SHED: Tearing Down Sheridan Craft’s Iron Curtain

June 15, 2013

By: Ron Vincent

If you were to survey Sheridan College’s Craft and Design students upon leaving the assembly for the upcoming SHED project, you would have been hard pressed to find more than a few dozen students toting positive attitudes toward the idea. Where do our instructors get the nerve? We don’t want to take time out of the studio to let outsiders into our home and play with our toys.
But it happened anyway, and I can now laugh at my childish entitlement.

Group 8’s hanging installation selected for display at Design Republic in Toronto; porcelain and mixed media; approximately 5’ x 1’; photo by Owen Colborne; 2013

Group 8’s hanging installation selected for display at Design Republic in Toronto; porcelain and mixed media; approximately 5’ x 1’; photo by Owen Colborne; 2013

The semester started with an email. We already knew the task from the briefing: groups comprised of roughly 10 students from all years and craft majors – glass, ceramics, furniture, and textiles – were to design and build a working light fixture prototype. We all received an email containing the group rosters (determined by the project coordinators), each group’s ‘home base’, and a schedule of workshops for the upcoming days.

The itinerary dictated that we would be meeting our coworkers on Monday and presenting our group’s working prototype on Friday. We had less than five working days to get to know our fellow detainees, agree on a design, and put it together. All of a sudden every deadline for every project that preceded SHED seemed like an eternity.
I knew the names of the students I would be working with for the next couple weeks. Supposedly, I have been in the same program as all of them (save for the first-years) for a year and a half – yet I had zero faces to match the names. A slightly embarrassing thought in hindsight, but therein lay the purpose of SHED: students of varying expertise working closely together in an effort to foster future cooperation between studios.

Group 4 members Caroline Floyd, Victoria Lutz, and Chris Detakacsy installing circuitry components; photo by Ron Vincent; 2013

Group 4 members Caroline Floyd, Victoria Lutz, and Chris Detakacsy installing circuitry components; photo by Ron Vincent; 2013

Cooperation would be integral to the entire experience. Group members were forced to compromise their vision to the relative satisfaction of nine other people. Fortunately, the majority of students banded together amicably for the sake of their respective light.
Within the first day, each of my group members had listed the skills/traits they possess that would contribute to our production (and a couple they feel could be detrimental). We were now aware of who could solder, who had CNC experience, who loses their wallet often, etc.
This exercise identified every group member as an asset. Among our group of 10, two of us were glass majors and therefore had to become immediate experts on the material – relative to our coworkers, of course. When it was time to leave the brainstorming session and make things happen, we began to see each other as professionals, not simply college students. All of a sudden, our skills were in demand and contributing to a bigger picture. Our group members were now our contacts, sourced to realize our common goal. A burgeoning sense of respect among colleagues is the inevitable result.
As professionals in our own fields, the time to doubt our capabilities had passed. The rest of the group had trusted the two of us to construct laminated puck-lights to fit into a large wooden case. In actuality, this seemingly small request invoked a great deal of trust among strangers: we had to trust the furniture students to make the light fittings the correct size, who in turn placed their faith in us to cast the pucks with enough time to finish and install them. There was no time to doubt one’s teammates; we had to rely on each other for the coming together of our piece.

Group 4’s interactive fixture invites viewers to illuminate different media without indication; wood, glass, porcelain, yarn, copper; approximately 6’ x 1’; photo by Owen Colborne; 2013

Group 4’s interactive fixture invites viewers to illuminate different media without indication; wood, glass, porcelain, yarn, copper; approximately 6’ x 1’; photo by Owen Colborne; 2013

Upon project completion, everyone is eager to celebrate. An array of differing light fixtures adorns both floors of the campus pub for the evening while the studio heads offer a couple thoughts on the first SHED results. From calming blue lights resembling icebergs to motion-sensitive installations, the variety/quality of work shown demonstrates that our group was not the only one to embrace and overcome the challenges of working with such external integration.

Second-story view of the Sheridan Marquee (pub) during the SHED project presentation; photo by Leah Marcoux; 2013

Second-story view of the Sheridan Marquee (pub) during the SHED project presentation; photo by Leah Marcoux; 2013

Free from the constraints of group obligations, many students seek out their studio mates for drinks and to emotionally vent their feelings toward the project in safe company. However, in spite of our initially pessimistic view toward the project, SHED has proven itself a successful first attempt toward further cooperation between Sheridan’s Craft and Design studios.

 

Years ago, Ron Vincent pulled the plug on his cubicle-oriented engineering path in order to pursue his creative endeavors. Unable to ignore his childhood passions of drawing, creating, building, and exploring, Ron continues to seek an outlet for his adolescence. Years of exposure to the craft realm have sparked an interest that has grown into a passion. Ron enters his third year in Sheridan College’s Crafts and Design – Glass program emphasizing flame working and transferring/manipulating his illustrations in glass.

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Con”grad”ulations!

Jamie Gray

This issue of Contemporary Canadian Glass has been dedicated to the topic of education.  So, I thought I’d speak directly to that and send a big shout-out to this year’s graduates of our Canadian glass schools:  Espace Verre in Montreal, Sheridan College in Oakville, and the Alberta College of Art + Design in Calgary.  Con”grad”ulations, you guys!  You did it.  You made it.  All the late night cramming for exams, panicky project catch-ups, and gruelling critiques are over.  Now comes the tricky part:  becoming who you’ve been practicing to be.  And we’re here to help.

Our glass community is pretty well connected and highly supportive.  The Glass Art Association of Canada provides all new grads with a gift of a free year’s membership and eight images for an individual artist profile on the GAAC website.  We hope that you’ll stay in touch with us as you take these next most important steps in your career.  Send us photos of your new work, articles about your journey, links to your blogs.  We’re interested and we care.

Congratulations must be also be extended to the instructors of our schools.  You taught well and raised up some great up-and-comers; glass artists whom we’ll be watching with interest.

Have a great summer, everyone, full of well-deserved rest!

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Retour au 220 : les diplômés d’Espace VERRE remontent à la source

par Valérie Paquin

Unique école-atelier de la Belle Province consacrée aux métiers du verre, Espace VERRE est le tremplin pour de nombreux acteurs du verre d’art québécois. Chaque année, une exposition collective est le point d’orgue de la formation collégiale en métiers d’art – option verre, offerte en collaboration avec le cégep du Vieux Montréal. Du 30 mai au 6 septembre 2013, la galerie Espace VERRE présente le travail des huit finissants de la 22e cohorte de diplômés. Certes, l’exposition intitulée Retour au 220 – clin d’œil à une phrase fétiche d’un illustre enseignant – marque la fin d’un dur labeur d’amour. Mais la fin n’est-elle pas aussi la promesse d’un nouveau début?

La 22e cohorte de diplômés [The 22nd graduating class] Photo : Espace VERRE

La 22e cohorte de diplômés [The 22nd graduating class]
Photo : Espace VERRE


Avec sa série Fragments de mémoire, Maryse Chartrand s’est tracé une véritable aventure archéologique. Interpellée par un sillon creusé dans un visage en argile, elle suit les traces d’un passé mythique, suivant un parcours intuitif à travers les différentes techniques de travail du verre.  Ses fouilles livreront des pièces empreintes d’une sensibilité fragile, des artefacts témoins d’une autre vie, des bribes de mémoire déformées par le temps, mais sauvées de l’oubli.

Maryse Chartrand, Enfance cristallisée Photo : Michel Dubreuil

Maryse Chartrand, Enfance cristallisée
Photo : Michel Dubreuil

Maryse compte démarrer son entreprise grâce à l’atelier Fusion[1] et éventuellement, ouvrir son propre atelier à Sutton, dans les Cantons-de-l’Est.

Élisabeth-Cassandra Desbiens privilégie cette matière prétentieuse qu’est le verre pour mettre en scène des corps miniatures en pâte de verre. Ses formes humaines sont une rencontre entre la beauté squelettique des corps et les émotions. Os, muscles et peau sont animés, envahis, puis transportés par l’émotion.

Élisabeth-Cassandra Desbiens, Dénaturée Photo : Michel Dubreuil

Élisabeth-Cassandra Desbiens, Dénaturée
Photo : Michel Dubreuil

Parfois, des parties animales ou des objets inusités viennent se greffer à ces personnages, livrant ainsi au spectateur une infime partie de leurs histoires… À la suite de l’obtention de son diplôme, Élisabeth-Cassandra espère se joindre à l’atelier Fusion avant de poursuivre des études en sculpture à Québec.

Chez David Frigon-Lavoie, ce sont les châteaux d’eau, symboles emblématiques de la trame urbaine montréalaise, qui deviennent les véhicules de sentiments anticapitalistes.

David Frigon-Lavoie, Le temps d’une ampoule Photo : Michel Dubreuil

David Frigon-Lavoie, Le temps d’une ampoule
Photo : Michel Dubreuil

À travers ses constructions en verre et en métal, David explore les thématiques de la désuétude calculée, de l’abus de pouvoir et se questionne par rapport au rythme de croissance jugé alarmant des immeubles et structures massives en milieu urbain. Au cours des deux prochaines années, David souhaite se consacrer à part entière à sa carrière de verrier professionnel en se joignant à l’atelier Fusion.

Mue par la conviction que la beauté est omniprésente, Amélie Girard s’inspire des objets qui l’entourent pour explorer la poésie du quotidien.  Elle tente de capter ces moments fugaces d’intense beauté qui s’échappent, le temps d’un émerveillement, et qui, pour elle, sont autant de brèches vers l’essence du monde. Et lorsqu’une brèche se referme, il lui reste le verre pour en cristalliser le souvenir.

Amélie Girard, En descendant du jardin d’Eden Photo : Michel Dubreuil

Amélie Girard, En descendant du jardin d’Eden
Photo : Michel Dubreuil

Après avoir œuvré au sein de l’atelier Fusion, Amélie espère entreprendre des études supérieures à l’université de Lisbonne au Portugal, dans le cadre du programme Master of glass art and science. Une carrière d’artiste professionnelle à Montréal suivrait ce perfectionnement.

S’inspirant du cycle fondamental de la nature – mort, transformation, renaissance –, Kane Hale a choisi le phénix comme emblème de prédilection. Incarnation mythique de ce cycle, l’oiseau qui renaît de ses cendres avec une vigueur renouvelée devient ici l’expression d’un désir de réveiller les passions somnolentes, de raviver le feu qui brûle en nous tous.

Kane Hale, For every ember that falls, a fire is born (détail) Photo : Michel Dubreuil

Kane Hale, For every ember that falls, a fire is born (détail)
Photo : Michel Dubreuil

Pris entre un passé et un futur qui ne lui ressemble pas, Kane a trouvé la magie du verre pour exprimer son inconfort. Au cours des prochaines années, il prévoit se concentrer sur sa production de verre soufflé grâce à l’atelier Fusion et la mise en marché. Ayant un penchant pour l’enseignement et l’entraide, il espère également être assistant de cours à Espace VERRE.

Au cours de ses migrations à travers les contrées sauvages nord-américaines, Alexandre Hupé  s’est découvert une âme de nomade, profondément affectée par son environnement immédiat. Inspiré par son présent milieu de vie – le laboratoire social que devient un loft montréalais partagé par douze colocataires –, Alexandre a voulu mettre en scène les protagonistes de son quotidien.

Alexandre Hupé, Léana et Guim Bis Photo : Michel Dubreuil

Alexandre Hupé, Léana et Guim Bis
Photo : Michel Dubreuil

Sous la bannière du recensement,  ce sont douze visages distincts soufflés dans des moules, douze libres-penseurs qui seront immortalisés grâce au verre. Outre son projet de mettre sur pied un atelier de verre à chaud ambulant, Alexandre espère se mériter des prix destinés à la relève en métiers d’art, participer à SOFA Chicago ou obtenir une résidence dans un atelier de verre à chaud.

Samuel Roy nous propose une œuvre d’expression à la fois ludique et dérangeante, qui porte un regard satirique sur un des malaises de notre société. L’installation Avale la pilule se veut une critique des dangers liés à la surconsommation de médicaments et à la  désinformation encore trop présente.

Samuel Roy, Avale la pilule  Photo : Michel Dubreuil

Samuel Roy, Avale la pilule
Photo : Michel Dubreuil

Samuel compte créer son propre atelier pour travailler non seulement le verre, mais également la céramique et les arts plastiques. Ultimement, il aimerait que cet atelier devienne un regroupement de travailleurs autonomes œuvrant dans le secteur des métiers d’art et des arts visuels.

Priorisant une approche centrée sur la pureté de la composition esthétique et l’expression libre, Charles Samson crée… parce qu’il se doit de créer. Sa démarche consiste à thermoformer le verre en faisant appel à la technique de la cire perdue. Ce qui en fait la spécificité, c’est qu’il travaille principalement à partir de morceaux de verre à vitre concassé.

Charles Samson, Sans titre Photo : Michel Dubreuil

Charles Samson, Sans titre
Photo : Michel Dubreuil

Où sera-t-il dans quelques années? L’histoire ne le dit pas.

Et tout (re)commença par quelques petits bouts de verre…

 


[1] Atelier de transition réservé aux finissants pour les aider à démarrer leurs carrières. Cet atelier existe grâce au soutien d’Espace VERRE et de la Société de développement des entreprises culturelles du Québec.

 

Valérie Paquin détient un baccalauréat en histoire de l’art de l’université McGill et une maîtrise en muséologie de l’université de Montréal. Elle est responsable des communications et du marketing à Espace VERRE depuis 2011.

 

Retour au 220: Espace VERRE’s Graduates Return to the Grind

by Valérie Paquin, translated by Suzanne Delorme

A unique glass art school and studio, Espace VERRE is the stepping stone for many important actors of the Belle Province of Quebec. Every year, a group exhibition is the high note of the college glass art option program offered by the Cégep du Vieux Montréal. From May 30 to September 6, 2013, the Espace VERRE gallery will present the work of the eight graduates of the 22nd cohort. Without a doubt, the exhibition’s title Retour au 220, a technical expression of a favourite teacher, marks the end of a labour of love. But isn’t the end of something often the premise for a new beginning?

La 22e cohorte de diplômés [The 22nd graduating class] Photo : Espace VERRE

La 22e cohorte de diplômés [The 22nd graduating class]
Photo : Espace VERRE


With her series Fragments de mémoire [Fragments of Memory], Maryse Chartrand has traced a genuine archeological adventure. Fascinated by a furrow carved into a clay face, she follows its channels through a mythical past, creating an intuitive journey with the different glass working techniques. Her excavations deliver pieces that are imprinted with a delicate sensitivity, revealing evocative artifacts from another life, lapses of memory deformed by time, but saved from oblivion.

Maryse Chartrand, Enfance cristallisée Photo : Michel Dubreuil

Maryse Chartrand, Enfance cristallisée
Photo : Michel Dubreuil

Maryse is planning to take the first step in creating her business by participating in Fusion[1].Her endeavor will be eventually be followed by the creation of her own studio in Sutton, Québec, in the Eastern Townships.

Élisabeth-Cassandra Desbiens favours the pretentious material that is glass to invent staged scenarios with the miniature pâte de verre figures that she creates. Her human forms are a cross between the skeletal beauty of the forms and the emotions. Bones, muscles and skin are animated, invaded and transported by the emotion.

Élisabeth-Cassandra Desbiens, Dénaturée Photo : Michel Dubreuil

Élisabeth-Cassandra Desbiens, Dénaturée
Photo : Michel Dubreuil

Sometimes, animal parts or unusual objects are grafted to the figures, revealing a glimpse of their stories to the spectator… After receiving her diploma, Élisabeth-Cassandra hopes to be accepted as a member of Fusion before continuing her sculptural studies in Québec.

For David Frigon-Lavoie, the water towers, emblematic symbols of the Montréal urban grid, convey anti-capitalist sentiments.

David Frigon-Lavoie, Le temps d’une ampoule Photo : Michel Dubreuil

David Frigon-Lavoie, Le temps d’une ampoule
Photo : Michel Dubreuil

David’s glass and metal constructions reflect on the concept of planned obsolescence and the abuse of power, while questioning the alarming growth spurt of massive buildings and structures in our urban surroundings. For the next two years, David hopes to dedicate himself to his professional glass art career by joining Fusion.

Moved by the conviction that beauty is omnipresent, Amélie Girard finds inspiration from the objects around her to explore the poetry of everyday life. She attempts to capture the intense beauty of evasive moments, in complete amazement, which are in her mind, breaches opening to the essence of the world. And when the gap closes itself, at least it can be immortalized in glass.

Amélie Girard, En descendant du jardin d’Eden Photo : Michel Dubreuil

Amélie Girard, En descendant du jardin d’Eden
Photo : Michel Dubreuil

After participating in Fusion, Amélie hopes to pursue her studies by attending Lisbon University’s Master of Glass Art and Science program in Portugal. A professional artistic career in Montréal will be the perfect conclusion of her goals.

Inspired by a fundamental cycle of nature – death, transformation and rebirth – Kane Hale has chosen the phoenix as a symbol. The mythical incarnation of this cycle, the bird that rises from its ashes expresses the desire to reawaken dormant passions, revive the flame that burns within us all.

Kane Hale, For every ember that falls, a fire is born (détail) Photo : Michel Dubreuil

Kane Hale, For every ember that falls, a fire is born (détail)
Photo : Michel Dubreuil

Caught between a past and a future that do not quite resemble him, Kane has found the magic of glass to express his discomfort. In the near future, he plans to concentrate on creating and selling his own glassblowing production by joining Fusion. Having a knack for teaching and helping others, he hopes to become a teaching assistant at Espace VERRE.

Stemming from his travels through the wild regions of North America, Alexandre Hupé discovered that he has a nomadic soul that is profoundly touched by his immediate environment. Inspired by his home setting – a ‘social laboratory’ loft that is shared by 12 roommates – Alexandre has chosen to showcase the protagonists of his daily life.

Alexandre Hupé, Léana et Guim Bis Photo : Michel Dubreuil

Alexandre Hupé, Léana et Guim Bis
Photo : Michel Dubreuil

Under the census banner, 12 distinctive faces are blown from molds, 12 free-thinkers are immortalized thanks to glass. In addition to creating a portable hot glass studio, Alexandre hopes to receive recognition from his peers by receiving awards and bursaries, show his work at SOFA Chicago, or be accepted as resident artist in a hot glass studio.

Samuel Roy proposes a body of work that is as playful as it is troubling with its satirical view of one of society’s ailments.

Samuel Roy, Avale la pilule  Photo : Michel Dubreuil

Samuel Roy, Avale la pilule
Photo : Michel Dubreuil

The installation Avale la pilule [Swallow The Pill] is a critique on the dangers linked to the overconsumption of medication and the misinformation about pharmaceuticals. After graduation, Samuel hopes to start his own studio where he can work with glass, ceramics and other fine art techniques. Ultimately, he hopes that this studio could become a fine crafts and arts collective shared with other self-employed artists.

Focusing on the purity of aesthetic composition and free expression, Charles Samson creates… because he feels compelled to. His work process consists of kiln forming glass with the lost wax technique, with the ultimate distinction being that he works principally with pieces of shattered glass.

Charles Samson, Sans titre Photo : Michel Dubreuil

Charles Samson, Sans titre
Photo : Michel Dubreuil

Where will he be in a few years? The future is yet to come.

And all (re)started with a few small pieces of glass…

 


[1] The transitional workshop reserved to Espace VERRE’s graduates, to help establish their careers. This workshop is possible with the support of Espace VERRE and the Société de développement des enterprises culturelles du Québec.

 

About the author: Valérie Paquin holds a Bachelor of Arts degree in Art History from McGill University and a Master of Museology degree from the Université de Montréal. She has been the communications and marketing Representative at Espace VERRE since 2011.

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ACAD Graduates 2013

By: Carli Castle

 

Alberta College of Art + Design (http://www.acad.ca/) has seen many new and exciting developments occurring within the glass program, as well as within the structure of the institution.

There has been a influx of changes surrounding the newly confirmed craft MFA that will be developing over the next few years, as well as many new and returning faculty members.

As a department, we have made it our personal mission to become active participants within the community in our city and internationally. There has been no end to the fundraising efforts; we have done it all, from nude calendars, pumpkins, Christmas balls, bake sales and some impressive commissions for local businesses. All of this has been done to keep opportunities available in the ever-changing future of our institution.

I have seen many unique and inspiring individuals emerge from this glass department. It is no easy feat to find your own voice within a medium that can be very tricky to maneuver. We have spent many nights toiling in the shop just to have our masterpieces self-destruct in front of us. You can’t cry over broken glass. With a material so tricky to work with, you start to realize that it is all about knowing that you have skills to achieve your goals. That with the proper mind state, tools, advice and (sometimes) a wicked assistant, there is no end to what you can achieve. You become an active thinker that knows no boundaries; anything is possible.

The 2013 graduating class is an embodiment of the type of artists that ACAD wishes to create; we are innovative thinkers, problems-solvers and all-around visually talented individuals.

An overview of Alberta College of Art + Design graduates:

 

Carli Castle/ Gnarly Nexus: A Self Portrait/ Blown, Engraved and Kiln Polished Glass/ approx 150 cm x 150 cm/ 2013/ Photo Credit: Carli Castle

Carli Castle/ Gnarly Nexus: A Self Portrait/ Blown, Engraved and Kiln Polished Glass/ approx 150 cm x 150 cm/ 2013/ Photo Credit: Carli Castle

Carli Castle (http://www.glassartcanada.ca/public/artist/Castle.Carli) is a multi-disciplined artist that began her formal art education at Alberta College of Art + Design in 2008. Her artistic career started with photography but after being exposed to glass her focus immediately shifted. During her time at ACAD she has developed a practice that employs traditional glass forms such as the roundel and utilizing techniques that involve both hot and cold oriented processes.
Carli creates round glass canvases that carry motifs of predator animals relative to the region she was born in. She utilizes groupings of multiples in order to create a greater picture. A constant form of inspiration comes from connecting with her immediate environment and being able to witness nature’s spectacles. She borrows aesthetics from the Albertan landscape with line work that suggests erosion from the elements.

Carli Castle/ The Emissary/ Blown, Engraved and Kiln Polished Glass/ approx160 cm x 40 cm/ 2012/ Photo Credit: Carli Castle

Carli Castle/ The Emissary/ Blown, Engraved and Kiln Polished Glass/ approx160 cm x 40 cm/ 2012/ Photo Credit: Carli Castle

Carli says: “The work I produce is based upon an accumulation of imagery that I gather during the time I spend within my environment. Every day I find myself searching for some kind of connection to the world around me. As I seek out these clues, I am given the ability to witness the phenomenon that occurs within chance. I take these visual references and form them into a subconscious map of ideas and thoughts. This information is later accessed in order to help me create content and form. This has given me a sense of comfort within these intuitive actions.”

