With winter being about ten months of the year, ice, snow, cold, dark, muffled sounds and the sense of isolation these elements create has formed who I am. My life in this climate has created in me a sense of vulnerability and sensitivity that I believe is now intrinsic to my being. I am interested in this feeling of vulnerability and the fluidity of its different manifestations, both private and public.  With vulnerability comes almost total self-awareness [and] an acute awareness of life beyond oneself. The foundation for my art practice lies in this self-awareness, both in myself and in others and in relation to others. I strive to physically bring out the emotionality of the environment: the sounds, the light and the dark. I am interested in how the darkness folds in on us and how the light is relentless and is manic, both are inescapable. My work explores how our inner and outer landscapes both create and influence us.

Though the roots of my interests are melancholy in nature, I am optimistic and engaged with the light, playful, curious side of the world as well. This sense of lightness emerges from the Yukon summers, [with] 24 hours of daylight.  I make art, which simultaneously engages with the way that I/we see the world with playful curiosity, often turning my, and the audiences’, expectations of what we see upside-down.  I want to embrace a playful sadness in my art, as I feel I do in my life.

Although my work is constantly changing and evolving, my roots will forever stay the same. The experiences that I have had, the vulnerability that I have felt and the interest that I have in the world around me is constant. I am always searching for different ways to communicate and change the experience that the viewer has with a piece of work, to emulate natural occurrences that cause us to be reminded of experiences past and to become present in the current moment. Operating in dualities of warmth and cold, light and dark, playfulness and sadness, community and solitude, my interest in the world around me translates into work that is experiential and curious in nature. My work aims to change the way that the viewer perceives and experiences the work, materiality and space around them, intending to engage on many levels and [with] many senses. My goal is to make work that acts as a catalyst for thought rather than merely presenting a physical or material representation.


Melony Stieben


Stieben, Melony. Contained (2014), Blown and Engraved Glass, 14” x 5 ½” (largest) (Melony Stieben)

Stieben, Melony. Contained (2014), Blown and Engraved Glass, 14” x 5 ½” (largest) (Melony Stieben)


Stieben, Melony. Exploration of Line (2015), Blown Glass with Cane and Murrine, 24” x 5 ½ “ (Tallest) (Melony Stieben)

Stieben, Melony. Exploration of Line (2015), Blown Glass with Cane and Murrine, 24” x 5 ½ “ (Tallest) (Melony Stieben)


From an unquenchable thirst for life to explore, discover and learn, I draw inspiration to create from the patterns I find around me and from ones I discover through research into microscopic images captured by scientific researchers.

I am looking at the connections between macro and micro images in life and how textures and patterns repeat or resemble one another on multiple levels upon closer inspection. Using glass as my medium, I am exploring different ways of expressing how I see these images.


Melony Stieben was born in Winnipeg, Manitoba, but grew up in northern Alberta from a young age. She graduated from the Alberta College of Art + Design with a Bachelor of Art in Glass with Distinction in 2015. She blows and casts glass as part of her practice, which looks at the line that creates the pattern.



La promotion 2015 de l’ACAD

Pourquoi le verre nous attire?

par Melony Stieben



Pourquoi le verre nous attire?


Tant qu’on est en train de le travailler dans l’atelier, on ne peut toucher ce matériau qui demande une attention constante et de la précision du début à la fin. Il explose ou se craquèle dès qu’on ne prête pas suffisamment attention à sa vraie beauté sortie brulante du creuset. Il brule lorsqu’on s’approche trop de lui ou que l’on n’est pas suffisamment protégé de l’immense chaleur qui dégage de sa surface. Il peut être le matériau le plus violent comme le plus sensuel, selon la façon dont il est traité.


Bien comprendre le verre requiert de nombreuses années de travail avec. Pourtant, j’ai rencontré des artistes travaillant le verre depuis plus de 25 ans, qui découvrent encore maintenant des choses nouvelles. Peut-on jamais le comprendre totalement ? Qu’importe la durée de votre relation  avec le verre, pouvez-vous vraiment le connaître parfaitement?


