By: Kristi O’Connell

On November 30, 2011, the curtain was raised at the official opening gala celebration of Sheridan’s new Hazel McCallion Campus in Mississauga, Ontario.  It unveiled a shimmering, interactive glass installation created by a collective of 32 students and select faculty from the Sheridan Craft and Design – Glass program. The stunning work features more than 2,000 glass tubes suspended dramatically by nearly eight kilometres of aircraft cable.  Entitled Aurora Borealis, it was the star of the night.

Sheridan Craft and Design –Glass students and faculty celebrate the unveiling of Aurora Borealis during the official opening gala at the new Hazel McCallion Campus on November 30, 2011. Photo credit: Sheridan College

Aurora Borealis is intended to capture the ethereal feeling of witnessing the naturally occurring phenomena of a featureless light display in the northern sky.  The northern lights are caused by a combination of charged particles, solar wind and the magnetic field of the earth’s atmosphere.  To the same effect, the talented makers from Sheridan’s glass studio utilized human energy, swirling lines and the ability of glass to reflect and defuse light to awe their audience.

By day, the piece exploits the natural light afforded by a wealth of windows in the space.  At night, real-time video images of people moving in the room are translated into coloured impressions and projected onto hanging glass tubes.  Through this live interaction, individuals viewing the piece become interconnected.

The impetus for the installation came about through Sheridan College’s decision to base its new facility on a creative campus concept.  In spring 2011, all four of the Sheridan Craft and Design studios were invited to submit design proposals for permanent installation at the Hazel McCallion Campus.  Recognizing the rare opportunity to execute a high profile public installation, the glass students and faculty came together as construction of the building was underway.  It became clear early on that the triangular shaped common area on the southern tip of the building was an ideal location for a large-scale glass installation, due to its unique footprint and two-story outer glass walls.

Third-year glass student, Alex Wilson, and studio technologist, Jason Cornish, use a Skyjack to hang the lines of thin glass tubes. Photo credit: Sheridan College.

In his article, Craft Versus Design: Moving Beyond a Tired Dichotomy, Rafael Cardoso poses the idea that the enlightened craftsperson’s potential value is realized only within a community of like-minded practitioners and users.  From initial concept development,until the final touches were completed in an assembly marathon lasting three days, this project was an intense collaboration.

Third-year glass student, Kurt Fisher, and studio technologist, Jason Cornish, suspending components previously assembled by team members on the ground. Photo credit: Sheridan College

Preparing for the installation took months of work by the team, who tackled the project over and above their own academic and studio work.  Koen Vanderstukken, the Glass Studio Head and an accomplished artist in his own right, describes the finished product as a culmination of a unique learning experience and a fantastic team effort.

Concept Development

The story behind the design of Aurora Borealis has projected light as its main supporting character.  At the first creative meeting, an image of the architectural drawing was projected onto a whiteboard.  The student-lead group drew concept designs on the board within the boundaries of the projected space, erasing and adjusting until they had two sweeping complementary lines.

The next design step took this simple two-dimensional overhead view and translated it into three dimensions.  It was decided that hanging thin borosilicate glass tubes, some sandblasted to absorb light and some clear to refract it, best captured the group concept.  To make the concept a reality, a source for coloured light and support framing needed to be designed and safely hung in the space.

3 Milestones Once the Project Was Green-Lighted

1. Researching Material Solutions

Leveraging his relationships in the collaborative craft community, Jason Cornish, Technologist for the Sheridan Glass Studio, partnered with Gerresheimer USA, to source the glass.  The company provided a list of off-price materials (merchandise available at a significantly lower cost resulting from production overruns or defaulted orders) that included a large volume of borosilicate glass with a 51-expansion coefficient.  Normally an expansion coefficient of 33 is needed for hot glass sculpting, but in this case only cold processes like cutting and blasting were necessary.  Ultimately, Gerresheimer generously donated 3,000 borosilicate glass tubes for use in the project.

Next came the framing. Sheridan employed a structural engineer to advise on the load bearing requirements.  It was determined that aluminum framing attached to the existing building framework would be sufficient to hold the estimated 1,500-pound installation.  In support of the project, George Whitney of Armo Tool Ltd in London, Ontario, sponsored the frame, donating shop time and materials.  The frame itself was assembled by a small sub-team of students and faculty.  During installation, projected laser light was used to map out the mounting points on the ceiling.

Matt Crosby, Aurora Darwin, Silvia Taylor and Alex Wilson work as part of a 10-person team to assembled 120m of aluminum track into the lightweight frame to support the glass. Photo credit: Sheridan College

When completing a public installation, budget and safety constraints dictate that each component be carefully sourced and selected.  As an example, nylon bushings might degrade over time due to UV sun exposure, therefore metal finishing washers were used to support the bottom of each glass tube.

Griplock Systems’ adjustable reverse release loop-making grippers were used to avoid having to pre-crimp the aircraft cable to exacting design demands.  This system also allowed the tube height to be set on the ground and adjusted by eye in the air to achieve the desired curve and lift along the bottom edge of the piece.  Having the supplier, The Good Rope Company Inc., cut the aircraft cable to two predetermined lengths, and pre-crimp the loops to be used for hanging at the frame, provided consistency and accuracy in this component at minimal additional cost.

Jason Cornish’s deft sourcing and the generous donations by Gerresheimer and Armo Tool enabled a large portion of the budget to be spent on creating a custom projected light system to fully realize the creative concept.  Three cameras register motion in the space, a video mixer abstracts the images and eight 5,000 lumens projectors light up the piece.

Studio technologist, Jason Cornish, adjusts one of the eight 5,000 lumens projectors that light up the piece. Photo credit: Sheridan College

2.  Creation of the ‘to scale’ maquette

The students and select faculty worked out plan details by creating a ‘to scale’ maquette of the architectural space and the piece itself.  This type of hands-on exploration is good for the makers and for presenting to project sponsors and vendors, many of whom still find a tangible model preferable to a 3D rendering on a 2D page.

Accurately scaled templates helped to determine the final tube location, quantity and the intertwined path of the hanging glass lines. These templates were used again during installation to determine tube length and position.  Tubes were sandblasted in advance and cut on site during installation.

3.  The installation

When completing large-scale public installations, the importance of coordinating a proper order and timing for tasks cannot be over emphasised.  Prior to installing the glass, external trades people needed to be scheduled to mount the frame, run cable, and put in additional electrical outlets.  Four project team members required Skyjack operator and fall arrest training.  The act of hanging the tubes needed to be choreographed to allow the lift and its operators to dance between the glass and architectural fixtures in tight space.  To avoid unnecessary delays all of the tools, equipment and prearranged student labour teams needed to be on site each day to do the job.

Andrew Beauchamp, Matt Crosby, Allysun Rysnik, Amanda Skalski and Roxanne Tochor are among the students and faculty who worked in rotating teams for three days to measure, cut and thread the glass tube for installation. Photo credit: Sheridan College

 Must-haves for success  

Aurora Borealis, as seen at night in the Hazel McCallion Campus in Mississauga, Ontario. Photo credit: Sheridan College

1. A project plan with benchmarks and important dates, plus focused work teams who understand and are responsible for specific components of the project.

2. An inspiring leader like the one these Sheridan students have in their Studio Head, Koen Vanderstukken.

3. A project sponsor with enough position-power to keep things moving forward, over and around potential project-ending obstacles.  Aurora Borealis was lucky enough to have Senior Vice-President Academic and Research, Dr. Mary Preece as its champion on more than one occasion.

4. Stakeholder support and enthusiasm.  This critical mass of people provide subtle unconscious inspiration, a “you’re here, I’m here, let’s get it done” attitude, as well as tangible benefits like the 600-plus hours of donated time, suggested solutions, increased budget approval, and expertise that fuelled this venture.

5. Lastly, crafts people more often than not work mostly for praise.  Receiving supportive comments in writing along the way, in person at the gala opening, and being permanently recognized on an onsite plaque is all the compensation this team of dedicated crafts people received or needed.

The students and faculty from the Sheridan Craft and Design Glass program invite you to walk through the space and be a part of the installation.  To see more images of the installation and its creators, or to post your own supportive comments, watch The Making of Aurora Borealis on You Tube.

About the Author:

Kristi O’Connell is a second-year student in the Sheridan Craft and Design Glass program.  Her glass work abstracts motion picture and original imagery to express the expanding demands placed on women post-feminism.  By fusing coloured glass powder and layered panels, Kristi preserves a meaningful moment in time using a unique painterly style.  After graduating from Ryerson with a certificate in Human Resources Management in 1998, Kristi worked as an Instructional Designer, waiting until the necessary combination of circumstances allowed her to pursue an interest in glass art.  She taps into her humanities background when developing concepts, infusing her work with poignancy and depth.

Lumières. Caméra. Verre?!

L’installation des Etudiants en Verre de Sheridan illumine le nouveau Campus Hazel McCallion

Par: Kristi O’Connell

Le 30 Novembre 2011, lors du gala officiel d’ouverture du nouveau campus Hazel McCallion  de Sheridan à Mississauga en Ontario, le rideau s’est levé pour révéler une installation chatoyante et interactive tout de verre, créée par un collectif de 32 étudiants et enseignants du programme Art et Designde Sheridan. Contenant plus de 2000 tubes de verre, l’œuvre éblouissante est suspendue de manière étonnante par presque huit kilomètres de câble aérien. Nommée Aurora Borealis, elle fut l’attraction de la soirée.

Art et Design de Sheridan – Etudiants et professeurs en Verre célèbrent l'inauguration d'Aurora Borealis pendant le gala officiel d'ouverture du nouveau Campus Hazel McCallion le 20 Novembre 2011. Crédit Photo: Collège Sheridan

Aurora Borealis tente de reproduire cette impression de légèreté à l’observation du phénomène lumineux naturel qui a lieu dans le ciel nordique. Les lumières nordiques sont dues au mélange de particules chargées, de vent solaire et de champs magnétiques qui proviennent de l’atmosphère de la terre. Pour obtenir un effet similaire et captiver l’audience, les talentueux créateurs de l’atelier de verre de Sheridan ont utilisé l’énergie humaine, des courbes ondulantes et cette capacité du verre à refléter et diffuser la lumière.

De jour, l’œuvre exploite la lumière naturelle provenant du grand nombre de fenêtres dans la pièce. La nuit, les images vidéo des personnes se déplaçant dans la pièce sont retransmises en temps réel sous forme d’impressions colorées et sont projetées sur les tubes en verre qui pendillent. Cette interaction en temps réel relie les individus qui visitent l’installation.

L’origine de l’installation part de la volonté du Collège Sheridan d’installer de nouveaux ateliers sur un concept de campus créatif. Au printemps 2011, on demanda aux quatre ateliers d’Art et de Design de Sheridan de faire des propositions pour une installation qui serait permanente sur le campus Hazel McCallion. Voyant là une rare occasion de pouvoir réaliser une installation publique à forte visibilité, les étudiants et professeurs se sont regroupés tandis que le bâtiment était encore inachevé. Il leur apparu rapidement que la zone triangulaire commune à la pointe sud du bâtiment serait l’endroit idéal pour baser une installation de verre à grande échelle, grâce à son impression unique et à ses grands pans de verre montant sur deux étages.

Alex Wilson, étudiant en 3e année et Jason Cornish, ingénieur de l'atelier utilisent une nacelle pour pendre les lignes de délicats tubes de verre. Crédit Photo: Collège Sheridan

Dans son article, Craft Versus Design: Moving Beyond a Tired Dichotomy (Art Versus Design: Sortir d’une Vielle Dichotomie), Rafael Cardoso défend l’idée que la valorisation potentielle d’un artiste n’a lieu que par l’existence d’une communauté d’utilisateurs et de penseurs sur la même longueur d’ondes. Du développement du concept initial jusqu’aux touches finales, tout fut assemblé au cours de trois jours marathoniens et le projet fut une grande collaboration.

Kurt Fisher, étudiant en verre de 3e année et l'ingénieur d'atelier Jason Cornish suspendent les composants au sol assemblés au préalable par des membres de l'équipe. Crédit Photo: Collège Sheridan.

Préparer l’installation nécessita des mois de travail aux membres de l’équipe, qui durent réaliser le projet en plus de leurs propres occupations académiques et créatives. Koen Vanderstukken, chef de l’atelier verrier et artiste accompli de plein droit, décrit l’œuvre terminée comme l’apothéose d’une expérience enrichissante unique et d’un fabuleux travail d’équipe.

Développement du concept

La conception d’Aurora Borealis utilise la lumière projetée comme support principal. Au cours de la première réunion créative, on projeta sur un tableau blanc l’architecture du bâtiment en dessin. Le groupe des étudiants dessina plusieurs concepts de design sur le tableau dans les limites de l’espace projeté, en effaçant et ajustant jusqu’à obtenir deux grandes lignes complémentaires.

L’étape suivante du design fut de prendre cet aperçu général simple en deux dimensions et de le transformer en trois dimensions. Il fut décidé que la pendaison de fins tubes en verre borosilicate, certains sablés pour absorber la lumière, d’autres transparents pour la réfracter, refléterait l’idée du groupe à son mieux. Pour passer du concept à la réalité, il fallut réfléchir à la conception d’une source de lumière colorée ainsi que trouver une façon sûre de suspendre la pièce dans l’espace.

Les étapes importantes jusqu’à l’éclairage du projet

1. Trouver des solutions matérielles

Ingénieur de l’atelier verrier de Sheridan, Jason Cornish profita de ses relations collaboratives dans la communauté artistique qui lui permirent d’entreprendre un partenariat avec Gerresheimer USA pour se procurer le verre. L’entreprise fournit alors une liste de matériaux “hors prix” (marchandises disponibles à un prix bien plus bas du fait d’une surproduction ou d’une mauvaise commande) qui comprenait un gros volume de verre borosilicate au coefficient d’expansion 51. En temps normal, un coefficient d’expansion 33 serait nécessaire à la sculpture du verre à chaud, mais dans notre cas, seuls les process à froid comme la découpe et le sablage étaient nécessaires. En fin de compte, Gerresheimer nous fit généreusement don de 3000 tubes en verre borosilicate pour notre projet.

Puis vint la question de l’armature. Sheridan employa un ingénieur en structure capable de déterminer les conditions nécessaires pour soutenir la pièce. On décida qu’un cadre aluminium attaché au cadre du bâtiment existant devrait être suffisant pour soutenir l’installation estimée à 680 kg. George Whitney d’Armo Tool Ltd à London en Ontario, sponsorisa l’armature en geste de soutien au projet, et fit don de temps de travail et des matériaux. L’armature fut assemblée par une petite équipe d’étudiants et d’enseignants. Durant l’installation, on projeta des rayons lasers au plafond pour mieux guider le montage des fixations.

Matt Crosby, Aurora Darwin, Silvia Taylor et Alex Wilson font partie de l'équipe de 10 personnes qui travaillent à l'assemblage des 120 m de circuit d'aluminium servant à faire la monture légère pour tenir le verre. Crédit Photo: Collège Sheridan.

Lors de la conception d’une installation publique, chaque élément doit être soigneusement sélectionné pour respecter à la fois le budget et les contraintes de sécurité. Par exemple, les bagues de nylon peuvent se dégrader au fil du temps à cause de leur exposition aux UV du soleil, donc des rondelles métalliques ont du être utilisées en renfort pour soutenir le bout de chaque tube.