Charissa Hong/History on a Hat / Blown and Sandblasted Glass/10 cm x 29.2 cm (h x diameter)/ 2012/Photo Credits: Joe Kelly and Charissa Hong

Charissa Hong/History on a Hat / Blown and Sandblasted Glass/10 cm x 29.2 cm (h x diameter)/ 2012/Photo Credits: Joe Kelly and Charissa Hong

Having grown up in Johannesburg, South Africa and moving to Canada in the early ’90s, Charissa Hong (http://viewfromthebenchch.blogspot.ca/) makes work about location, home and self identity. The work that she creates is a direct reactionary response to her own understanding of her place within her surroundings. She is keenly interested in personal encounters in a place and how that place can then be abstracted and made into an object, which the viewer can then identify within their own life story. While Charissa works predominantly in glass, her practice expands to include other media and techniques such as textiles, wood, metal, print making and paper.

“For me, place and home are intertwined and I find that the work that I make in different places evoke differing emotions and memories, both for myself, and for others,” says Charissa.

As a complement to her studio practice, Charissa has travelled to Northlands Creative Glass (http://www.northlandsglass.com/about)  in Lybster, Scotland, the Australian National University in Canberra (http://www.anu.edu.au/) , Australia and BeCon hosted by Bullseye
( http://www.bullseyeglass.com/ ) Glass in Portland, Oregon to learn more about her medium and craft. 

She has been focusing on the making process and has recently been researching and developing new processes and ideas in the hot shop as well as refining her skills in the kilns, hot casting and blowing. Her newest exploratory work stems from the ability to capture a word and the ephemeral fleeting moment as bubbles trapped within the walls of a vessel. She is presently working for the Alberta College of Design and hopes to pursue her master’s degree in glass in the near future.

Maddison Klein/ Teetered Top/Blown and Coldworked glass/29cm x 13.5cm/2012/Photo credit: Maddison Klein

Maddison Klein/ Teetered Top/Blown and Coldworked glass/29cm x 13.5cm/2012/Photo credit: Maddison Klein

Maddison Klein ( http://maddisonklein.com/glass.html) was born and raised in Calgary, Alberta. She has always had a passion for the arts, so the decision to attend the Alberta College of Art + Design was not a difficult one. Maddison’s fascination for the medium of glass was formed in her first year of studies; her original goal of pursuing drawing and painting was put on the back burner when she discovered the process of working with molten glass.

Maddison Klein/Death Star/Blown and Coldworked glass/42cm x 15.5cm/2013/Photo credit: Maddison Klein

Maddison Klein/Death Star/Blown and Coldworked glass/42cm x 15.5cm/2013/Photo credit: Maddison Klein

The work she has gone on to create is very focused around the idea of stacking, and the process involved with continually adding layers of glass, then stripping them away after the annealing cycle. Most of the work Maddison creates is made in the hot shop, then later taken to the cold shop to be cut and carved into.

Maddison Klein Honeycomb/Blown and Coldworked glass/18cm x 28cm/2013/Photo credit: Maddison Klein

Maddison Klein Honeycomb/Blown and Coldworked glass/18cm x 28cm/2013/Photo credit: Maddison Klein

Maddison says: “It is important to me to be able to go through the motions of adding layers of hot colour to my pieces in the hot shop, and then later to be able to strip them away to achieve the final results. I feel as though the act of cutting through the layers of colour, once my pieces are annealed, is a way to unify the segments together and make them a whole. My entire process from start to finish is, to me, reminiscent of the journey and the steps I have taken to get to this point in life. There is a constant addition of layers, and teamwork that is involved in one’s journey, however there is also always a point where something needs to be stripped away again and given back; I see my process as a representation of that. The actual marks I make on the glass after the annealing process are an extension of myself, and a small reflection of the other art forms that brought me to this place of working with glass.”

Kristyn Wozniewich/Liquid Lace/ Fine and Sterling Silver and Glass/2cm x 43 cm with chain/ 2013/ Photo Credit: KristynWozniewich

Kristyn Wozniewich/Liquid Lace/ Fine and Sterling Silver and Glass/2cm x 43 cm with chain/ 2013/ Photo Credit: KristynWozniewich

As a creator of things made of glass and metal, Kristyn Wozniewich (www.kristyndon.com) has spent the last 5 years at the Alberta College of Art + Design honing her skills in the craft of glassblowing and jewellery making. Showcased in several exhibitions within Alberta, Kristyn has won numerous awards for academic excellence. Having a penchant for collections of small things Kristyn brings together several component parts that comprise a bigger whole. Time, process and preciousness are the underlying currents in the work; taking inspiration from the ordinary and elevating it though process and natural phenomena she creates intimate moments of a sublime nature. These moments are contemplative and when they access light they become inescapable.

Kristyn Wozniewich/Beacon/ Glass/ 25cm x approx 160 cm/2013/ Photo Credit: Richard Ballermann

Kristyn Wozniewich/Beacon/ Glass/ 25cm x approx 160 cm/2013/ Photo Credit: Richard Ballermann

Kristyn says: “I have a fear of the dark. There is a distinct line where my vision ends on the periphery and a terror begins. Behind me there is nothingness, in front a solitary source of barely perceptible light. It feels somehow inescapable, the darkness. There is no face, just utter and complete blackness.”

 

 

About the author: Carli Castle (http://www.flickr.com/photos/carlicastle/ ) is Canadian artist working out of Calgary, Alberta. She has been active in the international glass community, attending workshops at both Pilchuck Glass School (http://www.pilchuck.com/ ) and Corning the Museum of Glass (http://www.cmog.org/ ). Since attending Alberta College of Art + Design, she has won numerous scholarships and awards.

  Her practice deals with themes that marry the natural landscape and traditional glass forms. She creates with imagery of predator animals from her region; decorating the surface of her glass with stone like carvings that suggest natural erosion. No matter how much she has denied a connection to her home, these themes are always underlying within her practice.

 

Les Diplômés 2013 de l’ACAD

Par Carli Castle

L’Alberta College of Art + Design (http://www.acad.ca/) a été témoin de multiples changements excitants au sein de son organisation et de son programme de verre plus particulièrement.

Nombre de ces changements sont liés à l’annonce récente du nouveau programme d’art MFA sensé se développer au cours des prochaines années, ainsi qu’au retour d’anciens enseignants et à l’arrivée de nouveaux.

En tant qu’unité, nous nous sommes fait un point d’honneur de participer activement au sein de la communauté tant dans notre ville qu’à l’international. Nos efforts pour collecter des fonds ont été sans limite. Nous avons tout essayé, des calendriers de nus aux ventes de citrouilles, repas de Noël ou ventes de gâteaux, en plus de quelques commandes importantes pour des entreprises locales. Toutes ces actions ont été menées dans le but d’être le plus ouverts aux opportunités à venir dans cette organisation en évolution constante.

Au sein de cette section verre, j’ai vu se construire nombre de personnalités uniques et pleines d’inspiration. Il n’est pas facile de trouver sa propre voix avec un matériau si complexe à manipuler. Ce sont des nuits entières de dur labeur passées dans notre atelier pour voir au final nos chefs d’œuvres se briser sous nos yeux. Difficile de se lamenter sur du verre cassé. Avec un matériau si délicat à travailler, on finit par comprendre que la seule façon d’atteindre son objectif est de prendre conscience de son propre talent. Ajoutez à cela le bon état d’esprit, les bons outils, les bons conseils et (parfois) un excellent assistant, tous ces éléments réunis élargissent les champs des possibles à l’infini. On devient un penseur actif qui ne connaît pas les frontières, tout est faisable.

La promotion des diplômés 2013 est un bon échantillon du genres d’artistes que l’ACAD souhaite révéler; des penseurs innovants, des personnes habiles à résoudre des énigmes et des individus talentueux visuellement parlant à tous niveaux.

Présentation des diplômés de l’Alberta College of Art + Design :

Carli Castle/ Gnarly Nexus: A Self Portrait/ Blown, Engraved and Kiln Polished Glass/ approx 150 cm x 150 cm/ 2013/ Photo Credit: Carli Castle

Carli Castle/ Gnarly Nexus: A Self Portrait/ Blown, Engraved and Kiln Polished Glass/ approx 150 cm x 150 cm/ 2013/ Photo Credit: Carli Castle

Carli Castle (http://www.glassartcanada.ca/public/artist/Castle.Carli) est une artiste pluridisciplinaire qui a débuté en 2008 sa formation officielle en art à l’Alberta College of Art + Design. Après avoir orienté sa carrière vers la photographie,  son attrait pour l’art a pris un tournant majeur dès son premier contact avec le verre. Au cours de ses études à l’ACAD, elle a développé une pratique qui emploie les formes traditionnelles du verre tels que les médaillons tout en alliant les techniques de travail du verre à chaud et à froid. Carli crée des supports de verre ronds portants des motifs de prédateurs sauvages en lien avec sa contrée d’origine. Elle les regroupe en compositions pour former des images plus vastes. Son inspiration constante provient de son contact à l’environnement immédiat et de sa capacité à adopter le point de vue de la nature. Elle emprunte l’esthétisme des paysages de l’Alberta et y associe des lignes suggérant l’érosion des éléments.

Carli Castle/ The Emissary/ Blown, Engraved and Kiln Polished Glass/ approx160 cm x 40 cm/ 2012/ Photo Credit: Carli Castle

Carli Castle/ The Emissary/ Blown, Engraved and Kiln Polished Glass/ approx160 cm x 40 cm/ 2012/ Photo Credit: Carli Castle

Carli nous explique : « Le travail que je fournis provient des images que j’accumule pendant mon temps passé chez moi. Chaque jour, je me surprends à chercher une forme de connexion avec le monde qui m’entoure. Pendant cette quête des éléments, je parviens à observer le phénomène du hasard. Je prélève ces références visuelles et les dispose en un plan d’idées et de pensées qui restent dans mon subconscient. Cette information est ensuite extraite pour m’aider à créer du contenu et de la forme. Cela m’a permis d’acquérir une forme d’aise dans ces actions intuitives. »

Charissa Hong/History on a Hat / Blown and Sandblasted Glass/10 cm x 29.2 cm (h x diameter)/ 2012/Photo Credits: Joe Kelly and Charissa Hong

Charissa Hong/History on a Hat / Blown and Sandblasted Glass/10 cm x 29.2 cm (h x diameter)/ 2012/Photo Credits: Joe Kelly and Charissa Hong

Ayant grandi à Johannesburg en Afrique du Sud avant de partir vivre au Canada au début des années 90, Charissa Hong (http://viewfromthebenchch.blogspot.ca/) réalise des œuvres portant sur le lieu, le chez-soi et le soi-même. Ses pièces sont issues de sa réaction directe répondant à la vision de la place qu’elle occupe dans son propre environnement. S’intéressant vivement aux rencontres personnelles dans un lieu, elle trouve ensuite une façon de prélever cet endroit et de le transformer en objet que le spectateur pourra relier à sa propre histoire. Tandis que le travail de Charissa est principalement en verre, son exercice s’étend à d’autres moyens et techniques tels que les textiles, le bois, le métal, l’imprimerie et le papier.

“Pour moi, le lieu et la maison sont liés et je constate qu’en réalisant mes œuvres à différents endroits, cela suscite des émotions et des souvenirs qui vont diverger, tant pour moi que pour les autres » dit Charissa.

Pour parfaire son travail en atelier et approfondir ses connaissances sur le matériau et l’art, Charissa a participé au Northlands Creative Glass (http://www.northlandsglass.com/about)  de Lybster en Ecosse, à l’Australian National University de Canberra (http://www.anu.edu.au/) en Australie et au BeCon organisé par Bullseye Glass (http://www.bullseyeglass.com/ ) à Portland dans l’Oregon. Concentrant ses recherches sur les procédés de création, elle a récemment développé de nouvelles techniques et idées de travail à chaud tout en peaufinant ses connaissances en pâte de verre, moulages et soufflage. Son dernier travail exploratoire découle la volonté de capturer un mot ou un bref instant éphémère pour  l’emprisonner dans les bulles prises dans les parois d’un réceptacle. Elle œuvre en ce moment au sein de l’Alberta College of Art + Design et espère poursuivre prochainement une Maitrise en verre.

Maddison Klein/ Teetered Top/Blown and Coldworked glass/29cm x 13.5cm/2012/Photo credit: Maddison Klein

Maddison Klein/ Teetered Top/Blown and Coldworked glass/29cm x 13.5cm/2012/Photo credit: Maddison Klein

Maddison Klein (http://maddisonklein.com/glass.html) est née et a grandi à Calgary en Alberta. Passionnée d’arts depuis toujours, sa volonté d’intégrer l’Alberta College of Art + Design fut sans hésitation. Au cours de sa première année d’études,  Maddison se découvre une fascination pour le verre et reconsidère sa décision initiale de s’orienter vers la peinture et le dessin pour s’aventurer dans le travail du verre en fusion.

Maddison Klein/Death Star/Blown and Coldworked glass/42cm x 15.5cm/2013/Photo credit: Maddison Klein

Maddison Klein/Death Star/Blown and Coldworked glass/42cm x 15.5cm/2013/Photo credit: Maddison Klein

Le travail qu’elle aborde dans sa création est centré sur la notion d’empilage par le biais d’un procédé d’ajout continu de couches de verre, puis de les arracher après la recuisson. La majorité du travail de Maddison se fait en atelier puis le verre est transféré pour être travaillé à froid, découpé puis gravé.

Maddison Klein Honeycomb/Blown and Coldworked glass/18cm x 28cm/2013/Photo credit: Maddison Klein

Maddison Klein Honeycomb/Blown and Coldworked glass/18cm x 28cm/2013/Photo credit: Maddison Klein

Maddison témoigne : « C’est important pour moi de pouvoir procéder en atelier au geste d’accumuler des couches de couleurs à chaud, puis de pouvoir plus tard les arracher pour obtenir le résultat final. J’ai la sensation que l’acte de découper à travers les couches de couleurs une fois mes pièces recuites, est une façon d’unifier les segments pour créer un tout. Mon processus entier du début à la fin est selon moi évocateur du voyage et des étapes que j’ai traversés pour parvenir à ce point actuel dans ma vie. L’addition constante de couches et le travail d’équipe font partie du voyage de chacun mais il y a toujours un moment où quelque chose nécessite d’être arraché puis rendu à nouveau ; je considère ma technique comme une représentation de cela. Les marques que je crée sur le verre après recuisson sont une prolongation de moi-même et une brève réflexion sur les autres formes d’art qui m’ont amenée à travailler le verre. »

Kristyn Wozniewich/Liquid Lace/ Fine and Sterling Silver and Glass/2cm x 43 cm with chain/ 2013/ Photo Credit: KristynWozniewich

Kristyn Wozniewich/Liquid Lace/ Fine and Sterling Silver and Glass/2cm x 43 cm with chain/ 2013/ Photo Credit: KristynWozniewich

Créatrice d’œuvres faites de verre et de métal, Kristyn Wozniewich (www.kristyndon.com) a passé ses cinq dernières années à l’Alberta College of Art + Design à perfectionner ses talents en soufflage de verre et création de bijoux. Présente dans plusieurs expositions en Alberta, Kristyn a reçu de nombreux prix d’excellence académiques. Adorant collectionner  les petits objets, Kristyn rassemble les différents éléments pour composer un tout plus important. Les courants sous-jacents de son travail sont le temps, le processus et la précision. Elle s’inspire de l’ordinaire et le met en porte-à-faux grâce à un procédé naturel qui crée des instants d’une sublime beauté. Ces moments contemplatifs ils deviennent inéluctables une fois sous la lumière.

Kristyn Wozniewich/Beacon/ Glass/ 25cm x approx 160 cm/2013/ Photo Credit: Richard Ballermann

Kristyn Wozniewich/Beacon/ Glass/ 25cm x approx 160 cm/2013/ Photo Credit: Richard Ballermann

Kristyn nous confie: «  J’ai peur du noir. Il existe une ligne distincte au bout où ma vision prend fin et la terreur commence. Derrière moi, ce n’est que vide. Devant moi, une source solitaire de lumière à peine perceptible. La pénombre semble sans issue. Il n’y a pas de visage, juste le noir total et complet. »

 

A propos de l’auteur:

Carli Castle (http://www.flickr.com/photos/carlicastle/) est une artiste canadienne qui travaille non loin de Calgary en Alberta. Elle prend part activement à la communauté internationale du verre en assistant aux ateliers de la Pilchuck Glass School (http://www.pilchuck.com/ ) ainsi que du Corning the Museum of Glass (http://www.cmog.org/ ). Depuis son entrée  à l’Alberta College of Art + Design, elle a reçu de nombreux prix et bourses.

Son œuvre traite de thèmes associant les paysages naturels aux formes traditionnelles du verre. Elle crée à l’aide d’images de prédateurs sauvages venant de sa contrée, en décorant la surface du verre avec des gravures qui semblent être martelées à la pierre pour suggérer l’érosion naturelle. Malgré son refus d’admettre une quelconque inspiration de sa province, on retrouve ces mêmes thèmes de manière implicite dans chacune de ses œuvres.

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Thoughts from Sheridan’s Graduating Class of 2013

By Nicole Nasvytis

We asked Sheridan College’s graduating class of 2013, “What do you think will be the hardest or easiest thing about being an emerging artist in today’s society?” The responses give a glimpse into the perceptions that emerging artists have of society, the economy, and the glass art industry.

Linked Lines Paul van den Bijgaart 2012 Photo Credit: Paul van den Bijgaart

Linked Lines – Paul van den Bijgaart, 2012   Photo Credit: Paul van den Bijgaart

Paul van den Bijgaart:

“I think the society we live in is seeing resurgence in the appreciation for handcrafted goods. There are very large DIY movements occurring, and I think they will help people appreciate the handcrafted goods that local craftspeople offer. I also believe that the internet has increased the ease with which we can share information. This will help keep the community interested in local artisans by keeping residents involved with the artists, art projects, and upcoming shows.”

Rust Bowl - Matthew Crosby 2012 - Photo Credit: Matthew Crosby

Rust Bowl – Matthew Crosby – 2012 – Photo Credit: Matthew Crosby

Matthew Crosby:

“I feel one of the hardest things to do as a glass artist is to make a living solely off of the glass industry. For the majority of my life, I will probably work with glass alongside a separate career, but that is okay with me as long as I can work with the material on a regular basis.”

Black and White - Rob Fierz 2012 - Photo Credit: Rob Fierz

Black and White – Rob Fierz 2012 – Photo Credit: Rob Fierz

Rob Fierz:

“I think that one of the easiest things about being an emerging artist in today’s society is the ability to share and learn things on the internet. Today there are many different ways to communicate, such as through webpages, instructional videos, and blogs. Online research can lead to the start of a new body of work and, in turn, can drastically assist with the design process. The internet can also be a valuable tool for networking; at no cost to the artist you can get your name and work out to a world that can view it with just a click.”

Untitled - Kirill Korzinski - 2013 - Photo Credit: Kirill Korzinski

Untitled – Kirill Korzinski – 2013 – Photo Credit: Kirill Korzinski

Kirill Korzinski:

“I think the hardest thing being an emerging artist will be the competition amongst other emerging artists.  These days there are a lot of people involved within the arts and crafts, and this saturation of individuals makes it harder to stand out as unique.

“In my eyes, the easiest thing about being an emerging artist is the availability of services and technology. We can outsource people for a multitude of different processes, and with the aid of technology, our craft practice extends past the initial creation and allows us to work with many more elements to help fine tune our work.”

What is Happiness? - Nicole Nasvytis - 2013 - Photo Credit: Nicole Nasvytis

What is Happiness? – Nicole Nasvytis – 2013
Photo Credit: Nicole Nasvytis

Nicole Nasvytis:

“I think the easiest advantages of being an emerging artist today can also be the hardest difficulties. Social networking is an amazing tool that can lead to viral success, but if you want to really work it you have to ask yourself: do you have the time to figure all the platforms out, the money to take slick photos, and the personality and writing abilities necessary to become an internet icon?  If not, then thankfully the mastery of one social networking platform makes it really easy to form a collective of supportive artists.”

Palm - Roxanne Tochor - 2012 Photo Credit: Roxanne Tochor

Palm – Roxanne Tochor – 2012
Photo Credit: Roxanne Tochor

Roxanne Tochor:

“I think that being an emerging artist is going to be an amazing experience in today’s society. We are living in a world where everything is more accessible to the public. This presents the opportunity to be a local artist while also showing the world what one can accomplish.”

Figure #4 and Figure #5 - Chris Laskey - 2012 - Photo Credit: Chris Laskey

Figure #4 and Figure #5 – Chris Laskey – 2012 – Photo Credit: Chris Laskey

Chris Laskey

Chris Laskey has provided us with a short artist statement in lieu of a response to the posed question, as he was hospitalized for pneumonia and could not be reached. “I marvel at almost everything, like a child that was raised by bears in the woods and is now set free in the city. I have dyslexia, and it has made learning a challenge, but I have used my hard won education to become what I want to be (only a bit slow than everyone else). Becoming a glass artist is what has finally allowed me to have ideas everyday, and then make them into something real.”

Class Photo

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Réflexions des diplômés 2013 de Sheridan

Par Nicole Nasvytis

Voici ce que nous avons demandé à la promotion de 2013 de Sheridan : « A votre avis, quelles sont les principaux avantages et inconvénients lorsque l’on débute une carrière en tant qu’artiste de nos jours? » Les réponses données nous fournissent un aperçu de la vision que les artistes émergents peuvent avoir de la société, de l’économie et de l’industrie de l’art du verre.

Linked Lines Paul van den Bijgaart 2012 Photo Credit: Paul van den Bijgaart

Linked Lines – Paul van den Bijgaart – 2012 – Photo Credit: Paul van den Bijgaart

Paul Van den Bijgaart:

“Je pense que la société dans laquelle nous évoluons vit un retour à la valorisation des objets artisanaux. Des mouvements très larges de bricolage ont vu le jour et je pense qu’ils favoriseront une meilleure appréciation des biens artisanaux et du travail des artisans locaux. Je crois aussi qu’Internet a facilité le partage des informations. Ça aide à maintenir l’intérêt de la communauté pour les artisans locaux en incluant les résidents aux artistes, aux projets artistiques et événements à venir. »

Rust Bowl - Matthew Crosby 2012 - Photo Credit: Matthew Crosby

Rust Bowl – Matthew Crosby
2012 – Photo Credit: Matthew Crosby

Matthew Crosby:

“J’ai l’impression que la plus grande difficulté quand on est artiste verrier est de pouvoir subvenir à ses besoins sans jamais mettre un pied dans l’industrie du verre. Durant la majeure partie de ma vie, je devrais surement travailler le verre tout en menant une carrière parallèle mais cela me convient du moment que je peux pratiquer avec le matériau de façon régulière. »

Black and White - Rob Fierz 2012 - Photo Credit: Rob Fierz

Black and White – Rob Fierz 2012 – Photo Credit: Rob Fierz

Rob Fierz:

“Je pense qu’une des choses les plus simples pour un artiste émergent dans la société actuelle est la facilité à pouvoir partager et apprendre grâce à Internet. Tant de moyens de communication existent aujourd’hui comme les sites internet, les tutorats en vidéo ou les blogs. La recherche en ligne peut vous guider vers une nouvelle œuvre et à son tour vous aider grandement à l’étape du design. Internet peut aussi être un outil très utile pour le réseautage ; vous pouvez sans frais rendre votre nom et votre œuvre visibles au monde entier en un seul clic. »

Untitled - Kirill Korzinski - 2013 - Photo Credit: Kirill Korzinski

Untitled – Kirill Korzinski – 2013 – Photo Credit: Kirill Korzinski

Kirill Korzinski:

“Je pense que le plus dur en tant qu’artiste émergent sera la concurrence entre tous les artistes débutants en même temps. Beaucoup de gens pratiquent de nos jours une forme d’art ou d’artisanat et il est difficile de sortir du lot dans cette saturation d’individus.