Travailler avec le verre implique réellement cela. C’est une relation donnant-donnant, pleine de joies, de découvertes et de curiosités, mais aussi de déceptions et de larmes. Plus vous lui consacrez de temps, plus il vous le rendra. En récompense, on obtient des créations magnifiques qui prennent forme à partir du verre en fusion sortant du four, de la sculpture à chaud, d’objets domestiques aux lignes précises et de gracieuses réalisations abstraites évoquant les pouvoirs de la vie.


Le verre devient alors un matériau tant apprécié qu’il nous attire toujours plus. Il nous apprend à laisser tomber certaines œuvres inachevées (ce détachement est parfois plus facile que pour d’autres). Le verre nous pousse à améliorer nos compétences et à travailler avec d’autres personnes, à se réjouir de leur réussite autant que de la nôtre.


Le verre génère une communauté. Il nous rassemble au travers de notre amour pour le matériau. Cet amour du verre nous a rapprochés pendant les cours. Nous avons tous cette curiosité distincte en commun  et avons progressé ensemble. Nous avons appris, non seulement grâce à nos professeurs, mais aussi par les découvertes de chacun.  Les 5 étudiants qui viennent d’obtenir leur diplôme de l’Alberta College of Art + Design avec option verre ont chacun leurs propres spécificités et une voie distincte. Nous avons évolué au fil des années au sein de ce petit groupe : les nuits entières à produire des tasses et des boules de noël, les olympiques du verre, notre voyage à Chicago pour assister à la Conférence du GAS de 2014. L’ACAD ne nous a pas seulement donné un diplôme des Beaux-Arts en verre, il nous a surtout permis de créer des amitiés pour la vie.


Je souhaite vous présenter les fabuleuses personnes aux côtés desquelles j’ai eu le plaisir d’apprendre tout au long de mes études.


Graeme Dearden


Dearden, Graeme. Crash (2015), impression sérigraphie sur papier, 21” x 29” (Graeme Dearden)

Dearden, Graeme. Crash (2015), impression sérigraphie sur papier, 21” x 29” (Graeme Dearden)


Que fais-tu?

Des impressions abstraites et des dessins. De la poésie visuelle. De la poésie en prose.

Sur quoi porte ton travail?

Et bien la ligne directrice de mon travail porte en général sur le procédé de création de l’objet. Je m’interroge sur la façon dont  nous concevons ces objets et comment les méthodes utilisées expriment notre histoire personnelle. Cela me mène à une réflexion sur le travail et l’art, la manière dont ces domaines offrent une réponse unique qui permet de produire à la fois des objets fonctionnels et des objets d’art.

Pourquoi cela est-il important à tes yeux?

Je considère que c’est une façon de distiller une partie au moins de son expérience subjective dans une discussion concrète, un peu comme si vous écoutiez l’interview de quelqu’un. Vous découvrez la personne au travers de ses réponses à des stimuli extérieurs. Mais au lieu de répondre à un interviewer, le matériau vous pose ses propres questions. Elles sont différentes de celles posées par des personnes.

Que souhaites-tu communiquer à l’observateur dans les œuvres que tu crées?

Je ne pense pas pouvoir influencer  la lecture de mes œuvres car je ne sais pas toujours qui sont les personnes qui regardent mes œuvres ni dans quel contexte. J’essaye autant que possible de ne pas prendre en compte dans mon processus de décision les hypothèses de perception de mon travail.

Penses-tu malgré tout à l’observateur d’une certaine façon?

Bien sûr que j’y pense. Je ne me souviens pas de travaux pour lesquels je n’y ai pas pensé. Ce que je veux dire en fait, c’est que je ne me crois pas apte à anticiper correctement les réponses des gens. La seule réponse que je peux correctement anticiper est la mienne. C’est donc sur cette logique que je me base lorsque je crée une pièce.

Si ton travail n’anticipe rien de particulier du point de vue de l’observateur, alors pourquoi l’exposes-tu quand même? 