Des fixations ajustables de  Griplock Systems’ furent utilisées pour éviter d’avoir à pré-pincer le câble aérien afin d’obtenir le design exact. Ce système a aussi permis de pouvoir décider au sol de la longueur des tubes une fois pendus, puis de les ajuster à l’œil nu dans l’air pour parvenir à la courbe et au levage désirés de la pièce. The Good Rope Company Inc.  coupa alors le câble en deux longueurs prédéterminées, et pré-plia les boucles servant à pendre l’installation, fournissant uniformité et précision du matériel à un coût minime.

L’obtention habile des éléments par Jason Cornish et les donations généreuses de Gerresheimer et d’Armo Tool permirent de pouvoir consacrer en grande partie le budget à la création d’un système de projection lumineuse spécifique permettant de réaliser pleinement le concept créatif. Trois caméras enregistrent le mouvement dans l’espace, un mixage vidéo extrait les images et 5000 projecteurs lumineux éclairent la pièce.

Jason Cornish, ingénieur d'atelier, ajuste un des 5000 projecteurs lumineux qui éclairent la pièce. Crédit Photo: Collège Sheridan.

2. Création d’une maquette grandeur nature

Les étudiants et professeurs ont fait des plans détaillés en créant une maquette grandeur nature de l’espace architectural et de la pièce elle-même. Ce type d’approche pratique est bénéfique pour ceux qui conçoivent et pour pouvoir présenter le projet aux sponsors et aux fournisseurs, la plupart préférant toujours un modèle tangible plutôt qu’un rendu 3D posé sur papier en 2D.

Des modèles calculés avec précision ont permis de déterminer l’emplacement final, la quantité et l’entremêlement des lignes de tubes pendantes. Ces modèles furent réutilisés pendant la mise en place pour déterminer la longueur et la position des tubes. Les tubes étaient sablés au préalable et coupés sur place pendant l’installation.

3. L’installation

Dans les installations publiques à grande échelle, il est très important de coordonner le timing  et l’ordre des tâches. Avant d’installer le verre, il a fallut rencontrer des personnes commerciales extérieures pour installer l’armature, le câble de sûreté et rajouter des prises électriques. Quatre membres de l’équipe du projet on du monter dans une nacelle et suivre une formation pour éviter les chutes. La pendaison des tubes a nécessité une chorégraphie permettant à la nacelle et à ses opérateurs de danser avec précision entre verre et fixations architecturales à certains endroits. Pour éviter des délais inutiles, tous les outils, équipements, et équipes de travail étudiantes devaient être sur place chaque jour pour remplir leur mission.

Andrew Beauchamp, Matt Crosby, Allysun Rysnik, Amanda Skalski et Roxanne Tochor font partie des étudiants et professeurs qui ont travaillé dans les équipes tournant pendant 3 jours pour mesurer, couper et enfiler les tubes en verre de l'installation. Crédit Photo: Collège Sheridan.

Les Must pour réussir

Aurora Borealis, telle que perçue la nuit dans le Campus Hazel McCallion de Mississauga en Ontario. Crédit Photo: Collège Sheridan.

1. Un plan de projet avec des points de référence et des dates clés, des équipes de travail concentrées et compréhensives qui sont responsables de certains aspects spécifiques du projet.

2. Un chef de projet enthousiaste comme Koen Vanderstukken l’a été pour les étudiants de Sheridan.

3. Un sponsor avec suffisamment de pouvoir pour pouvoir faire avancer le projet et aider à contourner des obstacles menaçant sa concrétisation. Aurora Borealis a eu la chance d’avoir le soutien du Dr. Mary Preece, Vice-Présidente Senior de l’Académie et de la Recherche à plusieurs reprises.

4. Le soutien et l’enthousiasme des parties prenantes. Ce nombre décisif de personnes ajoute une certaine motivation inconsciente, l’attitude “nous y sommes, vous y êtes, alors autant nous y mettre”, ainsi que des bénéfices concrets comme 600 heures de temps consacré, des solutions suggérées, la possibilité d’augmenter le budget et l’expertise pour concrétiser cette aventure.

5. Enfin, les artistes travaillent le plus souvent pour la reconnaissance. Recevoir des encouragements tout du long, par écrit ou par oral lors du gala d’ouverture, pouvoir être reconnu à titre permanent sur une plaque sur les lieux est une compensation que cette équipe d’artistes dévouée a bien mérité.

Les étudiants et le corps professoral du programme d’Art et Design de Sheridan vous invitent à traverser cette pièce pour être part de l’installation. Pour voir des images supplémentaires de l’installation et de ses créateurs, ou pour y mettre vos propres encouragements, allez voir The Making of Aurora Borealis sur You Tube.

A propos de l’Auteur:

Kristi O’Connell est étudiante en deuxième année au programme d’Art et Design de Sheridan. Elle se sert d’images en mouvement et statiques dans son travail du verre pour exprimer l’exigence grandissante pour les femmes du post-féminisme. En fusionnant de la poudre de verre colorée avec des  panneaux de verre, Kristi préserve dans le temps des moments significatifs avec un style pictural unique. Après avoir obtenu un diplôme en Management des Ressources Humaines en 1998 à Ryerson, Kristi travailla en tant que conceptrice pédagogique, en attendant un concours de circonstances qui lui permette d’approfondir son attrait pour l’art du verre. Puisant dans sa formation en lettres en pour développer ses concepts, elle imprègne son travail d’un caractère émouvant et profond.

By Brianna Strong

The Alberta College of Art + Design (ACAD) is celebrating their most recent graduates from the glass program.  These recognized creative producers carry out a range of investigations that are as diverse and layered as their respective methodologies.  The breadth and scope of their practices begin to ask fundamental questions about material thinking, relational experience, perception, society, psychological constructs and reality.  These individuals are award winners, international agents for the glass community and emerging artists to look out for.

Artist: Carissa M.E. Baktay, Title: You Don’t Want Me as Much as I Want You to, too., Installation, Media: Mixed media, hair, gum, video, Date: 2010

Carissa M.E. Baktay

Carissa Baktay is an independent artist and glassblower living and working in Calgary, Alberta.  Born and raised in Calgary, she graduated with her Bachelor of Fine Arts degree in Glass from the Alberta College of Art + Design in 2011. She has studied at the Rhode Island School of Design, Red Deer College, participated in an annual Snow and Ice sculpting residency in Norway and was accepted to the 2011/2011 Living Arts Center Fellowship in Glass.  The main investigation of her ongoing work explores the intangible sense of taboo with respect to private, personal and public objects and spaces within human interaction. The haptic experience of the spectator, where seeing becomes wholly intertwined with feeling, is employed through the use of controversial objects and situations. By using beauty, the viewer is lured into an intimate situation of participation with an object.  The viewer finds himself in an uncomfortable yet self-indulgent position governed through his own actions and incited by curiosity. Resolution is reached through the viewer’s sensation by harnessing sight and visual clues as a form of touch.

Erinn Logee

Growing up, Erinn wasn’t exposed to a variety of artist influences.  There were only two artists in her family, her great-uncles Domenic Cocolichio and Frederick Bedford.  Essentially, painting and drawing were the only media of art she were ever exposed to. Glass has a large base in Montreal, Quebec, from where she is originally, but it wasn’t until her move to Calgary, Alberta, that she discovered it.  When Erinn began her tutelage at the Alberta College of Art + Design, her dreams were of becoming a comic book artist post-graduation, but that all changed after just one glass course.  To put it simply, she fell in love.  This love for the medium blossomed beyond her personal practice and begat the Calgary Glass Initiative, which she and fellow alum Kai Scholefield started, and of which they currently share the position of President.  In addition to this post, Erinn is also the Prairies Representative for GAAC.

Artist: Ward Bastian, Title: Highlights 13, Media : Light Jet Print Rear-mounted on Plexi-glass, Date: 2011

Ward Bastian

Ward Bastian began at the Alberta College of Art + Design with intentions to graduate from the photography department. During the course of his undergraduate, however, he began working with glass and was unable to pull himself away. Because of his passion for photography as well as glass, Ward’s undergraduate practice was a combination of the two. His practice involved blowing black glass vessels and photographing them in a manner in which only the reflection of the light source would be visible in the photo. After graduating in 2011, Ward traveled to New York to take part in a photography residency at the School of Visual Arts. There he began to investigate a practice without the use of glass, specifically to photography’s relationship with light. Even though the focus of his practice has shifted, Ward continues to blow glass at the Double Struggle glass studio. He resides in Calgary, Alberta where he is continuing on with the photographic work he began in New York.

Artist: Elisabeth Cartwright, Title: As We Grow, Media: Glass, Copper wire, Found Objects, Date: 2011

Elisabeth Cartwright

Elisabeth is an artist engaged with light and how it brings existence to her pieces. She not only works in glass but also adds an element of mixed media to her work. Glass has boundless borders and as an artist influenced by her surroundings, she believes art is not just an expression, but a way of life. Elisabeth is a passionate individual and is an active participant in the local art community.  She is able to capture not only her audience’s imagination but evoke their emotions. In March 2011, Elisabeth was selected as one of fourteen artists to participate in The Alberta College of Art + Design’s Art aWEARness. She has also exhibited work in Seattle, Washington, and Corning, New York, as well as exhibiting work in Calgary and surrounding rural areas.

Artist: Erinn Logee, Title: The Agony of Beauty, Series 4, Dimensions: 19" x 6" x 4.5" & 21" x 8.5" x 5.5", Media: Mixed Media, Date: 2011, Photo Credit: Jillian LogeeThe Agony of Beauty, Series 4. Detail.

The Agony of Beauty, Series 4. Detail.

Diplomés ACAD 2011

Par Brianna Strong

Le Collège des Arts et du Design d’Alberta (ACAD) félicite ses derniers diplômés en date du programme verre. Ces travailleurs créatifs reconnus mènent à bien une série de projets aussi divers et variés que les méthodes qu’ils y emploient. L’étendue et la portée de leurs pratiques puisent leur source dans la réflexion fondamentale sur le matériel, les expériences relationnelles, la perception, la société, les questions psychologiques et la réalité. Ce sont des lauréats, représentants internationaux de la communauté du verre ainsi qu’artistes émergents à guetter.

Artist: Carissa M.E. Baktay, Title: You Don’t Want Me as Much as I Want You to, too., Installation, Media: Mixed media, hair, gum, video, Date: 2010

Carissa M.E Baktay

Carissa Baktay est une artiste indépendante et souffleuse de verre qui vit et travaille à Calgary en Alberta. Originaire de Calgary, elle a obtenu un Diplôme des Beaux-Arts en Verre du Collège des Arts et du Design d’Alberta en 2011. Elle a étudié à l’Ecole de Design de Rhode Island, au Collège Red Deer, participé à un congrès annuel de sculpture sur neige et glace en Norvège et fut admise dans la corporation du Centre des Arts Vivants du Verre de 2010/2011. Ses recherches actuelles portent sur exploration du sens abstrait du tabou dans son rapport avec des objets et des espaces privés, personnels ou publics, au sein des interactions humaines. L’expérience tactile du spectateur, où la vision devient pleinement liée aux sentiments, est exploitée à travers l’utilisation d’objets et de situations controversées. En utilisant la beauté, l’observateur est attiré dans une participation intime avec l’objet. L’observateur se retrouve dans une position inconfortable mais pourtant complaisante, dirigé par ses propres actes et tiraillé par sa curiosité. L’effet final est rendu par l’observateur qui ressent sa vision en une sorte de toucher.

Artist: Erinn Logee, Title: The Agony of Beauty, Series 4, Dimensions: 19" x 6" x 4.5" & 21" x 8.5" x 5.5", Media: Mixed Media, Date: 2011, Photo Credit: Jillian Logee

The Agony of Beauty, Series 4. Detail.

Erinn Logee

Durant son enfance, Erinn ne fut pas influencée par une grande variété d’artistes. Il n’y avait que deux artistes dans sa famille, ses grands-oncles Domenic Cocolichio et Frederick Bedford. La peinture et le dessein furent essentiellement les seules formes d’art auxquelles elle fut exposée. Malgré une communauté du Verre importante à Montreal au Quebec d’où elle est originaire, elle ne découvrit pourtant ce matériau qu’une fois après avoir déménagé à Calgary en Alberta. Lorsque Erinn commence ses études au Collège des Arts et du Design d’Alberta, elle rêve à l’époque de devenir artiste de bandes dessinées à l’obtention de son diplôme. Mais tous ses plans changèrent dès son premier cours sur le verre. Pour faire simple, elle tomba amoureuse. Cet amour pour le matériau s’épanouit au-delà de son travail personnelle et fut à l’origine de la Calgary Glass Initiative, qu’elle créa avec son ami et ancien élève Kai Scholefield, avec qui elle partage la présidence à l’heure actuelle. En plus de ce poste, Erinn est aussi la Représentante Prairies au sein du GAAC.

Artist: Ward Bastian, Title: Highlights 13, Media : Light Jet Print Rear-mounted on Plexi-glass, Date: 2011

Ward Bastian

Ward Bastian débuta au Collège des Arts et du Design d’Alberta avec l’intention d’obtenir un diplôme en photographie. Toutefois durant cette sa période d’études, il se mit à travailler le verre et fut incapable de s’en détacher par la suite. Comme il était passionné  la photographie et le verre, ses essais pratiques ont été une combinaison des deux. Ses travaux impliquaient le soufflage de vases en verre noir pour ensuite de les photographier de telle façon que seul le reflet de la source de lumière était visible sur la photo. Après l’obtention de son diplôme en 2011, Ward se rendit à New York pour participer à un séminaire de photographie à l’Ecole des Arts Visuels. Il commença à y travailler sans l’usage du verre, principalement sur la relation entre photographie et lumière. Même si sa pratique a aujourd’hui dérivé, Ward continue à souffler le verre à l’atelier Double Struggle. Il vit maintenant à Calgary en Alberta où il poursuit son œuvre photographique entamée à New York.

Artist: Elisabeth Cartwright, Title: As We Grow, Media: Glass, Copper wire, Found Objects, Date: 2011

Elisabeth Cartwright

Elisabeth est une artiste qui travaille sur la lumière et la façon dont celle-ci donne corps à ses œuvres. Elle utilise non seulement le verre pour son travail mais y ajoute aussi des éléments de matériaux variés. Pour elle le verre n’a pas de limite. Influencée par ce qui l’entoure, l’art n’est selon elle pas juste un mode d’expression, mais aussi un mode de vie. Elisabeth est une personne passionnée qui participe activement à la communauté d’art locale. Elle est non seulement capable de captiver l’imagination d’une audience mais peut même aussi leur susciter des émotions. En mars 2011, Elisabeth fait partie des quatorze artistes sélectionnés pour prendre part au programme Art aWEARness du Collège des Arts et du Design d’Alberta. Elle a aussi exposé ses œuvres à Seattle, Washington, Corning, New York, ainsi qu’à Calgary et ses environs.

by Valérie Paquin

The students: Carine Ledoux , Roxane Dupuis, Marythée Joncas-Daigle, Isabelle Ostiguy, Hadashah Hétu, Stefanie Marquis. (taken at Espace Verre)

People often refer to the pleasant atmosphere that reigns at Espace VERRE, a place to share ideas and knowledge, where seasoned professionals meet tomorrow’s glass artists. In 1989, François Houdé, Ronald Labelle, and their team welcomed the first glass artists-to-be enrolled in the fine craft technical program, glass option, leading to a college-level diploma offered in collaboration with the Cégep du Vieux Montréal. Twenty years after the first class of graduates, the latest six graduates of the Centre des métiers du verre du Québec – better known as Espace VERRE – reflect on their career path. They share their personal impressions on three years of exploration and experimentation with the different glass techniques and their applications.