A mon sens, l’accès aux services et à la technologie rend les choses plus faciles lorsque l’on démarre sa carrière d’artiste. On peut faire sous-traiter par d’autres une multitude de choses et grâce au coup de pouce de la technologie, notre art dépasse le procédé de création initial car nous pouvons travailler avec plus d’éléments, ce qui nous permet d’affiner notre œuvre. »

What is Happiness? - Nicole Nasvytis - 2013 - Photo Credit: Nicole Nasvytis

What is Happiness? – Nicole Nasvytis – 2013 – Photo Credit: Nicole Nasvytis

Nicole Nasvytis:

“Pour moi les avantages les plus évidents d’être un artiste émergent de nos jours peuvent aussi se transformer en inconvénients majeurs. Le réseautage social est un outil fascinant qui peut nous mener au succès viral, mais si on veut vraiment l’entretenir, il faut se demander : ai-je le temps d’identifier toutes les plateformes différentes, ai-je l’argent pour mettre des photos professionnelles, la personnalité et l’habileté à l’écrit qui sont nécessaires pour devenir une icône du net ? Si ce n’est pas le cas, fort heureusement la maitrise d’une seule plateforme de réseau suffit pour se créer un comité de soutien d’artistes. »

Palm - Roxanne Tochor - 2012 Photo Credit: Roxanne Tochor

Palm – Roxanne Tochor – 2012
Photo Credit: Roxanne Tochor

Roxanne Tochor:

“Etre artiste débutant dans la société actuelle sera une expérience magnifique pour moi je pense. Nous vivons dans un monde où tout est plus accessible au public. Ça permet à la fois d’être un artiste local tout en montrant au monde entier ce dont on est capable. »

Figure #4 and Figure #5 - Chris Laskey - 2012 - Photo Credit: Chris Laskey

Figure #4 and Figure #5 – Chris Laskey – 2012 – Photo Credit: Chris Laskey

Chris Laskey

Chris Laskey nous a fourni une petite liste de diverses démarches artistiques faisant office de réponse à notre question, tandis qu’il était injoignable, alors hospitalisé pour une pneumonie.  « Je m’émerveille devant presque tout, tel un enfant qui aurait été élevé dans la forêt par des ours et qui découvre un jour le monde urbain. Etant dyslexique, j’ai eu beaucoup de mal à apprendre mais j’ai utilisé cet acquis bien mérité pour parvenir à faire ce que je voulais (juste un peu plus lentement que les autres). Devenir artiste verrier m’a permis d’avoir tous les jours des idées et de pouvoir enfin les transformer en quelque chose de véritable. »

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Seeing My New Friends Naked

February 15, 2013

By: Jade Usackas

When I came to Calgary to finish my degree at the Alberta College of Art + Design, I learned pretty quickly that things are a little different here. New people, new studio, new perspectives on the material, there was a lot to take in, especially at the first department meeting.  When the topic of fundraising came up, we all went over the standard fundraising methods: Christmas balls, pumpkins, valentines…until someone mentioned the idea for a nude calendar. It had been done by another department in a previous year and it seemed like a fun and unique way to raise money to support the program. We took a poll of who would be willing to participate… it seemed like we had enough interest…. so we gave it the green light.

I don’t think any of us anticipated the amount of time and planning that a project like this required: finding people who were willing to get naked seemed to be the easiest part of the process. Aside from sorting out the printing, layout, photographer, sponsors etc, we had to figure out what to do with all of these naked bodies, now that we had them. Coming up with creative ways to cover up all of the no-no bits, figuring out whose chest would fill out which blocks … who we could get to stand in front of an open furnace with no more than a smile … it was an interesting way to get to know your peers, to say the least.

A unique demonstration of block usage and technique, photo credit: Yuen-ying Carpenter

A unique demonstration of block usage and technique, photo credit: Yuen-ying Carpenter

Once we had all of the logistics sorted out, we set a date and started to let the reality of what we had signed up for sink in. Needless to say there were mixed feelings in the days leading up to the shoot: Apprehension and excitement, last-minute trips to the gym, talk of starting the day off with a mimosa or three, it was definitely at the forefront of our minds. When the day finally came, the studio was full of ladies doing up their best hair and makeup while the gentlemen patiently waited and played pump-up jams in an effort to gets us all psyched for our big debut.

We started the shoot with our group photo. The idea was to get down to our skivvies and grab whatever hot shop item you thought would give you the best coverage. It was an interesting moment when we all started to get down to our intimates… for some, the clothes came off without hesitation, for others it was more of a slow peel, with reluctant glances at the progress of their peers. Not surprisingly, everyone seemed to find their chosen form of coverage pretty quickly.

An innovative use of paddles and Kevlar, photo credit: Yuen-ying Carpenter

An innovative use of paddles and Kevlar, photo credit: Yuen-ying Carpenter

With our cover shot out of the way it was time to get down to our content photos. We talked each pair or trio through what their pose would look like, made sure the floor beneath their feet would be free of any sharp surprises and politely turned our heads as they disrobed and handed us their undergarments. You might be surprised how quickly you get comfortable with being around naked people or how conversely, after seeing a dozen naked bodies attached to new faces all day there’s still a slight hesitation when it’s your turn to bare all. That being said, after the initial awkwardness wore off, the individual shoots went swimmingly well.  This was largely in part to the good humor, sweetness and professionalism of our photographer Yuen-ying Carpenter who somehow knew all of the tricks keeping things fun and light while masterfully obscuring anything that would require a fig leaf in the Garden of Eden.

Two fine gentlemen preparing to charge the furnace: Yuen-ying Carpenter

Two fine gentlemen preparing to charge the furnace, photo credit: Yuen-ying Carpenter

When all was said and done and it was time to reap the benefits of our labor, the calendar received a warm reception. We’ve had a great response from friends and family, and even a couple of online sales. We’re all still working hard to spread the word and sell as many calendars as possible. All of the money raised through calendar sales goes directing back into the program, allowing us to bring in visiting artists, upgrade and repair equipment, and attend conferences and workshops giving our students valuable opportunities to learn and grow that would otherwise not be possible.

If you’re interested in purchasing a calendar of you own it’s not too late! You can follow us on our Facebook page http://www.facebook.com/AcadGlassCalendar and buy calendars online from our Etsy shop http://www.etsy.com/shop/ACADGlassCalendar .

Group photo of the hottest studio at ACAD, photo credit: Yuen-ying Carpenter

Group photo of the hottest studio at ACAD, photo credit: Yuen-ying Carpenter

Jade Usackas was born in Orillia, Ontario. Her work — which focuses on kiln casting, blown work, and mixed media — is functional and sculptural while exploring issues of nostalgia and social relationships. After completing glass programs at Sir Sandford Fleming College and Sheridan College, she is now working towards her degree at the Alberta College of Art + Design.

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Con“grad”ulations!

June 15, 2012

By: Jamie Gray, president of GAAC

June, 2012

This issue of Contemporary Canadian Glass is dedicated to the topic of education.  So, I thought I’d speak directly to that and send a big shout-out to this year’s graduates of our Canadian glass schools:  Espace VERRE in Montreal, Sheridan College in Oakville, and the Alberta College of Art + Design in Calgary.  Con“grad”ulations, you guys!  You did it.  You made it.  All the late night cramming for exams, panicky project catch-ups, and gruelling critiques are over.  Now comes the tricky part:  becoming who you’ve been practicing to be.  And we’re here to help.

Our glass community is pretty well connected and highly supportive.  The Glass Art Association of Canada provides all new grads with a gift of a free year’s membership and eight images for an individual artist profile on the GAAC website.  We hope that you’ll stay in touch with us as you take these next most important steps in your career.  Send us photos of your new work, articles about your journey, links to your blogs.  We’re interested and we care.

Congratulations must be also be extended to the instructors of our schools.  You taught well and raised up some great up-and-comers; glass artists whom we’ll be watching with interest.

Have a great summer, everyone, full of well-deserved rest!

 

Félicitations!

Par : Jamie Gray, présidente de la GAAC

Juin 2012

Ce numéro du Contemporary Canadian Glass (Verre Contemporain Canadien) est dédié au thème de l’éducation. Alors, je me suis dit que j’interviendrais directement sur ce sujet et j’en profite pour féliciter les diplômés de cette année des écoles canadiennes  du verre d’art; Espace VERRE à Montréal, Sheridan College à Oakville, Ontario et  Alberta College of Arts and Design à Calgary. Bravo à vous tous! Vous avez réussi. Vous l’avez fait. Toutes ces longues nuits à réviser pour les examens, les rattrapages de projets en panique et les critiques assommantes, tout cela est  révolu. Vient à présent la partie la plus délicate : devenir ce que vous avez appris à devenir. Et nous sommes là pour vous y aider.

Le très bon réseau de notre communauté est d’un grand soutien. L’Association du verre d’art du Canada  fournit à tous les nouveaux diplômés un abonnement de membre pour une année et la possibilité de mettre jusqu’à huit images gratuitement avec leur profil individuel d’artiste sur le site internet de la GAAC. Nous espérons que vous resterez en contact durant ces prochaines étapes très importantes de votre carrière. Envoyez-nous des photos de vos œuvres, des articles sur votre parcours, des liens pour vos blogs. Cela nous intéresse vraiment

Il faut aussi transmettre nos félicitations aux enseignants dans les trois écoles. Vous avez bien enseigné et suscité de grands espoirs pour l’avenir de ces artistes du verre que nous surveillerons avec intérêt.

Bon été à tout le monde, qu’il soit le temps d’un repos bien mérité!

 

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Jay Macdonell Visits Sheridan College

By: Jade Usackas

Sheridan College offers us many experiences to meet and work with members of glass community. Having Jay Mcdonell as a visiting artist was a particularly exciting and valuable opportunity for us all. Not only did it encourage student from all three years to participate, but many graduates and past faculty were also involved. It was an event that really brought people together.

Jay Macdonell with students, faculty and graduates of the Sheridan glass program. Photo credit: Owen Colborne

Laying his foundation with glass in a production-style setting and later developing his own body of work, Jay has a unique skill set. He has been working with glass for the past 20 years and in that time he has accomplished many things. He has experience teaching at several notable glass establishments; Pilchuck, Espace VERRE, Pittsburgh Glass Centre, and more. Additionally, he has worked as a project manager, design consultant and gaffer for numerous artists, designers and architects. He is a talented and noteworthy member of the glass community with the added plus of being a really down to earth and approachable guy.

Jay was kind enough to do two demos during his visit. I was particularly excited to have him gaff a piece I had been trying to figure out all semester. It was impressive to see how Jay’s years of experience enabled him to quickly and confidently devise a plan of action.

Jay Macdonell shaping glass before final post-gather Photo credit: Benjamin Kikkert

Jay also made one of his ‘signature’ pieces. As these pieces are so unique, they are made in three separate and hollow parts. The base, the thick centre bead designed for stability and the flowing and organic top. The process involved three teams and the help of the majority of the people present. As the piece started to come together, the tense excitement that comes with working in the hot shop started to mount. Connecting the top of the piece to the centre bead made an already hefty piece into one that maxed out our glory hole at more than a metre in length. Maintaining consistent heat required using three torches and fluid communication. When it came time to knock off, Jay informed us that these tall and seemingly delicate pieces are best caught carried by their centre. A nerve-racking task I’m glad I didn’t have to take on.

Sally McCubbin and Aaron Oussoren assisting Jay, surrounded Sheridan alumni, Photo credit: Benjamin Kikkert

The piece went away safely, followed by applause and high-fives. It was an amazing experience that is unique to the glass blowing world. Observing and assisting Jay gave everyone a great chance to make a piece with someone who has been working with large teams for years. It was also a treat to work with someone who can articulate their process and instruct – not only with enthusiasm, but also sound effects, a method I’m particularly fond of.

Being a student in my graduating year of a glass program, having the chance to meet and work with someone like Jay was really inspiring. At the risk of gushing like a schoolgirl, Jay is someone that any emerging artist can look up to. He is an active member of the glass community, an easy-going and informative instructor and a skilled artist who has carved an admirable niche. All in all, it was a really great day, and everyone involved had a blast.

Jay Macdonell Photo credit: Benjamin Kikkert

Jade Usackas is a recent graduate of Sheridan College’s glass program. She is attending the Alberta College of Art + Design in the fall.

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Sheridan Graduates of 2012

Sheridan Graduates of 2012

By: Kurt Fisher

It was a big year for the 2012 Sheridan College glass graduates. Not only did we start the year with a new furnace, but we were also tasked, along with our peers in first- and second-year, to design and construct a massive installation at Sheridan’s new Hazel McCallion Campus in Mississauga.

It was only a matter of days into school when we began cutting and etching thousands of borosilicate glass tubes. The job seemed never ending, but late in November we began to see the light at the end of the tunnel. Over the course of three days, working night and day, we managed to get it hung. On November 30, 2011, Sheridan opened its new campus with a gala event at which we finally laid eyes on what we had been working so hard to complete. It was an amazing sight, 2,000 glass tubes suspended in the air seemingly weightless and filled with a subtle glow of colour. We were all very proud; it made all the hard work, late nights, and late assignments worthwhile. It was a great opportunity. Thanks, Sheridan.

This year we had a number of talented artists visit, the first of which was Joseph Cavalieri, who travelled from New York to teach us how to work with glass enamels. Over the course of a few days, Joseph held a workshop and taught us to cut sheet glass, paint with enamels, fire, and assemble our work. It was a great workshop that ended with Joseph giving us a lecture on his history in the medium and his current body of work.

Next, Tara Marsh and David Thai gave an excellent demonstration in the hot shop, where they hot-sculpted large blown fish, onto which they hot-assembled blown cups, platters and feet. It was a good demo that inadvertently taught us how to take advantage and work seamlessly with our partner.

Other notable guests included: Jin Won Han (flameworking), and Mark Raynes Roberts (engraving), and Jay Macdonell, who stopped in on his way home from Boston. [Editor’s note: Read Jade Usackas’ article in this issue of Contemporary Canadian Glass magazine for more details about Jay’s visit to Sheridan.]

Late in second semester, we were involved in the planning and execution of two gallery shows, the first “Here and There” was held at two side-by-side locations: the Ontario Crafts Council and Propeller in Toronto, Ontario. The show included all graduates from the Craft and Design Program (glass, ceramics, textiles, furniture). The second show was titled “Tempered” and was held at Studio Huddle on the edge of Liberty Village in Toronto.

The time we spent at Sheridan seemed to pass in the blink of an eye. Three years gone and we couldn’t have asked for more. With all of the hard work and long hours we put in, it’s hard to imagine a life less busy, a life without our peers at our side and the creative environment grooming us for the journey ahead. We learned a lot and had a lot of fun while doing it. I can speak for my classmates when I say thanks; it’s been blast!

An overview of 2012 Sheridan graduates:

Sheridan Graduates 2012.jpeg Jade Usackas / Cursive C in Cameo / Blown and Sand Carved Glassblowing / 20cm x 20cm x 35cm / 2012 / Photo credit: Jade Usackas

Jade Usackas was born in Orillia, Ontario. She is a conceptual artist and maker whose work is both functional and sculptural and explores issues of nostalgia and social relationships. Growing up in two different homes made her aware of contextual contrasts and their meanings. This guiding inspiration for her work expresses her sensitivity to disparate experiences. Jade’s process arises from interrogations of her lived experience. From there, she begins to conceptualize and eventually forms a methodology for fabricating a finished object.

The objects Jade makes are often a commentary on nostalgia and social relationships. In doing so, she tries to instil a sense of irreverence and satire into each series. When she began working with glass, she found that she was able to translate her ideas into tangible objects in a way that she couldn’t with other traditional media. The medium allows her to use her work as a platform for expression and questioning through narrative. The anecdotal quality of many of Jade’s pieces arises from personal histories.

“I think that personal investigation and reflection is an important tool for relating to the world and living in it,” she says. Jade’s work, therefore, often involves imagery and symbols relating to people, things or ideas that she value’s. Its her hope that those who experience her work will gain the opportunity for their own introspection, questioning and discussion.

Sheridan Graduates 2012.jpeg Megan Smith / Between Two Cities / Fused and Etched Sheet Glass / 182cm x 121cm / 2012 / Photo credit: Megan Smith

Megan Smith was born and raised in Seattle, Washington. She began working with glass by enrolling in workshops and taking courses at Pilchuck. In 2009, Megan decided she was ready to immerse herself fully in an artistic exploration of glass and enrolled in the three-year glass program at Sheridan.

Megan is drawn to the detail and emotion of imagery, but more specifically, she’s interested in highlighting the correlation between the fragility of glass and the impermanence of a photograph. While attending Sheridan, she was recognized with The Pottery Supply House Award, the Silent Night Award and a residency at Harbourfront Centre; as well as participated in numerous exhibitions and charity donations. She will be a teaching assistant for the upcoming year.

Sheridan Graduates 2012.jpeg Alex Wilson / Circular Duo / Blown and Sand Carved Glass / 25cm x 10cm / 2012 / Photo credit: Alex Wilson

Alex Wilson is from Brampton, Ontario. She is a mixed media artist working primarily with glass, pen, and ink. Alex spends a lot of time drawing and playing with materials to create free-standing sculpture and wall pieces, gaining inspiration from everywhere she goes and every person she interacts with.

Alex has assisted residents at the Living Arts Centre in Mississauga, Ontario and has been commissioned for works by Ana Teran Interiors in Toronto. She has a strong interest in pattern and design from oriental/tribal cultures, pop art, psychedelic imagery, line drawings, optical illusions and is somewhat obsessed with negative space. Her work shows interest in line, space and movement, with a particular focus on small detail within larger aesthetic. Glass is something that lets Alex live in the moment, 100 per cent focused on just one thing instead of the world around her. “It is both soothing and exhilarating to be in control of such a demanding yet rewarding material,” she says.

Sheridan Graduates 2012.jpeg Kurt Fisher / Sitting Table / Steel, Cast Glass / 155cm x 48cm x 33cm / 2012 / Photo credit: Kurt Fisher

Kurt Fisher is a glass artist and designer from London, Ontario. He was introduced to the world of glass after attending a stained glass workshop in 2000. He became interested in the medium, and the hands-on aspect of the craft. After re-enrolling several times in the workshop, he sought out other classes and workshops, which led him to warm glass and eventually to flameworking.

Kurt apprenticed under flameworking artist Dave Eakins in 2001. Since then, Kurt has owned and operated two flameworking studios and managed the Canadian branch production facility of American-based P&M Twisted Inc. Kurt’s desire to learn led him to enrol in the Sheridan College glass program where he further developed a personnel aesthetic and broadened his technical abilities, with a primary focus on functional design. He has also participated in numerous shows and exhibitions, including: Controlled Burn, at the Ontario Crafts Council Gallery; Tempered at Studio Huddle; and was featured at the 2012 Toronto Interior Design Show.

As a maker, Kurt looks for inspiration in everything he sees – from the harsh line and muted colour of urban centres to the soft flowing line and rich colour found in nature. Subtle undulations, deep pitting, and heavy texture play an important role in his work. “Texture draws the eye in and tempts the viewer. It can tell a story of drama or love, and act as a reminder of a time long past. Those are the reasons I’m drawn to texture and take inspiration from it,” says Kurt.

Sheridan Graduates 2012.jpeg Rob Fierz / Untitled / Hot Sculpted hard and soft glass / 35cm x 8cm / 2012 / Photo credit: Rob Fierz

Rob Fierz is from Vancouver, British Columbia, and now calls Hamilton, Ontario home. He has always had a passion for the arts, and is continually inspired from the natural world around him.

Upon moving to Ontario, Rob found his way to Sheridan College where he discovered the glass program, first enrolling in the continuing education program for flameworking. Rob soon after decided to pursue glass further and enrolled in the full-time program.

Rob works primarily with solid glass, finding that the calming stability speaks to him most and alloww him to focus on smaller details. Currently, his main interest is working with paperweights mimicking natural forms he’s always found interesting.  Rob’s work involves delicate inclusions, mainly in a floral form. He creates organic forms that will never change colour, decay, or die. He is compelled to create a world that fits in your hands. “I enjoy using different optic effects to my advantage, such as windows and lenses to direct the eye into the work, getting up close and personal allowing connections to transpire,” he says.

Sheridan Graduates 2012.jpeg AN / War Games / Kiln Cast Crystal / 5cm x 3cm x 1.5cm each / 2012 / Photo credit: AN

AN has been involved in the arts since a young age. A native of Montreal, she grew up in Toronto. In 2008, she graduated from the glassblowing program at Fleming College, followed by a summer residency at Artech Studios; she later worked for a number of Canadian glass artists, and in 2009 returned to Fleming College as a Teacher’s Assistant.  In the fall of that year, she began her studies in glass at Sheridan College, where she was honoured with multiple awards in recognition of her accomplishments, including a residency at Harbourfront Center.

She makes work that is sculptural, functional; she has experimented with installation work, something that she will continue to explore further. Her primary focus is glassblowing and kiln casting. AN makes work based on themes of childhood and the loss of innocence, and she is also very interested in how people are defined, and how they define themselves. In some of her work, she uses archetypal and iconic imagery, whether she is sculpting highly detailed objects and animals for castings or images that are applied through various techniques to her blown work. Driven to inspire and engage, AN strives to make thoughtful work that focuses on innovation and material quality.

 

Kurt Fisher is a recent graduate of Sheridan College. Read more about him, above, in this article.

 

Diplômés 2012 de Sheridan College

Par : Kurt Fisher

Grosse année pour les diplômés en verre 2012 du Sheridan College. Non seulement nous avons commencé fort l’année avec un nouveau four, mais en plus, nous avons été réquisitionnés avec nos camarades de 1ere et de 2ème année pour  concevoir et réaliser une énorme installation pour le nouveau campus Hazel MacCallion de Sheridan dans le Mississauga.

A peine rentrés que nous étions déjà en train de découper et de graver des tubes de verre de borosilicate par milliers. La tâche paraissait sans fin, mais fin novembre nous avons commencé à entrevoir la lumière au bout du tunnel. Après trois jours à travailler nuit et jour, nous avons réussi à suspendre l’installation. Le 30 novembre 2011, le collège Sheridan inaugura son nouveau campus avec un gala d’ouverture au cours duquel on put enfin contempler ce pourquoi nous avions travaillé si dur pour être dans les temps. C’était fabuleux à voir, 2000 tubes de verre aux airs aériens suspendus dans le vide et dégageant un subtil halo de couleur. Nous étions tous très fiers; tout ce travail, ces longues soirées et ces devoirs rendus en retard en valaient la peine. C’était une occasion géniale. Merci, Sheridan.