J’aime voir de quelle façon mon expérience personnelle dans la création d’œuvres est perçue en dehors de l’atelier et sortie de son contexte. Je considère mon expérience personnelle comme un outil, elle façonne et modifie l’objet final sans jamais vraiment transparaitre explicitement.

Peux-tu décrire le processus que tu appliques dans ton travail?

Je travaille beaucoup en impression et dans le travail à froid du verre, mais je considère les deux comme une expression du dessin. C’est la base de tout ce que je crée. J’ai aussi beaucoup écrit, et cela est également lié au dessin selon moi. Chaque lettre est un petit dessin et possède sa propre signature, ce qui me plait vraiment. Même dans les écritures non manuscrites, j’essaye de traiter les mots et les phrases comme des objets aux qualités particulières, tout comme les impressions, les dessins et le verre.



Ryan Gaudreault


Gaudreault, Ryan. Sans titre (2015), verre soufflé, 11” x 12” (Ryan Gaudreault)

Gaudreault, Ryan. Sans titre (2015), verre soufflé, 11” x 12” (Ryan Gaudreault)


Le matériau du verre me permet d’explorer facilement ma fascination pour l’océan et la vie aquatique, car il possède des qualités semblables à celles de l’eau. Mon travail s’inspire du lien entre l’homme, l’océan et la nature. La majorité de mon travail est destiné à un usage fonctionnel, j’utilise des formes et des modèles de la nature. Grâce au matériau je peux m’exprimer, à l’image d’un peintre qui communique au travers de ses peintures. Le verre est aussi propice à la réalisation d’œuvres d’art non fonctionnelles, en utilisant des couleurs légères et transparentes pour magnifier la fluidité du verre. Au travers de mes pièces, mon but est de procurer une sensation de calme presque méditatif à la vue ou à l’utilisation de mes objets.



Leah Kudel


Kudel, Leah. A Moment of Negative Space (2013), verre soufflé (Joe Kelly)

Kudel, Leah. A Moment of Negative Space (2013), verre soufflé (Joe Kelly)


Kudel, Leah. The Space between Myself and I (2013), verre soufflé (Joe Kelly)

Kudel, Leah. The Space between Myself and I (2013), verre soufflé (Joe Kelly)


Ma pratique de l’art tourne autour du thème de l’absence, en particulier l’espace négatif. Je suis fascinée par le fait que l’absence de quelque chose ou de quelqu’un devienne notable uniquement par le fait qu’il n’existe plus. D’une certaine façon, cette absence se matérialise. J’adore essayer de souligner les espaces négatifs entre les gens par l’utilisation d’objets qui suscitent des interactions sociales troublantes.


Lusia Stetkiewicz


Stetkiewicz, Lusia. Aware (2015), verre soufflé et électronique, Dimensions Variables (Lusia Stetkiewicz)

Stetkiewicz, Lusia. Aware (2015), verre soufflé et électronique, Dimensions Variables (Lusia Stetkiewicz)


Stetkiewicz, Lusia. Aware (2015), verre soufflé et électronique, Dimensions Variables (Lusia Stetkiewicz)

Stetkiewicz, Lusia. Aware (2015), verre soufflé et électronique, Dimensions Variables (Lusia Stetkiewicz)


Pouvoir communiquer sur les thèmes de la lumière, de l’obscurité, de la vulnérabilité et du temps me donne une base de travail. Ces éléments sont tous présents d’une façon ou d’une autre dans la vie de tous les jours, mais peuvent passer inaperçus, être considérés comme normaux ou ignorés dans notre vie quotidienne. Dans mon travail, j’expose ces éléments en explorant l’environnement et le paysage extérieur et son incidence sur notre paysage intérieur.