At first, Roxane Dupuis was drawn towards the glass trade by the adrenaline rush that comes with working molten glass. After her high school studies, she decided to learn how to master this complex matter.

by Roxane Dupuis / Credits : Roxane Dupuis

To tread through a spectrum of concerns, Roxane externalizes her anxieties and her joys by creating artistic pieces, sculptures, and paintings. Although each piece is very different, her work always reflects a certain fear of the ephemeral. She often includes odd little elements in her concepts that illustrate, just as is her life philosophy, that to keep smiling is essential. She authenticates her work, as well as her feelings of the moment, by keeping the mark of certain tools.

In May 2011, Roxane received the Houdé-Mendel grant, which will enable her to pursue her pâte de verre research. She was also awarded a one-year GAAC membership with unlimited photos. She plans to study Art Therapy, as well as to join Fusion, Espace VERRE’s transitional workshop.

At fifteen, Hadashah Hétu was already interested in ceramics and drawing plans for wood kilns. Years later, she dabbles in both plant biology and agronomy at university, but will not pursue degrees in those fields. All the while, she enjoys ceramics classes in her spare time. While researching glazes and coloration, she discovers books on glass. During her undergraduate degree in Visual Arts, Hadashah experiments with kiln working and printing using pigments stable at high temperature. Meanwhile, she enrolls in an intensive weekend class at Espace VERRE to see if her instincts are right, and that’s where it all begins!

Série «L'histoire peut-elle...», Verre d'inspiration néerlandaise (XVIIe siècle), 2011, by Hadashah Hetu. Size : 24 x 8,7 x 8,7 cm / Credits : Hadashah Hétu

Hadashah’s interest in working with the heat of fire and kiln construction has withstood the test of time. She likes to move and the hot shop gives her that liberty. She also enjoys reading and doing research. Glass enables her to combine all these elements. Furthermore, aesthetically or visually, glass offers her interactions that ceramics would not have allowed: the floating of colours or images within a volume. By pursuing her desire for small, delicate blown pieces, Hadashah revels in the detail that makes one ponder the purpose of Venetian work.

Before studying at Espace VERRE, Marythée Joncas-Daigle completed a Diploma in Arts at the Cégep du Vieux Montréal. However, it was only when she discovered hot glass that she knew she had found her true calling.

by Marythée Joncas-Daigle / Credits: Michel Dubreuil

She chooses to pursue glassblowing because it is technically difficult and constantly pushes her to outdo herself. Moreover, glassblowing enables her to play with matters she likes, to combine techniques with her previously acquired skills. Since she enjoys painting, drawing, and glassblowing, her work is a combination of these elements. Marythée sometimes uses the graal technique or the addition of fused pieces in her works, which are always decorated with paintings or line drawings depicting characters. Created in graphite or enamels, these figures are transformed, stretched and enlarged when blown.  Marythée draws her inspiration from the inner world, sentiments, and state of consciousness brought on by interpersonal exchanges. Her pieces convey the visual dialogue of what is not said but indeed felt.

Carine Ledoux studied in Communications at the Cégep du Vieux Montréal for one year. During this period, she explored the spheres of radio and journalism, as well as photography and cinematic analysis. As the second year of the program is geared towards video editing and documentary – domains she was less interested in – she decided to move towards a more artistic program. She discovered Espace VERRE by chance.

by Carine Ledoux / Credits: Michel Dubreuil

For Carine, the last three years were instrumental in developing her creativity and enabled her to learn a lot about herself. In hindsight, she can now say with certainty that her inspiration was drawn directly from her past personal experience. She was also inspired by photography and, more particularly, by photographs dating back several centuries. Through her work, she attempts to convey the anxieties that may lie within each young girl and each woman.

From Plasticine snails to LEGO brick houses, Stéfanie Marquis’ creativity is nurtured from a very early age. Having been exposed to the construction industry since childhood, thanks to her family, she also studied architecture for three years. She has therefore been drawn to all aspects of interior design.

"Fenêtres sur coeur", 2011, by Stéfanie Marquis, Size : 10’’ x 18’’/ Credits : Michel Dubreuil

For its transparency, for its unique lustre, for its optical properties, for its strengths and weaknesses, glass is, according to Stéfanie, the ideal medium. It brings solution to her problems, it makes her think and question. Lately, Stéfanie has been exploring reoccurring themes: hearts, sexuality and sensuality. Within the next three years, she aims to have set up her own workshop. She plans to develop a line of household products and offer small objects that are unique, original, utilitarian, and decorative.

As soon as she finished high school, Isabelle Ostiguy knew she wanted to work with molten glass. She was mesmerized by the possibility of molding a solid material simply by reheating it. Glassblowing made her realize at what point she enjoys the heat and the almost infinite possibilities that glass offers.

by Isabelle Ostiguy / Credits: Isabelle Ostiguy

For Isabelle, nature is the first source of inspiration. She is fascinated by the image of the sprout that grows against all odds. This image is a great metaphor for how she sees her life as a glass artist. Her approach is aesthetically focused on the form and harmony between colours. By playing with various colour associations, she reinterprets floral forms. Her work consists of assembling different blown incalmos, allowing her to explore the contrast between opaque colours and the original translucence of glass. By creating millefiori murrines, she invents her own version of nature.  Being such a complex material, glass allows Isabelle to push the limits of her passion.  Her ultimate goal? Reaching perfection!

Thanks to the dynamics of studio work, the young ladies of the 20th class of graduates matured alongside one another. What do they recall from their three years at Espace VERRE? The atmosphere of small groups, the very personal, direct training, and the “small family” feeling that develops between students. Many laughs were shared, but also hardships – hardships that molded them, that made them grow. Glass is both fragile and resistant; it is a material that brings together, but that also creates tensions. Cold glass techniques, pâte de verre and flameworking teach patience; hot glass techniques teach communication and teamwork. All in all, it seems that the program not only develops skills, but also personalities!

Where will they be three years from now? Keep an eye out for these emerging artists: this is not the last you will hear about them.

Trois années sont si vite passées :

Retour sur la formation à Espace VERRE

par Valérie Paquin

The students: Carine Ledoux , Roxane Dupuis, Marythée Joncas-Daigle, Isabelle Ostiguy, Hadashah Hétu, Stefanie Marquis. (taken at Espace Verre)

On fait souvent référence à l’ambiance conviviale qui règne à l’école-atelier Espace VERRE, un lieu d’échange et de partage des savoirs, un endroit où les professionnels chevronnés rencontrent les verriers de demain. En 1989, François Houdé, Ronald Labelle et leur équipe accueillaient les premiers verriers en devenir inscrits au diplôme d’études collégiales en techniques de métiers d’art, option verre, offert en collaboration avec le cégep du Vieux Montréal. Vingt ans après la première cohorte de diplômés, les six dernières finissantes du Centre des métiers du verre du Québec – mieux connu sous l’appellation Espace VERRE – font le point sur leurs parcours. Elles nous livrent leurs impressions personnelles sur trois ans d’exploration et d’expérimentation des différentes techniques de travail du verre.

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A priori, Roxane Dupuis fut attirée vers le métier d’artiste verrier par l’adrénaline ressentie lors du contact avec le verre en fusion. À la suite de ses études secondaires, elle choisit d’apprendre à maîtriser cette matière complexe.

by Roxane Dupuis / Credits : Roxane Dupuis

Pour passer à travers toute une gamme de préoccupations, Roxane extériorise ses angoisses et ses bonheurs dans la création d’objets d’art, de sculptures et de peintures. Toutes aussi différentes qu’elles puissent être, ses œuvres reflètent la crainte de l’éphémère. Elle ajoute souvent de petits éléments farfelus et divagants à ses concepts, qui expriment, comme sa philosophie de vie, qu’il importe de garder le sourire. En conservant certaines traces d’outils, elle authentifie ses œuvres, de même que ses états d’âme du moment.

En mai 2011, Roxane recevait la bourse Houdé-Mendel, qui lui permettra de poursuivre ses recherches en lien avec la pâte de verre, ainsi qu’un abonnement d’un an à la GAAC avec photos illimitées. Elle projette de faire des études en art-thérapie, ainsi que de faire partie de l’atelier de transition d’Espace VERRE, Fusion.

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À quinze ans, Hadashah Hétu s’intéresse à la céramique et dessine déjà des plans de fours à bois. Des années plus tard, elle entreprend une formation universitaire en biologie végétale puis en agronomie, qu’elle ne poursuivra pas. En parallèle, elle suit des cours de céramique. C’est en faisant des recherches sur les glaçures et la coloration qu’elle découvre des livres sur le verre… Pendant ses études au baccalauréat en arts visuels, Hadashah fait des essais en thermoformage et impression avec des pigments stables à haute température. Entretemps, elle vient suivre un cours de fin de semaine à Espace VERRE pour vérifier si son orientation est la bonne, puis ça y est!

Série «L'histoire peut-elle...», Verre d'inspiration néerlandaise (XVIIe siècle), 2011, by Hadashah Hetu. Size : 24 x 8,7 x 8,7 cm / Credits : Hadashah Hétu

L’intérêt d’Hadashah pour le travail à la chaleur avec le feu et l’aménagement de fours a résisté au temps. Elle aime bouger et le verre à chaud lui offre cette liberté. Elle aime aussi la recherche, la lecture. Le verre lui permet de combiner le tout. Aussi, esthétiquement ou visuellement, le verre lui permet des superpositions que la céramique ne lui aurait pas autant permis : le flottement des couleurs ou des images à l’intérieur de son volume. Développant son penchant pour les petites pièces soufflées délicates, Hadashah se réjouit dans le détail qui amène à réfléchir, le pourquoi du travail dit vénitien.

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Avant d’étudier à Espace VERRE, Marythée Joncas-Daigle complète un D.E.C. en arts au cégep du Vieux Montréal. Cependant, c’est lorsqu’elle découvre le verre à chaud qu’elle sait avoir trouvé la matière et la technique qui la fait vraiment vibrer.

by Marythée Joncas-Daigle / Credits: Michel Dubreuil

Elle choisit de développer le verre soufflé car le travail est techniquement difficile à réaliser et la pousse constamment à se surpasser. De plus, le verre soufflé lui permet de jouer avec les matières qu’elle aime, de combiner les techniques avec ses acquis antérieurs. Comme elle aime peindre, dessiner et souffler du verre, son travail est un combiné de ces éléments. Marythée utilise parfois la technique du graal ou l’intégration de parties thermoformées à ses pièces, qui sont toujours ornées de peintures ou de dessins au trait représentant des personnages. Faits de graphite ou d’émaux, ils se transforment, s’allongent ou grossissent au moment de les souffler.

Marythée puise son inspiration du monde intérieur, des sentiments et des états de conscience véhiculés par les échanges interpersonnels. Ses pièces sont l’expression d’un dialogue visuel pour lequel rien n’est vraiment dit mais plutôt ressenti.

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Carine Ledoux étudie pendant un an au cégep du Vieux Montréal en communications. Durant cette année, elle explore le domaine de la radio, du journalisme, ainsi que de ceux de la photographie et de l’analyse cinématographique. Comme la deuxième année du programme est axée sur le montage vidéo et le documentaire – des domaines qui l’intéresse moins –, elle décide de se réorienter vers un programme plus artistique. Elle découvre Espace VERRE par pur hasard.

by Carine Ledoux / Credits: Michel Dubreuil

Pour Carine, les trois dernières années ont étés cruciales au niveau du développement de sa créativité et lui ont permis d’en apprendre énormément sur elle-même. Avec un peu de recul, elle peut maintenant dire avec certitude que ce qui l’a inspiré lors de son travail fut puisé directement dans son expérience personnelle antérieure. Elle s’est aussi inspirée de la photographie, et plus précisément de clichés datant de plusieurs décennies. Au travers de son travail, elle tente de représenter les angoisses qui peuvent se cacher au fond de chaque fille et de chaque femme.

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Des escargots en pâte à modeler aux maisons en briques LEGO, Stéfanie Marquis exploite sa créativité depuis son plus jeune âge. Baignée depuis toujours dans le monde de la construction grâce à sa famille, elle fait aussi trois ans d’études en architecture. Elle aime donc ce qui s’y rapporte et ce qui touche au design d’intérieur.

"Fenêtres sur coeur", 2011, by Stéfanie Marquis, Size : 10’’ x 18’’/ Credits : Michel Dubreuil

Pour sa transparence, son éclat unique, pour ses propriétés optiques, ses forces et ses faiblesses, le verre est, selon Stéfanie, le médium idéal. Il lui apporte des problèmes à résoudre, il la fait réfléchir et se questionner. Depuis quelques temps, Stéfanie exploite des thèmes récurrents dans son travail : les cœurs, la sexualité et la sensualité. D’ici trois ans, elle voudrait avoir mis sur pied son propre atelier. Elle veut créer une gamme de produits pour la maison et offrir aux gens des petits produits uniques, originaux, utilitaires et décoratifs.

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Dès la fin de ses études secondaires, Isabelle Ostiguy sait qu’elle veut travailler le verre en fusion. La possibilité de modeler un matériau solide seulement en le réchauffant l’intrigue énormément. Le verre soufflé est la technique qui lui a fait réaliser à quel point elle apprécie la chaleur et les possibilités quasi infinies qu’offre le verre.

by Isabelle Ostiguy / Credits: Isabelle Ostiguy

Pour Isabelle, la nature est source d’inspiration première. L’image de la jeune pousse qui réussit à grandir, peu importe les obstacles, la fascine. Cette image reflète bien la façon dont elle voit sa vie en tant qu’artiste verrier. Son approche est centrée sur l’esthétique de la forme et l’harmonie entre les couleurs. Par des jeux de couleurs, elle réinterprète les formes florales. Le travail qu’elle effectue consiste à assembler en incalmo plusieurs parties soufflées. Elle exploite ainsi le contraste entre l’opacité des couleurs et la touche de translucidité, qualité première du verre. En créant des millefiori, elle invente en quelque sorte sa propre nature.

Le verre est un matériau complexe, et relever des défis techniques est une véritable passion pour Isabelle… Son but ultime? L’atteinte de la perfection!

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Grâce au travail en atelier et à la dynamique qui s’y crée, les finissantes de la 20^e cohorte ont chacune mûri aux côtés de leurs compagnes de classe. Ce qu’elles retiennent de leurs trois années à Espace VERRE? L’ambiance des cours en petit groupe, la formation beaucoup plus personnalisée, directe, l’aspect « petite famille » qui se développe entre les étudiants. Beaucoup de rires furent partagés, mais aussi des épreuves – épreuves qui les ont façonnées, qui les ont fait grandir. Le verre est une matière à la fois fragile et résistante, qui rapproche et crée aussi des tensions. Le verre à froid, la pâte de verre et le chalumeau apprennent la patience; le verre à chaud apprend la communication en travail d’équipe. Somme toute, il semblerait que le programme développe non seulement les habiletés, mais aussi les personnalités!

Où seront-elles d’ici trois ans? Surveillez les débuts de ces jeunes artistes de la relève : vous n’avez pas fini d’entendre parler d’elles.

By Michael Gray

I’ve lived in the small town of Merrickville, Ontario for the majority of my life. I’ve been surrounded by glass, both hot and cold, since I was a young boy. My dad, who owned a glass blowing shop in town, introduced me to the fascinating, manipulative material. Glass blowing and sculpting became an addictive hobby of mine; little did I know it would later become my profession. After graduating high school, I moved to Oakville, Ontario to attend a three-year glass blowing program at Sheridan College.