Durant cette année, nombre d’artistes talentueux sont venus nous rendre visite. Le premier étant Joseph Cavalieri, venu de New York pour nous enseigner l’art des émaux. Pendant plusieurs jours, Joseph a tenu un atelier et nous a appris à couper le verre, peindre avec des émaux, chauffer et assembler nos pièces. C’était un atelier super qui s’est achevé avec un cours de Joseph nous parlant de son histoire avec ce matériau et de son œuvre globale.

Ensuite, Tara Marsh et David Thai nous ont fait une excellente démonstration dans l’atelier de soufflage, où ils ont sculpté à chaud un grand poisson soufflé auquel ils ont ajouté tasses soufflées, plateaux et pieds. Cette démonstration remarquable nous a permis de comprendre l’intérêt de parvenir à travailler de façon harmonieuse avec son partenaire.

Les autres invités notoires furent Jin Won Han (travail au chalumeau), Mark Raynes Roberts (gravure), et Jay Macdonell qui fit un détour en revenant de Boston (note de l’éditeur : lire l’article de Jade Usackas dans ce numéro de Contemporary Canadian Glass pour en savoir d’avantage sur la visite de Jay à Sheridan).

Un peu plus tard au cours du 2ème semestre, nous avons participé à la planification et à l’organisation de deux expositions dans des galeries d’art. La première « Here and There » (Ici et là) prit place dans deux bâtiments voisins : le Centre d’artisanat de l’Ontario et Propeller à Toronto en Ontario. Tous les diplômés du Programme des métiers d’art et de Design (verre, céramique, textiles, meubles) y exposaient. La seconde s’intitulait « Tempered » et a eu lieu à L’atelier Huddle, près de Liberty Village à Toronto.

Nous n’avons pas vu le temps passer à Sheridan. Trois années sur place et on en redemanderait encore. Vu tous les efforts et le temps qu’on y a mis, difficile de s’imaginer une vie moins animée, une vie sans nos pairs autour de nous et sans cet environnement créatif qui nous a préparé à la suite. Nous avons beaucoup appris et nous y avons pris du plaisir. Au nom de mes camarades et de moi-même, je peux dire « merci, ça a été du tonnerre » !

Présentation des diplômés 2012 de Sheridan :

Jade Usackas / Cursive C in Cameo / Verre soufflé et gravé au jet de sable / 20 cm x 20 cm x 35 cm / 2012 / Crédit photo : Jade Usackas

Jade Usackas est née à Orillia en Ontario. Artiste et créatrice conceptuelle, elle explore les problématiques de la nostalgie et des relations sociales avec des œuvres à la fois fonctionnelles et sculpturales. Le fait de grandir dans deux endroits différents l’a rendue plus sensible aux contrastes contextuels et à leur signification. Cette inspiration exprime au travers de son travail son ouverture à des vies disparates. Le raisonnement de Jade provient de ses interrogations sur son vécu. Elle les conceptualise ensuite et parvient à trouver un procédé pour obtenir un objet fini.

Les objets réalisés par Jade sont souvent le fruit d’une réflexion sur la nostalgie et les relations sociales. Ce faisant, elle tente d’inculquer une notion d’irrévérence et de satire dans chaque série d’œuvres. Lorsqu’elle a commencé à travailler le verre, elle a découvert qu’elle était capable de traduire ses idées en objets tangibles, ce qui lui semblait impossible avec d’autres techniques traditionnelles. Le matériau lui permet d’utiliser son travail comme support pour s’exprimer et poser des questions à travers un récit. La qualité anecdotique de beaucoup de ses œuvres est issue d’histoires personnelles.

« Je pense que la réflexion et la recherche de soi sont des approches importantes pour établir un rapport avec le monde et y vivre », dit-elle. C’est pourquoi le travail de Jade implique souvent images et symboles en rapport aux personnes, aux choses ou aux idées qu’elle valorise. Elle espère que ceux qui verront son travail sauront saisir l’occasion pour réaliser leur propre introspection, leur questionnement et leur autocritique.

Megan Smith / Entre deux villes / Gravure et thermoformage sur plaque de verre / 182 cm x 121 cm / 2012 / Crédit photo : Megan Smith

Megan Smith est née et a grandi à Seattle, Washington. Elle débuta dans le verre grâce à des ateliers ainsi que des cours à Pilchuck. En 2009, Megan décida de s’immerger complètement dans l’exploration artistique du verre et s’engagea dans un programme de 3 ans à Sheridan.

Attirée par le détail et l’émotion suscitée par l’imagerie, Megan s’intéresse plus spécifiquement à la mise en valeur de la corrélation entre la fragilité du verre et le caractère éphémère d’une photographie. Durant son parcours à Sheridan, elle a reçu le prix de The Pottery Supply House, le prix de Silent Night et une formation au  Centre Harbourfront . Elle a aussi participé activement à de nombreuses expositions et œuvres de charité. Elle sera assistante d’un professeur durant l’année à venir.

Alex Wilson / Duo circulaire / Verre soufflé et gravé au jet de sable / 25 cm x 10 cm / 2012 / Crédit photo : Alex Wilson

Alex Wilson est originaire de Brampton en Ontario. Elle utilise divers matériaux pour ses œuvres, dont principalement le verre, le crayon et l’encre. Alex passe beaucoup de temps à dessiner et à jouer avec les matériaux pour créer des sculptures sur pied et des œuvres murales. Elle puise son inspiration partout où elle se rend et en chaque personne avec qui elle échange.

Alex a assisté des artistes en résidence du Centre des Arts Vivants à Mississauga en Ontario et a été mandatée pour des œuvres d’Ana Teran Interiors à Toronto. Elle éprouve un vif intérêt pour les motifs et le design des cultures orientales/tribales, le pop art, l’imagerie psychédélique, les dessins au trait, les illusions d’optique et elle est quelque peu obsédée par l’espace négatif. Son travail démontre un intérêt pour les lignes, l’espace et le mouvement, avec un attrait particulier pour les petits détails au sein d’une esthétique plus grande. Le verre lui permet de vivre au moment présent, 100 % concentrée sur un seul point en faisant abstraction du monde qui l’entoure. « C’est à la fois apaisant et euphorisant d’arriver à maîtriser un matériau si exigeant et si gratifiant en même temps » dit-elle.

 

Kurt Fisher / Table assise/ Acier et pâte de verre / 155 cm x 48 cm x 33 cm / 2012 / Crédit photo : Kurt Fisher

Kurt Fisher est un artiste et designer verrier qui nous vient de London en Ontario. Après avoir assisté à un atelier sur les vitraux en 2000, il s’intéressa de plus près au verre et à l’aspect « main à la pâte » de cet art. Il se réinscrivit plusieurs fois à l’atelier, puis rechercha d’autres cours et ateliers, ce qui l’amena au travail du verre à chaud, et pour finir au chalumeau.

Kurt fut apprenti au chalumeau aux côtés de l’artiste Dave Eakins en 2001. Depuis, il a acquis et dirigé deux ateliers de chalumeau, et a de même géré la branche de production canadienne de l’entreprise américaine P&M Twisted Inc. Sa soif d’apprendre l’a poussé à intégrer le programme verre du Collège Sheridan, où il a pu développer une esthétique personnelle et élargir son champ de capacités techniques, mettant l’accent sur le design fonctionnel. Il a aussi participé à de nombreux salons et expositions, dont « Controlled Burn » à la Galerie du Centre de l’artisanat d’Ontario; « Tempered » à l’atelier Huddle; et a été représenté au Salon du Design Intérieur de Toronto 2012.

En tant que concepteur, Kurt puise son inspiration dans tout ce qu’il voit, des lignes abruptes et des couleurs passées des centres villes aux lignes douces et ondulantes et aux couleurs vives qu’on retrouve dans la nature. Les ondulations subtiles, mêlées à de fortes rugosités et une texture riche jouent un rôle important dans son travail. « La texture attire l’œil et tente l’observateur. Il peut s’agir d’amour ou de tragédie et faire revenir les souvenirs d’un passé lointain. C’est pour cela que je suis attiré par la texture et que je m’en inspire », dit Kurt.

Rob Fierz / Sans titre / Verre sculpté à chaud / 35 cm x 8 cm / 2012 / Crédit photo : Rob Fierz

Rob Fierz est originaire de Vancouver en Colombie Britannique et se considère maintenant chez lui à Hamilton en Ontario. Il a toujours été passionné d’arts et s’inspire continuellement du monde naturel autour de lui. Dès son arrivée en Ontario, Rob a découvert le Collège Sheridan et son programme sur le verre. Il s’est inscrit en premier lieu à la formation continue pour travailler le chalumeau, puis a décidé peu de temps après d’approfondir le verre en intégrant le programme à plein temps.

Rob travaille principalement avec du verre solide, trouvant que le calme stable lui parle mieux et lui permet de se concentrer sur des détails plus précis. Présentement, il s’intéresse tout particulièrement à la réalisation de presse-papiers imitant des formes naturelles. Le travail de Rob implique des inclusions délicates, principalement de type florales. Il crée des formes organiques qui ne changeront jamais de couleur, ni ne se décomposeront pas, ni ne mourront. Il aspire à créer un monde qui tienne dans vos mains. « J’aime mettre en avant différents effets d’optique tels que des fenêtres ou des loupes pour arriver à attirer le regard sur l’œuvre, s’approcher au plus près et se laisser emporter » dit-il.

AN / Jeux de guerre / Pâte de cristal / 5 cm x 3 cm x 1.5 cm chacun / 2012 / Crédit photo : AN

AN s’est intéressée aux arts depuis toute jeune. Née à Montréal, elle a grandi à Toronto. En 2008, est obtient son diplôme de verre soufflé du Collège Fleming, suivi d’un séminaire aux ateliers Artech; elle a travaillé par la suite pour plusieurs artistes verriers canadiens et est retournée au Collège Fleming en 2009 pour assister un professeur, où elle fut récompensée par plusieurs prix, dont un séminaire au Centre Harbourfront, en reconnaissance de ses performances.

Créatrice d’œuvres sculpturales et fonctionnelles, elle a découvert dans l’art des installations quelque chose qu’elle souhaiterait continuer approfondir. Ses centres d’intérêts principaux sont le soufflage et la pâte de verre. AN crée des œuvres basées sur les thèmes de son enfance et de la perte de l’innocence. Elle s’intéresse aussi beaucoup à la description des personnes et à la façon dont elles se décrivent elles-mêmes. Dans certaines de ses œuvres, elle utilise l’imagerie des archétypes et iconique, que ce soit en sculptant des objets ou des animaux très précis pour faire des moules ou en appliquant des images à son soufflage grâce à diverses techniques. Déterminée à inspirer et à susciter, AN s’efforce de faire des œuvres réfléchies, axées sur l’innovation et la qualité du matériau.

Kurt Fisher vient d’obtenir son diplôme au Collège Sheridan. Découvrez-en plus sur lui dans cet article.

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L’accomplissement des finissants d’Espace VERRE 2012

Par: Nellie Demers

Depuis vingt-trois ans, Espace VERRE, en collaboration avec le cégep du Vieux Montréal, offre une formation collégiale afin de développer les arts verriers du Québec. Grâce à l’encadrement et au dévouement d’artistes verriers professionnels réputés, les étudiants bénéficient d’un environnement propice à l’apprentissage des diverses techniques en verre. Espace VERRE est reconnue pour le génie et l’imagination de sa relève, mais aussi pour son esprit de camaraderie qui y règne. Entre les fous rires, les découragements et les réussites, toutes les gammes d’émotions sont vécues par les étudiants qui séjournent dans les locaux de l’ancienne caserne 21.

06 Les finissants : (de gauche à droite) 1ère rangée : Catherine Houde, Mélissa Jeanson, Jonathan Mélançon, Ashley Ouimet, Karelle Brunet, Mélodie Dulck. / 2e rangée : Caroline Couture, Ito Laïla Le François, Chloé Charette, Jessyca Plante, Lisanne Lachance. / Crédits : Espace VERRE.

Cette année, les onze finissants de la 21e cohorte d’Espace VERRE présentent leurs pièces uniques dans le cadre de l’exposition Pulsion. De par son titre, l’exposition Pulsion évoque ce qui a poussé les diplômés à créer des pièces en verre, soit une excitation d’origine interne qui, transformée en énergie créatrice, se métamorphose en travail de la forme, en œuvre d’art. Voici un résumé des inspirations de chaque étudiant :

Façonner le verre, le graver, le souffler : Caroline Couture croit que toutes ces techniques sont bonnes pour transmettre ce qui la touche. Passionnée par ce médium, mais attristée de l’empreinte écologique qu’il laisse, elle s’efforce de trouver un compromis entre l’expression personnelle et l’adoption de méthodes de travail éthiques, entre autre par le recyclage de verre industriel.

Le verre, la nature et la vie sont intimement liés dans la tête de Jessyca Plante. Elle adore le verre pour sa luminosité et sa complexité. Son travail parle de la nativité, de la naissance de quelque chose d’improbable. Inspirée par la nature qui l’émerveille lorsqu’elle s’épanouit, elle crée des éléments miniatures en verre liés les uns aux autres.

Caroline Couture, La champignonnière, 241 x 238 x 622 cm./Crédits : Michel Dubreuil. Jessyca Plante, Vie Germée, 2012, 75 x 15 x 10 cm. /Crédits : Michel Dubreuil.

À la fois sculpteure et verrier, Ito Laïla Le François combine ces pratiques pour créer des sculptures anatomiques de grandeur réelle et se questionne sur la beauté et l’absurdité humaine. Composées de multiples matériaux dont le verre, le bouleau, le pin, la broche et la fourrure, ses œuvres semblent sortir d’un songe duquel émane une poésie et un questionnement sur la beauté ainsi que l’absurdité humaine.

La métamorphose et l’évolution s’insèrent au cœur de la démarche artistique d’Ashley Ouimet. Ses œuvres en pâte de verre attestent du changement constant des existences : de la vie à la mort, en passant par la renaissance ou la transformation. Ouimet s’immobilise devant l’éphémère et reconnaît que tout est un éternel recommencement.

Ito Laïla Lefrançois, Elle s’est fait décarcasser en sortant du ventre de sa mère, 2012, 182 x 106 x 106 cm. /Crédits : Michel Dubreuil. Ashley Ouimet, Nothing Lasts Forever, 2011, 81 x 40 x 45 cm. /Crédits : Michel Dubreuil.

Afin de réconcilier l’enfant et l’adulte qui sommeillent en elle, Chloé Charette conçoit des poupées en pâte de verre et en cire perdue. Sorties des contes et légendes, des mythes et autres histoires,  ses œuvres abordent le temps et les cycles qui l’accompagne, mais aussi de la relation entre ces différents stades du corps et de l’esprit : de l’enfance à la vieillesse, de la vie à la mort, du rêve à la réalité.

Inspirée par l’eau, l’air, le feu et la terre, Karelle Brunet réunit ces éléments pour répondre à ses interrogations sur la métaphysique. Plusieurs de ces pièces s’intéressent au langage sensible des mains. D’ailleurs, elle privilégie l’utilisation de la pâte de verre puisque cette technique répond à son besoin de toucher à la matière pour prendre forme et donner naissance à des œuvres d’art à l’esthétique fragile et contemporaine.

Chloé Charrette, Gaïa, 2012, 30 x 15 x 15 cm. /Crédits : Michel Dubreuil. Karelle Brunet, Accepter avec les quatre éléments - Eau ou accepter la perte de contrôle, 2012, 25 x 22 x 25 cm. /Crédits : Michel Dubreuil

À chacun sa chacune, tel est l’objectif des pièces de verroterie de Jonathan Mélançon. Amoureux de l’orge et du houblon, il conçoit des verres au design épuré pouvant convenir à un large éventail de types de bières. Maniant le verre avec dextérité et précision, chaque pièce est soufflée dans le but de correspondre à une catégorie de boisson fermentée.

Caractérisées par des couleurs saturées, les œuvres de Catherine Houde sont empreintes de pureté et de gaieté. Une récurrence de courbes, de sillons et de lignes sinueuses crée une union entre ses pièces en pâte de verre qui évoluent au gré de ses humeurs. Ses souvenirs d’enfance passés sur les berges du fleuve Saint-Laurent ont laissé des traces d’éléments aquatiques sur ses œuvres, telles que des algues, des coraux et des épaves.

Jonathan Melançon, Prendre un verre, 2012, de 16,8 x 11,3 x 12cm à 26,3 x 6,5 x 8cm. /Crédits : Michel Dubreuil. Catherine Houde, Passions échouées, 2012, 30 x 30 x 20 cm. /Crédits : Michel Dubreuil.

Tout autant passionnée par le travail des métaux précieux et du verre, Mélissa Jeanson prend plaisir à combiner ces matières pour créer des bijoux ainsi que des pièces sculpturales. Lorsqu’elle conçoit ses projets, elle se laisse d’abord guider par le verre et tire profit de la malléabilité des métaux pour donner leur aspect final. Bien qu’inspirée par la nature humaine, c’est aussi à travers les thèmes du ciel et de la mer que ses œuvres prennent vie.

Dissimulant le verre sous des croûtes, de la fourrure, de la rouille, Mélodie Dulck nous entraîne dans son univers où règne la déception, la peur et le malaise. Ses sculptures nous racontent ses hantises et ses obsessions. Fabriquant des corps parfaits pour ensuite les châtier, les amputer et les dénaturer, elle se cache derrière ces corps de verre afin que nous ressentions pour un court instant la noirceur qui l’habite.

Mariant le cristal et l’étain, les pièces moulées de Lisanne Lachance révèlent des corps féminins où l’objet de désir, voire corrupteur, est exhibé sans inhibition ou caché jalousement. Représentant le cycle, le recommencement, le pouvoir et le devoir créateur des femmes, les incrustations de cristal symbolisent aussi la fragilité, la dualité de l’identité féminine et l’évolution dont elle a fait l’objet durant le siècle dernier. Ces pièces sont un hommage au souvenir du travail d’émancipation féminine.

Mélissa Jeanson, Complexité - Précieuse humanité, 2012, 19 x 23 x 11.5 cm. /Crédits : Michel Dubreuil. Mélodie Dulck, La première des Androgynes, 2012, 35 x 13 x 10 cm. /Crédits : Michel Dubreuil. Lisanne Lachance, Perplexe, 2012, 16 x 18 x 15 cm. /Crédits : Michel Dubreuil.

Pareillement aux années antérieures, les diplômés de la 21e cohorte ont fait preuve d’audace et de créativité pour révéler le talent qu’ils recèlent. Qu’il soit soufflé, gravé, formé ou peint, les nouveaux diplômés révèlent la beauté du verre en concevant et en réalisant des œuvres uniques ou de petite série. François Houdé et Ronald Labelle, fondateurs d’Espace VERRE, peuvent être fiers de leur initiative.

Plusieurs diplômés ont déposé leur candidature pour l’atelier de transition Fusion, la bourse de la Caisse de la culture Desjardins et la bourse Houdé-Mendel. Peu importe les prix qu’ils recevront et l’avenue qu’ils emprunteront, les diplômés sont voués à un brillant avenir dans le domaine du verre.

 

Nellis Demers, responsable des communications et du marketing chez Espace VERRE.

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The accomplishments of Espace VERRE graduates of 2012

By : Nellie Demers

For 23 years, Espace VERRE has collaborated with the CEGEP du Vieux Montréal, to offer a college-level program, advancing the glass arts of Quebec. Thanks to the guidance and devotion of established glass artists, students have benefitted from a dynamic environment in which they learn glass techniques. Espace VERRE is known for the ingenuity and imagination of its emerging glass artists, as well as its tight knit community. It is a place where laughter, tears, successes and all the other emotions are shared within the four walls of the old fire station number 21.

Les finissants : (left to right) 1ère rangée : Catherine Houde, Mélissa Jeanson, Jonathan Mélançon, Ashley Ouimet, Karelle Brunet, Mélodie Dulck. / 2e rangée : Caroline Couture, Ito Laïla Le François, Chloé Charette, Jessyca Plante, Lisanne Lachance / Photo credit: Espace VERRE.

Espace VERRE’s 21st cohort of 11 graduates will present their works during the Pulsion (Impulse) exhibition; where they will evoke diverse internal excitations that were transformed into creative energy, formally metamorphosed into glass art pieces. Here are the descriptions of their individual impulses:

Whether sculpting, engraving or blowing glass, Caroline Couture believes that all glass techniques are equally pertinent to transmit her feelings. Passionate about the material, she is nonetheless saddened by its ecological impact, which forces her to find a compromise between self-expression and proper work ethics, particularly by recycling industrial glass.

Glass, nature and life are infinitely linked in Jessyca Plante’s mind. She loves working with glass for its luminescence and complexity. Her work is about nativity, stemming from the birth of something improbable. Inspired and awestruck by nature, she creates miniature interlinked glass elements.

Caroline Couture, La champignonnière, 241 x 238 x 622 cm / Photo credit: Michel Dubreuil. Jessyca Plante, Vie Germée, 2012, 75 x 15 x 10 cm / Photo credit: Michel Dubreuil

Ito Laïla Le François combines her experience with sculptural and glass art to create life-sized figurative sculptures composed of glass, birch, pine, wire and fur. Her sculptures, which seemingly emanate out of a poetic daydream, question beauty and human absurdity.

Metamorphosis and evolution are at the heart of Ashley Ouimet’s work process. Her pâte de verre pieces attest to the constant changes of existence: from life to death, passing through rebirth or transformation. She is stunned by the ephemeral and recognizes that all is eternally regenerating.

Ito Laïla Lefrançois, Elle s’est fait décarcasser en sortant du ventre de sa mère, 2012, 182 x 106 x 106 cm / Photo credit: Michel Dubreuil. Ashley Ouimet, Nothing Lasts Forever, 2011, 81 x 40 x 45 cm / Photo credit: Michel Dubreuil.

To reconcile the child and the adult within her, Chloé Charette creates pâte de verre and lost-wax dolls. Straight out of fairytales, legends, myths and other stories, her pieces speak of time and its cycles, as well as the relation between the different stages of the body and mind: from childhood to old age, life to death, dream to reality.

From her inspiration of the four elements: water, air, fire and earth, Karelle Brunet gathers many answers to her metaphysical questionings. Her pieces demonstrate her interest for the sublime language of the hands. Incidentally, she prefers the hands-on aspect of the pâte de verre technique, to create delicate, aesthetic and contemporary glass art works.

Chloé Charrette, Gaïa, 2012, 30 x 15 x 15 cm / Photo credit: Michel Dubreuil. Karelle Brunet, Accepter avec les quatre éléments - Eau ou accepter la perte de contrôle, 2012, 25 x 22 x 25 cm / Photo credit: Michel Dubreuil.

