Frontier / Patient Tyler Rock and Julia Reimer at Art Mur Gallery

June 1, 2010

Julia Reimer: Magician of Light

Text by James D. Campbell

Birdhouse photo: John Dean

Julia Reimer’s glass works wed refreshing simplicity with exquisite formal refinement. They possess a beguiling eloquence that is at once the product of her imagination and the landscape she grew up in. Her work is infused with a specifically Prairie light and have a reductive ethos. Seldom, if ever, baroque, her forms bespeak a stoicism that is more ecstatic than pragmatic. I mean, they have pure joy in them, even as they inspire reflection.

Reimer is a true savant when it comes to seductive forms that are imbued with a luminosity almost magical in its mien. This luminosity is inborn and reminds me of nephrite mutton fat carvings dating from the Chinese Qianlong Dynasty (the 1780s). But, notably and remarkably, her creations are made out of glass, not jade.

Furthermore, her works have a minimalist tendency very much in keeping with the landscape she knows best. She has often spoken of how her designs are directly inspired by the landscape of her childhood home in the foothills of the Rocky Mountains in southern Alberta. She has said: “That’s where I acquired an appreciation for the crisp prairie light, and the undulating hills and grasslands carved by wind and water that influence my artistic vision”. Born from nature, nurtured in memory, fired in the alembic of her imagination, her glass inventions are overwhelmingly seductive. So her stoicism also has its sensuous counterpart. She has said: “My love of the landscape has led to an aesthetic based on beautiful simplicity of form and light.” This aesthetic is wholly and uniquely her own. She is a magician in capturing light, and making the glass that its vessel and conduit modern in design and almost primordially tonal and expressive in material presence. Indeed, these phenomenal creations in blown glass find worthy antecedents in stark bronze Tibetan singing bowls and 14thcentury Vietnamese celadon glazed bowls.

It has been said that when Julia Reimer was first initiated into the craft of glass blowing, she instinctively knew she had discovered the ideal medium for expressing her creativity. She says, “I was always drawn to the muted luminescence of river ice on bright brisk days in winter. So when I had a chance to combine the essence of light, color and movement with a material, it was a perfect fit.” A perfect fit, indeed, for she has become the foremost magician of light working in the medium of glass.

Her original design sensibility and technical virtuosity have been recognized through several awards and scholarships and general acclaim, but is demonstrated, above all, in the works she is showing now at Art Mûr.

Texte de Nathalie Guimond

Clearnest photo: John Dean

Julia Reimer aime Martin Heidegger, surtout dans cette manière qu’il a de proposer que les oeuvres d’art entretiennent une double relation avec la nature : elles ne peuvent exister sans la matière et conservent toujours des propriétés physiques – la forme, la couleur.  Elles n’existent cependant pas simplement en et par la matière, puisqu’elles transcendent leur matérialité par une couche de sens fondamentale.

Dans ses oeuvres récentes, Reimer met en lumière cette mécanique du contraste entre le désir humain de contrôler son environnement par l’entremise de la machine et l’indomptable force de régénération de la nature. Par l’intercession du verre, Reimer explore l’illusion de contrôle de l’humain sur le monde, la métamorphose du paysage, la tension inhérente à cette relation et la beauté inaltérable qui résiste néanmoins au refaçonnage humain.

La matière

Le verre est fabriqué à partir de sable, de soude et de chaux, qu’on chauffe à une température élevée pour rendre le mélange liquide.  On manipule ensuite ce dernier quand il est malléable pour lui donner la forme voulue, qu’il conserve en refroidissant. La recette n’a pas bien changé au fil des siècles, mais la chimie en a raffiné les techniques : l’ajout de potasse et de plomb améliore la qualité du verre, le cobalt, le souffre et d’autres minéraux lui donnent des couleurs ; les possibilités sont grandes. Julia Reimer le souffle et le sculpte en des formes organiques et le combine à d’autres matériaux comme l’acier, la pierre, le bois et le béton. Ses objets sculpturaux témoignent de la grande flexibilité du médium et donnent naissance à des herbes, des nids, des petites choses aquatiques et aériennes, presque des colonies de créatures, parfois. Entre fluidité, opacité, légèreté, unicité et accumulation, il se crée un espace où se conjuguent, tout en délicatesse, des traces d’un monde qu’il faut apprendre à regarder avec des yeux neufs.