In the summer following my second year at Sheridan, I attended Pilchuck Glass School for the first time. Fortunately, I was able to attend and participate in Rik and Shelley Allen-Muzylowski’s session where I was taught new sculpting, assemblage, cold working, and graal techniques. I was also given the opportunity to personally work alongside Rik and Shelly, where I gained great experience in teamwork and coordination.  (Rik and Shelley’s website:  www.scavo.net)

Pilchuck turned out to be an amazing place, with even more amazing people inhabiting it. The glass was ‘bumpin’ and so were the nightly festivities. Pilchuck had a thriving atmosphere, filled with creative and inspirational people.

Working on a horse from hell, at Pilchuck. Rik Allen, Shelley Muzylowski – Allen

Following my summer at Pilchuck, I returned to Oakville Ontario, where I began my third year in Sheridan College’s glass blowing program. Here, I was able apply new ideas, techniques, and enthusiasm into my work. Third year was a very formative time for me; I’ll always miss the sense of community at Sheridan College.

“Catharsis” The last piece I made in third year, a concept I have been working on for 3 years now. This piece received an Honorable mention in the GAS 2010 Student show. Material: Glass, Metal, Year:2010, Size: W. 15’ L. 19’ H.18’

At the end of my third year, Koen Vanderstukken informed our class that Sheridan had been offered to do a demo at the Glass Art Society (GAS) 2010 glass conference in Louisville, Kentucky. I had never been at a glass conference before but had heard great things about it at Pilchuck. Rik, a board member of GAS and a coordinator for the conference, asked me to be his assistant. Fortunately for me, this position also involved assisting his wife, Shelley, in a hot shop demo at the Cressman Center of Fine Art. Some friends from Sheridan – Will Ruppel, Ainsley Francis and Jen Van Herten – all agreed this was an excellent opportunity, and joined me for the long twelve hour drive. We also had Sheridan alumna Silvia Jenson, owner of Colour Fusion, accompany us for the ride, as she was part of the tech display.  (Colour Fusion link: www.colourfusion.com)

I got my first taste of a glass conference at the 2010 GAAC conference in Montreal, Canada. Although GAAC is a smaller group than GAS, the enthusiasm, demonstrations and parties were easily comparable.

The Louisville conference was eye opening.  I spent the bulk of my time at Flame Run, where Rik was the hot shop coordinator. I was kept fairly busy working as Rik’s assistant; he had me doing many different jobs (i.e getting Rik lunch and acting as a human plinth at the glass auction). Rik made sure to introduce me to everyone around us, and this helped me to quickly build a network of new friends at GAS.

The two demos I participated in were intense: Shelley made a horse with a rocket engine strapped to its back. It looked as though it was flying through the air. The Sheridan team made a caricature monster head using Juicy Lucy the portable hot shop van. It was an honour to be a part of the team working in one of the smallest mobile hot shops in North America. Overall, the two demos were a success, and so was the trip to Kentucky.

Shelley’s Fire horse with rocket attachment looks ready to blast off.

After hibernating in the apartment above my father’s glass studio for the winter, I emerged from my den to attend my second annual GAS conference, Creative Crossroads, in Seattle (June 1-5, 2011).

It was an amazing adventure being in the glass capital of North America. Everywhere you go in Seattle, glass and art is the central focus. The city itself seems as if it were built around art. I wasn’t the only Canadian attending this conference.  Meagan Smith, a resident of Seattle and current student at Sheridan, provided accommodations for me and eight other Sheridan students and alumni. It seemed effortless to meet and connect with other groups of artists, while traveling with my enthusiastic friends.

Even though I was once again busy acting as Rik’s conference assistant, I was still able to see numerous demos at Seattle Hot Glass Studio. Some of the highlights included demos by Raven Skyriver and Karen Willenbrink-Johnsen. They are both very talented sculptors and it was fascinating watching their team assemble sculptures so fluidly.  (Karen Willenbrink-Johnsen demo at Seattle Hot Glass studio http://vimeo.com/24707131)

While touring Seattle, I was able to participate in a demo at the Tacoma Museum of Glass. The museum has a fantastic collection of contemporary American glass; the work in the gallery was outstanding! My favourite section was Kids Design Glass. The artist would choose one drawing out of a group of children’s designs and would then reconstruct it in glass.  I was blown away by the precision and determination put into each piece of art. I assisted Rik and Shelly in their piece.  They chose a young boy’s drawing to recreate, an alien in a space suit giving the peace sign.

Drawing of the alien in a space suit, giving the peace sign.

It was a tricky piece but we were all up for a challenge. We started off by making the legs and torso. After connecting those, we attached the eyes, arms, a control panel and a jet pack. It took us three attempts to attach the glass dome over the head, but eventually we perfected it. It was well worth the hard work, especially after seeing the joy beaming from the face of the boy who was sitting in the audience.

Finished alien in a space suit; he comes in peace!, Photo by: Ken Emly

Performing in front of a large audience, surrounded by cameras, was not easy. I was nervous, excited, and cautious of all the eyes fixed upon us but once we started most of those nerves vanished. I became enveloped in the piece, focusing on coordination, communication, and rhythm. It was easy to connect and flow with such a positive and encouraging team.  (Museum of Glass Tacoma website – http://www.museumofglass.org/).

The Museum Of Glass team, after finishing the alien, Photo by: Ken Emly

Attending Pilchuck, the GAAC conference, and the GAS conference gave me the opportunity to build a network with an abundance of glass artists throughout the world. These amazing experiences opened my eyes to the endless possibilities within the North American glass scene. Not only did I make lifelong friends and unforgettable memories, but I also gained new ideas and techniques that have furthered me as an artist.

After graduating Sheridan College in 2010, I moved back to Merrickville, Ontario, where I now work as the head gaffer at my dad’s glass blowing studio. At the store, Kevin Gray Glass Blowing – soon to be named Gray Art Glass, we make a variety of retail and wholesale products. I also continue to design and create sculptures that we display and sell within our gallery.  (Link to article on Kevin Gray Glass http://www.ottawacitizen.com/news/todays-paper/that+glitters/5486320/story.html).

I look forward to GAS 2012 in Toledo Ohio, and can’t wait to learn, grow and connect with more of the glass society. Hopefully I’ll see you there!

Michael Gray and Kevin Gray working together on a large bowl.

Michael Gray’s website:  mikegrayglass.com

Claire Anderson

Dear fellow GAAC members, I would like to take another moment of your time, if you don’t mind, to once again tell you about how great Sheridan was. Yes, my fellow classmates and the faculty were great, I learned a lot, blah blah blah, but I would like to speak specifically about all the opportunities we were granted. There were many new opportunities for our year specifically, such as all the field trips to the good ol’ US of A that were available to us.

Now, let me level with you for a minute: it takes a lot of kahones to take a busload of rowdy, young artists to another country. I have to take my hat off to the organizers and chaperones of this trip as we discovered one very important fact. Alcohol in America is cheap. Very cheap. And there IS such a thing as a liquor discount store. The instructors at Sheridan must have had either a lot of faith in us or some sort of back up plan.

These trips were not only a lot of fun, but very educational. In first year my class was especially new to glass.  Only the lovely Katrina Cheung had any previous glass experience and that in a flame working production studio. The vast majority of the class could barely even gather at that point. Every year there is a Corning, NY trip for the first years (at very reasonable rates). We spent a few days in the city, getting introduced first hand to the wider world of glass art, toured the Corning Museum, and got a sneak peek at the new contemporary section they were still installing. We spent hours at the Corning library, watching videos and researching anything we wanted about glass. There was even a tour of a house designed by Frank Lloyd Wright.

1. 'Corning' Group Shot, 2009, Photo credit: anonymous

We spent our days absorbing as much as we could about glass art and design and our nights absorbing some local culture (such as singing karaoke with the locals at ‘The Gloryhole’). It was an amazing eye-opener of a trip, perfectly suited for first year as I saw things done with glass that I did not even realize could be done. It was the first step towards training us to think outside the box.

When we returned to the studio at Sheridan, we were full of new ideas and concepts. Our somewhat naive view of glass had been blown open (get it?). We took off in different directions, using what we had seen to fuel our work. There was also much more experimentation post-Corning, simply because we had not fully realized the versatility of glass before.

When our class finally made it to third year, we got a little bonus trip. Sheridan College and the Rochester Institute of Technology decided it would be a great idea to do a student exchange. The trip was a huge success. Glass art was made and so were strong connections and (brace yourselves for some cheese) life-long friends.

We headed to Rochester first where we got to see and experience their beautiful new glass blowing studio where we did a demonstration and then worked together in the studio. It was interesting to work with an entirely new crowd. Our class was so small and very much accustomed to each other’s working habits and styles, so it was an incredible experience for all of us to be pushed out of our comfort zones and learn new things. Koen Vanderstukken gave an amazing lecture, which was followed by one-on-one discussions with the Rochester students. He spent time with each student, going over their work, asking why they make what they make and where they planned on taking their work in the future.

The Rochester students then visited Canada and Sheridan’s facilities for glass. Me and my roommates, Aurora Darwin and Silvia Taylor, managed to cram five of them into our tiny basement apartment. Good thing they didn’t need such frivolities as personal space, proper living quarters, or even beds.  During the day we watched a glass demo by David Schnuckel and then played glass Olympics in our studio. Michael Rogers gave a lecture about his work and we were able to have one-on-one discussions with him about our work. It took all day, but we got to go over as much or as little as we wanted about our ideas and what we were currently working on. The new and unique insight into our work was both inspiring and refreshing. It is important to get as many opinions as possible, but again, being studio junkies in a small studio, it was refreshing to escape the Sheridan bubble.

When the Rochester students left, there were tearful hugs good-bye followed by another burst of new inspirations and ideas. We had talked a lot of glass and experienced a very different learning environment than what we had been raised in. Again, it was an invaluable experience that I was so grateful for.

Our last trip, to SOFA in Chicago, was the bee’s knees. Our class crammed onto a bus and drove for about eight hours. It was well worth the ride there (and even the one back). SOFA was such an incredible and grounding experience. I had never seen a show like it. There were emerging artists side by side with the old classics and many of them were also selling work.

2. 'Chicago' Small group shot, 2010. Photo credit: Claire Anderson3. 'Chicago' City Shot, 2010. Photo Credit: Claire Anderson

3. 'Chicago' City Shot, 2010. Photo Credit: Claire Anderson

We split up to attend lectures, each according to his/her specific interest, and wandered through the show trying to absorb as much as possible. The exhibiting artists were, for the most part, amiable and full of great advice, once again displaying the strong community felt by glass artists. The trip to Chicago was different from our other excursions because SOFA gave us something tangible to focus on; it gave us a realistic goal to strive for. Walking through the aisles envisioning myself there (some day), kicked in an internal drive that is still working, even though my comfortable Sheridan support network is now gone.

There was one more trip (although not through the school) that many of us made, and that, of course, was the GAS conference. The incredibly gracious Megan Smith (now a summer Harbourfront resident) opened up her home to eleven Canadians, all of us Sheridan alumni or current students. There were twelve of us in one house for a little over a week and so things got a little outrageous.

This was the first conference that many of us had gone to. The day before it started we went to the Tacoma Museum of Glass, where we watched one of our own, Michael Gray, work side by side with Rik Allen and Shelley Muzylowski. We even got to stick around after the museum closed because the piece took a little longer than expected.

4. 'Seattle. Rik Allen working with two assistants while Shelley Muzylowski Allen looks on. 2011. Photo Credit: Claire Anderson

Once the conference started, we teamed up with our RIT friends, as well as many others we met along the way, to see amazing demonstrations, lectures and exhibits. Almost all of us participated, showing pieces in the student exhibition and in the silent auction. It was my first time meeting many of the American artists, but in true glassblowing spirit, we were welcomed with open arms. I learned how easy it was to network and get to know the artists you respect and admire. It was encouraging to see the passion in everyone there and to talk about glass, concept, technique and style. It was the first time since graduating that I was immersed in the world of glass. I could talk about it constantly and not irritate everyone around me.

5. 'Seattle Group Shot' 2011, Photo Credit: Random Strangers

Glass is an exciting world to get into and what I have taken from all of this is to keep moving. Do not get comfortable where you are. Every time I experienced something new it affected my work and working habits in a positive manner. I was instilled with a stark determination to remain a part of this close community and to work incredibly hard to make it. The field trips we had the opportunity to go on were not only a blast and a bonding experience for the students and faculty, but an integral part of being a glass artist. We have to travel and experience new things to stay passionate and keep the ideas and artwork flowing.

Sheridan à l’étranger

Claire Anderson

Chers amis membres du GAAC, à moins que ça ne vous dérange, je voudrais que vous m’accordiez un peu de votre temps pour vous dire encore une fois à quel point Sheridan fut un endroit génial. Certes les camarades et la fac étaient géniaux et j’ai beaucoup appris, et bla bla bla, mais je voulais surtout vous parler des opportunités qui nous ont été offertes. De nombreux  projets ont vu le jour pour notre promo uniquement, comme ce voyage scolaire en direction des bonnes vieilles US.

Laissez moi vous dire que ça demande pas mal de courage pour emmener un car complet d’artistes jeunes et chahuteurs dans un autre pays. Je me dois de lever mon chapeau aux organisateurs et aux chaperons de ce voyage qui nous permit alors de découvrir une chose très importante. L’alcool aux Etats-Unis est moins cher. Bien moins cher. Et les magasins discount d’alcool ne sont pas un mythe. Nos professeurs à Sheridan ont du, soit avoir une confiance en nous incroyable, ou bien un solide plan de secours.

En plus d’être très plaisants, ces voyages furent très instructifs. En première année, ma classe était particulièrement novice en verre. Seule la charmante Katrina Cheung avait de l’expérience dans le verre, et ce dans un atelier de production au chalumeau. La plus grande partie de notre classe s’y retrouvait à peine. Chaque année, un voyage est organisé pour les premières années (à un prix très raisonnable) pour aller voir le musée Corning à New York. Quelques jours dans la ville pour y découvrir les bases du milieu de l’art du verre en général. Nous avons visité le Musée Corning et même jeté un coup d’œil discret à la nouvelle section contemporaine alors en cours d’installation. Nous avons passé des heures à la bibliothèque du Corning, à regarder des vidéos et à rechercher tout ce que nous voulions savoir sur le verre. Nous avons même eu droit à une visite guidée d’une maison agencée par Frank Lloyd Wright.

1. 'Corning' Group Shot, 2009, Photo credit: anonymous

Nous avons employé nos journées à absorber le plus d’informations possibles sur l’art et le design du verre et nos nuits à absorber certaines cultures locales (comme les soirée karaoké avec les locaux au ‘Gloryhole’). Parfaitement adapté aux premières années, ce voyage nous a admirablement ouvert les yeux, me faisant découvrir des possibilités de faire avec le verre auxquelles je n’aurai jamais pensé en premier lieu. Ce fut le premier pas vers notre éducation visant à réfléchir hors des sentiers battus.

Une fois de retour à l’atelier de Sheridan, notre tête était remplie de nouvelles idées et de nouveaux concepts. Notre vision quelque peu naïve du verre avait été soufflée (vous avez saisi?). Nous sommes tous partis dans différentes voies, réutilisant ce que nous avions pu voir pour nous inspirer. Beaucoup plus de choses ont été testées post-Corning, tout simplement parce qu’avant cela, nous n’avions pas vraiment pris conscience de cette polyvalence du verre.