To each their own, and that applies exactly to Jonathan Mélançon’s glassware. A lover of barley and hops, he creates refined glasses designed for different types of beers. He manipulates glass with dexterity and precision, each piece is blown specifically for its distinctive fermented beverage.

Characterized by their saturated colors, Catherine Houde’s pieces are full of purity and joyfulness. Recurring curves, furrows and sinuous lines form a link between her pâte de verre pieces that take shape according to her emotions. It is as if her childhood memories spent on the St. Lawrence River banks have deposited aquatic elements, such as algae, corals and flotsams on her pieces.

Jonathan Melançon, Prendre un verre, 2012, de 16,8 x 11,3 x 12cm à 26,3 x 6,5 x 8cm. /Photo credit: Michel Dubreuil. Catherine Houde, Passions échouées, 2012, 30 x 30 x 20 cm / Photo credit: Michel Dubreuil.

Equally passionate about precious metal and glass, Mélissa Jeanson loves to combine these materials to create jewellery and sculptures. When she conceives her projects, she is first guided by the glass, which is followed by the malleability of metals to give her work its final look. It is through human nature, celestial and marine inspirations that her pieces come to life.

Concealing glass under layers of crusts, fur and rust, Mélodie Dulck pulls us into her world where deception, fear and uneasiness rule. Her sculptures explain her trepidations and obsessions. She creates perfect glass bodies that she chastises, amputates and distorts. It is as if she can transmit, through her sculptures, the darkness that she perceives.

Combining crystal and tin, Lisanne Lachance’s cast pieces reveal feminine forms where the object of desire, at times corruptive, is shown without inhibition or secretive jealousy. While representing the cycle, regeneration, empowerment and creative duties of women, the crystal incrustations symbolize the fragility and duality of the feminine identity, as well as the evolution that women went through in the past century. Her works are a homage and commemoration of the feminine emancipation.

Mélissa Jeanson, Complexité - Précieuse humanité, 2012, 19 x 23 x 11.5 cm / Photo credit: Michel Dubreuil. Mélodie Dulck, La première des Androgynes, 2012, 35 x 13 x 10 cm / Photo credit: Michel Dubreuil. Lisanne Lachance, Perplexe, 2012, 16 x 18 x 15 cm / Photo credit: Michel Dubreuil.

As in past years, the 21st cohort’s graduates of Espace VERRE showed audacity and creativity while revealing their inner talents. Whether by blowing, engraving, sculpting or painting, they brought out the beauty or their unique and production glass pieces. Francois Houdé’s succession and Ronald Labelle, Espace VERRE’s founders, have much to be proud of the diverse initiatives.

This year, a great number of graduates have applied for the Fusion transitional workshop, the Desjardins – Caisse de la culture bursary and the Houdé-Mendel bursary. Whatever the award they receive or the direction they take, these graduates are destined for brilliant and promising glass art futures.

Nellie Demers is responsible for communications and marketing at Espace VERRE, Montreal.

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Year One of My Mid-Western MFA

By: Jill Allan

By this time last year, I had given up on going to grad school, which was my cherished dream for half a decade!

I was living on Vancouver Island, working for Mel Munsen and trying to re-shape my idea about my future as a glass artist.  For four years I had applied to grad schools in the U.S. and Europe, had been interviewed, rejected, wait-listed and accepted, but not funded.

It seemed as though it wouldn’t happen and putting more time and hope into this dream was unproductive. It was time to abandon the notion of grad school; and so I was surprised to get a call from Robert Geyer offering me a fully-funded graduate position at Bowling Green State University in Ohio last May.

It was the beginning of June before anything was settled and I was in a mad panic to pack and prepare to move to Ohio. The school year at BGSU begins in late August and runs until early May; it is a longer school year than I was accustomed to. This meant that I had to be in Bowling Green by August 9 to go through 10 days of orientation.

It doesn’t seem like it was that long ago now; but the first year has flown by.

Line Study 2 blown vessel and tubular components assembled 9” dia. Jill Allan 2011, photo Jill Allan

I always thought that three-year master’s programs were such a huge time commitment, but I wouldn’t mind extending it by another year now! As part of the program at BGSU, graduate students must enroll in academic and studio electives as well as pedagogical training. While I found all of the course material to be interesting, it was difficult for me to make my own work and do homework and reading at the same time. Because of this conflict, I chose to complete my academic coursework early to better moderate my distractions and later focus all of my energy on studio work.

To me, it was important to prioritize my schedule to make the most of the time here. As a graduate assistant, I also work 15 hours each week in order to earn my assistantship. As part of my assistantship, next year I will be teaching, which is an addition consideration for scheduling.

This summer, I am staying on in Ohio to work, uninterrupted, in the studio making neon and also modular components for a large sculptural work. In addition, I will be using the kilns to make work with photo decals. It feels like this summer is going to be a wonderful time to work and explore my ideas with quiet time to consider and reflect about what I am making.

Line Study 1 blown glass work in progress tubular components Jill Allan 2011 various sizes 2”-5”, photo Jill Allan

My motivations for returning to school to get my master’s are manifold: I want to be able to teach at the post-secondary level; I want to make work that is more expressive and sculptural; and I want time to spend in the studio without the distraction of survival.

For me, teaching art is a way to be connected to a centre for learning and creating; to be part of a creative community. Next semester I will be teaching Glass 1 in the School of Art at BGSU and in the spring I will be teaching in the first-year program. I feel like I have a lot of experience and broad skills to teach and hopefully I also have the right personality to pass it on effectively to my students.

When I think of the teachers that I had at ACAD, I can see that the most important ways that they taught me were by asking questions, giving me space to work it out on my own and most importantly providing encouragement. I hope that I can remember these things when I am teaching.

It seems like Canada is on the verge of building new academic traditions and that there is hope for domestic MFA programs in the near future; I would like to take part in building those traditions and strengthening the international networks of our community through my academic experience.

Since I graduated from ACAD in 1999, I have designed and produced my own work while working for other artists and galleries. Primarily, my work has been based in the craft tradition of vessel making. For me, graduate school is an opportunity to explore new terrain with my work; making work that is larger in scale and more expressive, calling on architectural forms as a basis for inspiration and using glass to alter and shape light. It is 13 years since I graduated from ACAD with my BFA and I have been working steadily since that time to develop my work and my career. It will be interesting to see what comes of my time in the studio when I am not under financial pressure to produce the work I know will sell.

3 Lust in Translation hot sculpted glass lips as prop for photo essay Jill Allan, Bica Heilman, Jamie Miller, Chelsey Hammersmith 2011

BGSU is in Northwest Ohio about 30 minutes south of Toledo. This is a region with a rich glass history both in terms of industrial glass production and the studio glass movement. Dominic Labino, one of the founders of the studio glass movement, received an honorary doctorate from BGSU in 1970. The 1962 glass workshop at the Toledo Museum of Art (TMA) is widely viewed as the seminal event for the studio glass movement; the GAS conference in Toledo this June will be celebrating the 50th anniversary of the workshop.

The facilities here are great: two 500 lb Wet Dog electric furnaces, gas garage, three benches, two large kilns for casting, and three large annealors. Although there is no room to set up a lampworking station permanently, we will be bending tubes for neon this summer as a special project. The cold shop is equipped with grit wheels, a Denver and a Merker lathe, lapidary saw, band saw, cork and cerium wheels, a large sand-blaster and a gluing station. There is also a plaster area with a steamer and wax pot for mold preparation.

BGSU hot shop, Laura Donefer visiting artist, l-r Rebecca Szparagowski, Larua Donefer, Michael Stevens, Robert Geyer, Lydia Boss, Adam Goldberg, Steve Seubert, Rich Dobrzeniecki Oct 2011 Jill Allan photo

The glass area at BGSU is part of the 3-Dimensional Studies Department of the School of Art. Students at BGSU are encouraged to approach their education from a multimedia standpoint and the programs are set up for mobility between studios. There are about 90 undergraduate students taking glass classes, and about 20 ‘majors’. In the glass area, we are moving toward a comprehensive glass education; covering all aspects of working with glass rather than focusing on the hot shop process. Visiting artists form an important part of the curriculum (Laura Donefer in October, 2011, Ethan Stern in November, 2011). The student glass association (SAGA) is active in fundraising and community building.

The proximity to the collection at the TMA and the new hot shop facilities reinforced my enthusiasm to accept a graduate position at Bowling Green State University. I am currently the only graduate student in glass, but the school has an incoming first-year graduate student in the fall and will continue to accept a new graduate student annually. If you are interested in the BGSU program contact Robert Geyer rgeyer@bgsu.edu or myself jallanatbgsu.edu.

BGSU hot shop 2011 r-l Mark Borz, Ryan Thompson, Nadine Saylor and Jon Zapieki photo Robert Geyer

 

Pearl blown vessel and solid sphere 9” dia Jill Allan 2012 photo Jill Allan

Jill Allan is a Canadian glass artist from Vancouver Island working towards an MFA at Bowling Green State University in Ohio (BFA 1999 ACAD). Jill is using her time at school to develop new techniques and formats for her work

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Lights. Camera. Glass?! Sheridan Glass Student Installation Lights Up New Hazel McCallion Mississauga Campus

February 15, 2012

By: Kristi O’Connell

On November 30, 2011, the curtain was raised at the official opening gala celebration of Sheridan’s new Hazel McCallion Campus in Mississauga, Ontario.  It unveiled a shimmering, interactive glass installation created by a collective of 32 students and select faculty from the Sheridan Craft and Design – Glass program. The stunning work features more than 2,000 glass tubes suspended dramatically by nearly eight kilometres of aircraft cable.  Entitled Aurora Borealis, it was the star of the night.

Sheridan Craft and Design –Glass students and faculty celebrate the unveiling of Aurora Borealis during the official opening gala at the new Hazel McCallion Campus on November 30, 2011. Photo credit: Sheridan College

Aurora Borealis is intended to capture the ethereal feeling of witnessing the naturally occurring phenomena of a featureless light display in the northern sky.  The northern lights are caused by a combination of charged particles, solar wind and the magnetic field of the earth’s atmosphere.  To the same effect, the talented makers from Sheridan’s glass studio utilized human energy, swirling lines and the ability of glass to reflect and defuse light to awe their audience.

By day, the piece exploits the natural light afforded by a wealth of windows in the space.  At night, real-time video images of people moving in the room are translated into coloured impressions and projected onto hanging glass tubes.  Through this live interaction, individuals viewing the piece become interconnected.

The impetus for the installation came about through Sheridan College’s decision to base its new facility on a creative campus concept.  In spring 2011, all four of the Sheridan Craft and Design studios were invited to submit design proposals for permanent installation at the Hazel McCallion Campus.  Recognizing the rare opportunity to execute a high profile public installation, the glass students and faculty came together as construction of the building was underway.  It became clear early on that the triangular shaped common area on the southern tip of the building was an ideal location for a large-scale glass installation, due to its unique footprint and two-story outer glass walls.

Third-year glass student, Alex Wilson, and studio technologist, Jason Cornish, use a Skyjack to hang the lines of thin glass tubes. Photo credit: Sheridan College.

In his article, Craft Versus Design: Moving Beyond a Tired Dichotomy, Rafael Cardoso poses the idea that the enlightened craftsperson’s potential value is realized only within a community of like-minded practitioners and users.  From initial concept development,until the final touches were completed in an assembly marathon lasting three days, this project was an intense collaboration.

Third-year glass student, Kurt Fisher, and studio technologist, Jason Cornish, suspending components previously assembled by team members on the ground. Photo credit: Sheridan College

Preparing for the installation took months of work by the team, who tackled the project over and above their own academic and studio work.  Koen Vanderstukken, the Glass Studio Head and an accomplished artist in his own right, describes the finished product as a culmination of a unique learning experience and a fantastic team effort.

Concept Development

The story behind the design of Aurora Borealis has projected light as its main supporting character.  At the first creative meeting, an image of the architectural drawing was projected onto a whiteboard.  The student-lead group drew concept designs on the board within the boundaries of the projected space, erasing and adjusting until they had two sweeping complementary lines.

The next design step took this simple two-dimensional overhead view and translated it into three dimensions.  It was decided that hanging thin borosilicate glass tubes, some sandblasted to absorb light and some clear to refract it, best captured the group concept.  To make the concept a reality, a source for coloured light and support framing needed to be designed and safely hung in the space.

3 Milestones Once the Project Was Green-Lighted

1. Researching Material Solutions

Leveraging his relationships in the collaborative craft community, Jason Cornish, Technologist for the Sheridan Glass Studio, partnered with Gerresheimer USA, to source the glass.  The company provided a list of off-price materials (merchandise available at a significantly lower cost resulting from production overruns or defaulted orders) that included a large volume of borosilicate glass with a 51-expansion coefficient.  Normally an expansion coefficient of 33 is needed for hot glass sculpting, but in this case only cold processes like cutting and blasting were necessary.  Ultimately, Gerresheimer generously donated 3,000 borosilicate glass tubes for use in the project.

Next came the framing. Sheridan employed a structural engineer to advise on the load bearing requirements.  It was determined that aluminum framing attached to the existing building framework would be sufficient to hold the estimated 1,500-pound installation.  In support of the project, George Whitney of Armo Tool Ltd in London, Ontario, sponsored the frame, donating shop time and materials.  The frame itself was assembled by a small sub-team of students and faculty.  During installation, projected laser light was used to map out the mounting points on the ceiling.

Matt Crosby, Aurora Darwin, Silvia Taylor and Alex Wilson work as part of a 10-person team to assembled 120m of aluminum track into the lightweight frame to support the glass. Photo credit: Sheridan College

When completing a public installation, budget and safety constraints dictate that each component be carefully sourced and selected.  As an example, nylon bushings might degrade over time due to UV sun exposure, therefore metal finishing washers were used to support the bottom of each glass tube.

Griplock Systems adjustable reverse release loop-making grippers were used to avoid having to pre-crimp the aircraft cable to exacting design demands.  This system also allowed the tube height to be set on the ground and adjusted by eye in the air to achieve the desired curve and lift along the bottom edge of the piece.  Having the supplier, The Good Rope Company Inc., cut the aircraft cable to two predetermined lengths, and pre-crimp the loops to be used for hanging at the frame, provided consistency and accuracy in this component at minimal additional cost.

Jason Cornish’s deft sourcing and the generous donations by Gerresheimer and Armo Tool enabled a large portion of the budget to be spent on creating a custom projected light system to fully realize the creative concept.  Three cameras register motion in the space, a video mixer abstracts the images and eight 5,000 lumens projectors light up the piece.

Studio technologist, Jason Cornish, adjusts one of the eight 5,000 lumens projectors that light up the piece. Photo credit: Sheridan College

 

2.  Creation of the ‘to scale’ maquette

The students and select faculty worked out plan details by creating a ‘to scale’ maquette of the architectural space and the piece itself.  This type of hands-on exploration is good for the makers and for presenting to project sponsors and vendors, many of whom still find a tangible model preferable to a 3D rendering on a 2D page.

Accurately scaled templates helped to determine the final tube location, quantity and the intertwined path of the hanging glass lines. These templates were used again during installation to determine tube length and position.  Tubes were sandblasted in advance and cut on site during installation.

3.  The installation

When completing large-scale public installations, the importance of coordinating a proper order and timing for tasks cannot be over emphasised.  Prior to installing the glass, external trades people needed to be scheduled to mount the frame, run cable, and put in additional electrical outlets.  Four project team members required Skyjack operator and fall arrest training.  The act of hanging the tubes needed to be choreographed to allow the lift and its operators to dance between the glass and architectural fixtures in tight space.  To avoid unnecessary delays all of the tools, equipment and prearranged student labour teams needed to be on site each day to do the job.

Andrew Beauchamp, Matt Crosby, Allysun Rysnik, Amanda Skalski and Roxanne Tochor are among the students and faculty who worked in rotating teams for three days to measure, cut and thread the glass tube for installation. Photo credit: Sheridan College

 Must-haves for success  

Aurora Borealis, as seen at night in the Hazel McCallion Campus in Mississauga, Ontario. Photo credit: Sheridan College

  1. A project plan with benchmarks and important dates, plus focused work teams who understand and are responsible for specific components of the project.
  1. An inspiring leader like the one these Sheridan students have in their Studio Head, Koen Vanderstukken.
  1. A project sponsor with enough position-power to keep things moving forward, over and around potential project-ending obstacles.  Aurora Borealis was lucky enough to have Senior Vice-President Academic and Research, Dr. Mary Preece as its champion on more than one occasion.
  1. Stakeholder support and enthusiasm.  This critical mass of people provide subtle unconscious inspiration, a “you’re here, I’m here, let’s get it done” attitude, as well as tangible benefits like the 600-plus hours of donated time, suggested solutions, increased budget approval, and expertise that fuelled this venture.
  1. Lastly, crafts people more often than not work mostly for praise.  Receiving supportive comments in writing along the way, in person at the gala opening, and being permanently recognized on an onsite plaque is all the compensation this team of dedicated crafts people received or needed.

The students and faculty from the Sheridan Craft and Design Glass program invite you to walk through the space and be a part of the installation.  To see more images of the installation and its creators, or to post your own supportive comments, watch The Making of Aurora Borealis on You Tube.

About the Author:

Kristi O’Connell is a second-year student in the Sheridan Craft and Design Glass program.  Her glass work abstracts motion picture and original imagery to express the expanding demands placed on women post-feminism.  By fusing coloured glass powder and layered panels, Kristi preserves a meaningful moment in time using a unique painterly style.  After graduating from Ryerson with a certificate in Human Resources Management in 1998, Kristi worked as an Instructional Designer, waiting until the necessary combination of circumstances allowed her to pursue an interest in glass art.  She taps into her humanities background when developing concepts, infusing her work with poignancy and depth.

 

 

Lumières. Caméra. Verre?!

L’installation des Etudiants en Verre de Sheridan illumine le nouveau Campus Hazel McCallion

Par: Kristi O’Connell

Le 30 Novembre 2011, lors du gala officiel d’ouverture du nouveau campus Hazel McCallion  de Sheridan à Mississauga en Ontario, le rideau s’est levé pour révéler une installation chatoyante et interactive tout de verre, créée par un collectif de 32 étudiants et enseignants du programme Art et Designde Sheridan. Contenant plus de 2000 tubes de verre, l’œuvre éblouissante est suspendue de manière étonnante par presque huit kilomètres de câble aérien. Nommée Aurora Borealis, elle fut l’attraction de la soirée.

Art et Design de Sheridan – Etudiants et professeurs en Verre célèbrent l'inauguration d'Aurora Borealis pendant le gala officiel d'ouverture du nouveau Campus Hazel McCallion le 20 Novembre 2011. Crédit Photo: Collège Sheridan

Aurora Borealis tente de reproduire cette impression de légèreté à l’observation du phénomène lumineux naturel qui a lieu dans le ciel nordique. Les lumières nordiques sont dues au mélange de particules chargées, de vent solaire et de champs magnétiques qui proviennent de l’atmosphère de la terre. Pour obtenir un effet similaire et captiver l’audience, les talentueux créateurs de l’atelier de verre de Sheridan ont utilisé l’énergie humaine, des courbes ondulantes et cette capacité du verre à refléter et diffuser la lumière.

De jour, l’œuvre exploite la lumière naturelle provenant du grand nombre de fenêtres dans la pièce. La nuit, les images vidéo des personnes se déplaçant dans la pièce sont retransmises en temps réel sous forme d’impressions colorées et sont projetées sur les tubes en verre qui pendillent. Cette interaction en temps réel relie les individus qui visitent l’installation.

L’origine de l’installation part de la volonté du Collège Sheridan d’installer de nouveaux ateliers sur un concept de campus créatif. Au printemps 2011, on demanda aux quatre ateliers d’Art et de Design de Sheridan de faire des propositions pour une installation qui serait permanente sur le campus Hazel McCallion. Voyant là une rare occasion de pouvoir réaliser une installation publique à forte visibilité, les étudiants et professeurs se sont regroupés tandis que le bâtiment était encore inachevé. Il leur apparu rapidement que la zone triangulaire commune à la pointe sud du bâtiment serait l’endroit idéal pour baser une installation de verre à grande échelle, grâce à son impression unique et à ses grands pans de verre montant sur deux étages.

Alex Wilson, étudiant en 3e année et Jason Cornish, ingénieur de l'atelier utilisent une nacelle pour pendre les lignes de délicats tubes de verre. Crédit Photo: Collège Sheridan

Dans son article, Craft Versus Design: Moving Beyond a Tired Dichotomy (Art Versus Design: Sortir d’une Vielle Dichotomie), Rafael Cardoso défend l’idée que la valorisation potentielle d’un artiste n’a lieu que par l’existence d’une communauté d’utilisateurs et de penseurs sur la même longueur d’ondes. Du développement du concept initial jusqu’aux touches finales, tout fut assemblé au cours de trois jours marathoniens et le projet fut une grande collaboration.

Kurt Fisher, étudiant en verre de 3e année et l'ingénieur d'atelier Jason Cornish suspendent les composants au sol assemblés au préalable par des membres de l'équipe. Crédit Photo: Collège Sheridan.

Préparer l’installation nécessita des mois de travail aux membres de l’équipe, qui durent réaliser le projet en plus de leurs propres occupations académiques et créatives. Koen Vanderstukken, chef de l’atelier verrier et artiste accompli de plein droit, décrit l’œuvre terminée comme l’apothéose d’une expérience enrichissante unique et d’un fabuleux travail d’équipe.

Développement du concept

La conception d’Aurora Borealis utilise la lumière projetée comme support principal. Au cours de la première réunion créative, on projeta sur un tableau blanc l’architecture du bâtiment en dessin. Le groupe des étudiants dessina plusieurs concepts de design sur le tableau dans les limites de l’espace projeté, en effaçant et ajustant jusqu’à obtenir deux grandes lignes complémentaires.

L’étape suivante du design fut de prendre cet aperçu général simple en deux dimensions et de le transformer en trois dimensions. Il fut décidé que la pendaison de fins tubes en verre borosilicate, certains sablés pour absorber la lumière, d’autres transparents pour la réfracter, refléterait l’idée du groupe à son mieux. Pour passer du concept à la réalité, il fallut réfléchir à la conception d’une source de lumière colorée ainsi que trouver une façon sûre de suspendre la pièce dans l’espace.

Les étapes importantes jusqu’à l’éclairage du projet

1. Trouver des solutions matérielles

Ingénieur de l’atelier verrier de Sheridan, Jason Cornish profita de ses relations collaboratives dans la communauté artistique qui lui permirent d’entreprendre un partenariat avec Gerresheimer USA pour se procurer le verre. L’entreprise fournit alors une liste de matériaux “hors prix” (marchandises disponibles à un prix bien plus bas du fait d’une surproduction ou d’une mauvaise commande) qui comprenait un gros volume de verre borosilicate au coefficient d’expansion 51. En temps normal, un coefficient d’expansion 33 serait nécessaire à la sculpture du verre à chaud, mais dans notre cas, seuls les process à froid comme la découpe et le sablage étaient nécessaires. En fin de compte, Gerresheimer nous fit généreusement don de 3000 tubes en verre borosilicate pour notre projet.