La patience

L’idée derrière ce corpus d’oeuvres est tirée d’un souvenir d’enfance, où la petite Julia rendait visite à son père travaillant sur un puits de pétrole dans les prairies d’Alberta. L’immensité des gisements et les jeux d’exploration parmi les granges abandonnées et les bâtiments de fermes ont créés une impression persistante dans son esprit. Tandis que la force furieuse des machines était à l’oeuvre, la nature reprenait néanmoins ses droits sur les efforts des humains : l’herbe qui pousse entre les fentes du béton, dans les fondations des bâtiments, l’érosion du vent, le bois retournant à la terre. L’esthétique de Julia Reimer est née de la fraîcheur de la lumière sur les douces collines et les prairies battues par les vents.

Pour Reimer, le verre était le matériau tout indiqué pour explorer cette idée du paysage canadien transformé par le développement industriel. La qualité virginale du verre et sa fragilité transmettent le sens de cette tension qu’elle cherche à illustrer. Les pièces de la série L’Attente sont des modélisations de ces changements de notre environnement et surtout, de la lente et patiente résilience des choses vivantes.

Julia Reimer a grandi et vit toujours dans une petite ville des prairies albertaines. Après avoir étudié le verre soufflé et le design dans des établissements

scolaires traditionnels, elle a poursuivi ses recherches par des voyages d’études en Écosse, aux États-Unis, en Espagne, en France, en

Hongrie et au Japon. Lauréate de plusieurs prix d’excellence, elle a fondé le Firebrand Glass Studio avec son mari Tyler Rock.

Suspended Stories: Tyler Rock and Almighty Voice

Text by Amber Berson

17 Voices photo: Andrew Gene

It is often easier to understand history as a clear and simple division between right and wrong, good and evil, black and white. Tyler Rock’s latest series Frontier challenges the viewer to consider the shades of grey contained within a particular historical event – specifically the ‘Almighty Voice’ incident, which refers to a young Cree man’s struggle with the North-West Mounted Police in Saskatchewan in 1893. Almighty Voice supposedly butchered a stray cow without a permit to feed his family and was arrested. Believing he was to be hung, Almighty Voice escaped from jail, eventually shot and killed an officer searching for him and became involved in one of the biggest manhunts in early Canadian history. Diverging versions of the story continue to divide communities, although all agree that the incident had a major impact on the Riel Rebellion and the shaping of Saskatchewan. It is a history always being retold, pivoting between readings of the same story.

Rock’s work – representing a personal interpretation of the story – aims to highlight the parts of history open to discussion. His glass works act as bridges between the present and the past; presenting a glimpse into a history with which we otherwise have no direct connection. And as with all objects, we are impelled to apply interpretive readings to his works, to reshape the histories to meet our needs. However, Frontier is meant only to illustrate a point of view in a much larger story. Rock’s work is neither confrontation nor translation; the artist refuses to tell us which story to believe. Instead, Rock has created a snapshot of a moment that has come to partially represent the history of a place.

Rock constructs objects imbued with history that become mementos in their own right. Through reinterpretation of the events, Rock’s Frontier series positions the artist as storyteller. Rock shifts the reading of history to reflect the way a small incident between two communities has left a permanent scar on place. Confirming that locations and national histories affect personal identity, Frontier is as much an imagining of all the untold moments of the ‘Almighty Voice incident’ as it is a manifestation of Rock’s own relationship to his past. Literally suspending a moment in the story, Frontier is not the story of Almighty Voice or of his impact on Saskatchewan history. It is one artist’s illustration of a moment in history that is as much about the narrator as it is about the narrative.