Quand la classe est enfin passée en troisième année, nous avons eu droit à un petit voyage bonus. Le Collège Sheridan et l’Institut de Technologie de Rochester ont eu la bonne idée de vouloir faire un échange. Le voyage fut un grand succès. L’art du verre, des liens forts et (attention séquence émotion) des rencontres pour la vie y furent partagés.

Nous sommes d’abord allés à Rochester où nous avons pu voir et tester leur magnifique atelier de soufflage de verre, y faire une démonstration et y travailler ensuite tous ensemble. Travailler avec des regards neufs fut enrichissant. Notre classe étant très petite, on s’était habitués aux habitudes et aux styles de travail des uns et des autres et ce fut une expérience géniale pour nous tous que de pouvoir être poussés en dehors de nos zones de confort et d’apprendre de nouvelles choses. Koen Vanderstukken nous a donné un excellent cours, suivi de discussions en tête à tête avec les étudiants de Rochester. Il consacra du temps à chaque étudiant, regardant tout leur travail, leur demandant pourquoi ils faisaient ce qu’ils faisaient et quel futur était envisagé pour leur travail.

Les élèves de Rochester sont ensuite venus au Canada visiter les locaux de Sheridan pour le verre. Mes colocataires Aurora Darwin et Silvia Taylor et moi-même avons réussi à en caser cinq dans notre tout petit appartement en sous-sol. Une bonne chose qu’ils ne se souciaient guère de détails comme avoir un espace personnel, un logement décent ou même un lit. Durant la journée nous allions voir les démonstrations de verre par David Schnuckel et nous avons ensuite joué aux Olympiques du Verre dans notre atelier. Michael Rogers nous donna un cours sur son travail et chacun pu avoir un entretien personnel avec lui. Cela dura bien toute la journée, mais on était en droit de lui en demander autant qu’on voulait concernant nos idées et notre travail du moment. Avoir un nouvel aperçu original sur notre travail nous a inspiré et rafraîchi le cerveau. Il est toujours bon d’obtenir le plus d’opinions possibles, et pour les accros de notre petit atelier que nous étions, cela nous permis de pouvoir nous évader de notre bulle Sheridan.

Les élèves de Rochester repartirent au beau milieu des embrassades et des larmes auxquels succéda un jaillissement de nouvelles inspirations et d’idées. Nous avions beaucoup parlé du verre et découvert un milieu d’apprentissage différent de celui dans lequel nous avions progressé. Ce fut encore une précieuse expérience et j’en suis très reconnaissante.

Notre dernier voyage au SOFA de Chicago fut l’apothéose. Toute la classe s’entassa dans un bus et roula pendant huit heures. Le trajet en valut la chandelle (et celui du retour aussi). SOFA fut une expérience mémorable et qui apporta du solide. Jamais je n’avais vu une telle exposition. Des artistes émergents, assis côtes à côtes avec des grands classiques et dont la plupart d’entre eux vendaient leurs œuvres.

2. 'Chicago' Small group shot, 2010. Photo credit: Claire Anderson

3. 'Chicago' City Shot, 2010. Photo Credit: Claire Anderson

Nous nous sommes séparés pour pouvoir assister aux conférences selon les domaines de prédilection de chacun et nous nous sommes promenés dans l’exposition en essayant d’en absorber le plus possible. Les artistes exposants étaient pour la plupart aimables et pleins de bons conseils, faisant ressortir encore une fois ce sentiment communautaire fort au sein des artistes verriers. Le voyage à Chicago a été bien différent en soit de nos autres excursions, car la SOFA nous a apporté un élément concret sur lequel se baser et nous donner un but réaliste à atteindre. En marchant dans les allées, je parvenais me visualiser au même endroit (un jour), poussée dans un élan international qui me porterai lorsque mon soutient confortable de Sheridan ne serai plus.

Il y eut un voyage supplémentaire (non par le biais de l’école cette fois) que beaucoup d’entre nous avons fait et cela fut bien évidemment la conférence du GAS. L’incroyable et gracieuse Megan Smith (maintenant résidente au Harbourfront pour l’été) a ouvert ses portes à onze Canadiens, tous anciens élèves et étudiants actuels de Sheridan. A douze dans une seule maison pour un peu plus d’une semaine, les choses sont devenues un peu effarantes.

Ce fut notre toute première conférence pour la plupart d’entre nous. La veille de l’ouverture, nous avons été au Musée du Verre de Tacoma, où nous avons pu admirer l’un des nôtres Michael Gray, travailler aux côtés de Rik Akken et Shelley Muzylowski. Nous avons même eu le droit de rester passé la fermeture du musée, car certaines pièces avaient nécessité plus de temps que prévu.

4. 'Seattle. Rik Allen working with two assistants while Shelley Muzylowski Allen looks on. 2011. Photo Credit: Claire Anderson

Une fois la conférence débutée, nous avons retrouvé nos amis du RIT ainsi que de nombreux autres rencontrés au cours du chemin pour aller voir ensemble les extraordinaires démonstrations, les conférences et les expositions. Nous y avons presque tous participé, exposant des pièces dans l’exposition étudiante ou participant à la vente aux enchères sous pli. J’ai rencontré beaucoup des artistes américains pour la première fois, et dans le bon esprit du soufflage de verre, ils nous ont accueillis à bras ouverts. J’ai compris à quel point il était facile de se créer un réseau et d’arriver à rencontrer des artistes respectés et admirés. Découvrir la passion de chacun et pouvoir parler du verre, de sa conception, de sa technique et de son style fut très encourageant. C’était la première fois depuis l’obtention de mon diplôme que je me retrouvais véritablement immergée dans le monde du verre. Enfin je pouvais en parler constamment sans jamais énerver personne autour de moi.

5. 'Seattle Group Shot' 2011, Photo Credit: Random Strangers

Le verre est un monde fascinant j’en ai retenu qu’il faut toujours aller de l’avant. Ne pas rester là où l’on se sent bien. Chaque fois que j’ai tenté quelque chose de nouveau, cela a eu un impact positif sur mon oeuvre ainsi que sur mes habitudes de travail. J’étais déterminée à faire partie de cette communauté rapprochée et j’étais prête à travailler extrêmement dur pour y parvenir. Les voyages scolaires auxquels j’ai pu participer ne furent pas seulement épatants et créateurs de liens pour les étudiants et les facs, mais ils sont aussi partie intégrante de la vie d’artiste verrier. Nous devons voyager et découvrir de nouvelles choses pour rester passionnés, continuer à avoir des idées et surtout créer des œuvres d’art.

By Larissa Blokhuis

At the beginning of the summer, I went to Pilchuck, where I took a class with a guy named John Miller.  I’d never heard of any of the teachers, so I just put my name down for the advanced or sculptural glassblowing classes and got him.  He is a proponent of the ‘go big or go home’ style of glass, and makes giant cheeseburgers, keychains, goblets, cigarettes, and other items of that nature.  He’s very into Americana and I don’t think he makes giant cheeseburgers with any kind of irony at all.  I think he just likes cheeseburgers.  He also likes curios and junk shops.  On the first night, he took us all in the back of his black, windowless, seatless van to buy us oyster shooters, deep fried oysters, and pitchers of beer as well as one or two girly drinks for me.  Everybody was made to feel welcome immediately, and simultaneously put into the art-making process/environment.

Life at Pilchuck

There were three meals signalled by a bell and served as a buffet.  Most of the food was magical, and I gained ten pounds in the three weeks I was there.  When I left Pilchuck and went back to my regular diet I was hungry all the time and had trouble re-adjusting. 

There is one hotshop but two classes, and I was in the later class.  The early class started at 8am and went until 1pm, followed by a demo from 3:30pm until 6pm.  Dinner was after that followed by slides presented by the teachers and TAs, and then glassblowing continued from 8pm to 1am.  The campus is set on a hill, so the dorms are at the top and the studios are at the bottom (I think partially to discourage people from hanging out in the dorms).  After glassblowing, I would go up the hill and shower, get back down by 1:45am, and people would stay up and drink until 5. 

Technical Drawing by Boyd Sugiki, Pilchuck Teacher, The morning class demos were full of very specific, technical instruction, Photo Credit: Larissa Blokhuis

The dorms were always loud because the doors swing and slam shut if you aren’t holding them open or if you don’t pull them closed.  I eventually started taking naps from 12 – 1pm when it became apparent that John didn’t ever keep to the schedule he set for us.  I definitely didn’t like hiking up that hill every day, but the nap was necessary.  There was bacon at breakfast most mornings but because of the crazy schedule I had to give up on the dream of eating bacon every day and stay in bed for some much-needed sleep.

Some People I Learned From

I shared a room with a Japanese girl named Ayako (AY-a-ko).  She was the best glassblower in the class and had the same amazing work ethic Japanese artists always seem to have.  For one of our class meetings, we showed slides or pictures of our work, and her work was definitely the most developed and intricate.  Her portfolio included many different methods of working with glass.  She was still a student and had six years of experience.  I think she is the student I learned the most from, in terms of considering each move and proceeding with patience while working on the glass.  Watching her in the hotshop, I observed a steady dedication to refining the smallest of details.  In some of the less experienced students, I saw a bit of panic or rush to fix any mistakes, but with her I saw a calm and paced reaction that often resulted in fewer steps to fixing a problem. 

Murrini-Style Candy, Ayako brought this candy from Japan to share with the class, Photo Credit: Larissa Blokhius

There were many visiting artists and road trips to various studios, including one to Olympic Color Rods.  I bought the last hand tool I wanted, so my set is now “complete.”  I have, of course, realised that there are more tools I need (copper pipe is next).

Hand Tool, Hand shield for protection during hot-glass engraving. If you can’t find the tool you need, make it!, Photo Credit: Larissa Blokhuis

It was good to see the different shops and artists to get some variety.  Among the demos was Randy Walker’s giant peapod.  A piece so large with many parts can seem daunting, but watching the demo I realised it only takes planning and patience.  Einar de la Torre made a Mexican death mask.  The colour application included laying out a pattern in powder and rolling it up.  I hadn’t seen that before, and it was quite effective for a quick pattern.

 

Pattern Pickup 1, Einar de la Torre makes his pattern in powder, Photo Credit: Larissa BlokhuisPattern Pickup 2, The resulting pattern, Photo Credit: Larissa Blokhuis

Rik Allan’s hotshop is the most beautiful.  The door on his completely silent electrical furnace swings outward like butter on a sculptural metal hinge, and his pickup annealer opens at the bottom so the heat doesn’t escape out the top of the door.  I recommend looking his work up if you haven’t seen it.

 

Rik Allen’s Furnace, Rik Allan has applied the same attention to the design of his furnace as he does to his glass art, Photo Credit: Larissa BlokhuisRik Allen’s Pickup Annealer, A great way to save heat, Photo Credit: Larissa Blokhuis

The Glassblowing

I went big at Pilchuck.  Changing scale helped me see flaws in my technique that were hidden when making smaller objects.  I made some pieces with many hollow bits, and because I was receiving so many bits, the TAs would often help me in addition to the student I was working with that night.  It was great to start my piece and then have 2 – 4 other people swoop in and start making bits.  I took 16 – 25 hollow bits on these pieces, and with about 4 people they took 20 minutes.  The bits were new each time because I didn’t like the cut look from the diamond shears.  They would take more than an hour with only one assistant.

The experience in the Pilchuck hotshop can be whimsical at times, when you take a moment to step back and watch how the TAs and teacher swoop in just when they are needed to save a piece or make something new happen.  At times it can be trying when your decisions as a gaffer are limited by a less experienced blowing partner.  Even more trying are the times when you realise that you are limited by your own lack of experience as a gaffer.  But in the Pilchuck environment, you’re encouraged to go beyond what you think your limits are.  With the efforts of the TAs and teacher you really can extend beyond your comfort zone and know that your piece will be ok.  Or you’ll make it again the next day.  When you do, the people helping you will have new suggestions for fabrication possibilities.

Groupwork at Pilchuck, Take advantage of the many helping hands at Pilchuck. Go big!, Photo Credit: Larissa Blokhuis

My Experience

Most artists who go to a post-secondary school to study art will experience the post-secondary hangover.  I know many grads (myself included) that went through a period of making no art at all after graduation, and it can be difficult to overcome the loss of momentum.  The year after I graduated, I was lucky to get a job in a glass studio/gallery that afforded me the opportunity to blow glass again.  But most days when I was blowing glass, I felt more frustrated than lucky.  After about a year of frustration I figured out that an assistant was a necessity, which helped considerably, but I was still stuck as an artist.  Most of my projects were just miniature versions of ideas I’d had in art school, and I had only two completely new projects for three years of post-grad life.  At Pilchuck, I did four new projects in three weeks, and at this time (3.5 months after leaving), I have started three new projects.

I didn’t particularly learn any new techniques at Pilchuck, but the experience reminded me that I should make things I want to make.  I had unintentionally meandered into the realm of production, which is stale but lucrative at best.  At worst, it’s just stale.  I have had a busy summer generally growing my career, so the full effects of my Pilchuck experience are not clear to me yet.  I feel my direction as an artist changing, and I’m not sure where it will take me.  The feeling that I could make anything or pursue new ideas is exactly what’s interesting about being an artist, and I’m glad to have it back.

By Elisha Barlow

Glassblowing continues to be in high demand at the Haliburton School of The Arts (HSTA)!  HSTA is renowned for its outstanding programming with its fully equipped, state-of-the-art glassblowing studio overlooking Glebe Forest in Haliburton, Ontario.  Certificate programs, week-long courses and one-day workshops have opened the doors to students from all over Canada and the US who have enjoyed many hours of artistic exploration in this creative wonderland.

In 2011, the Glassblowing Certificate continued to run at full capacity and is delivered from January to April each year.  Mature and young students alike come to explore the processes of design and fabrication of art glass. The glass studio provides the perfect environment for students to immerse themselves in the manipulation and exploration of hot glass.  Design, colour theory, drawing and art history for glass creates a strong foundation for exploring glassblowing and cold working techniques.  A portfolio course completes the program, so that students have the tools to continue their studies or apprentice.  Excited for the opportunity of completing two college semesters in just 15 weeks, students immerse themselves in the world of hot glass with enthusiasm.  Many have planned to return for more certificates in the areas of Blacksmithing, Ceramics, Drawing & Painting, Photo Arts, Fibre Arts, Jewellery, Sculpture, and/or Digital Image Design.

Students who wish to further their studies can enrol for the full-time Visual and Creative Arts Diploma (VCAD) where they can apply their glassblowing certificate to their diploma credits as their specialization option.  For many students, this will provide a college arts diploma in just 12 months of study in 2 years. And the learning doesn’t end there!  Articulation agreements with Sheridan, Emily Carr, Nipissing, Wayne State, and OCAD University remove barriers for artistic growth and provide pathways for Fleming Graduates who wish to continue to grow and flourish as artists and in related art fields.

Even the youngest of students get the opportunity to explore their creative options by attending HSTA. In the spring of 2011, students from an area high school visited for a day of immersion into glassblowing under the tutelage of qualified artist faculty. The chance to explore glassblowing at such a young age is an incredible experience for younger students and will feed the fire of further glass explorations.

Summer never sleeps at HSTA.  Up to 3500 students attend 350 summer week-long courses in just six weeks. The glass-related courses run with waiting lists and can range from Iron & Glass Collaborations, Glassblowing I and II, Glassblowing Style & Form, as well as Beadworking and one-day workshops.  Workshops provide an opportunity for the sceptical to attend and explore without a full week commitment.  Registration must be done as early as possible after March 1st to ensure a spot in these high demand courses.  Glassblowing continues to be one of the more popular choices for residents, seasonal visitors and tourists alike with many of the 2011 programs running close to or at capacity.