Puis vint la question de l’armature. Sheridan employa un ingénieur en structure capable de déterminer les conditions nécessaires pour soutenir la pièce. On décida qu’un cadre aluminium attaché au cadre du bâtiment existant devrait être suffisant pour soutenir l’installation estimée à 680 kg. George Whitney d’Armo Tool Ltd à London en Ontario, sponsorisa l’armature en geste de soutien au projet, et fit don de temps de travail et des matériaux. L’armature fut assemblée par une petite équipe d’étudiants et d’enseignants. Durant l’installation, on projeta des rayons lasers au plafond pour mieux guider le montage des fixations.

Matt Crosby, Aurora Darwin, Silvia Taylor et Alex Wilson font partie de l'équipe de 10 personnes qui travaillent à l'assemblage des 120 m de circuit d'aluminium servant à faire la monture légère pour tenir le verre. Crédit Photo: Collège Sheridan.

Lors de la conception d’une installation publique, chaque élément doit être soigneusement sélectionné pour respecter à la fois le budget et les contraintes de sécurité. Par exemple, les bagues de nylon peuvent se dégrader au fil du temps à cause de leur exposition aux UV du soleil, donc des rondelles métalliques ont du être utilisées en renfort pour soutenir le bout de chaque tube.

Des fixations ajustables de  Griplock Systems furent utilisées pour éviter d’avoir à pré-pincer le câble aérien afin d’obtenir le design exact. Ce système a aussi permis de pouvoir décider au sol de la longueur des tubes une fois pendus, puis de les ajuster à l’œil nu dans l’air pour parvenir à la courbe et au levage désirés de la pièce. The Good Rope Company Inc.  coupa alors le câble en deux longueurs prédéterminées, et pré-plia les boucles servant à pendre l’installation, fournissant uniformité et précision du matériel à un coût minime.

L’obtention habile des éléments par Jason Cornish et les donations généreuses de Gerresheimer et d’Armo Tool permirent de pouvoir consacrer en grande partie le budget à la création d’un système de projection lumineuse spécifique permettant de réaliser pleinement le concept créatif. Trois caméras enregistrent le mouvement dans l’espace, un mixage vidéo extrait les images et 5000 projecteurs lumineux éclairent la pièce.

Jason Cornish, ingénieur d'atelier, ajuste un des 5000 projecteurs lumineux qui éclairent la pièce. Crédit Photo: Collège Sheridan.

2. Création d’une maquette grandeur nature

Les étudiants et professeurs ont fait des plans détaillés en créant une maquette grandeur nature de l’espace architectural et de la pièce elle-même. Ce type d’approche pratique est bénéfique pour ceux qui conçoivent et pour pouvoir présenter le projet aux sponsors et aux fournisseurs, la plupart préférant toujours un modèle tangible plutôt qu’un rendu 3D posé sur papier en 2D.

Des modèles calculés avec précision ont permis de déterminer l’emplacement final, la quantité et l’entremêlement des lignes de tubes pendantes. Ces modèles furent réutilisés pendant la mise en place pour déterminer la longueur et la position des tubes. Les tubes étaient sablés au préalable et coupés sur place pendant l’installation.

3. L’installation

Dans les installations publiques à grande échelle, il est très important de coordonner le timing  et l’ordre des tâches. Avant d’installer le verre, il a fallut rencontrer des personnes commerciales extérieures pour installer l’armature, le câble de sûreté et rajouter des prises électriques. Quatre membres de l’équipe du projet on du monter dans une nacelle et suivre une formation pour éviter les chutes. La pendaison des tubes a nécessité une chorégraphie permettant à la nacelle et à ses opérateurs de danser avec précision entre verre et fixations architecturales à certains endroits. Pour éviter des délais inutiles, tous les outils, équipements, et équipes de travail étudiantes devaient être sur place chaque jour pour remplir leur mission.

Andrew Beauchamp, Matt Crosby, Allysun Rysnik, Amanda Skalski et Roxanne Tochor font partie des étudiants et professeurs qui ont travaillé dans les équipes tournant pendant 3 jours pour mesurer, couper et enfiler les tubes en verre de l'installation. Crédit Photo: Collège Sheridan.

Les Must pour réussir

Aurora Borealis, telle que perçue la nuit dans le Campus Hazel McCallion de Mississauga en Ontario. Crédit Photo: Collège Sheridan.

  1. Un plan de projet avec des points de référence et des dates clés, des équipes de travail concentrées et compréhensives qui sont responsables de certains aspects spécifiques du projet.
  1. Un chef de projet enthousiaste comme Koen Vanderstukken l’a été pour les étudiants de Sheridan.
  1. Un sponsor avec suffisamment de pouvoir pour pouvoir faire avancer le projet et aider à contourner des obstacles menaçant sa concrétisation. Aurora Borealis a eu la chance d’avoir le soutien du Dr. Mary Preece, Vice-Présidente Senior de l’Académie et de la Recherche à plusieurs reprises.
  1. Le soutien et l’enthousiasme des parties prenantes. Ce nombre décisif de personnes ajoute une certaine motivation inconsciente, l’attitude “nous y sommes, vous y êtes, alors autant nous y mettre”, ainsi que des bénéfices concrets comme 600 heures de temps consacré, des solutions suggérées, la possibilité d’augmenter le budget et l’expertise pour concrétiser cette aventure.
  1. Enfin, les artistes travaillent le plus souvent pour la reconnaissance. Recevoir des encouragements tout du long, par écrit ou par oral lors du gala d’ouverture, pouvoir être reconnu à titre permanent sur une plaque sur les lieux est une compensation que cette équipe d’artistes dévouée a bien mérité.

Les étudiants et le corps professoral du programme d’Art et Design de Sheridan vous invitent à traverser cette pièce pour être part de l’installation. Pour voir des images supplémentaires de l’installation et de ses créateurs, ou pour y mettre vos propres encouragements, allez voir The Making of Aurora Borealis sur You Tube.

A propos de l’Auteur:

Kristi O’Connell est étudiante en deuxième année au programme d’Art et Design de Sheridan. Elle se sert d’images en mouvement et statiques dans son travail du verre pour exprimer l’exigence grandissante pour les femmes du post-féminisme. En fusionnant de la poudre de verre colorée avec des  panneaux de verre, Kristi préserve dans le temps des moments significatifs avec un style pictural unique. Après avoir obtenu un diplôme en Management des Ressources Humaines en 1998 à Ryerson, Kristi travailla en tant que conceptrice pédagogique, en attendant un concours de circonstances qui lui permette d’approfondir son attrait pour l’art du verre. Puisant dans sa formation en lettres en pour développer ses concepts, elle imprègne son travail d’un caractère émouvant et profond.

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ACAD Grads 2011

November 15, 2011

By Brianna Strong

The Alberta College of Art + Design (ACAD) is celebrating their most recent graduates from the glass program.  These recognized creative producers carry out a range of investigations that are as diverse and layered as their respective methodologies.  The breadth and scope of their practices begin to ask fundamental questions about material thinking, relational experience, perception, society, psychological constructs and reality.  These individuals are award winners, international agents for the glass community and emerging artists to look out for.

Artist: Carissa M.E. Baktay, Title: You Don’t Want Me as Much as I Want You to, too., Installation, Media: Mixed media, hair, gum, video, Date: 2010

 

Carissa M.E. Baktay

Carissa Baktay is an independent artist and glassblower living and working in Calgary, Alberta.  Born and raised in Calgary, she graduated with her Bachelor of Fine Arts degree in Glass from the Alberta College of Art + Design in 2011. She has studied at the Rhode Island School of Design, Red Deer College, participated in an annual Snow and Ice sculpting residency in Norway and was accepted to the 2011/2011 Living Arts Center Fellowship in Glass.  The main investigation of her ongoing work explores the intangible sense of taboo with respect to private, personal and public objects and spaces within human interaction. The haptic experience of the spectator, where seeing becomes wholly intertwined with feeling, is employed through the use of controversial objects and situations. By using beauty, the viewer is lured into an intimate situation of participation with an object.  The viewer finds himself in an uncomfortable yet self-indulgent position governed through his own actions and incited by curiosity. Resolution is reached through the viewer’s sensation by harnessing sight and visual clues as a form of touch.

Erinn Logee

Growing up, Erinn wasn’t exposed to a variety of artist influences.  There were only two artists in her family, her great-uncles Domenic Cocolichio and Frederick Bedford.  Essentially, painting and drawing were the only media of art she were ever exposed to. Glass has a large base in Montreal, Quebec, from where she is originally, but it wasn’t until her move to Calgary, Alberta, that she discovered it.  When Erinn began her tutelage at the Alberta College of Art + Design, her dreams were of becoming a comic book artist post-graduation, but that all changed after just one glass course.  To put it simply, she fell in love.  This love for the medium blossomed beyond her personal practice and begat the Calgary Glass Initiative, which she and fellow alum Kai Scholefield started, and of which they currently share the position of President.  In addition to this post, Erinn is also the Prairies Representative for GAAC.

Artist: Ward Bastian, Title: Highlights 13, Media : Light Jet Print Rear-mounted on Plexi-glass, Date: 2011

 

Ward Bastian

Ward Bastian began at the Alberta College of Art + Design with intentions to graduate from the photography department. During the course of his undergraduate, however, he began working with glass and was unable to pull himself away. Because of his passion for photography as well as glass, Ward’s undergraduate practice was a combination of the two. His practice involved blowing black glass vessels and photographing them in a manner in which only the reflection of the light source would be visible in the photo. After graduating in 2011, Ward traveled to New York to take part in a photography residency at the School of Visual Arts. There he began to investigate a practice without the use of glass, specifically to photography’s relationship with light. Even though the focus of his practice has shifted, Ward continues to blow glass at the Double Struggle glass studio. He resides in Calgary, Alberta where he is continuing on with the photographic work he began in New York.

Artist: Elisabeth Cartwright, Title: As We Grow, Media: Glass, Copper wire, Found Objects, Date: 2011

 

Elisabeth Cartwright

Elisabeth is an artist engaged with light and how it brings existence to her pieces. She not only works in glass but also adds an element of mixed media to her work. Glass has boundless borders and as an artist influenced by her surroundings, she believes art is not just an expression, but a way of life. Elisabeth is a passionate individual and is an active participant in the local art community.  She is able to capture not only her audience’s imagination but evoke their emotions. In March 2011, Elisabeth was selected as one of fourteen artists to participate in The Alberta College of Art + Design’s Art aWEARness. She has also exhibited work in Seattle, Washington, and Corning, New York, as well as exhibiting work in Calgary and surrounding rural areas.

Artist: Erinn Logee, Title: The Agony of Beauty, Series 4, Dimensions: 19" x 6" x 4.5" & 21" x 8.5" x 5.5", Media: Mixed Media, Date: 2011, Photo Credit: Jillian LogeeThe Agony of Beauty, Series 4. Detail.

 

 

The Agony of Beauty, Series 4. Detail.

 

Diplomés ACAD 2011

Par Brianna Strong

 

 

Le Collège des Arts et du Design d’Alberta (ACAD) félicite ses derniers diplômés en date du programme verre. Ces travailleurs créatifs reconnus mènent à bien une série de projets aussi divers et variés que les méthodes qu’ils y emploient. L’étendue et la portée de leurs pratiques puisent leur source dans la réflexion fondamentale sur le matériel, les expériences relationnelles, la perception, la société, les questions psychologiques et la réalité. Ce sont des lauréats, représentants internationaux de la communauté du verre ainsi qu’artistes émergents à guetter.

 

Artist: Carissa M.E. Baktay, Title: You Don’t Want Me as Much as I Want You to, too., Installation, Media: Mixed media, hair, gum, video, Date: 2010

 

Carissa M.E Baktay

 

Carissa Baktay est une artiste indépendante et souffleuse de verre qui vit et travaille à Calgary en Alberta. Originaire de Calgary, elle a obtenu un Diplôme des Beaux-Arts en Verre du Collège des Arts et du Design d’Alberta en 2011. Elle a étudié à l’Ecole de Design de Rhode Island, au Collège Red Deer, participé à un congrès annuel de sculpture sur neige et glace en Norvège et fut admise dans la corporation du Centre des Arts Vivants du Verre de 2010/2011. Ses recherches actuelles portent sur exploration du sens abstrait du tabou dans son rapport avec des objets et des espaces privés, personnels ou publics, au sein des interactions humaines. L’expérience tactile du spectateur, où la vision devient pleinement liée aux sentiments, est exploitée à travers l’utilisation d’objets et de situations controversées. En utilisant la beauté, l’observateur est attiré dans une participation intime avec l’objet. L’observateur se retrouve dans une position inconfortable mais pourtant complaisante, dirigé par ses propres actes et tiraillé par sa curiosité. L’effet final est rendu par l’observateur qui ressent sa vision en une sorte de toucher.

 

Artist: Erinn Logee, Title: The Agony of Beauty, Series 4, Dimensions: 19" x 6" x 4.5" & 21" x 8.5" x 5.5", Media: Mixed Media, Date: 2011, Photo Credit: Jillian Logee

The Agony of Beauty, Series 4. Detail.

 

Erinn Logee

 

Durant son enfance, Erinn ne fut pas influencée par une grande variété d’artistes. Il n’y avait que deux artistes dans sa famille, ses grands-oncles Domenic Cocolichio et Frederick Bedford. La peinture et le dessein furent essentiellement les seules formes d’art auxquelles elle fut exposée. Malgré une communauté du Verre importante à Montreal au Quebec d’où elle est originaire, elle ne découvrit pourtant ce matériau qu’une fois après avoir déménagé à Calgary en Alberta. Lorsque Erinn commence ses études au Collège des Arts et du Design d’Alberta, elle rêve à l’époque de devenir artiste de bandes dessinées à l’obtention de son diplôme. Mais tous ses plans changèrent dès son premier cours sur le verre. Pour faire simple, elle tomba amoureuse. Cet amour pour le matériau s’épanouit au-delà de son travail personnelle et fut à l’origine de la Calgary Glass Initiative, qu’elle créa avec son ami et ancien élève Kai Scholefield, avec qui elle partage la présidence à l’heure actuelle. En plus de ce poste, Erinn est aussi la Représentante Prairies au sein du GAAC.

 

Artist: Ward Bastian, Title: Highlights 13, Media : Light Jet Print Rear-mounted on Plexi-glass, Date: 2011

 

 

Ward Bastian

 

Ward Bastian débuta au Collège des Arts et du Design d’Alberta avec l’intention d’obtenir un diplôme en photographie. Toutefois durant cette sa période d’études, il se mit à travailler le verre et fut incapable de s’en détacher par la suite. Comme il était passionné  la photographie et le verre, ses essais pratiques ont été une combinaison des deux. Ses travaux impliquaient le soufflage de vases en verre noir pour ensuite de les photographier de telle façon que seul le reflet de la source de lumière était visible sur la photo. Après l’obtention de son diplôme en 2011, Ward se rendit à New York pour participer à un séminaire de photographie à l’Ecole des Arts Visuels. Il commença à y travailler sans l’usage du verre, principalement sur la relation entre photographie et lumière. Même si sa pratique a aujourd’hui dérivé, Ward continue à souffler le verre à l’atelier Double Struggle. Il vit maintenant à Calgary en Alberta où il poursuit son œuvre photographique entamée à New York.

 

 

Artist: Elisabeth Cartwright, Title: As We Grow, Media: Glass, Copper wire, Found Objects, Date: 2011

 

Elisabeth Cartwright

 

Elisabeth est une artiste qui travaille sur la lumière et la façon dont celle-ci donne corps à ses œuvres. Elle utilise non seulement le verre pour son travail mais y ajoute aussi des éléments de matériaux variés. Pour elle le verre n’a pas de limite. Influencée par ce qui l’entoure, l’art n’est selon elle pas juste un mode d’expression, mais aussi un mode de vie. Elisabeth est une personne passionnée qui participe activement à la communauté d’art locale. Elle est non seulement capable de captiver l’imagination d’une audience mais peut même aussi leur susciter des émotions. En mars 2011, Elisabeth fait partie des quatorze artistes sélectionnés pour prendre part au programme Art aWEARness du Collège des Arts et du Design d’Alberta. Elle a aussi exposé ses œuvres à Seattle, Washington, Corning, New York, ainsi qu’à Calgary et ses environs.

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Three years gone by:A look back on learning at Espace VERRE

by Valérie Paquin

 

The students: Carine Ledoux , Roxane Dupuis, Marythée Joncas-Daigle, Isabelle Ostiguy, Hadashah Hétu, Stefanie Marquis. (taken at Espace Verre)

 

People often refer to the pleasant atmosphere that reigns at Espace VERRE, a place to share ideas and knowledge, where seasoned professionals meet tomorrow’s glass artists. In 1989, François Houdé, Ronald Labelle, and their team welcomed the first glass artists-to-be enrolled in the fine craft technical program, glass option, leading to a college-level diploma offered in collaboration with the Cégep du Vieux Montréal. Twenty years after the first class of graduates, the latest six graduates of the Centre des métiers du verre du Québec – better known as Espace VERRE – reflect on their career path. They share their personal impressions on three years of exploration and experimentation with the different glass techniques and their applications.

 

At first, Roxane Dupuis was drawn towards the glass trade by the adrenaline rush that comes with working molten glass. After her high school studies, she decided to learn how to master this complex matter.

 

by Roxane Dupuis / Credits : Roxane Dupuis

 

To tread through a spectrum of concerns, Roxane externalizes her anxieties and her joys by creating artistic pieces, sculptures, and paintings. Although each piece is very different, her work always reflects a certain fear of the ephemeral. She often includes odd little elements in her concepts that illustrate, just as is her life philosophy, that to keep smiling is essential. She authenticates her work, as well as her feelings of the moment, by keeping the mark of certain tools.

 

In May 2011, Roxane received the Houdé-Mendel grant, which will enable her to pursue her pâte de verre research. She was also awarded a one-year GAAC membership with unlimited photos. She plans to study Art Therapy, as well as to join Fusion, Espace VERRE’s transitional workshop.

 

At fifteen, Hadashah Hétu was already interested in ceramics and drawing plans for wood kilns. Years later, she dabbles in both plant biology and agronomy at university, but will not pursue degrees in those fields. All the while, she enjoys ceramics classes in her spare time. While researching glazes and coloration, she discovers books on glass. During her undergraduate degree in Visual Arts, Hadashah experiments with kiln working and printing using pigments stable at high temperature. Meanwhile, she enrolls in an intensive weekend class at Espace VERRE to see if her instincts are right, and that’s where it all begins!

 

Série «L'histoire peut-elle...», Verre d'inspiration néerlandaise (XVIIe siècle), 2011, by Hadashah Hetu. Size : 24 x 8,7 x 8,7 cm / Credits : Hadashah Hétu

 

Hadashah’s interest in working with the heat of fire and kiln construction has withstood the test of time. She likes to move and the hot shop gives her that liberty. She also enjoys reading and doing research. Glass enables her to combine all these elements. Furthermore, aesthetically or visually, glass offers her interactions that ceramics would not have allowed: the floating of colours or images within a volume. By pursuing her desire for small, delicate blown pieces, Hadashah revels in the detail that makes one ponder the purpose of Venetian work.

 

Before studying at Espace VERRE, Marythée Joncas-Daigle completed a Diploma in Arts at the Cégep du Vieux Montréal. However, it was only when she discovered hot glass that she knew she had found her true calling.

 

by Marythée Joncas-Daigle / Credits: Michel Dubreuil

 

She chooses to pursue glassblowing because it is technically difficult and constantly pushes her to outdo herself. Moreover, glassblowing enables her to play with matters she likes, to combine techniques with her previously acquired skills. Since she enjoys painting, drawing, and glassblowing, her work is a combination of these elements. Marythée sometimes uses the graal technique or the addition of fused pieces in her works, which are always decorated with paintings or line drawings depicting characters. Created in graphite or enamels, these figures are transformed, stretched and enlarged when blown.  Marythée draws her inspiration from the inner world, sentiments, and state of consciousness brought on by interpersonal exchanges. Her pieces convey the visual dialogue of what is not said but indeed felt.

 

Carine Ledoux studied in Communications at the Cégep du Vieux Montréal for one year. During this period, she explored the spheres of radio and journalism, as well as photography and cinematic analysis. As the second year of the program is geared towards video editing and documentary – domains she was less interested in – she decided to move towards a more artistic program. She discovered Espace VERRE by chance.

 

by Carine Ledoux / Credits: Michel Dubreuil

 

For Carine, the last three years were instrumental in developing her creativity and enabled her to learn a lot about herself. In hindsight, she can now say with certainty that her inspiration was drawn directly from her past personal experience. She was also inspired by photography and, more particularly, by photographs dating back several centuries. Through her work, she attempts to convey the anxieties that may lie within each young girl and each woman.

 

From Plasticine snails to LEGO brick houses, Stéfanie Marquis’ creativity is nurtured from a very early age. Having been exposed to the construction industry since childhood, thanks to her family, she also studied architecture for three years. She has therefore been drawn to all aspects of interior design.

 

"Fenêtres sur coeur", 2011, by Stéfanie Marquis, Size : 10’’ x 18’’/ Credits : Michel Dubreuil

 

For its transparency, for its unique lustre, for its optical properties, for its strengths and weaknesses, glass is, according to Stéfanie, the ideal medium. It brings solution to her problems, it makes her think and question. Lately, Stéfanie has been exploring reoccurring themes: hearts, sexuality and sensuality. Within the next three years, she aims to have set up her own workshop. She plans to develop a line of household products and offer small objects that are unique, original, utilitarian, and decorative.

 

As soon as she finished high school, Isabelle Ostiguy knew she wanted to work with molten glass. She was mesmerized by the possibility of molding a solid material simply by reheating it. Glassblowing made her realize at what point she enjoys the heat and the almost infinite possibilities that glass offers.

 

by Isabelle Ostiguy / Credits: Isabelle Ostiguy

For Isabelle, nature is the first source of inspiration. She is fascinated by the image of the sprout that grows against all odds. This image is a great metaphor for how she sees her life as a glass artist. Her approach is aesthetically focused on the form and harmony between colours. By playing with various colour associations, she reinterprets floral forms. Her work consists of assembling different blown incalmos, allowing her to explore the contrast between opaque colours and the original translucence of glass. By creating millefiori murrines, she invents her own version of nature.  Being such a complex material, glass allows Isabelle to push the limits of her passion.  Her ultimate goal? Reaching perfection!

 

Thanks to the dynamics of studio work, the young ladies of the 20th class of graduates matured alongside one another. What do they recall from their three years at Espace VERRE? The atmosphere of small groups, the very personal, direct training, and the “small family” feeling that develops between students. Many laughs were shared, but also hardships – hardships that molded them, that made them grow. Glass is both fragile and resistant; it is a material that brings together, but that also creates tensions. Cold glass techniques, pâte de verre and flameworking teach patience; hot glass techniques teach communication and teamwork. All in all, it seems that the program not only develops skills, but also personalities!