1895-1897 : L’incident d’Almighty Voice

Texte de Anne-Marie St-Jean Aubre

Frontier photo: Andrew Gene

Longtemps accolé au domaine de l’artisanat, le verre n’est pourtant pas absent en art contemporain. Simplement, on le trouve plus souvent comme matériau approprié que comme médium travaillé par les oeuvres. C’est que produire une oeuvre d’art en verre demande de l’artiste bien plus qu’un concept à transposer; façonner le verre exige inévitablement de lui la maîtrise d’un savoir-faire technique rappelant la proximité entre l’ouvrage de l’artiste et celui de l’artisan. Les frontières entre art et décoratif d’une part, et art et design d’autre part étant plutôt floues, deux pièges guettent la verrerie d’art. Lorsque l’objet en verre ne semble répondre qu’à une exigence esthétique, il risque d’être qualifié de décoratif et d’être associé à la sphère des métiers d’art – où la maîtrise technique est ce qui est valorisé. De l’autre côté, lorsque cette part d’esthétisme est orientée par un concept, l’objet en verre risque d’être rapproché de l’univers du design, où la nécessité de répondre à un besoin préalablement identifié s’ajoute au savoir-faire technique et ce, dans l’optique du fonctionnalisme. Comment reconnaître alors l’oeuvre d’art en verre? Selon Helmut Ricke, directeur de collections au Museum Kunst Palast à Düsseldorf : « La ligne de démarcation [entre art et artisanat d’art] continue à se situer là où le matériau, loin de se limiter à la représentation de la matière même et de sa fascination propre, est mis au service d’un concept artistique1. »

Artiste de l’ouest canadien, Tyler Rock enseigne au Collège d’art et de design de l’Alberta depuis plusieurs années. Délaissant son travail formel découlant d’une étude de la tradition esthétique du récipient, Rock adopte une approche résolument plus conceptuelle avec sa série Almighty Voice. L’inspiration derrière ces nouvelles oeuvres est un incident historique qui eût lieu à la fin du 19e siècle près de l’endroit où l’artiste grandit en Saskatchewan. Il impliquait Almighty Voice, un Amérindien arrêté injustement pour avoir tué un boeuf ne lui appartenant pas, et la gendarmerie royale du Canada. Retrouvé par le sergent Colebrook quelques jours après s’être échappé de sa cellule, Voice tua par balle le policier. En cavale durant plusieurs mois, il fut tué à son tour lors d’une embuscade près de la réserve One Arrow en 18972.

Employant le verre non pas pour ses propriétés intrinsèques mais comme médium apte à matérialiser sa réflexion sur la construction de l’Histoire, Rock propose une série de cloches de verre abritant de petites natures mortes composées de branches d’arbre et de pieces de verre, notamment une tête d’oiseau rappelant la grue, le pictogramme de la nation des Sauteux des plaines (à laquelle appartenait le père d’Almighty Voice). Sortis de leur contexte et préservés sous une cloche, ces objets en évoquent d’autres, des artefacts et reliques précieusement conservés en tant que traces authentiques légitimant le déroulement d’un passé auquel nous n’avons plus accès. Comme le souligne Tyler Rock, l’Histoire officielle, un tracé linéaire départageant le noir du blanc, ne rend souvent compte que d’un point de vue tranché sur un événement autrement plus nuancé3. Elle est écrite à partir de faits, de témoignages mais aussi d’objets appelés à jouer le rôle d’artefacts culturels. Ni fonctionnelles ni uniquement esthétiques, les sculptures en verre soufflé proposées par Tyler Rock rendent compte de la vision du monde de l’artiste, qui adopte ici une position critique quant à l’apparente transparence des discours historiques.

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