The Glassblowing programs are delivered in small class sizes and taught by successful artists like Andy Kuntz, Sheila Mahut, Terry Craig, Sue Rankin, Paulus Tjiang, Tanya Lyons, and Brad Sherwood.  Students delve into the opportunity of being mentored by real working artists and capturing various artistic perspectives that can be applied to their own success. Visit hsta.ca for more information.

Soufflage de verre à l’Ecole des Arts d’Haliburton

Elisha Barlow

Le soufflage de verre est toujours très demandé à l’Ecole des Arts d’Haliburton (HSTA)! HSTA est connue pour son excellent programme et ses ateliers de soufflage entièrement équipés du matériel dernier cri et donnant vue sur la forêt de Glebe à Haliburton en Ontario. Des diplômes, des cours durant une semaine entière et des ateliers d’une journée se sont ouverts aux étudiants venus de tout le Canada et des Etats-Unis qui ont apprécié les nombreuses heures d’exploration artistique dans ce paradis de la créativité.

En 2011, le Diplôme de Soufflage de Verre continue de tourner à plein régime et est accordé chaque année de Janvier à Avril. Etudiants jeunes ou adultes viennent explorer les procédés de design et de fabrication du verre artistique. L’atelier verrier fourni l’environnement parfait aux étudiants pour s’immerger dans la manipulation et l’exploration du verre à chaud. Le design, la théorie des couleurs, le dessin et l’histoire de l’art pour le verre collaborent à créer une base solide pour l’exploration du soufflage de verre ainsi que pour les techniques de travail du verre à froid. Un cours de création de portefeuille complète le programme, pour que les étudiants aient les techniques nécessaires afin de poursuivre leurs études ou leur apprentissage. Ravis de pouvoir couvrir deux semestres de cours en à peine 15 semaines, les étudiants s’immergent dans le monde du verre à chaud avec enthousiasme. Beaucoup ont prévu de revenir pour obtenir des diplômes supplémentaires dans les domaines de la Ferronnerie, des Céramiques, du Dessin et de la Peinture, de la Photographie, de l’Art du Textile, de l’Orfèvrerie, de la Sculpture et/ou de l’Infographie.

Les étudiants qui souhaitent poursuivre leur études peuvent s’inscrire au cours plein temps pour obtenir un Diplôme en Arts Visuels et Créatifs (VCAD) dans lequel ils peuvent utiliser leur certificat en soufflage de verre pour gagner des crédits dans les options de spécialisation. Pour beaucoup d’étudiants, cela va leur fournir un diplôme des Beaux Arts pour seulement 12 mois d’études en 2 ans. Et l’apprentissage ne s’arrête pas là! Des accords parallèles avec Sheridan, Emily Carr, Nipissing, Wayne State et l’université OCAD font sauter les barrières du perfectionnement croissance artistique et fournissent des passages pour les diplômés de Fleming qui souhaitent approfondir et devenir des artistes dans leur domaine de prédilection.

Même le plus jeune des étudiants a l’occasion d’explorer ses possibilités de créativité en venant au HSTA. Au printemps 2011, les étudiants d’un lycée non loin sont venus faire une journée d’immersion dans le soufflage de verre sous la tutelle d’artistes qualifiés. La chance de pouvoir découvrir le soufflage de verre étant jeune est une expérience incroyable pour les étudiants les plus jeunes et va donner envie d’en savoir d’avantage sur le verre.

L’été ne dort jamais au HSTA. En 6 semaines à peine, 3500 étudiants environ participent à des cours d’été d’une semaine. Les cours liés au verre ont une liste d’attente et sont répartis entre Collaboration Fer & Verre, Soufflage de Verre I et II, Soufflage de Verre Style & Forme, ainsi que la création de Perles de Verre et des ateliers d’une journée. Les ateliers sont l’occasion pour les sceptiques d’assister et de découvrir sans obligation de devoir s’engager pendant une semaine entière. L’inscription doit être faite le plus tôt possible après le 1^er Mars pour s’assurer une place dans ces classes très demandées. Avec la plupart de ses cours tournant à plein régime ou presque, le soufflage de verre reste un des choix les plus populaires des résidants, visiteurs saisonniers et touristes confondus.

Les cours de soufflage de verre sont donnés dans des classes de petites tailles par des artistes brillants tels que Andy Kuntz, Sheila Mahut, Terry Craig, Sue Rankin, Paulus Tjiang, Tanya Lyons et Brad Sherwood. Les étudiants profitent d’être accompagnés par de véritables artistes de métier pour pouvoir saisir les perspectives artistiques variées qui pourraient s’appliquer à leur propre succès. Visitez hsta.ca pour plus d’informations.

By Jillian Best

As usual, this summer at Red Deer College was hot! We welcomed many talented glassblowing instructors to our campus for Series Summer School of the Arts, which ran from June 10 to August 13.

1. a. Robert Lewis, Icarus, 30 x 18 x 18 cm, 2007, b. Katie Brown, blown glass, 2011

The roster included some old favourites (I don’t really mean “old”…) like Katie Brown, Ilona Lindsay, Jeff Holmwood, Lisa Samphire & Lisa Cerny, and Edward T. Schmid as well as some new friends like Robert Lewis and Joanne Andrighetti.

2. Katie Brown during her 2011 workshop at RDC, Photo credit: Lani Ledingham

Our program included 5-day classes for beginner to advanced students, as well as rental opportunities for experienced glassblowers. I’m told we have some of the least expensive rental rates in the country, so keep us in mind next year if you’re looking for a place to work.

3. Edward T. Schmid, Violet Blue Helixes, blown glass

In addition to glassblowing, we also have a flameworking program. Leah Duperreault, Amy Waldman-Smith, Sherry Bellamy and Loren Stump were all here for at least a week this summer to teach beginner, intermediate or advanced classes. And we even had Mrs. President herself, Jamie Gray, on campus for two weeks of fusing.

4. Loren Stump, Madonna, lampworked glass

I’d like to take this opportunity to thank everyone who has helped to make RDC’s glass program a success over the last few years. We have had incredible technicians, Alana Biffert, Paul van den Bijgaart and Cailey Buye who have kept the studio running smoothly and provided excellent support for our instructors, students, and fabulous instructors. I’ve really enjoyed the experience of being involved in this program and am grateful for the opportunity to work with such incredible people.

5. Glass Technician Paul van den Bijgaart in the RDC Hot Shop, 2011, Photo credit: Lani Ledingham

As we begin to plan our program for next summer, we’d like to know: What do YOU want to see offered at RDC? Which instructors would make you hop in your car and venture to central Alberta?  We’re always open to suggestions so if you’ve got any great ideas, please let us know!

6. Leah Duperreault, Skull, blown borosilicate, 2010

Call for Instructors: Red Deer College is currently accepting applications from dynamic and talented instructors to teach 2 and 5 day classes during Series Summer School of the Arts 2012.

Please include the following with your submission: full name and contact information, course proposal (outline, description for brochure), description of tools/facility requirements, references from previous teaching positions and a minimum of 3 images of your work.
Direct all inquiries to:

Red Deer College Continuing Education
100 College Blvd
Red Deer, AB   T4N 5H5
403.356.4900
continuingeducation@rdc.ab.ca
www.rdc.ab.ca/continuingeducation

Travail du verre à chaud au Collège Red Deer

Jillian Best

Comme toujours, l’été au Collège Red Deer aura été chaud! Nous avons accueilli sur notre campus de nombreux et talentueux professeurs de soufflage de verre pour le Programme de l’Ecole des Arts d’Eté, qui a pris place du 10 Juin au 13 Août.

1. a. Robert Lewis, Icarus, 30 x 18 x 18 cm, 2007, b. Katie Brown, blown glass, 2011

Au menu, quelques vieux habitués (vieux n’étant qu’une expression bien sûr…) tels que Katie Brown, Ilona Lindsay, Jeff Holmwood, Lisa Samphire & Lisa Cerny et Edward T. Schmid ainsi que de nouveaux collaborateurs comme Robert Lewis et Joanne Andrighetti.

2. Katie Brown during her 2011 workshop at RDC, Photo credit: Lani Ledingham

Notre programme comprenait 5 jours de cours pour les classes débutantes et avancées ainsi que des possibilités de location pour les souffleurs de verres expérimentés. Il semblerait que nos coûts de location sont les moins chers du pays, alors si jamais vous cherchez un endroit pour travailler l’année prochaine, pensez à nous!

3. Edward T. Schmid, Violet Blue Helixes, blown glass

En plus du soufflage de verre, nous offrons aussi des cours de travail au chalumeau. Leah Duperreault, Amy Waldman-Smith, Sherry Bellamy et Loren Stump étaient toutes présentes pendant plus d’une semaine cet été pour enseigner aux classes débutantes, intermédiaires et avancées. Et nous avons même reçu Madame la Présidente en personne, Jamie Gray, sur le campus pour deux semaines de fusing.

4. Loren Stump, Madonna, lampworked glass

Je profite de cette occasion pour remercier tout ceux qui ont participé à la réussite du programme verre du RDC ces dernières années. Nos remarquables techniciens Alana Biffert, Paul van den Bijgaart et Cailey Buye ont fait tourner l’atelier et ont fourni un précieux soutient à nos fabuleux enseignants et étudiants. M’impliquer dans ce programme fut une expérience enrichissante et je suis reconnaissante d’avoir pu travailler avec des personnes si formidables.

5. Glass Technician Paul van den Bijgaart in the RDC Hot Shop, 2011, Photo credit: Lani Ledingham

Maintenant que nous planifions le programme pour l’année prochaine, nous aimerions savoir. Qu’aimeriez VOUS voir au programme du RDC? Quels enseignants vous feraient courir à vos voitures et vous déplacer jusqu’au milieu de l’Alberta? Vos suggestions sont toujours les bienvenues donc si vous avez de bonnes idées, n’hésitez pas à nous contacter!

6. Leah Duperreault, Skull, blown borosilicate, 2010

Appel aux enseignants: le Collège Red Deer est en ce moment à la recherche de candidats dynamiques et talentueux pour enseigner dans les cours de 2 jours et de 5 jours pendant le Programme de l’Ecole des Arts d’Eté 2012.

Merci de joindre à votre candidature votre nom complet et vos coordonnées, le cours que vous proposez (brève présentation et description pour la brochure), description des outils/matériels nécessaires, les recommandations pour vos précédents postes d’enseignement et 3 images minimum de votre travail.

Merci d’envoyer toutes vos requêtes à:

Red Deer College Continuing Education
100 College Blvd
Red Deer, AB   T4N 5H5
403.356.4900
continuingeducation@rdc.ab.ca
www.rdc.ab.ca/continuingeducation

Compiled by: Christy Haldane

Sheridan College Glass Program Award Recipients and News for 2011

William & Mary Corcoran Craft Award: Andrew James Beauchamp, third year

Silent Night Awards:

Amy  Yang, first year

Megan L.  Smith, second year

Katrina Cheung, third year

Daniel Crichton Memorial Award: Andrew Thomas Wardlaw, third year

Megan Kenny Award: Jade C Usackas, second year

Don Lee – Trend Custom Tailor Award: Andrew James Beauchamp, third year

Pilchuck Award: Aurora Darwin, third year

Community Spirit Award’s Design Competition: Chris Laskey, first year

Glen Williams Glassblowing Award: Kurt Patrick Fisher

Pottery Supply House Award: Roxanne Tochor, first year

Colour Fusion Award: Christa Bews, first year

Bonnie Block Memorial Award: Matthew Crosby, first year

Fusion Award – Silvia Taylor, third year

Nortel Award: Chloë Philip, first year

Cutting Edge Award: Paul Van Den Bijgaart, first year

Glass Art Association of Canada – Unlimited One-Year Membership: Sylvia Taylor, third year

Harbour Front Residencies 2011:

Full residency: Jesse Brommersma (Sheridan Alumnus 2010)

Summer residencies: Megan Smith, second year; and Jade Usackas, second year

Alberta College of Craft and Design Award Winners and News for 2011

Luann Johnson:

• · Board of Governors’ Award, Alberta College of Art + Design
• · ACAD Student Experience Leadership Award
• · Liberal Studies Ethics Award, Alberta College of Art + Design
• · Illingworth Kerr Scholarship, Alberta College of Art + Design
• · Louise McKinney Scholarship, Alberta Heritage Scholarship Office, Edmonton,

Alberta

• · The Governor General’s Academic Award, Collegiate Bronze Medal, Governor General

of Canada.

Nicolette Harrison:

• · Wilfred & Elsie Perrott Bursary, Alberta College of Art + Design
• · Big Rock Eddies Bursary, Alberta College of Art + Design
• · Louise McKinney Scholarship, Alberta College of Art + Design
• · Illingworth Kerr Scholarship, Alberta College of Art + Design

Ward Bastian:

• · The Large Glass award
• · ACAD Board of Governor’s Award of Excellence
• · Encana Corporate Art Purchased
• · Currently attending a residency at the School for Visual Arts

Carli Castle:

• · The Studio at the Corning Museum of Glass Scholarship
• · The Jason Lang Award

Mark Steudle:

• · Tyman and Victor Brosz Memorial Glass Scholarship

Carissa Baktay:

• · Mobility and Exchange Travel Scholarship
• · Illingworth Kerr Bursary
• · Residency, Norway

Erinn Logee:

• · Glass Art Association of Canada – Unlimited One-Year Membership

Norman Faulkner (Alumnus):

• · ACAD Board of Governor’s Alumni Award of Excellence

Robyn Weatherly (Alumna):

• · Full, two-year scholarship for MFA at Tyler School of Art

Jamie Gray (Alumna):

• · Academic Award at the Emerge exhibition in Portland Oregon in 2010; part of her prize was a full scholarship to the 2011 BeCon conference for one of ACAD’s current students: Charissa Hong

Tyler Rock:

• · Began a master’s degree at University of South Australia in Adelaide

Espace Verre Awards and News 2011

Caisse de la Culture Desjardins Grant for Emerging Artists:

Hadashah Hétu

Isabelle Ostiguy

Sophie-Kimberly Séguin-Lalonde

Houdé-Mendel Grant: Roxane Dupuis

25th Anniversary Perseverance Scholarship: Lisanne Lachance

New members of the Fusion Transitional Workshop:

Clément Bergeron

Jamie Wilson Goodyear

Hadashah Hétu

Isabelle Ostiguy

Sophie-Kimberly Séguin-Lalonde

Mélanie Pageau pursues her work within Fusion for a second consecutive year.

Glass Art Association of Canada – Unlimited One-Year Membership: Roxane Dupuis

Bourse pour la relève de la Caisse de la Culture Desjardins:

Hadashah Hétu

Isabelle Ostiguy

Sophie-Kimberly Séguin-Lalonde

Bourse Houdé-Mendel: Roxane Dupuis

Bourse du 25e anniversaire pour soutenir la perseverance: Lisanne Lachance

Nouveaux membres de l’atelier de transition Fusion:

Clément Bergeron

Jamie Wilson Goodyear

Hadashah Hétu

Isabelle Ostiguy

Sophie-Kimberly Séguin-Lalonde

Mélanie Pageau poursuit son travail au sein de Fusion, déjà entamé depuis un an.