La luminosité et l’obscurité peuvent à la fois faire office de métaphore exprimant la dualité entre le bien et le mal, ou de démonstration physique des jeux entre la lumière et l’ombre. Je suis fascinée par ce ressenti entre lumière et obscurité. Cette fascination vient de mon enfance passée dans le Yukon, à 25km de Whitehorse. Whitehorse est au nord de la 6Oe parallèle, il y fait jour 24h/24 pendant l’été et l’inverse en hiver.  L’hiver dure 10 mois de l’année avec la neige, la glace, le froid, la nuit, les bruits étouffés et ce sentiment d’isolement. Tous ces éléments ont fait de moi ce que je suis aujourd’hui. Vivre dans ce climat m’a rendue vulnérable et sensible de façon intrinsèque. Je m’intéresse à ce sentiment de vulnérabilité et à la fluidité de ses manifestations diverses, publiques ou privées. Avec la vulnérabilité se pose la question de la conscience de soi et de la conscience de la vie au-delà de soi. Je m’appuie sur cette base pour pratiquer mon art en développant la conscience de moi-même, des autres et des relations aux autres. J’aspire à faire ressortir de façon concrète les sensations que nous procure notre environnement : les bruits, la lumière et l’obscurité. Je m’intéresse à la façon dont l’obscurité nous enveloppe, tandis que la lumière est implacable et frénétique. Les deux sont inéluctables. Mon travail explore la façon dont les paysages intérieurs et extérieurs nous façonnent et nous influencent.


Mon intérêt dévoile une forme de mélancolie naturelle, je suis optimiste et motivée par la lumière, enjouée et curieuse aussi. Ce sens de la luminosité provient des étés dans le Yukon avec son soleil de minuit. Je réalise un art qui joue avec ma perception du monde pleine de curiosité, mettant souvent sens dessus dessous ma vision des choses ainsi que celle du public. Mon souhait est d’englober cette tristesse enjouée, telle que ressentie dans ma vie.


Bien que mon travail évolue et change constamment, mes racines seront à jamais les mêmes. Les expériences que j’ai eues, la vulnérabilité que j’ai ressentie et l’intérêt que je porte au monde qui m’entoure sont constants. Je recherche en permanence des nouvelles façons de communiquer et de modifier l’expérience de l’observateur lorsqu’il regarde une œuvre.  L’idée est de recréer les circonstances naturelles qui surviennent et nous rappellent les expériences du passé tout en créant le moment présent.  Mon travail sur les dualités entre chaud et froid, lumière et obscurité, allégresse et tristesse, communauté et solitude, ainsi que sur mon intérêt pour le monde autour, se traduit par un travail de type expérimental et curieux par nature. Mon travail a pour but de modifier la perception de l’observateur sur l’œuvre, la matérialité et l’espace qui l’entoure, en stimulant divers sens sur différents niveaux. Je souhaite réaliser un travail qui catalyse les pensées, plutôt que de présenter de simples représentations physiques ou matérielles.


Melony Stieben


Stieben, Melony. Contained (2014), verre soufflé et gravé, 14” x 5 ½” (le plus large) (Melony Stieben)

Stieben, Melony. Contained (2014), verre soufflé et gravé, 14” x 5 ½” (le plus large) (Melony Stieben)


Stieben, Melony. Exploration of Line (2015), verre soufflé avec tiges de murine, 24” x 5 ½ “ (Tallest) (Melony Stieben)

Stieben, Melony. Exploration of Line (2015), verre soufflé avec tiges de murine, 24” x 5 ½ “ (Tallest) (Melony Stieben)


Je puise mon inspiration d’une soif insatiable de la vie, pour explorer, découvrir et apprendre. Je dessine  alors pour créer ensuite à partir des motifs que j’observe autour de moi et de ceux que je découvre en regardant les images au microscope faites par des chercheurs scientifiques.

Je remarque toutes les similarités entre ces photos micro et macro de la vie. Les textures et les motifs se répètent ou se ressemblent à de nombreux niveaux lorsqu’on les regarde de près. Avec le verre comme matériau de prédilection, j’explore les différentes façons d’exprimer ma perception de ces images.


Melony Stieben est née à Winnipeg dans le Manitoba et a grandit au nord de l’Alberta depuis un très jeune âge. Elle a obtenu en 2015 un diplôme avec mention de l’Alberta College of Art + Design en art du verre. Son travail consiste à se concentrer sur la ligne qui crée le motif par le soufflage et le verre moulé.