 

Where will they be three years from now? Keep an eye out for these emerging artists: this is not the last you will hear about them.

 

Trois années sont si vite passées :

Retour sur la formation à Espace VERRE

 

par Valérie Paquin

 

The students: Carine Ledoux , Roxane Dupuis, Marythée Joncas-Daigle, Isabelle Ostiguy, Hadashah Hétu, Stefanie Marquis. (taken at Espace Verre)

 

On fait souvent référence à l’ambiance conviviale qui règne à l’école-atelier Espace VERRE, un lieu d’échange et de partage des savoirs, un endroit où les professionnels chevronnés rencontrent les verriers de demain. En 1989, François Houdé, Ronald Labelle et leur équipe accueillaient les premiers verriers en devenir inscrits au diplôme d’études collégiales en techniques de métiers d’art, option verre, offert en collaboration avec le cégep du Vieux Montréal. Vingt ans après la première cohorte de diplômés, les six dernières finissantes du Centre des métiers du verre du Québec – mieux connu sous l’appellation Espace VERRE – font le point sur leurs parcours. Elles nous livrent leurs impressions personnelles sur trois ans d’exploration et d’expérimentation des différentes techniques de travail du verre.

 

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A priori, Roxane Dupuis fut attirée vers le métier d’artiste verrier par l’adrénaline ressentie lors du contact avec le verre en fusion. À la suite de ses études secondaires, elle choisit d’apprendre à maîtriser cette matière complexe.

by Roxane Dupuis / Credits : Roxane Dupuis

 

Pour passer à travers toute une gamme de préoccupations, Roxane extériorise ses angoisses et ses bonheurs dans la création d’objets d’art, de sculptures et de peintures. Toutes aussi différentes qu’elles puissent être, ses œuvres reflètent la crainte de l’éphémère. Elle ajoute souvent de petits éléments farfelus et divagants à ses concepts, qui expriment, comme sa philosophie de vie, qu’il importe de garder le sourire. En conservant certaines traces d’outils, elle authentifie ses œuvres, de même que ses états d’âme du moment.

En mai 2011, Roxane recevait la bourse Houdé-Mendel, qui lui permettra de poursuivre ses recherches en lien avec la pâte de verre, ainsi qu’un abonnement d’un an à la GAAC avec photos illimitées. Elle projette de faire des études en art-thérapie, ainsi que de faire partie de l’atelier de transition d’Espace VERRE, Fusion.

 

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À quinze ans, Hadashah Hétu s’intéresse à la céramique et dessine déjà des plans de fours à bois. Des années plus tard, elle entreprend une formation universitaire en biologie végétale puis en agronomie, qu’elle ne poursuivra pas. En parallèle, elle suit des cours de céramique. C’est en faisant des recherches sur les glaçures et la coloration qu’elle découvre des livres sur le verre… Pendant ses études au baccalauréat en arts visuels, Hadashah fait des essais en thermoformage et impression avec des pigments stables à haute température. Entretemps, elle vient suivre un cours de fin de semaine à Espace VERRE pour vérifier si son orientation est la bonne, puis ça y est!

Série «L'histoire peut-elle...», Verre d'inspiration néerlandaise (XVIIe siècle), 2011, by Hadashah Hetu. Size : 24 x 8,7 x 8,7 cm / Credits : Hadashah Hétu

L’intérêt d’Hadashah pour le travail à la chaleur avec le feu et l’aménagement de fours a résisté au temps. Elle aime bouger et le verre à chaud lui offre cette liberté. Elle aime aussi la recherche, la lecture. Le verre lui permet de combiner le tout. Aussi, esthétiquement ou visuellement, le verre lui permet des superpositions que la céramique ne lui aurait pas autant permis : le flottement des couleurs ou des images à l’intérieur de son volume. Développant son penchant pour les petites pièces soufflées délicates, Hadashah se réjouit dans le détail qui amène à réfléchir, le pourquoi du travail dit vénitien.

 

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Avant d’étudier à Espace VERRE, Marythée Joncas-Daigle complète un D.E.C. en arts au cégep du Vieux Montréal. Cependant, c’est lorsqu’elle découvre le verre à chaud qu’elle sait avoir trouvé la matière et la technique qui la fait vraiment vibrer.

by Marythée Joncas-Daigle / Credits: Michel Dubreuil

 

Elle choisit de développer le verre soufflé car le travail est techniquement difficile à réaliser et la pousse constamment à se surpasser. De plus, le verre soufflé lui permet de jouer avec les matières qu’elle aime, de combiner les techniques avec ses acquis antérieurs. Comme elle aime peindre, dessiner et souffler du verre, son travail est un combiné de ces éléments. Marythée utilise parfois la technique du graal ou l’intégration de parties thermoformées à ses pièces, qui sont toujours ornées de peintures ou de dessins au trait représentant des personnages. Faits de graphite ou d’émaux, ils se transforment, s’allongent ou grossissent au moment de les souffler.

 

Marythée puise son inspiration du monde intérieur, des sentiments et des états de conscience véhiculés par les échanges interpersonnels. Ses pièces sont l’expression d’un dialogue visuel pour lequel rien n’est vraiment dit mais plutôt ressenti.

 

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Carine Ledoux étudie pendant un an au cégep du Vieux Montréal en communications. Durant cette année, elle explore le domaine de la radio, du journalisme, ainsi que de ceux de la photographie et de l’analyse cinématographique. Comme la deuxième année du programme est axée sur le montage vidéo et le documentaire – des domaines qui l’intéresse moins –, elle décide de se réorienter vers un programme plus artistique. Elle découvre Espace VERRE par pur hasard.

by Carine Ledoux / Credits: Michel Dubreuil

 

Pour Carine, les trois dernières années ont étés cruciales au niveau du développement de sa créativité et lui ont permis d’en apprendre énormément sur elle-même. Avec un peu de recul, elle peut maintenant dire avec certitude que ce qui l’a inspiré lors de son travail fut puisé directement dans son expérience personnelle antérieure. Elle s’est aussi inspirée de la photographie, et plus précisément de clichés datant de plusieurs décennies. Au travers de son travail, elle tente de représenter les angoisses qui peuvent se cacher au fond de chaque fille et de chaque femme.

 

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Des escargots en pâte à modeler aux maisons en briques LEGO, Stéfanie Marquis exploite sa créativité depuis son plus jeune âge. Baignée depuis toujours dans le monde de la construction grâce à sa famille, elle fait aussi trois ans d’études en architecture. Elle aime donc ce qui s’y rapporte et ce qui touche au design d’intérieur.

"Fenêtres sur coeur", 2011, by Stéfanie Marquis, Size : 10’’ x 18’’/ Credits : Michel Dubreuil

 

Pour sa transparence, son éclat unique, pour ses propriétés optiques, ses forces et ses faiblesses, le verre est, selon Stéfanie, le médium idéal. Il lui apporte des problèmes à résoudre, il la fait réfléchir et se questionner. Depuis quelques temps, Stéfanie exploite des thèmes récurrents dans son travail : les cœurs, la sexualité et la sensualité. D’ici trois ans, elle voudrait avoir mis sur pied son propre atelier. Elle veut créer une gamme de produits pour la maison et offrir aux gens des petits produits uniques, originaux, utilitaires et décoratifs.

 

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Dès la fin de ses études secondaires, Isabelle Ostiguy sait qu’elle veut travailler le verre en fusion. La possibilité de modeler un matériau solide seulement en le réchauffant l’intrigue énormément. Le verre soufflé est la technique qui lui a fait réaliser à quel point elle apprécie la chaleur et les possibilités quasi infinies qu’offre le verre.

by Isabelle Ostiguy / Credits: Isabelle Ostiguy

 

Pour Isabelle, la nature est source d’inspiration première. L’image de la jeune pousse qui réussit à grandir, peu importe les obstacles, la fascine. Cette image reflète bien la façon dont elle voit sa vie en tant qu’artiste verrier. Son approche est centrée sur l’esthétique de la forme et l’harmonie entre les couleurs. Par des jeux de couleurs, elle réinterprète les formes florales. Le travail qu’elle effectue consiste à assembler en incalmo plusieurs parties soufflées. Elle exploite ainsi le contraste entre l’opacité des couleurs et la touche de translucidité, qualité première du verre. En créant des millefiori, elle invente en quelque sorte sa propre nature.

 

Le verre est un matériau complexe, et relever des défis techniques est une véritable passion pour Isabelle… Son but ultime? L’atteinte de la perfection!

 

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Grâce au travail en atelier et à la dynamique qui s’y crée, les finissantes de la 20e cohorte ont chacune mûri aux côtés de leurs compagnes de classe. Ce qu’elles retiennent de leurs trois années à Espace VERRE? L’ambiance des cours en petit groupe, la formation beaucoup plus personnalisée, directe, l’aspect « petite famille » qui se développe entre les étudiants. Beaucoup de rires furent partagés, mais aussi des épreuves – épreuves qui les ont façonnées, qui les ont fait grandir. Le verre est une matière à la fois fragile et résistante, qui rapproche et crée aussi des tensions. Le verre à froid, la pâte de verre et le chalumeau apprennent la patience; le verre à chaud apprend la communication en travail d’équipe. Somme toute, il semblerait que le programme développe non seulement les habiletés, mais aussi les personnalités!

 

Où seront-elles d’ici trois ans? Surveillez les débuts de ces jeunes artistes de la relève : vous n’avez pas fini d’entendre parler d’elles.

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Networking in Glass: Pilchuck and GAS

By Michael Gray

 

I’ve lived in the small town of Merrickville, Ontario for the majority of my life. I’ve been surrounded by glass, both hot and cold, since I was a young boy. My dad, who owned a glass blowing shop in town, introduced me to the fascinating, manipulative material. Glass blowing and sculpting became an addictive hobby of mine; little did I know it would later become my profession. After graduating high school, I moved to Oakville, Ontario to attend a three-year glass blowing program at Sheridan College.

 

In the summer following my second year at Sheridan, I attended Pilchuck Glass School for the first time. Fortunately, I was able to attend and participate in Rik and Shelley Allen-Muzylowski’s session where I was taught new sculpting, assemblage, cold working, and graal techniques. I was also given the opportunity to personally work alongside Rik and Shelly, where I gained great experience in teamwork and coordination.  (Rik and Shelley’s website:  www.scavo.net)

 

Pilchuck turned out to be an amazing place, with even more amazing people inhabiting it. The glass was ‘bumpin’ and so were the nightly festivities. Pilchuck had a thriving atmosphere, filled with creative and inspirational people.

 

 

Working on a horse from hell, at Pilchuck. Rik Allen, Shelley Muzylowski – Allen

 

 

Following my summer at Pilchuck, I returned to Oakville Ontario, where I began my third year in Sheridan College’s glass blowing program. Here, I was able apply new ideas, techniques, and enthusiasm into my work. Third year was a very formative time for me; I’ll always miss the sense of community at Sheridan College.

 

 

“Catharsis” The last piece I made in third year, a concept I have been working on for 3 years now. This piece received an Honorable mention in the GAS 2010 Student show. Material: Glass, Metal, Year:2010, Size: W. 15’ L. 19’ H.18’

 

 

At the end of my third year, Koen Vanderstukken informed our class that Sheridan had been offered to do a demo at the Glass Art Society (GAS) 2010 glass conference in Louisville, Kentucky. I had never been at a glass conference before but had heard great things about it at Pilchuck. Rik, a board member of GAS and a coordinator for the conference, asked me to be his assistant. Fortunately for me, this position also involved assisting his wife, Shelley, in a hot shop demo at the Cressman Center of Fine Art. Some friends from Sheridan – Will Ruppel, Ainsley Francis and Jen Van Herten – all agreed this was an excellent opportunity, and joined me for the long twelve hour drive. We also had Sheridan alumna Silvia Jenson, owner of Colour Fusion, accompany us for the ride, as she was part of the tech display.  (Colour Fusion link: www.colourfusion.com)

 

I got my first taste of a glass conference at the 2010 GAAC conference in Montreal, Canada. Although GAAC is a smaller group than GAS, the enthusiasm, demonstrations and parties were easily comparable.

 

The Louisville conference was eye opening.  I spent the bulk of my time at Flame Run, where Rik was the hot shop coordinator. I was kept fairly busy working as Rik’s assistant; he had me doing many different jobs (i.e getting Rik lunch and acting as a human plinth at the glass auction). Rik made sure to introduce me to everyone around us, and this helped me to quickly build a network of new friends at GAS.

 

The two demos I participated in were intense: Shelley made a horse with a rocket engine strapped to its back. It looked as though it was flying through the air. The Sheridan team made a caricature monster head using Juicy Lucy the portable hot shop van. It was an honour to be a part of the team working in one of the smallest mobile hot shops in North America. Overall, the two demos were a success, and so was the trip to Kentucky.

 

 

Shelley’s Fire horse with rocket attachment looks ready to blast off.

 

 

After hibernating in the apartment above my father’s glass studio for the winter, I emerged from my den to attend my second annual GAS conference, Creative Crossroads, in Seattle (June 1-5, 2011).

 

It was an amazing adventure being in the glass capital of North America. Everywhere you go in Seattle, glass and art is the central focus. The city itself seems as if it were built around art. I wasn’t the only Canadian attending this conference.  Meagan Smith, a resident of Seattle and current student at Sheridan, provided accommodations for me and eight other Sheridan students and alumni. It seemed effortless to meet and connect with other groups of artists, while traveling with my enthusiastic friends.

 

Even though I was once again busy acting as Rik’s conference assistant, I was still able to see numerous demos at Seattle Hot Glass Studio. Some of the highlights included demos by Raven Skyriver and Karen Willenbrink-Johnsen. They are both very talented sculptors and it was fascinating watching their team assemble sculptures so fluidly.  (Karen Willenbrink-Johnsen demo at Seattle Hot Glass studio http://vimeo.com/24707131)

 

While touring Seattle, I was able to participate in a demo at the Tacoma Museum of Glass. The museum has a fantastic collection of contemporary American glass; the work in the gallery was outstanding! My favourite section was Kids Design Glass. The artist would choose one drawing out of a group of children’s designs and would then reconstruct it in glass.  I was blown away by the precision and determination put into each piece of art. I assisted Rik and Shelly in their piece.  They chose a young boy’s drawing to recreate, an alien in a space suit giving the peace sign.

 

 

Drawing of the alien in a space suit, giving the peace sign.

 

 

It was a tricky piece but we were all up for a challenge. We started off by making the legs and torso. After connecting those, we attached the eyes, arms, a control panel and a jet pack. It took us three attempts to attach the glass dome over the head, but eventually we perfected it. It was well worth the hard work, especially after seeing the joy beaming from the face of the boy who was sitting in the audience.

 

 

Finished alien in a space suit; he comes in peace!, Photo by: Ken Emly

 

 

Performing in front of a large audience, surrounded by cameras, was not easy. I was nervous, excited, and cautious of all the eyes fixed upon us but once we started most of those nerves vanished. I became enveloped in the piece, focusing on coordination, communication, and rhythm. It was easy to connect and flow with such a positive and encouraging team.  (Museum of Glass Tacoma website – http://www.museumofglass.org/).

 

 

The Museum Of Glass team, after finishing the alien, Photo by: Ken Emly

 

 

Attending Pilchuck, the GAAC conference, and the GAS conference gave me the opportunity to build a network with an abundance of glass artists throughout the world. These amazing experiences opened my eyes to the endless possibilities within the North American glass scene. Not only did I make lifelong friends and unforgettable memories, but I also gained new ideas and techniques that have furthered me as an artist.

 

After graduating Sheridan College in 2010, I moved back to Merrickville, Ontario, where I now work as the head gaffer at my dad’s glass blowing studio. At the store, Kevin Gray Glass Blowing – soon to be named Gray Art Glass, we make a variety of retail and wholesale products. I also continue to design and create sculptures that we display and sell within our gallery.  (Link to article on Kevin Gray Glass http://www.ottawacitizen.com/news/todays-paper/that+glitters/5486320/story.html).

 

I look forward to GAS 2012 in Toledo Ohio, and can’t wait to learn, grow and connect with more of the glass society. Hopefully I’ll see you there!

 

 

Michael Gray and Kevin Gray working together on a large bowl.

 

 

Michael Gray’s website:  mikegrayglass.com

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Sheridan Abroad

Claire Anderson

 

 

Dear fellow GAAC members, I would like to take another moment of your time, if you don’t mind, to once again tell you about how great Sheridan was. Yes, my fellow classmates and the faculty were great, I learned a lot, blah blah blah, but I would like to speak specifically about all the opportunities we were granted. There were many new opportunities for our year specifically, such as all the field trips to the good ol’ US of A that were available to us.

 

Now, let me level with you for a minute: it takes a lot of kahones to take a busload of rowdy, young artists to another country. I have to take my hat off to the organizers and chaperones of this trip as we discovered one very important fact. Alcohol in America is cheap. Very cheap. And there IS such a thing as a liquor discount store. The instructors at Sheridan must have had either a lot of faith in us or some sort of back up plan.

 

These trips were not only a lot of fun, but very educational. In first year my class was especially new to glass.  Only the lovely Katrina Cheung had any previous glass experience and that in a flame working production studio. The vast majority of the class could barely even gather at that point. Every year there is a Corning, NY trip for the first years (at very reasonable rates). We spent a few days in the city, getting introduced first hand to the wider world of glass art, toured the Corning Museum, and got a sneak peek at the new contemporary section they were still installing. We spent hours at the Corning library, watching videos and researching anything we wanted about glass. There was even a tour of a house designed by Frank Lloyd Wright.

 

 

1. 'Corning' Group Shot, 2009, Photo credit: anonymous

 

 

We spent our days absorbing as much as we could about glass art and design and our nights absorbing some local culture (such as singing karaoke with the locals at ‘The Gloryhole’). It was an amazing eye-opener of a trip, perfectly suited for first year as I saw things done with glass that I did not even realize could be done. It was the first step towards training us to think outside the box.

 

When we returned to the studio at Sheridan, we were full of new ideas and concepts. Our somewhat naive view of glass had been blown open (get it?). We took off in different directions, using what we had seen to fuel our work. There was also much more experimentation post-Corning, simply because we had not fully realized the versatility of glass before.

 

When our class finally made it to third year, we got a little bonus trip. Sheridan College and the Rochester Institute of Technology decided it would be a great idea to do a student exchange. The trip was a huge success. Glass art was made and so were strong connections and (brace yourselves for some cheese) life-long friends.

 

We headed to Rochester first where we got to see and experience their beautiful new glass blowing studio where we did a demonstration and then worked together in the studio. It was interesting to work with an entirely new crowd. Our class was so small and very much accustomed to each other’s working habits and styles, so it was an incredible experience for all of us to be pushed out of our comfort zones and learn new things. Koen Vanderstukken gave an amazing lecture, which was followed by one-on-one discussions with the Rochester students. He spent time with each student, going over their work, asking why they make what they make and where they planned on taking their work in the future.

 

The Rochester students then visited Canada and Sheridan’s facilities for glass. Me and my roommates, Aurora Darwin and Silvia Taylor, managed to cram five of them into our tiny basement apartment. Good thing they didn’t need such frivolities as personal space, proper living quarters, or even beds.  During the day we watched a glass demo by David Schnuckel and then played glass Olympics in our studio. Michael Rogers gave a lecture about his work and we were able to have one-on-one discussions with him about our work. It took all day, but we got to go over as much or as little as we wanted about our ideas and what we were currently working on. The new and unique insight into our work was both inspiring and refreshing. It is important to get as many opinions as possible, but again, being studio junkies in a small studio, it was refreshing to escape the Sheridan bubble.

 

When the Rochester students left, there were tearful hugs good-bye followed by another burst of new inspirations and ideas. We had talked a lot of glass and experienced a very different learning environment than what we had been raised in. Again, it was an invaluable experience that I was so grateful for.

 

Our last trip, to SOFA in Chicago, was the bee’s knees. Our class crammed onto a bus and drove for about eight hours. It was well worth the ride there (and even the one back). SOFA was such an incredible and grounding experience. I had never seen a show like it. There were emerging artists side by side with the old classics and many of them were also selling work.

 

 

2. 'Chicago' Small group shot, 2010. Photo credit: Claire Anderson3. 'Chicago' City Shot, 2010. Photo Credit: Claire Anderson

 

 

 

3. 'Chicago' City Shot, 2010. Photo Credit: Claire Anderson

 

We split up to attend lectures, each according to his/her specific interest, and wandered through the show trying to absorb as much as possible. The exhibiting artists were, for the most part, amiable and full of great advice, once again displaying the strong community felt by glass artists. The trip to Chicago was different from our other excursions because SOFA gave us something tangible to focus on; it gave us a realistic goal to strive for. Walking through the aisles envisioning myself there (some day), kicked in an internal drive that is still working, even though my comfortable Sheridan support network is now gone.

 

There was one more trip (although not through the school) that many of us made, and that, of course, was the GAS conference. The incredibly gracious Megan Smith (now a summer Harbourfront resident) opened up her home to eleven Canadians, all of us Sheridan alumni or current students. There were twelve of us in one house for a little over a week and so things got a little outrageous.

 

This was the first conference that many of us had gone to. The day before it started we went to the Tacoma Museum of Glass, where we watched one of our own, Michael Gray, work side by side with Rik Allen and Shelley Muzylowski. We even got to stick around after the museum closed because the piece took a little longer than expected.

 

 

4. 'Seattle. Rik Allen working with two assistants while Shelley Muzylowski Allen looks on. 2011. Photo Credit: Claire Anderson

 

 

Once the conference started, we teamed up with our RIT friends, as well as many others we met along the way, to see amazing demonstrations, lectures and exhibits. Almost all of us participated, showing pieces in the student exhibition and in the silent auction. It was my first time meeting many of the American artists, but in true glassblowing spirit, we were welcomed with open arms. I learned how easy it was to network and get to know the artists you respect and admire. It was encouraging to see the passion in everyone there and to talk about glass, concept, technique and style. It was the first time since graduating that I was immersed in the world of glass. I could talk about it constantly and not irritate everyone around me.

 

 

5. 'Seattle Group Shot' 2011, Photo Credit: Random Strangers

 

 

Glass is an exciting world to get into and what I have taken from all of this is to keep moving. Do not get comfortable where you are. Every time I experienced something new it affected my work and working habits in a positive manner. I was instilled with a stark determination to remain a part of this close community and to work incredibly hard to make it. The field trips we had the opportunity to go on were not only a blast and a bonding experience for the students and faculty, but an integral part of being a glass artist. We have to travel and experience new things to stay passionate and keep the ideas and artwork flowing.


 

Sheridan à l’étranger

 

Claire Anderson

 

 

Chers amis membres du GAAC, à moins que ça ne vous dérange, je voudrais que vous m’accordiez un peu de votre temps pour vous dire encore une fois à quel point Sheridan fut un endroit génial. Certes les camarades et la fac étaient géniaux et j’ai beaucoup appris, et bla bla bla, mais je voulais surtout vous parler des opportunités qui nous ont été offertes. De nombreux  projets ont vu le jour pour notre promo uniquement, comme ce voyage scolaire en direction des bonnes vieilles US.