Glass Art Association of Canada (GAAC) – Adhésion illimitée d’une durée d’un an: Roxane Dupuis

By Chris Boha

As I drive down the left side of the road, without thinking about it by now, on my way to the petrol station, that I still refer to as a gas station every now and again, to fill up the ute, which I have finally stopped calling a truck, my thoughts drift back to past Canadian winters. The sound of snow crunching underfoot, the sparkle of sunlight reflecting off the surface of freshly fallen snow (then having to shovel it) … the unforgiving feeling of a frozen car seat at 40 below (47 below with a wind-chill) … yes, I grew up in Saskatchewan … and yes that’s Celsius for any Australians reading this.

Just to clarify, it’s not that I miss enduring months and months of winter each year, but having been in Australia for over two years now and with our first child on the way and, as such, having no plans for leaving anytime soon, I find myself reflecting on my childhood and life back in Canada. Now this winter reminiscence is not to say that I don’t miss many other things about the Canadian landscape or, conversely, that I don’t love many things about the Australian landscape, because I do:  the lush colour of green that so many Canadian plants possess – differing completely to the grey-green of many hearty native Australian plants, the sights and sounds of glacial rivers running down into aqua blue lakes just inside the magnificent Rocky Mountains, now contrasted by the deep red of the sprawling Australian outback … with an endless list of others.

Artist: Julia Reimer Title: Red Ripe Dimensions: 180 X 180 mm Photo: John Dean

I guess it’s just that winter is about as far from the deserts, beaches and outdoor living of Australia as it gets and, as such, the shared knowledge and experience of winter is something foreign to the average Australian. It is an experience that can only be shared and understood through experience and therefore is largely meaningless to individuals for whom freezing cold is plus 1, who cannot possibly fathom minus 30 or 40. This frigid and frozen shared winter knowledge is part of what makes us Canadian … the part that makes up about 7 months a year!

But regardless of the many differences between Australians and Canadians, there is an enduring connection and mutual interest in “the other” that exists between these two populations, one surely founded in our shared experiences and understandings of colonial and indigenous pasts as well as in similar spatial and geological understandings of distance and population. Combine this connection and interest with a closely connected community – such as the international glass community – and you have the perfect building blocks for a strong bridge between two vibrant and engaged communities.

Although Canada has a close and relatively connected glass community as well as great educational glass programs such as programs at the Alberta College of Art and Design (ACAD), Espace Verre and Sheridan College, it lacks key educational opportunities such as a Masters or PhD program in glass. Due to this fact, Canadian glass artists wanting to undertake a masters program must leave the country … and Australia, having three universities with post grad glass programs, four up till a few months ago, and a well deserved international reputation for high quality glass, not to mention warm weather, beaches and some of the most unique animals in the world, is an obvious choice for consideration.

One of the first Canadian/Australian glass education connections I knew about was Natali Rodrigues a Canadian glass artist who graduated with her Masters from the Australian National University (ANU). Natali has gone on to teach at ACAD in Calgary and is the current head of the glass department there.

Artist: Natali Rodrigues Title: Proximity and Touch, # 1 Dimensions: Larger: 180 x 320 x 70 mm Smaller: 550 x 90 x 450 mm Materials: Cast, hot Formed and cold worked Photo: Ward Bastian

Around the same time that Natali was attending ANU, I was enrolled as an undergraduate in the glass program at ACAD, still trying to figure out the mysteries of attaching a punty and then getting it back off again WITHOUT breaking the bottom out of my work!! In my third year at ACAD, Fleur Schell, a visiting ceramic artist from Western Australia arrived at ACAD to teach for a year.  While she was there, she mentioned the glass program at the Jam Factory in Adelaide. For those unfamiliar with the Jam Factory, it is a training and public access facility specializing in Glass, Metals (Jewellery), Furniture and Ceramics as well as housing two galleries and a retail outlet. The glass area runs a 2-year intensive training associate-ship where the associates work with established artists on commissions as well as their own work, building both design and technical skills. As far as I know, there is no other program like it in the world. The Jam Factory has been a significant cornerstone in the establishment of not only the Adelaide glass scene but also the Australian glass scene as a whole.

Artist: Christine Cholewa Title: F1 Hybrid Materials: hand blown glass, kiln formed, etched, spray paint Dimensions: 1200 x 900 x 30mm Photo: Michael Haines

Canadian glass artist, Christine Cholewa, started what many Aussies now refer to as the “Canadian invasion” of Adelaide. She arrived in Adelaide in 2004 as an associate of the Jam Factory and spent the next two years involved in the local glass scene. As a graduate of ACAD, Christine assisted in the connections that helped to bring Australian glass artist and head of the University of South Australia’s (UniSA) glass program, Gabriella Bisetto, to ACAD as a visiting artist in 2006, where Tyler Rock, Julia Reimer, Jaan Poldaas and myself first met her. The same year I met Quebec glassblowers Caroline Ouellette and Patrick Primeau, as well as New Zealand glass caster Emma Camden at the GAAC Conference in Red Deer. Over the next two years, I became good friends with Caroline and Patrick, visiting them in their Montreal-based studio many times as well as keeping in contact with Emma and talking about the possibility of coming to work with her in New Zealand.

Artist: Caroline Ouellette Title: Pomona Materials: pate de verre and flameworked glass Dimensions: 1250 x 250 x 220 mm Photo: Michel Dubreuil

In 2008, I received an Alberta Foundation for the Arts grant to study more intensive casting techniques with Emma Camden in New Zealand and, as this coincided with the end of a teaching contract at ACAD as well as the end of my studio lease, I decided to turn my intended one month trip into a six month trip. So, in January of 2008, I left Canada and arrived in New Zealand, spending three amazing months working with Emma Camden, her partner David Murray and their two fantastic children Lola and Miro. I then reluctantly left New Zealand and through connections to Christine, a fellow ACAD graduate, and Gabriella, who I met on her 2006 residency at ACAD, I found myself with a three-month residency at UniSA in Adelaide.

Artist: Patrick's Primeau Untitled (Urchin series) Materials: blown glass Dimensions 300 x 300 x 300 mm Photo: Michel Dubreuil

Before leaving I had applied to a couple of Masters programs in the U.S. and later found out I was accepted into the Ohio State program, but after three months in Adelaide I was hooked! I fell in love with the city, the weather and the glass community (one member in particular).  So when I arrived back in Canada, I immediately started my application for the Masters program at UniSA and after a long seven months, I was back in Adelaide enrolled in the Masters by research.  This was only one week after Jaan Poldaas had arrived to take up his associate position at the Jam Factory! What a small world it is when you are a part of the glass community!

I feel lucky to count Tyler Rock, Julia Reimer, Caroline Ouellette, Patrick Primeau and Jaan Poldaas among my friends. Tyler taught Christine, Jaan and myself at ACAD, as well as had all of us assisting, at one time or another, in his and Julia’s studio, Firebrand Glass, in Black Diamond, Alberta. Years later, with much help and encouragement from Tyler, I went on to teach alongside him at ACAD. So when I heard he was looking to taking his Masters and was considering UniSA, I was excited.

Artist: Jaan Poldaas Title: Eclipse Materials: blown glass Dimension: 350 x 450 x 600 mm Photo: Michael Haines

Now, deciding where to undertake your Masters is not an easy decision, with many pros and cons to weigh up and measure. While facilities, staff and academic rigor are high on the list, wanting to actually live where the university is located is also high on the list of criteria. This is a fantastic selling point for UniSA, because what it lacks in facilities compared to some of the large American programs, it makes up for in more-than-adequate facilities, fantastic staff, high academic rigor, and the Adelaide glass community itself. I believe all of these factors were important considerations for Tyler and Caroline when deciding which school to attend in Australia, not to mention the vibrant glass community.  The weather and beaches were probably very important considerations for Julia and Patrick as well.

Artist: Gabriella Bisetto Title: The Ocean Within Materials: blow and hot cast glass Dimensions: 2000 x 700 mm Photo: Grant Hancock

Now it is all too easy to paint romantic notions of Australian beaches, warm weather and kangaroos hopping around the outback, but as with any situations there are ups and downs. After having taken my undergrad in Canada, visited schools in the U.S. and now been enrolled at UniSA for over two years, I believe that Canada has one of the best undergrad programs I have ever come across. Unfortunately, the trajectory for the Australian undergrad in the arts is woefully spiralling down with class sizes increasing and facilities, teaching hours and access to equipment decreasing. To make a comparison based on personal observations, the students at ACAD have half the class sizes, double the facilities, double the teaching time and double the amount of teaching and technical staff. I personally believe this to be due to the art schools in Australia being absorbed by universities, while their counterparts in Canada remain independent institutions. Art schools, and glass programs in particular, require an inordinate amount of facilities to train a comparatively small number of students.  You can’t teach jewellery, glass or ceramics to a hundred students in a lecture hall and, unfortunately, when you start looking at profit margins, this is a consideration of most universities.

Artist: Chris Boha Title: 24 weeks Materials: blown glass, newspaper, wood Dimensions: 1500 x 1200 x 3300 mm Photo: Chris Boha

On the other hand, what Australian universities do well at is post-grad programs. With their focus and funding aimed at research, their Masters by Research and PhD programs are academically rigorous and well recognized, balancing the production of art with academic and theoretical rigour.

So if you’re thinking about continuing glass education, or even just a glass-related holiday, maybe you should consider a trip down-under!

It’s a beautiful sunny day and I’m off for a surf.  Then we’re going to throw some shrimp on the barbie!  Well, actually, I can’t surf and no one here calls them shrimp!  And, unfortunately, being enrolled in the PhD program means that I have far too much work to do to go to the beach!

Related links:

http://www.acad.ab.ca/glass.html

http://www.unisa.edu.au/artarchitecturedesign/art/glassnews.asp

http://soa.anu.edu.au/glass

http://sydney.edu.au/sca/about/studio_areas/glass.shtml

www.jamfactory.com.au

www.patrickprimeau.com

http://www.carolineouelletteglass.com

www.firebrandglass.ca

http://www.glassartcanada.ca/artist.php?id=62

http://www.unisanet.unisa.edu.au/staff/homepage.asp?name=gabriella.bisetto

http://www.chrisboha.com

De – 40 à + 40 : Canadiens en Australie

Par Chris Boha

Traduit par Caroline Ouellette

Sans même y penser, je conduis sur le côté gauche de la route vers la station de « pétrole » que j’appelle encore parfois station d’essence. Je vais y faire le plein du « ute » (expression australienne pour camionnette) que j’ai finalement arrêté de nommer truck. Mes pensées dérivent alors vers mes hivers passés au Canada. Le son de la neige qui crisse sous mes pas, les étincelles des rayons de soleil qui se reflètent sur la surface de la neige fraîchement tombée (et qui devra être pelletée), l’impardonnable sensation d’un siège de voiture gelé à – 40° (- 47° avec le facteur vent)… Et oui, j’ai grandi en Saskatchewan… et oui, pour les Australiens qui liront ceci, ces degrés sont bien en Celsius.

Afin de mettre les choses au clair, ce n’est pas d’endurer des mois et des mois d’hiver à chaque année qui me manque. Mais après avoir passé plus de deux ans en Australie et avec notre premier enfant à naître, et sans aucun plan de départ, dans un avenir immédiat, je repense à mon enfance et à ma vie au Canada. Cette réminiscence de l’hiver ne veut pas dire que je ne m’ennuie pas de plusieurs autres choses du paysage canadien, ou que je n’aime pas le paysage australien, parce que ce n’est pas le cas. Les verts luxuriants de plusieurs plantes canadiennes diffèrent complètement des gris-vert des copieuses plantes indigènes australiennes. La vision et les sons des rivières glacées se déversant dans des lacs bleu turquoise, au cœur des magnifiques montagnes Rocheuses, contrastent maintenant avec les rouges profonds de l’étendue de la campagne australienne. Ces choses font partie d’une liste infinie de différence.

Artist: Julia Reimer Title: Red Ripe Dimensions: 180 X 180 mm Photo: John Dean

Je sais que la connaissance et l’expérience de l’hiver sont étrangères à l’Australien moyen parce que l’hiver est à l’extrême opposé des déserts, des plages et de la vie dans la campagne australienne. Cette connaissance ne peut être partagée et comprise qu’à travers son expérience et elle est donc insensée pour des individus pour qui un froid de canard équivaut à + 1°, et qui ne peuvent probablement pas comprendre – 30° ou – 40°C. Cette connaissance intime de l’hiver frigorifiant et glacial est, en partie, ce qui fait de nous des Canadiens pendant sept mois de l’année!

Bien qu’il y ait plusieurs différences entre les Australiens et les Canadiens, il existe un lien durable et un intérêt mutuel dans l’autre. Ce lien entre les deux populations est certainement fondé sur le partage d’une expérience et la connaissance d’un passé colonial, ainsi qu’une compréhension spatiale et géographique similaire des distances et des populations indigènes. En combinant ce lien et cet intérêt avec une communauté tissée serrée, comme celle des verriers internationaux, vous obtenez les fondations parfaites pour construire un pont solide entre deux communautés vibrantes et engagées.

Artist: Tyler Rock Title: Vestige Dimensions: 180 X 160 X 150 mm Photo: John Dean

Quoique la communauté canadienne de verriers soit liée et relativement bien connectée et qu’il y ait de très bons programmes d’études de premier cycle en verre comme ceux du Alberta College of Art and Design (ACAD), d’Espace VERRE et du Sheridan College, il manque, par contre, des programmes d’éducation supérieure de maîtrise et de doctorat. Étant donné ce manque, les artistes verriers canadiens voulant entreprendre une maîtrise doivent quitter le pays. L’Australie, avec trois programmes universitaires d’études supérieures en verre (quatre jusqu’à tout récemment) s’est bâtie une réputation dans le monde du verre, bien méritée et de qualité. Tout cela, sans mentionner la température clémente, les plages et quelques-uns des animaux les plus étranges de la planète, parmi les choix évidents à prendre en considération.

À ma connaissance, Natali Rodrigues est l’une des premières artistes verrier canadiennes à avoir fait un lien entre le Canada et l’Australie en complétant ses études supérieures en verre à la maîtrise à l’Australian National University (ANU). Natali enseigne et dirige maintenant le département du verre à l’ACAD.

Artist: Natali Rodrigues Title: Proximity and Touch, # 1 Dimensions: Larger: 180 x 320 x 70 mm Smaller: 550 x 90 x 450 mm Materials: Cast, hot Formed and cold worked Photo: Ward Bastian

Pendant que Natali étudiait à ANU, je me suis inscrit au programme de verre à l’ACAD. J’essayai alors de démystifier la manière de mettre une pièce sur un pontil pour ensuite la détacher sans en arracher le fond ! Au cours de ma 3^e année à l’ACAD, Fleur Schell, une artiste de l’Australie occidentale, est venue en résidence à l’ACAD pour enseigner la céramique pendant un an. Lors de son séjour, elle a mentionné le programme de verre à Jam Factory à Adélaïde. Pour ceux qui ne sont pas familier avec Jam Factory, c’est un lieu qui intègre deux galeries, une boutique et un atelier public qui offre un programme d’apprentissage spécialisé en verre, en joaillerie, en ébénisterie et en céramique. Durant ce programme intensif de deux ans, les apprentis travaillent pour réaliser des commandes spéciales pour Jam Factory. Ils assistent également des artistes reconnus, tout en développant à la fois leurs habiletés techniques et leur sens du design. Autant que je sache, il n’y a pas d’autre programme de ce genre dans le monde. Jam Factory a été un point tournant dans l’établissement de la bonne réputation du verre provenant non seulement d’Adélaïde mais de toute l’Australie.

Artist: Christine Cholewa Title: F1 Hybrid Materials: hand blown glass, kiln formed, etched, spray paint Dimensions: 1200 x 900 x 30mm Photo: Michael Haines

L’artiste verrier canadienne, Christine Cholewa, a été l’instigatrice de ce que plusieurs Australiens appellent maintenant « l’invasion canadienne » d’Adélaïde. Elle est arrivée en 2004 pour être apprentie à Jam Factory où elle s’est impliquée pendant deux ans dans la communauté du verre. Diplômée de l’ACAD, Christine a facilité le lien avec Gabriella Bisetto, artiste verrier australienne et directrice du département de verre de la University of South Australia (UniSA), pour qu’elle vienne à l’ACAD en tant qu’artiste en résidence en 2006. C’est à ce moment que Tyler Rock, Julia Reimer, Jaan Poldaas et moi-même l’avons rencontrée. Cette même année au congrès du GAAC à Red Deer, j’ai rencontré Caroline Ouellette et Patrick Primeau, deux souffleurs de verre québécois, ainsi qu’Emma Camden, une néo-zélandaise qui fait de la pâte de verre. Durant les deux années suivantes, je me suis lié d’amitié avec Caroline et Patrick, leur rendant visite plusieurs fois à leur atelier près de Montréal tout en gardant contact avec Emma afin de discuter de la possibilité de venir travailler avec elle en Nouvelle-Zélande.

Artist: Caroline Ouellette Title: Pomona Materials: pate de verre and flameworked glass Dimensions: 1250 x 250 x 220 mm Photo: Michel Dubreuil

En 2008, j’ai reçu une bourse de la Alberta Fondation for the Arts pour approfondir mes connaissances en pâte de verre avec Emma Camden en Nouvelle-Zélande. Comme cela coïncidait avec la fin de mon contrat d’enseignement à l’ACAD ainsi qu’avec la fin du bail de location de mon atelier, j’ai décidé de transformer mon voyage d’un mois en un voyage de six mois. J’ai donc quitté le Canada en janvier 2008 vers la Nouvelle-Zélande, où j’ai passé trois mois incroyables à travailler avec Emma Camden, son partenaire David Murray et leurs deux fantastiques enfants, Lola et Miro. À contrecœur, j’ai quitté la Nouvelle-Zélande et par le biais de Christine Cholewa, une camarade de classe à l’ACAD, et de Gabriella Bisetto, que j’avais rencontrée lors de sa résidence à l’ACAD en 2006, j’ai obtenu une place d’artiste en résidence à l’UniSA à Adélaïde pendant trois mois.

Artist: Patrick's Primeau Untitled (Urchin series) Materials: blown glass Dimensions 300 x 300 x 300 mm Photo: Michel Dubreuil

Avant mon départ du Canada, je m’étais inscrit à différents programmes de maîtrise aux États-Unis et j’ai été accepté au programme de la Ohio State University. Mais après trois mois à Adélaïde, j’étais accroché! Je suis tombé amoureux de la ville, de la température et de la communauté (et plus particulièrement d’une personne). Donc, dès mon retour au Canada, j’ai immédiatement soumis une demande d’inscription au programme de maîtrise à l’UniSA. Après sept longs mois d’attente, j’étais de retour à Adélaïde, inscrit au programme de maîtrise par recherche. Mon retour s’est effectué la semaine suivant l’arrivée de Jaan Poldaas, collègue de l’ACAD, en tant qu’apprenti à Jam Factory. Le monde est vraiment petit lorsque l’on fait partie de la communauté du verre.

Je suis chanceux de compter Tyler Rock, Julia Reimer, Caroline Ouellette, Patrick Primeau et Jaan Poldaas parmi mes amis. Tyler m’a enseigné à l’ACAD ainsi qu’à Christine et à Jaan. Nous l’avons tous assisté, à un moment ou à un autre, dans l’atelier Firebrand Glass qu’il partage avec Julia Reimer, à Black Diamond, en Alberta. Après plusieurs années, j’ai enseigné à l’ACAD aux côtés de Tyler qui m’a grandement encouragé et aidé. J’étais donc tout excité en apprenant qu’il cherchait une université où s’inscrire en maîtrise et qu’il considérait sérieusement s’inscrire à l’UniSA!

Artist: Jaan Poldaas Title: Eclipse Materials: blown glass Dimension: 350 x 450 x 600 mm Photo: Michael Haines

Décider où s’inscrire à la maîtrise n’est pas une décision facile car il y a beaucoup de pours et de contres à peser. Les ateliers, le personnel et la rigueur académique sont les premiers critères à considérer mais il faut aussi avoir envie de vivre dans la ville où est située cette université. Ce sont d’excellentes raisons pour faire la promotion de l’UniSA car ce qui manque, comparé aux grandes universités américaines, est compensé par des installations plus qu’adéquate, du personnel fantastique, de la rigueur académique et une communauté de verriers en ébullition à Adélaïde. Je crois que tous ces facteurs ont été décisifs lorsqu’est venu le temps pour Tyler et Caroline de choisir l’université où ils voulaient étudier en Australie. La température et les plages ont probablement été des facteurs importants pour convaincre leurs conjoints Julia et Patrick.

Artist: Gabriella Bisetto Title: The Ocean Within Materials: blow and hot cast glass Dimensions: 2000 x 700 mm Photo: Grant Hancock

Maintenant, c’est très facile de dépeindre une image romantique des plages australiennes, de la température clémente et des kangourous qui sautillent dans la campagne. Mais toute situation a ses hauts et ses bas. Après avoir étudié le verre en premier cycle au Canada, après avoir visité des écoles américaines, après avoir étudié deux ans à l’UniSA, je crois que le Canada offre de meilleurs programmes d’études de premier cycle. Malheureusement, le cheminement des étudiants australiens en premier cycle est en chute libre; le nombre d’étudiants augmente mais l’accès aux installations et aux équipements ainsi que les heures de cours diminuent. Pour faire une comparaison avec l’ACAD, selon mes observations, les classes ont la moitié d’étudiants, le double d’heure d’enseignement, d’enseignants et de personnels techniques par étudiant. Personnellement, je crois que c’est dû au fait qu’en Australie, les écoles d’art sont absorbées par des universités alors qu’au Canada, les écoles de verre restent indépendantes. Les écoles d’art, particulièrement en verre, requièrent des installations dispendieuses pour former un nombre réduit d’étudiants. On ne peut pas enseigner la joaillerie, le verre et la céramique dans un auditorium de cent étudiants, et malheureusement, la marge de profit est trop souvent prise en ligne de compte par la plupart des universités.

Artist: Chris Boha Title: 24 weeks Materials: blown glass, newspaper, wood Dimensions: 1500 x 1200 x 3300 mm Photo: Chris Boha

Les universités australiennes ont de très bons programmes d’études supérieures. Le centre d’intérêt et le financement étant au niveau de la recherche, leurs programmes de maîtrise et de doctorat sont reconnus et ils offrent un équilibre entre la production artistique et la rigueur théorique et académique.

Donc, si vous désirez poursuivre vos études supérieures en verre, ou simplement passer des vacances de verriers, peut-être devriez-vous considérer l’Australie!

C’est une très belle journée ensoleillée et je m’en vais surfer! Ensuite, nous irons jeter quelques crevettes sur le barbecue (barbie : expression australienne)! En fait, je ne sais pas surfer et personne n’appelle ça des crevettes ici (prawns : expression australienne)! Et puis, comme je suis inscrit au doctorat, j’ai malheureusement beaucoup trop de travail pour aller à la plage!

Références :

http://www.unisa.edu.au/artarchitecturedesign/art/glassnews.asp

http://soa.anu.edu.au/glass

http://sydney.edu.au/sca/about/studio_areas/glass.shtml

www.jamfactory.com.au

www.patrickprimeau.com

http://www.carolineouelletteglass.com

www.firebrandglass.ca

http://www.glassartcanada.ca/artist.php?id=62

http://www.unisanet.unisa.edu.au/staff/homepage.asp?name=gabriella.bisetto

http://www.chrisboha.com

By Megan Smith

I found glass the day I happened to drive past Seattle Glassblowing Studio. I mentioned on a whim to my brother that it would be a fun thing to try. While I had forgotten to follow up on this mental note, he hadn’t. I received a gift certificate to experience glass firsthand with a weekend workshop having no idea this would lead me to Canada someday.

I continued taking courses over and over, and eventually applied to Pilchuck Glass School. While I was at Pilchuck, I met amazing artists from all over the world. At the time, it seemed as if I was the only one with a desk job and little background in art, let alone concept. I wanted to be involved in glass but didn’t know where to go next. I talked to a few people about the schools they attended but one really stuck out. Sally McCubbin, my TA at Pilchuck, had convincing reasons why I should attend the glass program at Sheridan College in Oakville, Ontario. We talked about price, course content, and opportunities the school had to offer. I considered for a year the information she provided, and finally decided I was ready to apply for what would turn into quite the life adventure.

Megan working in the hotshop with David Thompson, photo by Jesse Bromm

I applied to Sheridan while at work one day when I had the realization that I didn’t want a career in my current field. At the time I was managing a payday loan location, and I knew it wasn’t something I wanted to do forever. I didn’t tell anyone I had applied in case I couldn’t make it happen right away. When I found out I was accepted, I had a whirlwind of decisions to make, lose ends to tie up, and things to prepare. All of my family, friends, and co-workers were very supportive of my decision to leave. I had never been to Ontario, nor would I get the chance to visit there prior to moving there. I found an apartment on the Internet, faxed contracts back and forth, applied for a student visa, packed four suitcases, and flew to a new country.

Moving 3,000 miles alone was overwhelming.  I didn’t know anyone when I arrived, but was very lucky to meet exciting/outgoing people right away. I did end up living with a crazy person … but I like to add that to my life-experience checklist. “It builds character,” I tell people. To this day, my friends still make American jokes on a daily basis, but it’s all in fun. I get to show them that Americans aren’t all that bad.

Formation, blown glass, photo by Thomas Rojcik

A common question I get from the glass community is, “Why would you come all the way to Oakville when Seattle is full of glass opportunities?”  My answer is that while Seattle may be a glass Mecca, I was ready to have glass be my main focus, and I wanted to get a well-rounded education in the process. Seattle may have plenty of opportunities, but unfortunately there isn’t a full time school for it yet.

I knew the program at Sheridan was going to be more than just glass blowing.  I knew there were going to be support classes, and I had even printed out the course outline for all three years. Somehow, though, I was still taken by surprise. Even in the first year at Sheridan we were encouraged to have solid ideas, concepts, and a variety of learned new processes rather than to be exceptionally skilled glassblowers. It was no easy feat to jump into the world of conceptual thinking so soon, but it is an important foundation of the program.

Sheridan and RIT students working together at Sheridan participating in the Glass Olympics, photo by Owen Colborne

Sheridan has provided me with many opportunities so far that I didn’t expect. I have been able to submit work to the OCC gallery and the school gallery. I have traveled twice:  to the Corning Museum of Glass in Corning, New York and the SOFA Conference in Chicago. I’ve sold work at our open house, and assisted in demos for upcoming students. I also recently found out I was accepted to be the summer glass resident at the Harbourfront Center in Toronto. We are surrounded by remarkable artists and mentors, but most of all we are fortunate to have amazing faculty guide us through the years.

I don’t know where the future will lead me, but I have never once regretted my decision to travel to Canada. I have found a medium of expression that I love, and I wouldn’t trade this experience for anything. I urge anyone contemplating glass as a career to start his or her exploration at Sheridan College.

Claire Anderson, Glass Art Association of Canada school representative for

Sheridan College, Oakville, Ontario

Katrina Cheung, Red Balance Grey, 2011, Photo: Katrina Cheung

Being involved in the Sheridan glass program has left me with an addiction to glass that I fear I may never be able to shake. Without my regular studio fix I get shaky and irritable, break out into sweats and my fingers twitch in a useless effort to turn invisible air-pipes. This seems to be a common problem with most of the students here. We are known as ‘glass-holes’ as we converse about little else, and we can be found lurking around the studio at the strangest hours.

Claire Anderson, Paradise, 2011, Photo: Claire Anderson

This obsession, however, has led the 2011 graduates in directions that none of us could have predicted at the beginning of our journey here. We began as a class of eighteen, but now only ten stragglers remain after all of the injuries, head games, hundreds of broken pieces and, most importantly, survival of each other.

Spending all day every day with a small group of diverse individuals has been trying (to say the very least) at times, but it has made us into a small family. We all play integral roles.  For instance, the dad of the group, Andrew Beauchamp, is stocked full of the most interesting and useless information.  Katrina Cheung is our elder, sought after for vital life advice. Hana Schweiheardt is our young sapling that can often be caught dancing by herself somewhere.  And Allysun Rysnick keeps us all smiling, treating us to TimBits every Sunday! Andrew Wardlaw is a bit of a wild card; you really have to meet him to understand what I am talking about. Alyssa Getz is our purple-haired, loud-mouth glass blowing super star – I have the privilege of working with her this year – while Aurora Darwin is our own personal DJ. Silvia Taylor has become the electroplating grandmaster wizard while Melanie Billark is always encouraging – her energy is impossible to ignore. I suppose that leaves me, ‘noodle-head’, a reference to my waist length dreadlocks and definitely not my slight absent-mindedness. We have grown very close as we have lived, worked and played together for the past three years. We act as a support network, and in the extreme ups and downs we have been there for one other, offering vital criticism, encouragement and the exchange of ideas.

Alyssa Getz, Vessel with Lid, Photo: Alyssa Getz

Over the years, we have come to discover our various specialties and we have spread ourselves evenly throughout the studios. This has had a huge impact on our work and where each of us will take it in the future.  Many of us had very different initial expectations of what the glass program was about, and a few had no idea what to expect at all. The year I began, Sheridan was making major changes to the program, so what I had read in the Sheridan booklet was actually quite different than the program to which I enrolled. I had no idea what to expect, but it was the constant technical and conceptual challenge that got me hooked. I think it is the touch of madness that keeps me around still.

Hana Schweighardt, Flow Series, Photo: Hana Schweighardt

When I speak with my classmates, we all have at least one story about getting set on fire in first year, either by charging the sand casting furnace, or nicking an arm on the annealer. During our three years at Sheridan, three of us have had to get tetanus shots at the clinic and there have been two hospital runs. We have been cut, drilled, puntied, and burned more times then I can count on two hands (and both feet). But the hypnotic nature of glass held us and we continued with fierce dedication.

Andrew Beauchamp, Orbs, Photo: Andrew Beauchamp

With the guidance of the faculty, we have been able to discover our individual styles and learn both what inspires us as well as the concepts that interest us. The close relationships we have developed with our instructors have been vital, as we have been forced to think very critically about our own work. We are lucky to be taught by not only well-connected professionals, but individuals that we have come to know quite well. They go completely out of their way for us and are there to talk about anything … as long as it’s over a beer. They have been right there with us through our development as artists and designers and have helped us through our various mental breakdowns.

Silvia Taylor, Ogee, Photo: Silvia Taylor

Now, as the end of the year approaches, we have begun to realize our time together is nearly at an end. We have made our plans and have begun the motions to start our lives after Sheridan. Many of us feel this is not our last year of post-secondary education and we plan to continue our studies in sculpture and design. However, just as we began the creative process at Sheridan, there is no way to know how our next stage will develop. Glass is an unforgettable medium that each of us will incorporate in the future with the same passion that we displayed at Sheridan.

I loved my time at Sheridan and feel that I now have the tools necessary to become a professional studio artist. While I will miss the coziness of my safety net, I look forward to the challenges that the life of a creator presents.