 

Laissez moi vous dire que ça demande pas mal de courage pour emmener un car complet d’artistes jeunes et chahuteurs dans un autre pays. Je me dois de lever mon chapeau aux organisateurs et aux chaperons de ce voyage qui nous permit alors de découvrir une chose très importante. L’alcool aux Etats-Unis est moins cher. Bien moins cher. Et les magasins discount d’alcool ne sont pas un mythe. Nos professeurs à Sheridan ont du, soit avoir une confiance en nous incroyable, ou bien un solide plan de secours.

 

En plus d’être très plaisants, ces voyages furent très instructifs. En première année, ma classe était particulièrement novice en verre. Seule la charmante Katrina Cheung avait de l’expérience dans le verre, et ce dans un atelier de production au chalumeau. La plus grande partie de notre classe s’y retrouvait à peine. Chaque année, un voyage est organisé pour les premières années (à un prix très raisonnable) pour aller voir le musée Corning à New York. Quelques jours dans la ville pour y découvrir les bases du milieu de l’art du verre en général. Nous avons visité le Musée Corning et même jeté un coup d’œil discret à la nouvelle section contemporaine alors en cours d’installation. Nous avons passé des heures à la bibliothèque du Corning, à regarder des vidéos et à rechercher tout ce que nous voulions savoir sur le verre. Nous avons même eu droit à une visite guidée d’une maison agencée par Frank Lloyd Wright.

 

1. 'Corning' Group Shot, 2009, Photo credit: anonymous

 

Nous avons employé nos journées à absorber le plus d’informations possibles sur l’art et le design du verre et nos nuits à absorber certaines cultures locales (comme les soirée karaoké avec les locaux au ‘Gloryhole’). Parfaitement adapté aux premières années, ce voyage nous a admirablement ouvert les yeux, me faisant découvrir des possibilités de faire avec le verre auxquelles je n’aurai jamais pensé en premier lieu. Ce fut le premier pas vers notre éducation visant à réfléchir hors des sentiers battus.

 

Une fois de retour à l’atelier de Sheridan, notre tête était remplie de nouvelles idées et de nouveaux concepts. Notre vision quelque peu naïve du verre avait été soufflée (vous avez saisi?). Nous sommes tous partis dans différentes voies, réutilisant ce que nous avions pu voir pour nous inspirer. Beaucoup plus de choses ont été testées post-Corning, tout simplement parce qu’avant cela, nous n’avions pas vraiment pris conscience de cette polyvalence du verre.

 

Quand la classe est enfin passée en troisième année, nous avons eu droit à un petit voyage bonus. Le Collège Sheridan et l’Institut de Technologie de Rochester ont eu la bonne idée de vouloir faire un échange. Le voyage fut un grand succès. L’art du verre, des liens forts et (attention séquence émotion) des rencontres pour la vie y furent partagés.

 

Nous sommes d’abord allés à Rochester où nous avons pu voir et tester leur magnifique atelier de soufflage de verre, y faire une démonstration et y travailler ensuite tous ensemble. Travailler avec des regards neufs fut enrichissant. Notre classe étant très petite, on s’était habitués aux habitudes et aux styles de travail des uns et des autres et ce fut une expérience géniale pour nous tous que de pouvoir être poussés en dehors de nos zones de confort et d’apprendre de nouvelles choses. Koen Vanderstukken nous a donné un excellent cours, suivi de discussions en tête à tête avec les étudiants de Rochester. Il consacra du temps à chaque étudiant, regardant tout leur travail, leur demandant pourquoi ils faisaient ce qu’ils faisaient et quel futur était envisagé pour leur travail.

 

Les élèves de Rochester sont ensuite venus au Canada visiter les locaux de Sheridan pour le verre. Mes colocataires Aurora Darwin et Silvia Taylor et moi-même avons réussi à en caser cinq dans notre tout petit appartement en sous-sol. Une bonne chose qu’ils ne se souciaient guère de détails comme avoir un espace personnel, un logement décent ou même un lit. Durant la journée nous allions voir les démonstrations de verre par David Schnuckel et nous avons ensuite joué aux Olympiques du Verre dans notre atelier. Michael Rogers nous donna un cours sur son travail et chacun pu avoir un entretien personnel avec lui. Cela dura bien toute la journée, mais on était en droit de lui en demander autant qu’on voulait concernant nos idées et notre travail du moment. Avoir un nouvel aperçu original sur notre travail nous a inspiré et rafraîchi le cerveau. Il est toujours bon d’obtenir le plus d’opinions possibles, et pour les accros de notre petit atelier que nous étions, cela nous permis de pouvoir nous évader de notre bulle Sheridan.

 

Les élèves de Rochester repartirent au beau milieu des embrassades et des larmes auxquels succéda un jaillissement de nouvelles inspirations et d’idées. Nous avions beaucoup parlé du verre et découvert un milieu d’apprentissage différent de celui dans lequel nous avions progressé. Ce fut encore une précieuse expérience et j’en suis très reconnaissante.

 

Notre dernier voyage au SOFA de Chicago fut l’apothéose. Toute la classe s’entassa dans un bus et roula pendant huit heures. Le trajet en valut la chandelle (et celui du retour aussi). SOFA fut une expérience mémorable et qui apporta du solide. Jamais je n’avais vu une telle exposition. Des artistes émergents, assis côtes à côtes avec des grands classiques et dont la plupart d’entre eux vendaient leurs œuvres.

 

2. 'Chicago' Small group shot, 2010. Photo credit: Claire Anderson

3. 'Chicago' City Shot, 2010. Photo Credit: Claire Anderson

 

Nous nous sommes séparés pour pouvoir assister aux conférences selon les domaines de prédilection de chacun et nous nous sommes promenés dans l’exposition en essayant d’en absorber le plus possible. Les artistes exposants étaient pour la plupart aimables et pleins de bons conseils, faisant ressortir encore une fois ce sentiment communautaire fort au sein des artistes verriers. Le voyage à Chicago a été bien différent en soit de nos autres excursions, car la SOFA nous a apporté un élément concret sur lequel se baser et nous donner un but réaliste à atteindre. En marchant dans les allées, je parvenais me visualiser au même endroit (un jour), poussée dans un élan international qui me porterai lorsque mon soutient confortable de Sheridan ne serai plus.

 

Il y eut un voyage supplémentaire (non par le biais de l’école cette fois) que beaucoup d’entre nous avons fait et cela fut bien évidemment la conférence du GAS. L’incroyable et gracieuse Megan Smith (maintenant résidente au Harbourfront pour l’été) a ouvert ses portes à onze Canadiens, tous anciens élèves et étudiants actuels de Sheridan. A douze dans une seule maison pour un peu plus d’une semaine, les choses sont devenues un peu effarantes.

 

Ce fut notre toute première conférence pour la plupart d’entre nous. La veille de l’ouverture, nous avons été au Musée du Verre de Tacoma, où nous avons pu admirer l’un des nôtres Michael Gray, travailler aux côtés de Rik Akken et Shelley Muzylowski. Nous avons même eu le droit de rester passé la fermeture du musée, car certaines pièces avaient nécessité plus de temps que prévu.

 

4. 'Seattle. Rik Allen working with two assistants while Shelley Muzylowski Allen looks on. 2011. Photo Credit: Claire Anderson

 

Une fois la conférence débutée, nous avons retrouvé nos amis du RIT ainsi que de nombreux autres rencontrés au cours du chemin pour aller voir ensemble les extraordinaires démonstrations, les conférences et les expositions. Nous y avons presque tous participé, exposant des pièces dans l’exposition étudiante ou participant à la vente aux enchères sous pli. J’ai rencontré beaucoup des artistes américains pour la première fois, et dans le bon esprit du soufflage de verre, ils nous ont accueillis à bras ouverts. J’ai compris à quel point il était facile de se créer un réseau et d’arriver à rencontrer des artistes respectés et admirés. Découvrir la passion de chacun et pouvoir parler du verre, de sa conception, de sa technique et de son style fut très encourageant. C’était la première fois depuis l’obtention de mon diplôme que je me retrouvais véritablement immergée dans le monde du verre. Enfin je pouvais en parler constamment sans jamais énerver personne autour de moi.

 

5. 'Seattle Group Shot' 2011, Photo Credit: Random Strangers

 

Le verre est un monde fascinant j’en ai retenu qu’il faut toujours aller de l’avant. Ne pas rester là où l’on se sent bien. Chaque fois que j’ai tenté quelque chose de nouveau, cela a eu un impact positif sur mon oeuvre ainsi que sur mes habitudes de travail. J’étais déterminée à faire partie de cette communauté rapprochée et j’étais prête à travailler extrêmement dur pour y parvenir. Les voyages scolaires auxquels j’ai pu participer ne furent pas seulement épatants et créateurs de liens pour les étudiants et les facs, mais ils sont aussi partie intégrante de la vie d’artiste verrier. Nous devons voyager et découvrir de nouvelles choses pour rester passionnés, continuer à avoir des idées et surtout créer des œuvres d’art.

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Pilchuck: One Way to Get Over the Post-Secondary Hangover

By Larissa Blokhuis

 

At the beginning of the summer, I went to Pilchuck, where I took a class with a guy named John Miller.  I’d never heard of any of the teachers, so I just put my name down for the advanced or sculptural glassblowing classes and got him.  He is a proponent of the ‘go big or go home’ style of glass, and makes giant cheeseburgers, keychains, goblets, cigarettes, and other items of that nature.  He’s very into Americana and I don’t think he makes giant cheeseburgers with any kind of irony at all.  I think he just likes cheeseburgers.  He also likes curios and junk shops.  On the first night, he took us all in the back of his black, windowless, seatless van to buy us oyster shooters, deep fried oysters, and pitchers of beer as well as one or two girly drinks for me.  Everybody was made to feel welcome immediately, and simultaneously put into the art-making process/environment.

 

Life at Pilchuck

 

There were three meals signalled by a bell and served as a buffet.  Most of the food was magical, and I gained ten pounds in the three weeks I was there.  When I left Pilchuck and went back to my regular diet I was hungry all the time and had trouble re-adjusting. 

 

There is one hotshop but two classes, and I was in the later class.  The early class started at 8am and went until 1pm, followed by a demo from 3:30pm until 6pm.  Dinner was after that followed by slides presented by the teachers and TAs, and then glassblowing continued from 8pm to 1am.  The campus is set on a hill, so the dorms are at the top and the studios are at the bottom (I think partially to discourage people from hanging out in the dorms).  After glassblowing, I would go up the hill and shower, get back down by 1:45am, and people would stay up and drink until 5. 

 

Technical Drawing by Boyd Sugiki, Pilchuck Teacher, The morning class demos were full of very specific, technical instruction, Photo Credit: Larissa Blokhuis

 

 

The dorms were always loud because the doors swing and slam shut if you aren’t holding them open or if you don’t pull them closed.  I eventually started taking naps from 12 – 1pm when it became apparent that John didn’t ever keep to the schedule he set for us.  I definitely didn’t like hiking up that hill every day, but the nap was necessary.  There was bacon at breakfast most mornings but because of the crazy schedule I had to give up on the dream of eating bacon every day and stay in bed for some much-needed sleep.

 

Some People I Learned From

 

I shared a room with a Japanese girl named Ayako (AY-a-ko).  She was the best glassblower in the class and had the same amazing work ethic Japanese artists always seem to have.  For one of our class meetings, we showed slides or pictures of our work, and her work was definitely the most developed and intricate.  Her portfolio included many different methods of working with glass.  She was still a student and had six years of experience.  I think she is the student I learned the most from, in terms of considering each move and proceeding with patience while working on the glass.  Watching her in the hotshop, I observed a steady dedication to refining the smallest of details.  In some of the less experienced students, I saw a bit of panic or rush to fix any mistakes, but with her I saw a calm and paced reaction that often resulted in fewer steps to fixing a problem. 

 

 

Murrini-Style Candy, Ayako brought this candy from Japan to share with the class, Photo Credit: Larissa Blokhius

 

 

There were many visiting artists and road trips to various studios, including one to Olympic Color Rods.  I bought the last hand tool I wanted, so my set is now “complete.”  I have, of course, realised that there are more tools I need (copper pipe is next).

 

 

Hand Tool, Hand shield for protection during hot-glass engraving. If you can’t find the tool you need, make it!, Photo Credit: Larissa Blokhuis

 

 

It was good to see the different shops and artists to get some variety.  Among the demos was Randy Walker’s giant peapod.  A piece so large with many parts can seem daunting, but watching the demo I realised it only takes planning and patience.  Einar de la Torre made a Mexican death mask.  The colour application included laying out a pattern in powder and rolling it up.  I hadn’t seen that before, and it was quite effective for a quick pattern.

 

 

Pattern Pickup 1, Einar de la Torre makes his pattern in powder, Photo Credit: Larissa BlokhuisPattern Pickup 2, The resulting pattern, Photo Credit: Larissa Blokhuis

 

Rik Allan’s hotshop is the most beautiful.  The door on his completely silent electrical furnace swings outward like butter on a sculptural metal hinge, and his pickup annealer opens at the bottom so the heat doesn’t escape out the top of the door.  I recommend looking his work up if you haven’t seen it.

 

 

Rik Allen’s Furnace, Rik Allan has applied the same attention to the design of his furnace as he does to his glass art, Photo Credit: Larissa BlokhuisRik Allen’s Pickup Annealer, A great way to save heat, Photo Credit: Larissa Blokhuis

 

The Glassblowing

 

I went big at Pilchuck.  Changing scale helped me see flaws in my technique that were hidden when making smaller objects.  I made some pieces with many hollow bits, and because I was receiving so many bits, the TAs would often help me in addition to the student I was working with that night.  It was great to start my piece and then have 2 – 4 other people swoop in and start making bits.  I took 16 – 25 hollow bits on these pieces, and with about 4 people they took 20 minutes.  The bits were new each time because I didn’t like the cut look from the diamond shears.  They would take more than an hour with only one assistant.

 

The experience in the Pilchuck hotshop can be whimsical at times, when you take a moment to step back and watch how the TAs and teacher swoop in just when they are needed to save a piece or make something new happen.  At times it can be trying when your decisions as a gaffer are limited by a less experienced blowing partner.  Even more trying are the times when you realise that you are limited by your own lack of experience as a gaffer.  But in the Pilchuck environment, you’re encouraged to go beyond what you think your limits are.  With the efforts of the TAs and teacher you really can extend beyond your comfort zone and know that your piece will be ok.  Or you’ll make it again the next day.  When you do, the people helping you will have new suggestions for fabrication possibilities.

 

 

Groupwork at Pilchuck, Take advantage of the many helping hands at Pilchuck. Go big!, Photo Credit: Larissa Blokhuis

 

 

My Experience

 

Most artists who go to a post-secondary school to study art will experience the post-secondary hangover.  I know many grads (myself included) that went through a period of making no art at all after graduation, and it can be difficult to overcome the loss of momentum.  The year after I graduated, I was lucky to get a job in a glass studio/gallery that afforded me the opportunity to blow glass again.  But most days when I was blowing glass, I felt more frustrated than lucky.  After about a year of frustration I figured out that an assistant was a necessity, which helped considerably, but I was still stuck as an artist.  Most of my projects were just miniature versions of ideas I’d had in art school, and I had only two completely new projects for three years of post-grad life.  At Pilchuck, I did four new projects in three weeks, and at this time (3.5 months after leaving), I have started three new projects.

 

I didn’t particularly learn any new techniques at Pilchuck, but the experience reminded me that I should make things I want to make.  I had unintentionally meandered into the realm of production, which is stale but lucrative at best.  At worst, it’s just stale.  I have had a busy summer generally growing my career, so the full effects of my Pilchuck experience are not clear to me yet.  I feel my direction as an artist changing, and I’m not sure where it will take me.  The feeling that I could make anything or pursue new ideas is exactly what’s interesting about being an artist, and I’m glad to have it back.

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Glassblowing at the Haliburton School of The Arts

By Elisha Barlow

Glassblowing continues to be in high demand at the Haliburton School of The Arts (HSTA)!  HSTA is renowned for its outstanding programming with its fully equipped, state-of-the-art glassblowing studio overlooking Glebe Forest in Haliburton, Ontario.  Certificate programs, week-long courses and one-day workshops have opened the doors to students from all over Canada and the US who have enjoyed many hours of artistic exploration in this creative wonderland.

In 2011, the Glassblowing Certificate continued to run at full capacity and is delivered from January to April each year.  Mature and young students alike come to explore the processes of design and fabrication of art glass. The glass studio provides the perfect environment for students to immerse themselves in the manipulation and exploration of hot glass.  Design, colour theory, drawing and art history for glass creates a strong foundation for exploring glassblowing and cold working techniques.  A portfolio course completes the program, so that students have the tools to continue their studies or apprentice.  Excited for the opportunity of completing two college semesters in just 15 weeks, students immerse themselves in the world of hot glass with enthusiasm.  Many have planned to return for more certificates in the areas of Blacksmithing, Ceramics, Drawing & Painting, Photo Arts, Fibre Arts, Jewellery, Sculpture, and/or Digital Image Design.

Students who wish to further their studies can enrol for the full-time Visual and Creative Arts Diploma (VCAD) where they can apply their glassblowing certificate to their diploma credits as their specialization option.  For many students, this will provide a college arts diploma in just 12 months of study in 2 years. And the learning doesn’t end there!  Articulation agreements with Sheridan, Emily Carr, Nipissing, Wayne State, and OCAD University remove barriers for artistic growth and provide pathways for Fleming Graduates who wish to continue to grow and flourish as artists and in related art fields.

Even the youngest of students get the opportunity to explore their creative options by attending HSTA. In the spring of 2011, students from an area high school visited for a day of immersion into glassblowing under the tutelage of qualified artist faculty. The chance to explore glassblowing at such a young age is an incredible experience for younger students and will feed the fire of further glass explorations.

Summer never sleeps at HSTA.  Up to 3500 students attend 350 summer week-long courses in just six weeks. The glass-related courses run with waiting lists and can range from Iron & Glass Collaborations, Glassblowing I and II, Glassblowing Style & Form, as well as Beadworking and one-day workshops.  Workshops provide an opportunity for the sceptical to attend and explore without a full week commitment.  Registration must be done as early as possible after March 1st to ensure a spot in these high demand courses.  Glassblowing continues to be one of the more popular choices for residents, seasonal visitors and tourists alike with many of the 2011 programs running close to or at capacity.

The Glassblowing programs are delivered in small class sizes and taught by successful artists like Andy Kuntz, Sheila Mahut, Terry Craig, Sue Rankin, Paulus Tjiang, Tanya Lyons, and Brad Sherwood.  Students delve into the opportunity of being mentored by real working artists and capturing various artistic perspectives that can be applied to their own success. Visit hsta.ca for more information.

 

Soufflage de verre à l’Ecole des Arts d’Haliburton

 

Elisha Barlow

 

 

Le soufflage de verre est toujours très demandé à l’Ecole des Arts d’Haliburton (HSTA)! HSTA est connue pour son excellent programme et ses ateliers de soufflage entièrement équipés du matériel dernier cri et donnant vue sur la forêt de Glebe à Haliburton en Ontario. Des diplômes, des cours durant une semaine entière et des ateliers d’une journée se sont ouverts aux étudiants venus de tout le Canada et des Etats-Unis qui ont apprécié les nombreuses heures d’exploration artistique dans ce paradis de la créativité.

 

En 2011, le Diplôme de Soufflage de Verre continue de tourner à plein régime et est accordé chaque année de Janvier à Avril. Etudiants jeunes ou adultes viennent explorer les procédés de design et de fabrication du verre artistique. L’atelier verrier fourni l’environnement parfait aux étudiants pour s’immerger dans la manipulation et l’exploration du verre à chaud. Le design, la théorie des couleurs, le dessin et l’histoire de l’art pour le verre collaborent à créer une base solide pour l’exploration du soufflage de verre ainsi que pour les techniques de travail du verre à froid. Un cours de création de portefeuille complète le programme, pour que les étudiants aient les techniques nécessaires afin de poursuivre leurs études ou leur apprentissage. Ravis de pouvoir couvrir deux semestres de cours en à peine 15 semaines, les étudiants s’immergent dans le monde du verre à chaud avec enthousiasme. Beaucoup ont prévu de revenir pour obtenir des diplômes supplémentaires dans les domaines de la Ferronnerie, des Céramiques, du Dessin et de la Peinture, de la Photographie, de l’Art du Textile, de l’Orfèvrerie, de la Sculpture et/ou de l’Infographie.

 

Les étudiants qui souhaitent poursuivre leur études peuvent s’inscrire au cours plein temps pour obtenir un Diplôme en Arts Visuels et Créatifs (VCAD) dans lequel ils peuvent utiliser leur certificat en soufflage de verre pour gagner des crédits dans les options de spécialisation. Pour beaucoup d’étudiants, cela va leur fournir un diplôme des Beaux Arts pour seulement 12 mois d’études en 2 ans. Et l’apprentissage ne s’arrête pas là! Des accords parallèles avec Sheridan, Emily Carr, Nipissing, Wayne State et l’université OCAD font sauter les barrières du perfectionnement croissance artistique et fournissent des passages pour les diplômés de Fleming qui souhaitent approfondir et devenir des artistes dans leur domaine de prédilection.

 

Même le plus jeune des étudiants a l’occasion d’explorer ses possibilités de créativité en venant au HSTA. Au printemps 2011, les étudiants d’un lycée non loin sont venus faire une journée d’immersion dans le soufflage de verre sous la tutelle d’artistes qualifiés. La chance de pouvoir découvrir le soufflage de verre étant jeune est une expérience incroyable pour les étudiants les plus jeunes et va donner envie d’en savoir d’avantage sur le verre.

 

L’été ne dort jamais au HSTA. En 6 semaines à peine, 3500 étudiants environ participent à des cours d’été d’une semaine. Les cours liés au verre ont une liste d’attente et sont répartis entre Collaboration Fer & Verre, Soufflage de Verre I et II, Soufflage de Verre Style & Forme, ainsi que la création de Perles de Verre et des ateliers d’une journée. Les ateliers sont l’occasion pour les sceptiques d’assister et de découvrir sans obligation de devoir s’engager pendant une semaine entière. L’inscription doit être faite le plus tôt possible après le 1er Mars pour s’assurer une place dans ces classes très demandées. Avec la plupart de ses cours tournant à plein régime ou presque, le soufflage de verre reste un des choix les plus populaires des résidants, visiteurs saisonniers et touristes confondus.

 

Les cours de soufflage de verre sont donnés dans des classes de petites tailles par des artistes brillants tels que Andy Kuntz, Sheila Mahut, Terry Craig, Sue Rankin, Paulus Tjiang, Tanya Lyons et Brad Sherwood. Les étudiants profitent d’être accompagnés par de véritables artistes de métier pour pouvoir saisir les perspectives artistiques variées qui pourraient s’appliquer à leur propre succès. Visitez hsta.ca pour plus d’informations.

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